De Lyrische Abstractie Definiëren

Lyrische Abstractie is een schijnbaar zelfdefiniërende term, en toch is de oorsprong en betekenis ervan al generaties lang onderwerp van debat. De Amerikaanse kunstverzamelaar Larry Aldrich gebruikte de term in 1969 om de aard van verschillende werken die hij recentelijk had verzameld te definiëren, waarvan hij vond dat ze een terugkeer naar persoonlijke expressie en experimentatie signaleerden na het minimalisme. Maar de Franse kunstcriticus Jean José Marchand gebruikte een variatie van de term, Abstraction Lyrique, decennia eerder, in 1947, om te verwijzen naar een opkomende Europese trend in de schilderkunst die vergelijkbaar was met Abstract Expressionisme in de VS. Beide gebruikswijzen van de term verwezen naar kunst die gekenmerkt werd door vrije, emotieve, persoonlijke composities die niet gerelateerd waren aan de objectieve werkelijkheid. Maar die tendensen kunnen nog verder terug worden getraceerd, tenminste tot het eerste decennium van de 20e eeuw en het werk van Wassily Kandinsky. Om de ware wortels en betekenis van Lyrische Abstractie te onthullen, en om te begrijpen hoe we met de tendensen in de kunst kunnen omgaan, moeten we terugkijken naar de vroegste dagen van de abstracte kunst.

De Lyrische in Lyrische Abstractie plaatsen

In de jaren 1910 flirtten verschillende groepen kunstenaars met abstractie, elk vanuit een uniek perspectief. Cubistische en Futuristische kunstenaars werkten met beelden uit de echte wereld en veranderden deze op conceptuele manieren om abstracte ideeën uit te drukken. Suprematistische en Constructivistische kunstenaars werkten met herkenbare vormen in hun kunst, maar gebruikten deze op vage of symbolische manieren, of op een manier die probeerde universaliteiten over te brengen. Maar een andere groep kunstenaars benaderde abstractie vanuit een totaal ander perspectief dan de rest.

Geëpitomiseerd door Wassily Kandinsky, benaderde deze groep abstractie vanuit het perspectief dat ze niet wisten welke betekenis er misschien in hun schilderijen verborgen lag. Ze hoopten dat door simpelweg vrij te schilderen, zonder voorafgaande ideeën over esthetiek of de objectieve wereld, iets onbekends door hun werk kon worden uitgedrukt. Kandinsky vergeleek zijn schilderijen met muzikale composities, die emotie op een volledig abstracte manier communiceerden. Zijn abstracte schilderijen waren fantasierijk, emotioneel, expressief, persoonlijk, gepassioneerd en volledig subjectief; met andere woorden, lyrisch.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Post-oorlogse Lyrische Abstractie

De Lyrische Abstractie van Kandinsky contrasteerde met veel van de andere abstracte kunsttendensen van de jaren 1920 en 30. Zijn kunst was niet specifiek verbonden met enige religie, maar er was iets overduidelijk spiritueels aan. Andere kunstenaars die geassocieerd werden met stijlen zoals De Stijl, Art Concrete en Surrealisme maakten kunst die seculier was en zich leende voor objectieve, academische interpretatie. Kandinsky zocht naar iets dat nooit volledig gedefinieerd of verklaard kon worden. Hij drukte zijn persoonlijke verbinding met de mysteries van het universum op een open manier uit. Het was alsof hij een soort spiritueel Existentialisme had uitgevonden.

Existentialisme was een filosofie die na de Tweede Wereldoorlog opkwam, toen mensen worstelden om te begrijpen wat zij waarnamen als de zinloosheid van het leven. Kritische denkers konden niet geloven dat er een hogere macht kon bestaan die de soort vernietiging zou toestaan die zij zojuist hadden getuigd. Maar in plaats van nihilistisch te worden in de schijnbare afwezigheid van God, probeerden de existentialisten hun weg te vinden door de overkoepelende zinloosheid van het leven, door persoonlijke betekenis te zoeken. Zoals de existentialistische auteur Jean-Paul Sartre schreef in zijn boek Het Zijn en Niets in 1943: “De mens is gedoemd om vrij te zijn; hij is verantwoordelijk voor alles wat hij doet.” De zoektocht naar wat in wezen persoonlijk is, was van groot belang voor het existentialisme, en ook voor de wijdverspreide heropleving van Lyrische Abstractie na de Tweede Wereldoorlog.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Onder andere namen

Gedurende de jaren veertig en vijftig ontstond een groot aantal abstracte kunststromingen die op de een of andere manier subjectieve persoonlijke expressie als basis voor het uitdrukken van betekenis in kunst betrokken. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract Expressionisme, Color Field kunst, en zelfs conceptuele en performancekunst kunnen allemaal, tot op zekere hoogte, worden herleid tot dezelfde algemene existentiële zoektocht. Een van de meest invloedrijke kunstcritici van deze tijd, Harold Rosenberg, begreep dit toen hij schreef: “Vandaag de dag moet elke kunstenaar zichzelf uitvinden... De betekenis van kunst in onze tijd vloeit voort uit deze functie van zelfcreatie.”

Maar naarmate de cultuur veranderde met de volgende generatie, vielen veel van deze existentiële tendensen in de kunst uit de gratie. En opnieuw nam een onemotionele, concrete, geometrische benadering van abstracte kunst, belichaamd door Minimalisme, hun plaats in. Maar niet alle kunstenaars hebben de lyrische traditie verlaten. Tegen het einde van de jaren zestig was de tide opnieuw gekeerd. Zoals Larry Aldrich opmerkte, die de term Lyrical Abstraction in 1969 opnieuw introduceerde: "Vroeg in het vorige seizoen werd het duidelijk dat er in de schilderkunst een beweging was weg van het geometrische, harde en minimale, naar meer lyrische, sensuele, romantische abstracties in kleuren die zachter en levendiger waren... De aanraking van de kunstenaar is altijd zichtbaar in dit type schilderkunst, zelfs wanneer de schilderijen zijn gemaakt met spuitpistolen, sponzen of andere objecten."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Contemporary Lyrical Abstraction

Het is duidelijk dat, zoals vaak het geval is bij bewegingen in de kunst, de tendensen die Lyrische Abstractie definiëren, voorafgingen aan het bedenken van de term. In de eerste decennia van de 20e eeuw belichaamden kunstenaars zoals Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee en Wols voor het eerst lyrische tendensen in abstractie. En tientallen jaren later droegen kunstenaars zoals Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages en Joan Mitchell deze verder. Toen, in de late jaren 60 en 70, revitaliseerden en breidden kunstenaars zoals Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko en tientallen anderen de relevantie van de positie uit.

In 2015 overleed een van de meest fascinerende stemmen in de hedendaagse Lyrische Abstractie, de Spaanse kunstenaar Laurent Jiménez-Balaguer. Maar zijn concepten, theorieën en technieken blijven zich vandaag de dag op krachtige manieren manifesteren in het werk van kunstenaars zoals Margaret Neill, wiens instinctieve composities van lyrische, verweven lijnen de kijker uitnodigen tot een subjectieve deelname van persoonlijke betekenis, en dat van Ellen Priest, wiens werk haar levenslange en voortdurende, persoonlijke esthetische gesprek met jazzmuziek tot leven brengt. Wat al deze kunstenaars verbindt in een gemeenschappelijke band is de fundamentele zoektocht van Lyrische Abstractie: iets persoonlijks, subjectiefs en emotiefs uit te drukken, en dit op een poëtische, abstracte manier te doen.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Uitgelichte afbeelding: Margaret Neil - Switchback (detail).
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio