Wat hebben we geleerd van Constantin Brancusi?

Als je je een abstracte beeldhouwer voorstelt, wat komt er dan in je op? Iemand in ruige werkkleding, bedekt met vlekken gips? Iemand serieus, nieuwsgierig en geobsedeerd door perfectie? Iemand visionair, vol vertrouwen en nederigheid? Dat klinkt misschien te poëtisch, als een karikatuur. Maar het beschrijft perfect Constantin Brancusi, de grondlegger van de modernistische abstracte beeldhouwkunst. Het vormgeven van volume in de ruimte op een niet-figuratieve manier is niet eenvoudig. Maar toen Brancusi het voor het eerst deed, was het bijna ongehoord. Brancusi was een pionier op technisch en esthetisch gebied en heeft de manier waarop we abstracte beeldhouwkunst vandaag de dag begrijpen gevormd. Hij was ook essentieel in het leggen van het filosofische fundament van het vakgebied. Om de ontwikkeling van abstracte beeldhouwkunst in het afgelopen eeuw te begrijpen en de plaats die het vandaag de dag in de kunstwereld inneemt, laten we teruggaan en de oorsprong ontdekken.

De legende van Constantin Brancusi

De meeste foto’s van een volwassen Constantin Brancusi tonen een soort woeste man met een diep gegroefd gezicht, onverzorgd haar, een lange baard en een garderobe die doet denken aan een zwerver. Het lijkt misschien een persona die is aangenomen om te passen bij het publieke beeld van een kunstenaar, maar in het geval van Brancusi was het uiterlijk geen toneelstukje. Weinig andere beroemde kunstenaars hebben zulke nuchtere wortels. Constantin Brancusi werd geboren in een boerengezin op het Roemeense platteland, ongeveer 80 kilometer van de huidige Servische grens. Afgezien van het feit dat hij op zevenjarige leeftijd schapen hoedde, zijn de precieze omstandigheden van zijn jeugd onduidelijk, maar het is duidelijk dat weinig gelukkige kinderen van huis weglopen. Brancusi liep meerdere keren weg en ontsnapte uiteindelijk voorgoed rond zijn elfde jaar.

Hij legde een afstand van 188 km af naar de stad Craiova. Een relatief kosmopolitische plaats met toen ongeveer 40.000 inwoners, waar de economie draaide om fabricage en nijverheid. Brancusi verdiende de kost met allerlei klusjes, waaronder het lezen van fortuinen en het bedienen van gasten in een café. Uiteindelijk begon hij lessen te volgen in houtbewerking en vond werk in de meubelmakerij. Volgens de overlevering maakte hij op 18-jarige leeftijd met de hand een viool van resthout. De viool maakte indruk op een rijke mecenas die vervolgens Brancusi’s opleiding aan de Nationale School voor Schone Kunsten in de Roemeense hoofdstad Boekarest financierde. Na zijn afstuderen met lof verliet Brancusi, de voormalige schapenhoeder, wegloper, straatjongen en vioolbouwer, opnieuw zijn thuis. Volgens sommige berichten liep hij bijna de hele 2300 km van Boekarest via Oostenrijk en Duitsland helemaal naar Parijs.

De essentie van dingen

Bij aankomst in Parijs in 1904 bevond Brancusi zich midden in een wervelwind van modernistisch denken. Hij zette zijn studie beeldhouwkunst enthousiast voort en werkte binnen een paar jaar als assistent in het atelier van een van de beste beeldhouwers van die tijd, Auguste Rodin. Maar na slechts een maand bij Rodin te hebben gewerkt, vertrok Brancusi om zich op zijn eigen werk te richten. Een van de eerste beelden die Brancusi in 1907 zelf maakte, noemde hij De Kus, een duidelijke verwijzing naar Rodins beroemde beeld met dezelfde naam uit 1889. Het vergelijken van de twee werken naast elkaar toont het grote verschil tussen Brancusi’s visie en die van zijn korte leermeester.

Afgezien van het duidelijke esthetische verschil, waren er ook andere diepgaande verschillen tussen het werk van Brancusi en Rodin. Het belangrijkste was de manier waarop elke kunstenaar probeerde het ware karakter van een onderwerp uit te drukken. Rodin neigde ertoe de spierkracht van zijn onderwerpen te overdrijven om de kracht en geest van hun innerlijke karakter te communiceren. Brancusi koos een andere weg in de zoektocht naar de geest van zijn onderwerpen, door realistische vorm helemaal af te wijzen en te zoeken naar een abstracte vorm die kon uitdrukken wat hij noemde “de innerlijke verborgen werkelijkheid.”

Een ander fundamenteel verschil tussen het werk van Rodin en Brancusi was hun werkwijze. Rodin had een methode ontwikkeld voor industriële productie om zijn monumentale werken in metaal te maken. Hij begon een werk door het in klei te boetseren en zette vervolgens een team assistenten in om de uiteindelijke vorm in metaal te gieten of uit marmer te hakken. In directe tegenstelling tot die werkwijze koos Brancusi ervoor zijn beelden met de hand te maken, door ze zelf uit hout of steen te snijden of zelf in metaal te gieten. De lichamelijkheid van deze methode, gecombineerd met het abstracte uiterlijk van Brancusi’s beelden, hielp de vroege modernistische nadruk op het belang van de hand van de kunstenaar en de uitdrukking van een persoonlijke artistieke visie te vestigen.

Rodin - De Kus, circa 1882. Marmer. 181,5 cm × 112,5 cm × 117 cm, © Musee Rodin (links) en Brancusi - De Kus, 1907, © Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parijs

Oppervlak en glans

Naast zijn toewijding aan het met de hand snijden van zijn beelden, besteedde Brancusi ook enorme zorg aan hun oppervlakken, die hij met de hand gladde en polijstte tot ze perfect glad waren en een hoge glans hadden. Zijn beeldhouwwerk Portret van Mademoiselle Pogany werd door critici bespot vanwege het gladde, glanzende oppervlak, dat werd vergeleken met dat van een ei. Prinses X, een van Brancusi’s meest controversiële kunstwerken, is een perfect voorbeeld van zijn toewijding aan de oppervlaktekwaliteiten van zijn werk. Gemaakt rond 1915, veroorzaakte dit futuristisch ogende bronzen beeld een ware opschudding op de Salon des Indépendants in Parijs.

De controverse rond Prinses X was dat juryleden en toeschouwers dachten dat het bedoeld was om een fallus voor te stellen. Brancusi hield vol dat die interpretatie onjuist was. Hij stelde dat het hoogglanzende, spiegelende beeld een abstracte versie was van de vrouwelijke vorm, die deed denken aan het hoofd, de nek en de buste van een vrouw, met haar hoofd naar beneden gekanteld om zichzelf in een spiegel te bekijken. Los van de controverse hielp het werk Brancusi’s iconische, hoogglanzende esthetiek en zijn abstracte zoektocht naar de “essentie van dingen” te definiëren.

Constantin Brancusi - Prinses X, 1915, gepolijst brons; kalkstenen blok, 57,5 × 41 × 23 cm, Philadelphia Museum of Art, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parijs

Dierlijke natuur

Brancusi’s focus op abstracte onderwerpen en formele materiaalkwaliteiten vond een sterkere uitdrukking in verschillende beelden van dieren die hij in de jaren 1920 maakte. Het beroemdste van zijn dierenvormen heette Vogel in de Ruimte. Een vorm waar hij jarenlang steeds op terugkwam, bedoeld was het geen echte vogel voor te stellen, maar eerder de vleugel van een vogel te evoceren en de essentie van het vliegen uit te drukken.

Een ander dierbeeld van Brancusi, genaamd Vis, lijkt op het eerste gezicht figuratief, omdat het bovenste deel de vorm van een vis lijkt na te bootsen. Maar de vorm is teruggebracht tot een dunne plak. En het dunne metalen element is slechts één onderdeel van het hele werk. Brancusi maakte dit beeld zo dat het zichzelf kon dragen. In plaats van op een voetstuk te staan, steunt Vis op zichzelf. Gezien in de context van de hele vorm wordt Vis daardoor meer symbolisch. Het visvormige metalen element rust op een spiegelend bord, dat op zijn beurt rust op een uit hout gesneden vorm die lijkt op een kelk. In het hart van de kelk is een opening die doet denken aan een ei. Geheel genomen roept de dunne vorm bovenop een bord bovenop een kelk een communiedienst op, een bijna openlijke verwijzing naar de christelijke mythologie.

Constantin Brancusi - Vogel in de Ruimte, marmer, 144 x 16,5 cm (links) en Vis, brons, metaal en hout, 934 x 502 x 502 mm (rechts), © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parijs

Basis elementen

Naast zijn baanbrekende modernistische omarming van mythologische verwijzingen, was Brancusi’s Vis, en vele andere beelden die hij in dezelfde stijl maakte, pionier in het idee dat een beeld en zijn steun samen een geheel konden vormen. Het idee van een op zichzelf staand sculpturaal geheel opende een wereld aan tentoonstellingsmogelijkheden, waardoor sculpturen ruimtes op een geheel nieuwe manier konden innemen, niet als een object dat in een ruimte wordt getoond, maar als een object dat deelneemt aan de ruimte, die voor de kijker context geeft en zelfs definieert. Brancusi’s beeld De Heks, gemaakt in 1920, is niet alleen zelfdragend, maar de voet lijkt een extra verhalend element te bieden, dat een altaar oproept dat de schijnbare figuur van een heks ondersteunt.

Constantin Brancusi - De Heks, 1920, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parijs

Brancusi’s hedendaagse invloed

Door zijn eigen ideeën tot het uiterste door te voeren, creëerde Brancusi een esthetiek van oppervlak en materialiteit die bewegingen beïnvloedde die zo ver weg liggen als minimalisme. Zijn naturalistische houtsnijwerken waren enkele van de vroegste voorbeelden van de biomorfe stijl die kunstenaars als Barbara Hepworth omarmden. Zijn mengeling van modernisme, mythe en primitivisme was een voorloper van neoprimitieve stromingen zoals Lyrische Abstractie en Abstract Expressionisme.

Maar naast een esthetische pionier op het gebied van abstractie was Brancusi ook een leider in mentaliteit. Hij geloofde in zijn eigen ideeën. Denk aan Brancusi’s bekendste leerling, Isamu Noguchi. Voordat hij Brancusi ontmoette, werd Noguchi bespot door zijn vroegere leraar, de figuratieve beeldhouwer Gutzon Borglum, bekend als maker van Mount Rushmore. Borglum zei dat Noguchi geen talent had. Jaren later, tijdens een reis in Parijs, nam Noguchi een baan aan als assistent van Brancusi. Daar kreeg hij de aanmoediging die zijn eigen weg als modernistisch meester inspireerde. Dit was Brancusi’s belangrijkste invloed op de geschiedenis van de modernistische beeldhouwkunst: zijn vurige toewijding aan de kracht en het potentieel van de individuele visie van een kunstenaar.

Afbeelding bovenaan: Constantin Brancusi - Portret van Mademoiselle Pogany, 1912, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parijs
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie
Door Phillip Barcio