Frank Stella - de Kunst van het Object

Velen betreuren de schijnbare naderende ondergang van gedrukte boeken. Maar de functie van boeken is het vertellen van verhalen, en blijkbaar vertellen schermen en onstoffelijke stemmen verhalen net zo goed. Aangezien boeken als voorwerpen nooit los zijn gezien van hun rol als verhalenverteller, hebben ze hun nut overleefd. Dankzij Frank Stella zal kunst niet hetzelfde lot ondergaan. Stella scheidde kunst van haar verhalende doel. In plaats van schilderkunst en beeldhouwkunst te laten functioneren zoals ze eeuwenlang hadden gedaan als dragers van illusie, speelde Stella een sleutelrol in het herdefiniëren van kunst, waarbij hij haar een objectieve betekenis en doel gaf. Door zijn esthetische creaties toonde Stella aan dat een kunstvoorwerp waardig is om te overwegen, niet vanwege het verhaal dat het zou kunnen vertellen of de interpretatie die het zou kunnen bijdragen, maar vanwege zijn eigen formele esthetische kwaliteiten en de voldoening die deze kunnen bieden.

Frank Stella Kunst versus Abstract Expressionisme

Als de jonge Frank Stella beter gezond was geweest, was hij misschien nooit een beroemde kunstenaar geworden. Na zijn afstuderen aan Princeton werd Stella opgeroepen om in Vietnam te vechten. Maar hij slaagde niet voor zijn medische keuring. Dus in plaats van echte gevechten in het buitenland aan te gaan, voegde hij zich bij de culturele strijd in zijn vaderland, strijdend tegen de heersende kunststroming van die tijd: Abstract Expressionisme. Over de Abstract Expressionisten zei Stella: “(Zij) vonden altijd dat het afronden van een schilderij erg problematisch was. Wij zouden eerder zeggen dat onze schilderijen af waren en zeggen, nou, het is ofwel een mislukking of niet, in plaats van te zeggen, nou, misschien is het niet echt af.”

Stella vond dat Abstract Expressionistische kunstenaars en hun bewonderaars “menselijke” eigenschappen aan kunst toeschreven, wat betekent dat ze meer zochten in de kunst dan wat er objectief aanwezig was. Zeker had hij gelijk dat veel abstracte kunstenaars toen, net als nu, openlijk geloven dat hun werk openstaat voor interpretatie. Voor veel abstracte kunstenaars is dat juist het punt. Ze bieden hun werken zelfs aan als totems, of als transcendentale middelen die gebruikt kunnen worden in de zoektocht naar verhoogde ervaringen. In feite halen veel kunstliefhebbers enorme voldoening uit het interpreteren van wat abstracte schilderijen mogelijk zouden kunnen betekenen. Maar Stella wilde niet dat dit soort interactie plaatsvond tussen zijn werk en de kijkers, wat hem ertoe bracht zijn beroemdste uitspraak over zijn kunst te doen: “Mijn schilderij is gebaseerd op het feit dat alleen dat wat daar te zien is, er ook is. Het is echt een voorwerp. Wat je ziet, is wat je ziet.”

Frank Stella - Het Huwelijk van Rede en Armoede, II, 1959, Emailverf op doek, 91 x 133 inch. © Frank Stella

Stella’s Twee Problemen

Het eerste probleem dat Stella identificeerde met zijn wens om schilderkunst terug te brengen tot haar objectieve essentie, was om precies te ontdekken wat een schilderij is. Om hem te volgen in zijn redenering is het nuttig eerst te bepalen wat hij vond dat een schilderij niet is. Hij vond dat een schilderij geen drager van een verhaal mocht zijn. Ook mocht het geen arena zijn om drama of illusie te tonen of te ervaren. Wat moest een schilderij volgens Stella dan wel zijn? Het moest een oppervlak zijn bedekt met verf. Het moest een verzameling onderdelen zijn, waaronder de drager van het oppervlak, het oppervlak zelf, de middelen die het oppervlak aan de drager verbinden, de middelen die het totale voorwerp aan de muur of de vloer bevestigen, en natuurlijk het medium.

Toen Stella begreep dat een schilderij voor hem een voorwerp was, en niets meer, was zijn volgende probleem te bepalen hoe hij er een moest maken. Die tweede vraag heeft hij herhaaldelijk geprobeerd te beantwoorden gedurende zijn carrière, en op verschillende manieren aangepakt. Nog steeds actief in zijn tachtigste levensjaar, heeft Stella voortdurend gezocht naar nieuwe methoden om schilderijen te maken. Hij maakte schilderijen op traditionele, rechthoekige doeken, schilderijen op doeken met verschillende vormen, muurschilderingen, prenten, driedimensionale reliëfschilderijen en schilderijen die velen als beeldhouwwerken zouden omschrijven.

Hoewel sommige van Stella’s werken lijken te passen binnen de traditionele definitie van beeldhouwkunst, vindt Stella dat onderscheid irrelevant. Hij heeft opgemerkt dat beeldhouwwerken slechts schilderijen zijn die van de muur zijn gehaald en op de grond zijn gezet. Zijn zogenaamde sculpturale werken zijn oppervlakken bedekt met medium bevestigd aan dragers, net als zijn schilderijen. Door deze kritische houding dwingt Stella ons na te denken over waarom schilderijen precies worden gedefinieerd als dingen die aan een muur moeten hangen. Net als vele andere conceptuele leiders begrijpt Stella schilderkunst en beeldhouwkunst als hetzelfde, alleen anders tentoongesteld.

Frank Stella - La Pena de Hu, 1987-2009, Gemengde technieken op geëtst magnesium, aluminium en glasvezel. © Frank Stella

Het Doel van Geometrie

Terwijl Stella op zoek was naar manieren om schilderijen te maken zonder emotie, verhaal of drama, voelde hij zich aangetrokken tot patronen en herhaling. Geometrische symmetrie was nuttig voor hem omdat, zoals hij zei, het “dwingt illusoir ruimte uit het schilderij op vaste intervallen te verdwijnen door gebruik te maken van een gereguleerd patroon.” Hij vertrouwde op deze eenvoudige aanpak om enkele van zijn vroegste en meest geliefde werken te maken, zijn iconische “zwarte schilderijen,” zoals Het Huwelijk van Rede en Armoede, II. Deze werken toonden afgevlakte oppervlakken volledig bedekt met zwarte verf met de toevoeging van geometrisch symmetrische witte lijnen.

Stella’s Zwarte Schilderijen maakten hem onmiddellijk beroemd toen ze voor het eerst werden getoond. Ze waren niet de eerste grotendeels zwarte abstracte schilderijen in de geschiedenis van de modernistische kunst. Ze waren ook niet de eerste geometrische abstracte werken, of de eerste schilderijen met een vlak oppervlak. Wat ze baanbrekend maakte was hun volstrekt objectieve aanwezigheid. Ze stonden niet open voor enige vorm van interpretatie. Er was geen inhoud. Ze waren simpelweg esthetische voorwerpen, die vroegen om beoordeeld te worden op hun eigen formele, objectieve kwaliteiten. In plaats van transcendentie te ervaren door iets verborgen in het schilderij of door een interpretatief element in het werk, kwam de enige transcendente ervaring die Stella voor kijkers van deze schilderijen bedoelde voort uit de psychologische verlichting van het mogen omgaan met een esthetisch voorwerp op zijn eigen voorwaarden.

Frank Stella - Harran II, 1967, Polymeer en fluorescerende verf op doek, 120 × 240 inch. © Frank Stella

Een Leven Lang Experimenteren

Na beroemd te zijn geworden in de jaren 50 met zijn Zwarte Schilderijen, voegde Stella een levendig kleurenpalet toe aan zijn werken en begon hij zijn doeken te vormen om geschilderde vormen te kunnen creëren zonder ongebruikt oppervlak. In de daaropvolgende decennia bleef hij de grenzen van esthetische ruimte uitdagen, door schilderijen te maken die driedimensionale werkelijkheid presenteerden als een tastbare, objectieve zaak in plaats van een illusie.

Hoewel Stella’s uitgebreide en veelzijdige oeuvre zich vele malen heeft ontwikkeld, weerspiegelt het altijd zijn kernopvatting van kunst als voorwerp. Zijn inspanningen hebben een grote invloed gehad op stromingen zo uiteenlopend als Post-Schilderachtige Abstractie, Minimalisme, Pop Art en Optische Kunst. De erfenis van zijn denken is dat we de kostbare essentie kennen van het fysiek aanwezig zijn bij een uniek kunstwerk. Een foto van een werk van Stella is onvoldoende. Alleen het voorwerp zelf volstaat. Of we het werk mooi vinden of niet is onbelangrijk. Het werk zelf is onmiskenbaar.

Uitgelichte afbeelding: Frank Stella - Jill, 1959, Email op doek, 90 x 78 inch. © Frank Stella
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio