Hoe abstractie de avant-garde kunst diende

De meeste politici negeren tegenwoordig avant-garde kunst. Ze zien het als een onschadelijk bolwerk voor intellectuelen die handelen in esoterische esthetische filosofieën. Maar dat was niet altijd zo. In het niet zo verre verleden vreesden machthebbers avant-garde kunst als een kracht die culturele invloed kon uitoefenen, of zelfs het nationale karakter kon veranderen. En avant-garde kunstbewegingen die verbonden waren met abstractie werden vaak als bijzonder bedreigend gezien, vanwege de dubbelzinnigheid van hun doel en de onvoorspelbaarheid van hun invloed. Vandaag kijken we terug op enkele manieren waarop abstractie avant-garde kunstbewegingen uit het verleden beïnvloedde, en de impact van die bewegingen op onze cultuur.

Salon van de Afgewezenen

1863, Parijs

Avant-garde betekent voorhoede. Het is een Franse militaire term voor soldaten die de weg banen in nieuw gebied tegen onzekere vijanden. Het gebruik ervan om kunst te beschrijven gaat minstens terug tot 1863. Dat is het jaar waarin een avant-garde kunstbeweging genaamd impressionisme de culturele machtsstructuur van Frankrijk omver wierp. Sinds 1667 had een instelling genaamd de Académie des Beaux-Arts de respectabele Franse kunst gedefinieerd. Zij organiseerden een jaarlijkse tentoonstelling genaamd de Salon de Paris, die geselecteerde kunstenaars de status gaf die gepaard ging met goedkeuring door de sociale elite.

De impressionisten waren experimentatoren. Ze bedachten nieuwe manieren van schilderen; ze schilderden buiten, schilderden alledaagse taferelen en richtten zich meer op het overbrengen van licht dan op het onderwerp. Ze zochten een nieuwe manier van schilderen, maar ook een nieuwe manier om de wereld te zien. Hun werk werd afgewezen door de Salon de Paris. Maar Napoleon besloot dat het publiek moest bepalen of de impressionistische stijl waarde had, dus organiseerde hij in 1963 de Salon des Refusés, met werk dat door de formele Salon was afgewezen. De tentoonstelling was zelfs populairder dan de formele Salon, wat leidde tot de opkomst van het impressionisme en de afname van de macht van de Académie des Beaux-Arts.

Salon des Indépendants

1884, Parijs

Ondanks het succes van de Salon de Refusés bleef het idee bestaan dat kunsttentoonstellingen beoordeeld moesten worden; dat bepaalde elitepersonen de macht moesten hebben om smaak te bepalen. Maar in 1884 hielp een groep genaamd de Société des Artistes Indépendants, waartoe Georges Seurat en Paul Signac behoorden, de oprichters van Pointillisme, die opvatting te vernietigen door de eerste Salon des Indépendants te creëren, een tentoonstelling die openstond voor elke kunstenaar. Hun motto was zonder jury noch prijs.

Tijdens de 30-jarige looptijd hielp de Salon des Indépendants bij het vestigen van Neo-Impressionisme, Divisionisme, de Symbolisten, Fauvisme, Expressionisme, Kubisme en Orfisme. Het bood onderdak aan abstractie en verbond gelijkgestemde avant-garde kunstenaars. Het verstevigde de reputaties van Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh en Matisse. En het belangrijkste was dat het vaststelde dat modernistische kunst niet onder controle stond van enige instelling, en dat de samenleving toegankelijk was, en dus beïnvloed kon worden, door de avant-garde.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Olie op doek. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). MoMA Collectie. Verkregen via de Lillie P. Bliss-nalatenschap (door ruil). © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Italiaans Futurisme

1909, Italië

Rond de eeuwwisseling van de 20e eeuw vond er een overkoepelende evolutie plaats in de denkwijze van geïndustrialiseerde mensen. De cultuur maakte de overgang van vertrouwen in de oude, eeuwenoude manieren om de samenleving te besturen naar het geloof dat oude en eeuwenoude manieren nutteloos waren. De avant-garde kunstbeweging die deze evolutie het duidelijkst uitdrukte en verankerde in de hoofden van de massa's, was het Italiaanse Futurisme.

Het Futuristisch Manifest, gepubliceerd in 1909, uitte de intentie van een nieuwe generatie kunstenaars om de instellingen en ideeën van het verleden te vernietigen om plaats te maken voor het nieuwe. Het prees het wonder van machines en snelheid, en pleitte voor oorlog om de samenleving te zuiveren. De abstracte futuristische kunststijl was gebaseerd op het tonen van beweging om technologie te verheerlijken. Hun ideeën voedden de retoriek en het beleid die leidden tot de Eerste Wereldoorlog. Verschillende leden van hun gelederen stierven in de oorlog.

Wyndham Lewis - Vorticistische schilderkunst. © The Estate of G A Wyndham Lewis

Suprematisme en Constructivisme

1913, Rusland

In de nasleep van de Eerste Wereldoorlog ontstonden twee tegengestelde Russische avant-garde bewegingen als reactie op de enorme sociale uitdagingen waarmee dat land werd geconfronteerd. Kazimir Malevich creëerde een abstracte kunststijl genaamd Suprematisme, die universele waarheden op de eenvoudigste, puurste manieren wilde uitdrukken. Malevich schreef in zijn manifest, De Niet-Objectieve Wereld, “Kunst geeft niet langer om het dienen van de staat en religie, het wil niet langer de geschiedenis van manieren illustreren, het wil niets meer te maken hebben met het object, als zodanig, en gelooft dat het kan bestaan, in en voor zichzelf…”

Tegelijkertijd ontwikkelde Vladimir Tatlin het Constructivisme, een artistieke filosofie dat kunst de materiële wereld op een objectieve manier moet dienen. Hoewel Constructivisme en Suprematisme recht tegenover elkaar stonden, waren beide zeer invloedrijk. Suprematisme vestigde een cultureel perspectief dat abstracte kunst, en de mensheid in het algemeen, een fundamentele metafysische kant heeft. Constructivisme vestigde een cultureel perspectief dat kunst, en het leven, materieel is en vanuit een utilitair perspectief benaderd moet worden. Beide perspectieven floreren uiteraard nog steeds vandaag.

Kazimir Malevich - Suprematistische compositie: Wit op wit, 1918. Olie op doek. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). MoMA Collectie. 1935 Aankoop bevestigd in 1999 door overeenkomst met de nalatenschap van Kazimir Malevich en mogelijk gemaakt met fondsen van de Mrs. John Hay Whitney Bequest (door ruil)

Dada

1915, New York

1916, Zürich

Terwijl Russische kunstenaars discussieerden of kunst objectief of niet-objectief moest zijn, koesterden verschillende kunstenaars in New York en Zürich een derde perspectief. Ze beschouwden kunst, en het leven, als absurd. Als reactie op de verschrikkingen van de Eerste Wereldoorlog namen de Dadaïsten het nihilistische standpunt in dat niets heilig is. Ze bespotten alle instellingen, stijlen, filosofieën en trends terwijl ze tegelijkertijd hun neigingen in hun kunst opnamen.

De dadaïsten creëerden een opzettelijk chaotische, onbegrijpelijke esthetische uiting. In zekere zin was het een reactie op waanzin. In een andere zin creëerde het dadaïsme een nog nihilistischere cultuur door waanzin te valideren en te koesteren. De kunstenaars die met Dada geassocieerd werden, waren vastbesloten dat ze geen satire maakten. Ze zeiden niets. Ze vernietigden het idee dat kunst betekenis had.

Jean Arp - Abstracte compositie, 1915. Collage.

Entartete Kunst

1937, Duitsland

In het Duitsland na de oorlog werkten avant-garde kunstenaars kort samen met de bredere cultuur. In 1919 voerde de Weimarrepubliek ingrijpende hervormingen door die een open, liberaal en modern Duitsland aanmoedigden. De Bauhaus ontstond in lijn met de idealen van Weimar. Gedurende 14 jaar koesterden de kunstenaars die met deze avant-garde instelling verbonden waren het culturele perspectief dat kunst en samenleving verbonden moeten zijn, waarbij kunst, architectuur en design werden gecombineerd.

Maar in 1933, na een economische ineenstorting, verloor de Weimarrepubliek de controle aan de Nazi-partij. Nazi's waren tegen het modernisme. Ze verboden alle kunst die buiten hun beperkte visie op historisch Duitse grootsheid viel. Ze bestempelden abstracte kunst, moderne kunst en avant-garde kunst als entartete Kunst (ontaarde kunst). De eerste tentoonstelling van Entartete Kunst in 1937 markeerde het begin van een formele, officiële aanval op iedereen die geassocieerd werd met zogenaamde ontaarde opvattingen.

Totale Weigering

1948, Canada

Terwijl de nazi's de controle over Duitsland overnamen, liet het Verenigd Koninkrijk veel van zijn gebieden los. In 1931 nam het VK wetgeving aan die Canada toestond zijn eigen juridische en nationale lot te bepalen. Canadezen begonnen zo aan een geleidelijk proces om hun nationale identiteit te bepalen. Een groep kunstenaars nam het voortouw in dat culturele gesprek. Onder leiding van Paul-Émile Borduas en Jean-Paul Riopelle publiceerde de groep in 1948 een manifest genaamd Le Refuse Global (Totale Weigering).

Het manifest eiste dat Canadese kunstenaars vrij zouden zijn van religieuze en academische controle. Het omarmde abstractie, experimentatie en culturele secularisme. De onmiddellijke reactie op het manifest was negatief, maar in de loop van enkele decennia hielp het de Stille Revolutie op gang te brengen, een grotere beweging die liberale hervormingen in heel Canada realiseerde. Die hervormingen definiëren vandaag de Canadese nationale identiteit en zijn tot op zekere hoogte ontstaan dankzij Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Compositie, 1954. Olie op doek. © Jean-Paul Riopelle

Gutai Group

1954, Japan

Terwijl Japan zich herbouwde na de Tweede Wereldoorlog, begon een avant-garde kunstcollectief genaamd de Gutai Group aan een missie om de Japanse cultuur opnieuw te bedenken. Gutai-kunstenaars geloofden dat het geweld uit het verleden het resultaat was van een cultuur van assimilatie en isolatie. Ze waren van mening dat individualiteit, creatieve vrijheid, een verbinding met de natuur en een verbinding met andere culturen essentieel waren voor het bevorderen van vrede.

De groep werd gevormd in 1954 en schreef in 1956 een manifest waarin hun benadering van kunst maken werd uiteengezet. Hun werk was opzettelijk abstract en experimenteel. Het veroorzaakte een culturele renaissance in Japan. Via de post verbonden ze zich met andere kunstenaars over de hele wereld. Gutai beïnvloedde direct de Fluxus-beweging en vele andere conceptuele kunstbewegingen in Europa en Noord-Amerika.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Olie op doek. 81 x 116 cm. © Shiraga Kazuo

De Alternative Artspace Movement

Jaren 70, Wereldwijd

Beginnend in New York ontstond de Alternative Artspace Movement in de jaren 70 als een wereldwijde avant-garde beweging. Of misschien was het op een andere manier een anti-beweging, want in plaats van een specifieke benadering van kunst te definiëren, bood het simpelweg een kunstenaar een omgeving en de middelen om elk esthetisch fenomeen aan het publiek aan te bieden.

Kunstenaars verbonden aan Alternative Artspaces zijn onder andere Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno en de Beastie Boys. Als een allesomvattend, allesomvattend avant-garde experiment was de beweging zelf een fantastische abstractie: een idee van de kunstwereld als een totaal open ervaring die weerstand biedt tegen alle oordelen, evaluaties en kritiek.

Sol LeWitt - Wandtekening 1. © Sol LeWitt

Abstractie, de Avant-Garde en Wij

In talloze gevallen hebben avant-garde kunstbewegingen de culturen waarin ze bestonden beïnvloed. Het is dan ook geen wonder dat het misverstand over abstractie en de angst voor avant-garde kunst sommige van de machtigste regimes en instellingen uit het verleden ertoe hebben gebracht openlijk antagonistisch te zijn tegenover kunst als een bedreiging voor hun controle.

Als we terugkijken op de vele avant-garde kunstbewegingen uit het verleden (en er waren er veel meer dan die we hebben behandeld), zien we dat abstractie een integraal onderdeel was van hun filosofieën. Elke avant-garde beweging is in wezen gebouwd op ideeën. En zoveel van die ideeën omvatten experimentatie, openheid, ambiguïteit en artistieke vrijheid.

Uitgelichte afbeelding: Giacomo Balla - Lijn van snelheid (detail), 1913. Olie op doek
Alle afbeeldingen zijn alleen voor illustratieve doeleinden gebruikt
Door Phillip Barcio