Josef Albers en De Interactie van Kleur

Door de geschiedenis van het modernisme heen heeft een voortdurende dialoog tussen kunstenaars geprobeerd te bepalen wat het belangrijkste element van schilderkunst is. Sommigen zeggen vorm. Anderen zeggen lijn. Weer anderen zeggen oppervlak. Sommigen zeggen onderwerp. Via zijn kunst, zijn geschriften en zijn zeer invloedrijke onderwijsfuncties wijdde Josef Albers bijna zijn hele loopbaan aan het onderzoeken van de stelling dat kleur het belangrijkste element in de schilderkunst is. Zijn onderzoek beïnvloedde het minimalisme, kleurvlakschilderkunst, abstract expressionisme, optische kunst en blijft een nieuwe generatie abstracte kunstenaars inspireren. Hoewel Albers in 1976 overleed, wordt zijn baanbrekende boek over het onderwerp, The Interaction of Color, nog steeds beschouwd als de belangrijkste tekst voor jonge kunstenaars die de ingewikkelde manieren willen begrijpen waarop het menselijk oog kleur waarneemt.

Josef Albers en het Bauhaus

Albers werd geboren in 1888 en was eerst onderwijzer voordat hij professioneel kunstenaar werd. Hij begon zijn loopbaan met het geven van een algemene studieklas aan basisschoolleerlingen in de buurt van het kleine Duitse stadje waar hij opgroeide. In 1919 opende het Bauhaus in Weimar, Duitsland, een opleiding die anders was dan alles wat daarvoor ooit was aangeboden. De oprichters van het Bauhaus wilden een plek creëren waar kunstenaars en ontwerpers samen zouden trainen in de zoektocht naar een totaalvisie op kunst. Albers schreef zich het jaar daarop, in 1920, in bij het Bauhaus, toen hij 32 jaar oud was. Vijf jaar later werd hij de eerste leerling die werd uitgenodigd om als meesterinstructeur aan het Bauhaus te komen werken.

Josef Albers - Studie voor Tenayuca, 1940, potlood op papier, 15 × 29 cm, Collectie SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Tijdens zijn tijd aan het Bauhaus ontwikkelde Albers niet alleen zijn visie op het maken van kunst, maar ook op het onderwijzen ervan. Hoewel hij persoonlijk sterk gericht was op techniek, realiseerde hij zich dat hij zijn lestijd niet aan het aanleren van techniek zou besteden. In plaats daarvan besloot hij zich te richten op het aanleren van een manier van denken over kunst. Hij hanteerde een bedachtzame, wetenschappelijke benadering van zijn kunst en geloofde dat het belangrijkste wat hij studenten kon meegeven was een manier om de wereld anders te zien dan ze daarvoor hadden gedaan. Zijn uitgesproken doel als docent was “ogen openen.”

Toen het Bauhaus in 1933 door nazi-druk werd gesloten, kwam Albers naar Amerika en gaf les aan het pas geopende Black Mountain College in North Carolina. In 1950 verliet hij die functie en werd hoofd van de ontwerpafdeling aan Yale. Onder zijn studenten bevonden zich verschillende die enkele van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw werden, waaronder Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Eva Hesse en Cy Twombly.

Josef Albers - Tenayuca, 1943, olie op masoniet, 57 × 110 cm, Collectie SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

The Interaction of Color

Een van de kritiekpunten die veel kunstenaars, critici en kijkers op Albers hadden, is dat zijn werk onpersoonlijk lijkt. De reden hiervoor heeft ongetwijfeld te maken met Albers’ wetenschappelijke benadering van zijn kunst. Zo schrijft hij bijvoorbeeld op de achterkant van veel van zijn werken in detail de exacte kleuren die het werk gebruikt. Maar er is ook een grote diepgang aan emotie en een flinke dosis psychologie aanwezig in Albers’ werk. Albers was geïnteresseerd in de manier waarop kleuren met elkaar interacteren en het effect dat die interactie heeft op de menselijke waarneming. Een van zijn belangrijkste ontdekkingen is dat mensen gemakkelijk vatbaar zijn voor illusies, iets wat hij via zijn kunst gemakkelijk aantoonbaar vond.

In 1963 schreef Albers, terwijl hij aan Yale werkte, een boek genaamd The Interaction of Color, waarin hij in nauwkeurige details al zijn ontdekkingen over de manier waarop kleuren met elkaar interacteren beschreef. Het boek bevat gedetailleerde lessen, experimenten en afbeeldingen die uitleggen hoe bepaalde kleuren andere kleuren neutraliseren of veranderen, hoe licht de tint beïnvloedt en hoe het zogenaamde “normale menselijke oog” bepaalde kleurverschijnselen niet kan waarnemen vanwege de beperkingen van zijn waarnemingsvermogen. Als we dit boek op een conceptueel niveau bekijken, net als zijn schilderijen, gaan de lessen niet zozeer over kleur, maar over het feit dat mensen beperkt zijn in wat ze kunnen waarnemen, en dat kunstenaars, als ze die beperkingen begrijpen, mogelijk het waarnemingsbereik van degenen die hun werk zien kunnen vergroten.

Eerbetoon aan het Vierkant

Naast zijn geschriften over kleur wijdde Albers 27 jaar van zijn leven aan het maken van een serie schilderijen genaamd Homage to the Square. Deze serie toonde zijn kleurentheorie door een verkenning van verschillende gekleurde vierkanten. Door steeds dezelfde geometrische vorm te gebruiken, kon hij het enorme scala aan waarnemingsverschijnselen onderzoeken die bereikt konden worden door verschillende kleuren naast elkaar te plaatsen binnen een beperkt aantal ruimtelijke composities.

Toen Albers in 1949 begon met het maken van zijn Homage to the Square-schilderijen, werden ze door kunstenaars grotendeels genegeerd. De kunstwereld werd toen gedomineerd door monumentale, expressieve actie-schilderijen. Albers’ schilderijen waren relatief klein en zo beheerst. Ze waren ontworpen. Albers definieerde ontwerp ooit als “plannen en organiseren, ordenen, verbinden en beheersen. Kortom, het omvat alle middelen die wanorde en toeval tegengaan.” In een tijd waarin abstract expressionisme de overheersende stijl was, waren ontworpen, schijnbaar emotieloze schilderijen bijna ketterij.

In de jaren zestig haalde de kunstwereld Albers in en werd hij als kunstenaar net zo gerespecteerd als hij al was als docent, schrijver en filosoof. Een deel van dat respect kwam voort uit een reeks opdrachten voor grootschalige openbare werken, sommige in de vorm van architectonische elementen en andere als muurschilderingen. Een van de vroegste architectonische werken van Albers was een wand die hij maakte voor het Harkness Commons Graduate Center van Harvard University. Zijn muurschilderingen omvatten werken voor het Time and Life Building in het Rockefeller Center in New York, het Pan Am Center en het Corning Glass Building. In 1971, op 83-jarige leeftijd, werd Albers de eerste levende kunstenaar die werd geëerd met een solotentoonstelling in het Metropolitan Museum of Art in New York.

Josef Albers - Brick, 1950, 2,3 × 2,5 m, Harkness Commons Graduate Center, Harvard University. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Een blijvende indruk

Vroeg in zijn opleiding raakte Albers diep onder de indruk van de impressionisten, vooral de pointillisten, die de “indruk” van kleur onderzochten die ontstaat wanneer complementaire kleuren naast elkaar in kleine stippen worden geplaatst in plaats van de kleuren vooraf te mengen. In een gedicht aan een vriend over de gewoonte van mensen om de massa te volgen in plaats van zelf na te denken, schreef Albers ooit: “Iedereen voelt zijn plaats via zijn buur.” Zoals een impressionistisch schilderij van een afstand bekeken, zag Albers de samenleving als vele individuen die samen één gemeenschappelijk beeld vormen.

Hij wijdde zijn leven aan het volgen van een unieke weg, het isoleren van zijn eigen visie en daar trouw aan blijven. Door te bestuderen wat hij leerde over hoe individuele kleuren elkaar beïnvloeden als ze dicht bij elkaar zijn, en over het vermogen van mensen om door illusies te worden misleid, kunnen we niet alleen zijn kunst en zijn lessen over schilderen waarderen, maar ook iets fundamenteels over onszelf.

Uitgelichte afbeelding: Josef Albers - Portals, Time Life Building, 1961. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio