Hoe abstractie de avant-garde kunst diende

De meeste politici negeren vandaag de dag avant-garde kunst. Ze beschouwen het als een onschadelijke bastion voor intellectuelen die handelen in esoterische esthetische filosofieën. Maar dat was niet altijd het geval. In het niet zo verre verleden vreesden machthebbers avant-garde kunst als een kracht die culturele invloed kon uitoefenen, of zelfs het nationale karakter kon veranderen. En avant-garde kunstbewegingen die verbonden waren met abstractie werden vaak als bijzonder bedreigend gezien, vanwege de ambiguïteit van hun doel en de onvoorspelbaarheid van hun invloed. Vandaag kijken we terug op enkele manieren waarop abstractie avant-garde kunstbewegingen uit het verleden heeft beïnvloed, en de impact van die bewegingen op onze cultuur.

Salon van de Weigeringen

1863, Parijs

Avant-garde betekent voorhoede. Het is een Franse militaire term voor soldaten die de weg banen naar nieuw terrein tegen onzekere vijanden. Het gebruik ervan om kunst te beschrijven dateert minstens uit 1863. Dat is het jaar waarin een avant-garde kunstbeweging genaamd Impressionisme de culturele machtsstructuur van Frankrijk op zijn kop zette. Sinds 1667 had een instelling genaamd de Académie des Beaux-Arts respectabele Franse kunst gedefinieerd. Ze hielden een jaarlijkse tentoonstelling genaamd de Salon de Paris, die geselecteerde kunstenaars de status verleende die geassocieerd wordt met goedkeuring door de sociale elite.

De Impressionisten waren experimentators. Ze uitvonden nieuwe manieren van schilderen; ze schilderden buiten, schilderden alledaagse scènes en concentreerden zich meer op het overbrengen van licht dan op het onderwerp. Ze zochten een nieuwe manier om te schilderen, maar ook een nieuwe manier om de wereld te zien. Hun werk werd afgewezen door de Salon de Paris. Maar Napoleon besloot dat het publiek moest bepalen of er waarde was in de Impressionistische stijl, dus organiseerde hij de Salon des Refusés in 1963, waar werk werd tentoongesteld dat door de formele Salon was afgewezen. De tentoonstelling was zelfs populairder dan de formele Salon, wat resulteerde in de opkomst van het Impressionisme en de afname van de macht van de Académie des Beaux-Arts.

Salon der Onafhankelijken

1884, Parijs

Ondanks het succes van de Salon de Refusés, bleef het idee bestaan dat kunsttentoonstellingen beoordeeld moesten worden; dat bepaalde elitepersonen de macht moesten hebben om smaak vast te stellen. Maar in 1884 hielp een groep genaamd de Société des Artistes Indépendants, die onder anderen Georges Seurat en Paul Signac omvatte, de oprichters van Pointillisme, dat idee te vernietigen door de eerste Salon des Indépendants te creëren, een tentoonstelling die openstond voor elke kunstenaar. Hun motto was zonder jury of beloning.

Tijdens zijn 30-jarige bestaan hielp de Salon des Indépendants bij het vestigen van Neo-Impressionisme, Divisionisme, de Symbolisten, Fauvisme, Expressionisme, Kubisme en Orfisme. Het bood onderdak aan abstractie en verbond gelijkgestemde avant-garde kunstenaars. Het verstevigde de reputaties van Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh en Matisse. En het belangrijkste was dat het vaststelde dat de moderne kunst niet onder controle stond van enige instelling, en dat de samenleving toegankelijk kon zijn, en dus beïnvloed kon worden, door de avant-garde.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Olieverf op doek. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). MoMA Collectie. Verkregen via de Lillie P. Bliss Erfenis (door ruil). © 2019 Erfenis van Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Italiaans futurisme

1909, Italië

Rond de eeuwwisseling van de 20e eeuw vond er een ingrijpende evolutie plaats in de mindset van geïndustrialiseerde mensen. De cultuur maakte de overgang van een vertrouwen in de oude, eeuwenoude manieren van het besturen van de samenleving naar een geloof dat oude en eeuwenoude manieren nutteloos waren. De avant-gardistische kunstbeweging die deze evolutie het duidelijkst uitdrukte en het in de hoofden van de massa's verankerde, was de Italiaanse Futurisme.

Het Futuristische Manifest, gepubliceerd in 1909, verwoordde de intentie van een nieuwe generatie kunstenaars om de instellingen en ideeën van het verleden te vernietigen om ruimte te maken voor het nieuwe. Het prees de wonderen van machines en snelheid, en pleitte voor oorlog om de samenleving te zuiveren. De abstracte futuristische kunststijl was gebaseerd op het tonen van beweging om technologie te verheerlijken. Hun ideeën bevorderden de retoriek en het beleid die leidden tot de Eerste Wereldoorlog. Verschillende onder hun gelederen stierven in de oorlog.

Wyndham Lewis - Vorticistische schilderkunst. © De Erfenis van G A Wyndham Lewis

Suprematisme en Constructivisme

1913, Rusland

In de nasleep van de Eerste Wereldoorlog ontstonden twee tegenovergestelde Russische avant-garde bewegingen als reactie op de enorme sociale uitdagingen waarmee dat land werd geconfronteerd. Kazimir Malevich creëerde een abstracte kunststijl genaamd Suprematisme, die probeerde universaliteiten op de eenvoudigste, puurste manieren uit te drukken. Malevich schreef in zijn manifest, De Niet-Objectieve Wereld, “Kunst geeft niet langer om de staat en religie te dienen, het wil niet langer de geschiedenis van manieren illustreren, het wil niets meer te maken hebben met het object, als zodanig, en gelooft dat het kan bestaan, in en voor zichzelf…"

Tegelijkertijd ontwikkelde Vladimir Tatlin het Constructivisme, een artistieke filosofie die stelt dat kunst op een objectieve manier de materiële wereld moet dienen. Hoewel Constructivisme en Suprematisme recht tegenover elkaar stonden, waren beide zeer invloedrijk. Suprematisme vestigde een cultureel standpunt dat abstracte kunst, en de mensheid in het algemeen, een fundamentele metafysische kant heeft. Constructivisme vestigde een cultureel standpunt dat kunst, en het leven, materieel is en vanuit een utilitaristisch perspectief benaderd moet worden. Beide standpunten bloeien vandaag de dag duidelijk nog steeds.

Kazimir Malevich - Suprematistische Compositie: Wit op Wit, 1918. Olieverf op doek. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). MoMA Collectie. 1935 Aankoop bevestigd in 1999 door overeenkomst met de nalatenschap van Kazimir Malevich en mogelijk gemaakt met middelen van de Mrs. John Hay Whitney Erfenis (door ruil)

Borst

1915, New York

1916, Zürich

Terwijl Russische kunstenaars debatteerden of kunst objectief of non-objectief moest zijn, ontwikkelden verschillende kunstenaars in New York en Zürich een derde perspectief. Ze beschouwden kunst, en het leven, als absurd. Als reactie op de verschrikkingen van de Eerste Wereldoorlog namen de Dadaïsten het nihilistische standpunt in dat niets heilig is. Ze bespotten alle instellingen, stijlen, filosofieën en trends, terwijl ze tegelijkertijd hun neigingen in hun kunst appropriërden.

De Dadaïsten creëerden een opzettelijk chaotische, onbegrijpelijke esthetische uitspraak. In zekere zin was het een reactie op waanzin. In een andere zin creëerde het dadaïsme een nog nihilistischer cultuur door waanzin te valideren en te koesteren. De kunstenaars die met Dada geassocieerd werden, waren stellig dat ze geen satire maakten. Ze zeiden niets. Ze vernietigden het idee dat kunst betekenis had.

Jean Arp - Abstracte Compositie, 1915. Collage.

Ontaarde kunst

1937, Duitsland

In het naoorlogse Duitsland werkten avant-gardekunstenaars kortstondig samen met de grotere cultuur. In 1919 voerde de Weimarrepubliek ingrijpende hervormingen door, die een open, liberale, moderne Duitsland aanmoedigden. De Bauhaus kwam op in lijn met de Weimar-idealen. Gedurende 14 jaar koesterden de kunstenaars die verbonden waren aan deze avant-gardistische instelling het culturele perspectief dat kunst en samenleving met elkaar verbonden moesten zijn, door kunst, architectuur en design te combineren.

Maar in 1933, na een economische ineenstorting, verloor de Weimarrepubliek de controle aan de Nazi-partij. Nazi's waren tegen het modernisme. Ze verboden elke kunst die buiten hun smalle visie op de historische Duitse grootheid viel. Ze bestempelden abstracte kunst, moderne kunst en avant-garde kunst als degeneraat. De eerste tentoonstelling van Degeneratieve Kunst in 1937 markeerde het begin van een formele, officiële aanval op iedereen die geassocieerd werd met de zogenaamde degeneratieve opvattingen.

Totale weigering

1948, Canada

Terwijl de nazi's de controle over Duitsland overnamen, gaf het Verenigd Koninkrijk de controle over veel van zijn gebieden op. In 1931 nam het VK wetgeving aan die Canada in staat stelde zijn eigen juridische en nationale bestemming te bepalen. Canadezen gingen daardoor een geleidelijk proces in van het bepalen van hun nationale karakter. Een groep kunstenaars nam de leiding in dat culturele gesprek. Onder leiding van Paul-Émile Borduas en Jean-Paul Riopelle publiceerde de groep in 1948 een manifest genaamd Le Refuse Global (Totale Weigering).

Het manifest eiste dat Canadese kunstenaars vrij zouden zijn van religieuze en academische controle. Het omarmde abstractie, experimentatie en culturele secularisme. De onmiddellijke reactie op het manifest was negatief, maar gedurende enkele decennia hielp het de Stille Revolutie teweeg te brengen, een grotere beweging die liberale hervormingen in heel Canada tot stand bracht. Die hervormingen bepalen vandaag de Canadese nationale identiteit en zijn in zekere zin te danken aan Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Compositie, 1954. Olieverf op doek. © Jean-Paul Riopelle

Gutai-groep

1954, Japan

Naarmate Japan zich herbouwde na de Tweede Wereldoorlog, begon een avant-garde kunstcollectief genaamd de Gutai Group aan een missie om de Japanse cultuur opnieuw vorm te geven. Gutai-kunstenaars geloofden dat het geweld uit het verleden het resultaat was van een cultuur van assimilatie en isolatie. Ze geloofden dat individualiteit, creatieve vrijheid, een verbinding met de natuur en een verbinding met andere culturen essentieel waren voor het bevorderen van vrede.

De groep werd opgericht in 1954 en schreef in 1956 een manifest waarin ze hun benadering van het maken van kunst uiteenzetten. Hun werk was opzettelijk abstract en experimenteel. Het veroorzaakte een culturele renaissance in Japan. Via de post maakten ze contact met andere kunstenaars over de hele wereld. Gutai beïnvloedde rechtstreeks de Fluxusbeweging en vele andere conceptuele kunstbewegingen in Europa en Noord-Amerika.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Olieverf op doek. 31 7/8 x 45 5/8 in. (81 x 116 cm). © Shiraga Kazuo

De Alternatieve Kunstruimte Beweging

Jaren 70, Wereldwijd

Beginnen in New York, kwam de Alternatieve Kunstruimtebeweging op als een wereldwijde avant-garde beweging in de jaren '70. Of, misschien op een andere manier was het een anti-beweging, omdat het in plaats van een specifieke benadering van kunst te definiëren, simpelweg een kunstenaar een omgeving en de middelen bood om welk esthetisch fenomeen dan ook aan het publiek aan te bieden.

Artiesten verbonden met Alternatieve Kunstruimtes zijn onder andere Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno en de Beastie Boys. Als een volledig verwelkomend, allesomvattend avant-garde experiment was de beweging zelf een fantastische abstractie: een idee van de kunstwereld als een totaal open ervaring die resistent is tegen alle oordelen, evaluaties en kritiek.

Sol LeWitt - Muurtekening 1. © Sol LeWitt

Abstractie, de Avant-Garde en Wij

In ontelbare gevallen hebben avant-garde kunstbewegingen invloed gehad op de culturen waarin ze bestonden. Het is dan ook geen wonder dat het misverstand over abstractie en de angst voor avant-garde kunst ervoor hebben gezorgd dat sommige van de machtigste regimes en instellingen uit het verleden openlijk vijandig stonden tegenover kunst als een bedreiging voor hun controle.

Als we terugkijken op de vele avant-gardistische kunstbewegingen uit het verleden (en er waren er veel meer dan die we hebben behandeld), kunnen we zien dat abstractie een integraal onderdeel was van hun filosofieën. Elke avant-gardistische beweging is in wezen opgebouwd uit ideeën. En zoveel van die ideeën hebben te maken gehad met experimenteren, openheid, ambiguïteit en artistieke vrijheid.

Uitgelichte afbeelding: Giacomo Balla - Lijn van snelheid (detail), 1913. Olieverf op doek
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio