Abstracte Sculptuur - De Taal van het Volle en het Lege

Sinds de vroegste dagen van het modernisme zijn er vragen gesteld over de aard van, en het verschil tussen, tweedimensionale en driedimensionale abstracte kunst. In het eerste decennium van de 20e eeuw stelde Constantin Brancusi de fundamentele vraag wat abstracte sculptuur moest overbrengen: het beeld van een onderwerp of de essentie ervan? In het volgende decennium bewees Pablo Picasso dat een sculptuur niet hoefde te worden gehakt, gemodelleerd of gegoten: het kon worden samengesteld. In het decennium daarna toonde Alexander Calder aan dat sculptuur kon bewegen. En nog tientallen jaren later, in verwijzing naar zijn cross-disciplinaire werken, bood Donald Judd "Specifieke Objecten" aan als een alternatief voor de woorden schilderkunst en sculptuur. Hoewel het onderwerp verschillende boeken zou kunnen vullen, bieden we u vandaag een beknopte, toegegeven sterk ingekorte tijdlijn van enkele hoogtepunten uit de geschiedenis van abstracte sculptuur.

De Vader van de Abstracte Beeldhouwkunst

Constantin Brâncusi werd geboren in Roemenië in 1876, toen het universum van de Europese beeldende kunst in wezen bestond uit schilderkunst en beeldhouwkunst, en beide waren bijna volledig figuratief. Hoewel de geleidelijke evolutie naar abstractie was begonnen, waren er nog maar weinig professionele kunstenaars die dapper genoeg waren om pure abstractie te proberen, of zelfs om te definiëren wat dat precies betekende. Brâncusi's eerste ervaring met beeldhouwen was volkomen praktisch, hij hakte landbouwgereedschap uit om te gebruiken als kinderarbeider. Zelfs toen hij uiteindelijk naar de kunstacademie ging, werd hij klassiek opgeleid. Maar toen Brâncusi in 1903 Roemenië verliet en uiteindelijk in Parijs aankwam, raakte hij betrokken bij het modernistische gesprek. Hij stemde enthousiast in met de ideeën die over abstractie circuleerden en concludeerde al snel dat het moderne doel van beeldhouwkunst was om "niet de uiterlijke vorm maar het idee, de essentie van dingen" te presenteren.

In 1913 werden enkele van Brâncusi's vroege abstracte sculpturen tentoongesteld in New York City als onderdeel van de Armory Show van dat jaar, de tentoonstelling die grotendeels verantwoordelijk was voor de introductie van de modernistische kunst in de VS. Critici bespotten publiekelijk zijn sculptuur Portret van Mademoiselle Pogany omdat deze, onder andere, op een ei leek. Dertien jaar later zou Brâncusi de laatste lach hebben om de Amerikanen toen een van zijn sculpturen ervoor zorgde dat de Amerikaanse federale wet werd gewijzigd. Dit gebeurde toen een verzamelaar een van Brâncusi's vogelsculpturen kocht en probeerde deze naar de VS te verzenden, die op geen enkele manier op vogels leek, maar eerder de vlucht vertegenwoordigde. In plaats van de abstracte sculptuur als kunst vrij te stellen, rekenden de douaneambtenaren de verzamelaar een invoerbelasting aan. De verzamelaar klaagde en won, wat resulteerde in een officiële verklaring van de Amerikaanse rechtbanken dat iets niet representatief hoefde te zijn om als kunst te worden beschouwd.

Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (Left) and Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912 (Right), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso en de Kunst van Assemblage

Pablo Picasso was een andere vitale vroege pionier op het gebied van abstracte sculptuur, hoewel hij misschien niet de bedoeling had om dat te zijn. Rond 1912 begon Picasso zijn ideeën over het kubisme uit te breiden naar de driedimensionale sfeer. Hij begon met het maken van collages, die door hun gelaagde oppervlak en het gebruik van gevonden materialen en objecten in plaats van verf al een soort driedimensionale kwaliteit hadden. Vervolgens vertaalde hij het idee van collage naar de volledige driedimensionale ruimte door echte objecten, vooral gitaren, samen te stellen uit materialen zoals karton, hout, metaal en draad.

Traditioneel resulteerde sculptuur uit ofwel een mal, of uit het vormen van massa zoals klei, of uit een soort reductief proces zoals beeldhouwen. Picasso had die traditie onbedoeld uitgedaagd door een sculpturaal item te creëren door het samenstellen van verschillende stukken gevonden materialen tot een vorm. Bovendien blies hij de geest van mensen door deze assemblage aan de muur te hangen in plaats van op een voetstuk te zetten. Kunstkijkers waren verbijsterd en zelfs verontwaardigd door Picasso's gitaren, en vroegen zich af of het schilderijen of sculpturen waren. Picasso volhardde dat ze geen van beide waren, en zei: “Het is niets, het is de gitaar!” Maar of hij het nu bedoeld had of niet, hij had de fundamentele definitie van sculptuur uitgedaagd en een van de langstlopende debatten over abstracte kunst gestart.

Pablo Picasso - Cardboard Guitar Construction, 1913, MoMA

Kant-en-klaar

Even revolutionair als kunstenaars zoals Picasso en Brâncusi misschien leken voor kunstkijkers in hun tijd, is het interessant op te merken dat 1913 ook het jaar is waarin de Dadaïst kunstenaar Marcel Duchamp de term "readymade" toe-eigende om kunstwerken aan te duiden die bestonden uit gevonden voorwerpen, ondertekend en tentoongesteld door een kunstenaar als hun werk. Volgens Duchamp konden gewone voorwerpen "verheven worden tot de waardigheid van een kunstwerk door de loutere keuze van een kunstenaar." In 1917 exposeerde Duchamp Fountain, misschien zijn meest beroemde readymade, bestaande uit een urinoir dat op zijn zij was geplaatst en ondertekend met "R. Mutt."

Duchamp had created Fountain for submission to the first exhibition of New York’s Society of Independent Artists, which was heralded as a completely open show of contemporary art, with no juries and no prizes. The work was bizarrely rejected from the show, causing uproar in the art community since the whole point of the exhibition was not to pass judgment on the work. The Society’s board issued a statement about Fountain that said, “het is, bij geen enkele definitie, een kunstwerk.” Nonetheless, the work went on to inspire generations of creatives to come.

Een kopie gemaakt in 1964 van Duchamp's originele Fontein uit 1917

Faktura en Tektonika

In 1921 ontstond in Rusland een groep kunstenaars genaamd De Eerste Werkgroep van Constructivisten. Het doel van hun beweging, die ze Constructivisme noemden, was om een pure kunst te creëren op basis van formele, geometrische, abstracte principes die de kijker actief zouden betrekken. De sculpturale principes van het Constructivisme werden onderverdeeld in twee afzonderlijke elementen: faktura verwees naar de materiële kwaliteiten van een sculptuur, en tektonika verwees naar de aanwezigheid van een sculptuur in driedimensionale ruimte.

De constructivisten geloofden dat sculptuur helemaal geen onderwerp nodig had en volledig abstracte eigenschappen kon aannemen. Voor hen was alleen de verkenning van materie en ruimte van belang. Ze waren zich specifiek bewust van de manier waarop een object de tentoonstellingsruimte innam, evenals hoe het interageerde met de ruimte tussen het object en de kijker. Constructivistische sculptuur hielp de opvattingen te definiëren dat een sculptuur ruimte kon bevatten en definiëren naast het simpelweg innemen van ruimte, en dat ruimte zelf een belangrijk element van het werk kon worden.

De eerste Constructivistische Tentoonstelling, 1921

Tekenen in de ruimte

Tegen het einde van de jaren 1920 omvatte de modernistische abstracte sculpturale taal dimensionale reliëfs, gevonden voorwerpen, geometrische en figuratieve abstractie en het idee van de volheid en de leegte van fysieke ruimte. De Italiaanse futuristen hadden zelfs geprobeerd om sculptuur te gebruiken om beweging, of Dynamisme, aan te tonen in stukken zoals Umberto Boccioni’s Unieke Vormen van Continuïteit in de Ruimte (hier meer in detail behandeld). Maar de eer om daadwerkelijke beweging in sculptuur te introduceren, en een nieuw domein genaamd Kinetische Sculptuur te creëren, gaat naar Alexander Calder.

Calder werd opgeleid als werktuigbouwkundige en ging pas later naar de kunstacademie. Na zijn afstuderen begon hij mechanische speelgoed te maken en ontwierp uiteindelijk een hele mechanische circus. Rond 1929 begon hij delicate, speelse draadsculpturen te maken, die hij beschreef als “tekenen in de ruimte.” In 1930, toen hij bewegende delen aan zijn draadsculpturen toevoegde, noemde Marcel Duchamp deze kunstwerken “mobiles.” Calder’s kinetische mobiles zijn nu het meest herkenbare deel van zijn oeuvre en inspireerden kunstenaars zoals Jean Tinguely, de maker van Metamechanics. Ze beïnvloedden ook misschien de meest productieve modernistische meester van “tekenen in de ruimte,” de Venezolaanse kunstenaar Gego, die het concept in de jaren '60 tot uitgebreide extremen bracht.

Gego, ruimtelijke draadconstructie, gedeeltelijk installatieoverzicht

Combinaties en Accumulaties

In de jaren 1950 gingen conceptuele kunstenaars aan de slag met de ideeën die door Picasso en Duchamp waren gepionierd. Het concept van het gevonden object werd alomtegenwoordig naarmate grote metropolen overbelast raakten met afval en de massaproductie en consumptie van industriële producten nieuwe hoogten bereikten. De multidisciplinaire kunstenaar Robert Rauschenberg verwerkte de fundamenten van Picasso's collages en assemblages met Duchamp's concepten over gevonden objecten en de keuzes van de kunstenaar om te creëren wat zijn kenmerkende bijdrage aan abstracte sculptuur werd. Hij noemde ze "Combines," en het waren in wezen sculpturale assemblages gemaakt van verschillende soorten afval, detritus en industriële producten, doordacht samengevoegd tot een enkele massa door de kunstenaar.

Robert Rauschenberg - Monogram, Freestanding combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

Rond dezelfde tijd gebruikte de Conceptuele Kunstenaar Arman, een van de oprichters van de Nouveau Realists, Duchamp's idee van de Readymade als uitgangspunt voor een serie sculpturale werken die hij Accumulaties noemde. Voor deze werken verzamelde Arman meerdere exemplaren van dezelfde readymade objecten en lastte ze samen tot een sculpturale massa. Door producten op deze manier te gebruiken, hercontextualiseerde hij het idee van een readymade product, waarbij hij het in plaats daarvan gebruikte als een abstracte vorm, de vroegere betekenis verwijderde en het transformeerde in iets symbolisch en subjectiefs.

Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman

Materialen en Proces

In de jaren 60 richtten beeldhouwers zich steeds meer op de pure formele aspecten van hun werken. Als een soort afwijzing van de emotie en drama van hun voorgangers, concentreerden beeldhouwers zoals Eva Hesse en Donald Judd zich op de ruwe materialen die in hun werk gingen en de processen waarmee hun objecten werden gemaakt. Eva Hesse was een pionier in het werken met vaak giftige industriële materialen zoals latex en glasvezel. 

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglass and polyester resin, nineteen units, Each 19 to 20 1/4" (48 to 51 cm) x 11 to 12 3/4" (27.8 to 32.2 cm) in diameter. MoMA Collection. Gift of Charles and Anita Blatt. © 2018 Estate of Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurich

In tegenstelling tot Hesse, wiens techniek en individualiteit prominent aanwezig waren in haar sculpturale vormen, trachtte Donald Judd volledig bewijs van de hand van de kunstenaar te verwijderen. Hij werkte aan het creëren van wat hij Specifieke Objecten noemde, objecten die de definities van tweedimensionale en driedimensionale kunst overstegen, en die industriële processen en materialen gebruikten, en meestal werden vervaardigd door machines of door arbeiders anders dan de kunstenaar.

Donald Judd - Untitled, 1973, brass and blue Plexiglas, © Donald Judd

Contemporary Omni-Disciplinary Art

Dankzij de vooruitgangen die modernistische beeldhouwers in de afgelopen 100+ jaar hebben geboekt, is vandaag de dag een tijd van geweldige openheid in abstracte kunst. Zo veel hedendaagse praktijken zijn omni-disciplinair, wat resulteert in opwindende, polymorfe esthetische fenomenen. De werken van veel hedendaagse abstracte kunstenaars hebben een zo unieke aanwezigheid dat ze eenvoudige labels zoals "schilderij", "beeldhouwwerk" of "installatie" tarten. De modernistische pioniers van abstracte beeldhouwkunst zijn, in grote mate, verantwoordelijk voor veel van de openheid en vrijheid die hedendaagse kunstenaars genieten, en voor de ontelbare manieren waarop we kunnen genieten van hun esthetische interpretaties van onze wereld.

Uitgelichte afbeelding: Alexander Calder - Blauwe Veer, 1948, kinetische draadsculptuur, © Calder Foundation
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio