De Lyrische Abstractie Definiëren

Lyrische Abstractie is een schijnbaar zelfverklarende term, en toch is de oorsprong en betekenis ervan generaties lang bediscussieerd. De Amerikaanse kunstverzamelaar Larry Aldrich gebruikte de term in 1969 om de aard te omschrijven van verschillende werken die hij recent had verzameld en die volgens hem een terugkeer naar persoonlijke expressie en experimenten na het minimalisme betekenden. Maar de Franse kunstcriticus Jean José Marchand gebruikte een variant van de term, Abstraction Lyrique, decennia eerder, in 1947, om te verwijzen naar een opkomende Europese schildertrant die vergelijkbaar was met het abstract expressionisme in de VS. Beide betekenissen van de term verwezen naar kunst die gekenmerkt werd door vrije, emotieve, persoonlijke composities die niets te maken hadden met objectieve werkelijkheid. Maar die neigingen zijn nog verder terug te voeren, minstens tot het eerste decennium van de 20e eeuw en het werk van Wassily Kandinsky. Om de ware wortels en betekenis van Lyrische Abstractie te ontdekken, en om te begrijpen hoe men met deze neigingen in de kunst om kan gaan, moeten we terugkijken naar de vroegste dagen van de abstracte kunst.

Het lyrische in Lyrische Abstractie plaatsen

In de jaren 1910 waren verschillende groepen kunstenaars bezig met abstractie, elk vanuit een eigen gezichtspunt. Kubistische en Futuristische kunstenaars werkten met beelden uit de echte wereld en veranderden die op conceptuele wijze om abstracte ideeën uit te drukken. Suprematistische en Constructivistische kunstenaars werkten met herkenbare vormen in hun kunst, maar gebruikten die op een dubbelzinnige of symbolische manier, of op een wijze die probeerde universele waarheden over te brengen. Maar een andere groep kunstenaars benaderde abstractie vanuit een totaal ander perspectief dan de rest.

Deze groep, belichaamd door Wassily Kandinsky, benaderde abstractie vanuit het standpunt dat ze niet wisten welke betekenis er in hun schilderijen kon schuilen. Ze hoopten dat door simpelweg vrij te schilderen, zonder vooraf bedachte ideeën over schoonheid of de objectieve wereld, iets onbekends via hun werk tot uitdrukking kon komen. Kandinsky vergeleek zijn schilderijen met muzikale composities, die op een volledig abstracte wijze emotie overbrengen. Zijn abstracte schilderijen waren fantasierijk, emotief, expressief, persoonlijk, hartstochtelijk en volledig subjectief; met andere woorden, lyrisch.

Wassily Kandinsky - Compositie 6, 1913. Olie op doek. 195,0 × 300,0 cm. Hermitage Museum, Sint-Petersburg

Lyrische Abstractie na de oorlog

De Lyrische Abstractie van Kandinsky stond in contrast met veel andere abstracte kunstneigingen uit de jaren 20 en 30. Zijn kunst was niet specifiek verbonden aan een religie, maar had iets opvallend geestelijks. Andere kunstenaars die verbonden waren aan stijlen als De Stijl, Art Concrete en Surrealisme maakten kunst die wereldlijk was en zich leende voor objectieve, academische interpretatie. Kandinsky zocht iets dat nooit volledig gedefinieerd of verklaard kon worden. Hij drukte zijn persoonlijke verbinding met de mysteries van het universum op een open manier uit. Het was alsof hij een soort geestelijk existentialisme had uitgevonden.

Existentialisme was een filosofie die na de Tweede Wereldoorlog opkwam, toen mensen worstelden met wat zij zagen als de zinloosheid van het leven. Kritische denkers konden niet geloven dat er een hogere macht kon bestaan die de verwoesting die ze hadden meegemaakt zou toestaan. Maar in plaats van nihilistisch te worden door de schijnbare afwezigheid van god, probeerden de existentialisten hun weg te vinden door de allesoverheersende zinloosheid van het leven, door persoonlijke betekenis te zoeken. Zoals de existentialistische schrijver Jean-Paul Sartre in zijn boek Zijn en Niets in 1943 schreef: “De mens is veroordeeld tot vrijheid; hij is verantwoordelijk voor alles wat hij doet.” De zoektocht naar wat wezenlijk persoonlijk is, stond centraal in het existentialisme, en ook in de brede heropleving van Lyrische Abstractie na de Tweede Wereldoorlog.

Wassily Kandinsky - Het Laatste Oordeel, 1912. Particuliere collectie

Onder andere namen

In de jaren 40 en 50 ontstonden talrijke abstracte kunstbewegingen die op de een of andere manier subjectieve persoonlijke expressie als basis hadden voor het uitdrukken van betekenis in kunst. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract Expressionisme, Color Field-kunst, en zelfs conceptuele en performancekunst, kunnen tot op zekere hoogte worden teruggevoerd op dezelfde algemene existentiële zoektocht. Een van de meest invloedrijke kunstcritici uit die tijd, Harold Rosenberg, begreep dit toen hij schreef: “Tegenwoordig moet elke kunstenaar zichzelf uitvinden... De betekenis van kunst in onze tijd vloeit voort uit deze functie van zelfschepping.”

Maar toen de cultuur veranderde met de volgende generatie, raakten veel van deze existentiële neigingen in de kunst uit de gratie. En opnieuw nam een onemotionele, concrete, geometrische benadering van abstracte kunst, belichaamd door Minimalisme, hun plaats in. Maar niet alle kunstenaars verlieten de lyrische traditie. Tegen het einde van de jaren 60 keerde het tij weer. Zoals Larry Aldrich opmerkte, die de term Lyrische Abstractie in 1969 herintroduceerde: “Vroeg in het afgelopen seizoen werd duidelijk dat er in de schilderkunst een beweging was weg van het geometrische, harde randje en minimalisme, naar meer lyrische, zinnelijke, romantische abstracties in zachtere en levendigere kleuren... De aanraking van de kunstenaar is altijd zichtbaar in dit type schilderij, zelfs wanneer de schilderijen zijn gemaakt met spuitpistolen, sponzen of andere voorwerpen.”

Jean-Paul Riopelle - Compositie, olie op doek, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Hedendaagse Lyrische Abstractie

Het is duidelijk dat, zoals vaak het geval is bij kunststromingen, de neigingen die Lyrische Abstractie definiëren, al bestonden voordat de term werd bedacht. In de eerste decennia van de 20e eeuw gaven kunstenaars als Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee en Wols voor het eerst lyrische neigingen in abstractie vorm. En decennia later droegen kunstenaars als Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages en Joan Mitchell die verder uit. Daarna, in de late jaren 60 en 70, brachten kunstenaars als Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko en tientallen anderen de relevantie van deze stroming nieuw leven in en breidden die uit.

In 2015 overleed een van de meest fascinerende stemmen in de hedendaagse Lyrische Abstractie, de Spaanse kunstenaar Laurent Jiménez-Balaguer. Maar de concepten, theorieën en technieken blijven zich krachtig manifesteren in het werk van kunstenaars als Margaret Neill, wiens instinctieve composities van lyrische, verstrengelde lijnen de kijker uitnodigen tot een subjectieve deelname aan persoonlijke betekenis, en dat van Ellen Priest, wiens werk haar levenslange en voortdurende persoonlijke esthetische gesprek met jazzmuziek tot leven brengt. Wat al deze kunstenaars verbindt in een gemeenschappelijke band is de fundamentele zoektocht van Lyrische Abstractie: iets persoonlijks, subjectiefs en emotiefs uitdrukken, en dat op een poëtische, abstracte wijze doen.

Ellen Priest - Studie van dolfijnendans 15.

Afbeelding op de voorpagina: Margaret Neil - Switchback (detail).
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio