Hier zijn enkele briljante voorbeelden van kubistische sculptuur

In de schilderkunst neigt het kubisme ertoe de ruimte te vervlakken, dus op het eerste gezicht lijkt het idee van kubistische beeldhouwkunst misschien een tegenstrijdigheid. Maar de theorie achter het kubisme gaat niet zozeer over dimensionaliteit als wel over gelijktijdigheid, vrijheid van het afbeelden van een enkel gezichtspunt op een specifiek moment in ruimte en tijd. In de praktijk bieden de theoretische aspecten van het kubisme spannende uitdagingen voor beeldhouwers. Daarom werd kubistische beeldhouwkunst vanaf de vroegste stadia van de ontwikkeling van de beweging actief verkend, zowel door toegewijde, fulltime beeldhouwers als door schilders die intellectueel werden aangetrokken tot het medium door de radicale benadering van het kubisme om geometrie, beweging, perspectief en tijd af te beelden.

Vroege kubistische beeldhouwkunst

Het is geen verrassing dat de meeste kunsthistorici het eerste kubistische beeldhouwwerk beschouwen als een werk van Pablo Picasso, de uitvinder van kubisme. Picasso’s proto-kubistische schilderij Les Demoiselles d'Avignon werd in 1907 geschilderd en wordt beschouwd als het startpunt van de kubistische theorie. Picasso’s eerste kubistische beeldhouwwerk werd in 1909 gemaakt en kreeg de titel Vrouwenhoofd (Fernande). Het beeldhouwwerk was van zijn geliefde Fernande Olivier. Het bestond uit verschillende vlakken en maakte gebruik van een vereenvoudigde geometrische woordenschat, alsof het oppervlakken samenvoegde die vanuit een veelheid aan gezichtspunten werden gezien. Het werk is in wezen kubistisch omdat het streeft naar het tonen van meerdere aspecten van het onderwerp die gelijktijdig verschuiven in volume en aanwezigheid, alsof het door de tijd beweegt. Oorspronkelijk uit klei gegoten, werd het later met Picasso’s toestemming in brons gegoten.

Pablo Picasso - Vrouwenhoofd (Fernande), 1909. Brons. 41,3 x 24,7 x 26,6 cm. © 2017 Nalatenschap van Pablo Picasso / Artists Rights, Society (ARS), New York

Ongeveer een jaar later wijdde de in Oekraïne geboren beeldhouwer Alexander Archipenko zich volledig aan het uitdrukken van het kubisme door middel van beeldhouwkunst. De Held (1910) is een van zijn vroegste pogingen, waarin de vereenvoudigde geometrie van een mannelijk menselijk figuur in beweging wordt weergegeven. In de daaropvolgende jaren ontwikkelde Archipenko’s praktijk zich tot veel uitgebreidere onderzoeken van kubistische vormen, terwijl hij probeerde een veelheid aan gezichtspunten over te brengen en vormen terug te brengen tot hun eenvoudigste geometrische equivalenten, zoals te zien is in werken als Vrouw Lopend uit 1912.

Alexander Archipenko - Held, 1913. Gelatine zilverdruk. 14,7 x 11 cm (5,8 x 4,3 inch).

De verloren kubistische beeldhouwwerken

Archipenko’s werk werd als baanbrekend beschouwd en was opgenomen in de baanbrekende kubistische tentoonstelling op de Salon d'Automne in Parijs in 1912. Op de tentoonstelling toonde hij een beeldhouwwerk genaamd Gezinsleven. Het werk vertegenwoordigt een schitterend punt in zijn ontwikkeling, maar wordt vermeld als per ongeluk vernietigd. Vreemd genoeg overkwam hetzelfde lot verschillende andere vroege kubistische beeldhouwwerken, waaronder Joseph Csaky’s Groupe de femmes (ook opgenomen in de Salon d'Automne van 1912) en Csaky’s Hoofd (zelfportret).

Alexander Archipenko - Gezinsleven, 1912 (links) en Joseph Csaky - Hoofd - Zelfportret, 1913 (rechts)

Bewegen door de tijd

Het is duidelijk uit het bekijken van de werken van de vroegste kubistische beeldhouwers dat hun aandacht vooral gericht was op het vastleggen van meerdere gezichtspunten, het weergeven van gezichtspunten terwijl ze verschuiven over meerdere oppervlakken en het terugbrengen van hun formele woordenschat tot eenvoudige geometrische vormen. Maar geweldige kubistische beeldhouwkunst moet ook gericht zijn op beweging en tijd, het vastleggen van de beweeglijkheid van een onderwerp terwijl het draait en draait op een actieve, dynamische manier.

Een schitterend voorbeeld van kubistische beeldhouwkunst die gelijktijdigheid, geometrie en beweging door de tijd vastlegt, is Het Grote Paard (1914), van Raymond Duchamp-Villon. Raymond was een van de vier Duchamp-kinderen die succesvolle professionele kunstenaars werden. Hij was een expert op het gebied van paarden, omdat hij diende in een militaire cavalerie-eenheid. Het Grote Paard vangt de kracht en gratie van een paard dat door de ruimte galoppeert en springt.

Raymond Duchamp-Villon - Het Grote Paard, 1914 (gietsel ca. 1930-31). Brons. 101,6 x 100,1 x 56,7 cm. MoMA Collectie

Het werk van Duchamp-Villon had een krachtige invloed op de Italiaanse kunstenaar Umberto Boccioni, die een belangrijke figuur werd in de futuristische beweging. Boccioni was erop gericht beweging vast te leggen in zijn beeldhouwwerken. Zijn doel was niet om de vormen die hij beeldhouwde te abstraheren, maar eerder hun essentiële aard weer te geven door hun beweging door ruimte en tijd vast te leggen. Boccioni zei: “Wij zijn niet tegen de natuur… (wij zijn) tegen onbeweeglijkheid.”

Lijn, vlak & volume

De in Litouwen geboren beeldhouwer Jacques Lipchitz onderzocht een nieuwe benadering van kubistische beeldhouwkunst, geïnspireerd door het gesprek dat Picasso in 1912 begon met zijn vroegste assemblages. Het idee van een assemblage is dat je in plaats van een beeldhouwvorm te bereiken door het verminderen van massa, een driedimensionale vorm samenstelt uit uiteenlopende delen. Lipchitz paste dat concept aan om in zijn beeldhouwpraktijk te passen.

Hij beschreef zijn beeldhouwwerken als “architectonisch” en zag zichzelf als een bouwer van de menselijke vorm, eerst door de delen terug te brengen tot de eenvoudigste verschijningsvormen van oppervlak, lijn en volume en vervolgens die uiteenlopende delen samen te voegen tot een geheel met meerdere gezichtspunten. Het toonbeeld van zijn denken kwam tot uiting in een werk uit 1915, simpelweg getiteld “Beeldhouwwerk.”

Minder theoretisch en meer gevoelsmatig van aanpak bouwde de beeldhouwer Henri Laurens op vergelijkbare wijze volumineuze menselijke vormen met een beperkte taal van cilinders, kegels, torens en bollen die rusten op een veelheid aan oppervlakken gezien vanuit verschillende perspectieven. Laurens begon in 1915 met beeldhouwen. Zijn werk Femme au Compotier uit 1920 toont de architectonische invloeden van Lipchitz.

Henri Laurens - Femme au Compotier, 1920. Terracotta. 36,8 cm (14,5 inch).

De Tsjechische kubistische traditie

Onder de vroegste kubistische beeldhouwers waren twee kunstenaars uit Praag, die beiden voor de Eerste Wereldoorlog in Parijs studeerden. Voor deze kunstenaars was het kubisme een krachtige filosofische kracht. De intellectuele vrijheid die het belichaamde was anders dan alles wat ze thuis hadden meegemaakt. De Tsjechische beeldhouwer Otto Gutfreund kwam in 1909 naar Parijs en Emil Filla was een veelzijdig kunstenaar die tussen 1907 en 1914 periodiek naar Frankrijk kwam.

Filla en Gutfreund vochten beiden in Nederland tijdens de Eerste Wereldoorlog en keerden na de oorlog terug naar Praag. Filla werd kunstinstructeur. Gutfreund bracht een passie mee voor het werk van Picasso en Georges Braque en schreef over het vermogen van het kubisme om “een hele overvloed in elk gezichtspunt samen te vatten.” Het kubisme had een diepgaande invloed op deze twee Tsjechische kunstenaars, die op hun beurt de toekomst van de artistieke ontwikkeling van hun land sterk beïnvloedden.

Otto Gutfreund - Holding Each Other, 1913-14. Brons. 25 x 13 x 10 inch. Nationale Galerie, Praag en Emil Filla - Kubistisch Hoofd, 1913.

De erfenis van kubistische beeldhouwkunst

Hoewel de meeste beeldhouwers halverwege de jaren twintig nieuwe vormen van expressie hadden ontwikkeld, had het kubisme een dramatische invloed gehad op het denken van alle kunstdisciplines. Huidige beeldhouwtradities vertrouwen misschien niet op de geometrie of esthetiek van het kubisme, maar de zoektocht om beweging, tijd en meerdere gezichtspunten weer te geven, bleef vele andere kunststromingen beïnvloeden. Misschien is de belangrijkste erfenis van kubistische beeldhouwkunst juist dat: haar vernieuwing en de vrijheid die het kunstenaars gaf om te streven naar nieuwe manieren om de totaliteit van de menselijke ervaring weer te geven.

Afbeelding in de spotlight: Alexander Archipenko - Vrouw Lopend, 1912.
Alle afbeeldingen worden alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio