Josef Albers en De Interactie van Kleur

Gedurende de geschiedenis van het modernisme heeft een voortdurende conversatie tussen kunstenaars geprobeerd te bepalen wat het belangrijkste element van schilderkunst is. Sommigen zeggen vorm. Sommigen zeggen lijn. Sommigen zeggen oppervlak. Sommigen zeggen onderwerp. Door zijn kunst, zijn schrijven en zijn zeer invloedrijke onderwijsposities heeft Josef Albers bijna zijn hele carrière gewijd aan het verkennen van de stelling dat het belangrijkste element in schilderkunst kleur is. Zijn onderzoek beïnvloedde het minimalisme, kleurveld schilders, abstract expressionisme, op-art en blijft een nieuwe generatie abstracte kunstenaars inspireren. Hoewel Albers in 1976 overleed, wordt zijn baanbrekende boek over het onderwerp, The Interaction of Color, nog steeds beschouwd als de belangrijkste tekst voor jonge kunstenaars om te lezen wanneer ze proberen de ingewikkelde manieren waarop menselijke ogen kleur waarnemen te begrijpen.

Josef Albers en de Bauhaus

Albers werd geboren in 1888 en hij was een opvoeder voordat hij een professionele kunstenaar werd. Hij begon zijn carrière met het lesgeven in een algemene studieklas aan basisschoolleerlingen in de kleine Duitse stad waar hij opgroeide. In 1919 opende de Bauhaus in Weimar, Duitsland, en bood een opleiding aan die nog nooit eerder was aangeboden. De oprichters van de Bauhaus hadden de bedoeling dat het een plek zou zijn waar kunstenaars en ontwerpers samen zouden trainen in de zoektocht naar het ontwikkelen van een perspectief op totale kunst. Albers schreef zich het jaar daarop, in 1920, in de Bauhaus in, toen hij 32 jaar oud was. Vijf jaar later werd hij de eerste student die werd uitgenodigd om als Master-instructeur bij de Bauhaus te komen.

Josef Albers - Studie voor Tenayuca, 1940, Potlood op papier, 6 × 11 ½ in., Collectie SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Tijdens zijn tijd aan de Bauhaus formuleerde Albers zijn visie niet alleen op het creëren van kunst, maar ook op het onderwijzen van kunst. Hoewel hij persoonlijk sterk gefocust was op techniek, realiseerde hij zich dat hij zijn lestijd niet zou besteden aan het onderwijzen van techniek. In plaats daarvan besloot hij zich te concentreren op het onderwijzen van een manier van denken over kunst. Hij hanteerde een doordachte, wetenschappelijke benadering van zijn kunst, en hij geloofde dat het belangrijkste was om studenten een manier te geven om de wereld anders te zien dan ze die eerder hadden gezien. Zijn uitgesproken doel als docent was "ogen te openen."

Toen de Nazi-druk in 1933 de Bauhaus sloot, kwam Albers naar Amerika en gaf les aan het nieuw geopende Black Mountain College in North Carolina. In 1950 verliet hij die positie en ging hij de ontwerpafdeling aan Yale leiden. Onderweg waren zijn studenten onder anderen enkele van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw, waaronder Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Eva Hesse en Cy Twombly.

Josef Albers -Tenayuca, 1943, Olie op masoniet, 22 ½ x 43 ½ in., Collectie SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

De Interactie van Kleur

Een van de kritiekpunten die veel kunstenaars, critici en kijkers op Albers hebben geuit, is dat zijn werk onpersoonlijk lijkt. De reden hiervoor heeft ongetwijfeld te maken met Albers' wetenschappelijke benadering van zijn kunst. Bijvoorbeeld, op de achterkant van veel van zijn werken schrijft hij in detail de exacte kleuren die het stuk gebruikt. Maar er is ook een grote diepte van emotie en een goede dosis psychologie aanwezig in Albers' werk. Albers was geïnteresseerd in de manier waarop kleuren met elkaar interageerden, en het effect dat die interactie had op de menselijke waarneming. Een van de belangrijkste ontdekkingen die hij deed, is dat mensen gemakkelijk vatbaar zijn voor illusie, iets dat hij als gemakkelijk te demonstreren beschouwde door middel van zijn kunst.

In 1963, terwijl hij aan Yale was, schreef Albers een boek genaamd The Interaction of Color, dat in detail al zijn ontdekkingen over de manier waarop kleuren met elkaar interageren behandelde. Het boek bevat gedetailleerde lessen, experimenten en grafieken die uitleggen hoe bepaalde kleuren andere kleuren neutraliseren of veranderen, hoe licht de tint beïnvloedt, en hoe wat hij de "normale menselijke oog" noemde niet in staat was bepaalde kleurfenomenen te begrijpen vanwege de beperkingen van zijn waarnemingscapaciteiten. Als we dit boek op een conceptueel niveau beschouwen, net als zijn schilderijen, zijn de lessen niet zozeer over kleur, maar over het feit dat mensen beperkt zijn in wat ze kunnen waarnemen, en als kunstenaars die beperkingen kunnen begrijpen, kunnen ze mogelijk het waarnemingsbereik van degenen die hun werk tegenkomen uitbreiden.

Eerbetoon aan het Vierkant

Naast zijn geschriften over kleur, heeft Albers 27 jaar van zijn leven gewijd aan het creëren van een serie schilderijen genaamd Homage to the Square. Deze serie demonstreerde zijn kleurentheorie door een verkenning van verschillende gekleurde vierkanten. Door een enkele geometrische vorm keer op keer te gebruiken, kon hij het enorme scala aan perceptuele fenomenen onderzoeken die eenvoudig konden worden bereikt door verschillende kleuren binnen een beperkte reeks ruimtelijke composities naast elkaar te plaatsen.

Toen Albers in 1949 begon met het maken van zijn Homage to the Square schilderijen, negeerden zelfs kunstenaars ze grotendeels. De kunstwereld was op dat moment gedomineerd door monumentaal grote, gestural action paintings. Albers' schilderijen waren relatief zo klein en zo gecontroleerd. Ze waren ontworpen. Albers definieerde ontwerp ooit als: “plannen en organiseren, ordenen, relateren en beheersen. Kortom, het omvat alle middelen die tegen wanorde en toeval ingaan.” In een tijd waarin Abstract Expressionisme de dominante stijl was, waren ontworpen, schijnbaar emotieloze schilderijen als ketterij.

In de jaren 60 haalde de kunstwereld Albers in en werd hij net zo gerespecteerd als kunstenaar als hij al was als educator, schrijver en filosoof. Een deel van dat respect kwam voort uit een reeks opdrachten die hij ontving voor grootschalige openbare werken, sommige in de vorm van architectonische elementen en andere in de vorm van muurschilderingen. Een van de vroegste architectonische werken van Albers was een muur die hij creëerde voor het Harkness Commons Graduate Center van de Harvard Universiteit. Zijn muurschilderingen omvatten werken voor het Time and Life Building in het Rockefeller Center in New York, het Pan Am Center en het Corning Glass Building. In 1971, op 83-jarige leeftijd, werd Albers de eerste levende kunstenaar die werd geëerd met een solo-expositie in het Metropolitan Museum of Art in New York. 

Josef Albers - Baksteen, 1950, 71⁄2 × 8 ft, 2.3 × 2.5 m, Harkness Commons Graduate Center, Harvard University. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Een blijvende indruk

Vroeg in zijn eigen opleiding was Albers diep onder de indruk van de Impressionisten, vooral de Pointillisten, die de "indruk" van kleur onderzochten die werd gecreëerd wanneer complementaire kleuren naast elkaar in kleine stippen werden geplaatst in plaats van de kleuren van tevoren daadwerkelijk te mengen. In een gedicht geschreven voor een vriend over de gewoonte van mensen om de massa te volgen in plaats van zelf na te denken, schreef Albers ooit: "Iedereen voelt zijn plaats door zijn buurman." Net als een Impressionistisch schilderij van een afstand bekeken, zag Albers de samenleving als zoveel individuen die samenmixen om één gemeenschappelijk beeld te vormen.

Hij wijdde zijn leven aan het volgen van een unieke weg, zijn eigen visie isolerend en trouw blijvend aan die visie. Door te bestuderen wat hij leerde over hoe individuele kleuren elkaar beïnvloeden wanneer ze dicht bij elkaar zijn, en over de menselijke neiging om bedrogen te worden door illusie, kunnen we niet alleen zijn kunstwerken en zijn lessen over schilderen waarderen, maar ook iets fundamenteels over onszelf.

Uitgelichte afbeelding: Josef Albers - Portals, Time Life Building, 1961. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio