De taal van gevoel: kunstenaars die pure emoties schilderen

Wat als een schilderij rechtstreeks tot je ziel zou kunnen spreken zonder je ook maar één herkenbaar beeld te tonen? Wat als kleur en vorm alleen je vreugde, melancholie of transcendentie konden laten voelen, net zo krachtig als welk verhaal dan ook?

Dit is de diepgaande vraag die enkele van de meest revolutionaire kunstenaars uit de geschiedenis heeft gedreven en die hedendaagse schilders nog steeds inspireert. Deze visionairs ontdekten dat emotie zelf het onderwerp van kunst kon zijn, en niet alleen de inspiratie ervoor.

Voorbij Persoonlijke Expressie: Wanneer Emotie het Onderwerp Wordt

Er is een cruciaal onderscheid in de kunstwereld dat vaak onopgemerkt blijft. Veel kunstenaars schilderen vanuit emotie, waarbij ze hun persoonlijke worstelingen, vreugden of angsten op het doek overbrengen. Maar een selecte groep kunstenaars schildert emotie als hun onderwerp, waarbij ze bewust visuele ervaringen creëren die specifieke gevoelens bij kijkers oproepen.

Denk aan Edvard Munch's "The Scream": een krachtig werk dat angst en lijden uitbeeldt door herkenbare beelden. Dit vertegenwoordigt een benadering van emotionele kunst. Maar sommige kunstenaars kozen een complexere weg, waarbij ze tegelijkertijd putten uit hun eigen intense emotionele ervaringen en bewust werken creëerden die ontworpen zijn om universele gevoelens bij anderen op te roepen.

De pionier: Kandinsky's emotionele architectuur

Wassily Kandinsky legde de theoretische basis voor deze benadering in zijn revolutionaire boek uit 1912 Concerning the Spiritual in Art. De Russische kunstenaar geloofde dat kunst moest functioneren als muziek, die rechtstreeks met de menselijke ziel communiceert zonder representatieve vormen.

Kandinsky ontwikkelde een systematische benadering van kleur en emotie, mogelijk beïnvloed door zijn synesthesie, een neurologische aandoening waarbij zintuigen overlappen. Voor hem riep helder blauw het geluid van een fluit en gevoelens van kalmte op, terwijl geel trompetten en opwinding suggereerde. Zijn levendige abstracties zoals Composition VII waren ontworpen als visuele symfonieën, zorgvuldig georkestreerd om de innerlijke emoties van kijkers te beroeren.

Dit was revolutionair: het idee dat specifieke combinaties van kleur en vorm betrouwbaar bijbehorende emotionele reacties konden oproepen, waardoor een universele taal van gevoel ontstond.

Spring Light (Green) (2023) - Emma Godebska

De wetenschap van kleur en emotie

Abstract Expressionisme: De Complexe Arena van Gevoel

De periode na de Tweede Wereldoorlog bracht een nieuwe urgentie voor emotioneel schilderen. Abstracte expressionisten, worstelend met existentiële angsten en beïnvloed door psychologie, zagen het doek als een "arena" voor emotionele expressie. Velen van deze kunstenaars navigeerden intense persoonlijke emotionele cycli, waaronder bipolaire stoornis, die hun werk diepgaand beïnvloedde. Toch overstegen ze louter persoonlijke expressie om kunst te creëren die sprak tot universele menselijke emoties.

Binnen deze beweging ontstonden twee verschillende benaderingen:

Action Painters zoals Jackson Pollock gebruikten de fysieke handeling van het schilderen zelf als emotionele expressie: druppelen, spatten en dansen rond doeken. Pollock, die intense stemmingscycli gedurende zijn leven ervoer, kanaliseerde zijn persoonlijke emotionele turbulentie in een revolutionaire schildermethode die tegelijkertijd zijn innerlijke staat uitdrukte en krachtige emotionele ervaringen voor kijkers creëerde.

Color Field painters zoals Mark Rothko namen een andere benadering, waarbij ze zorgvuldig geconstrueerde omgevingen creëerden die ontworpen waren om specifieke emotionele toestanden op te roepen door uitgestrekte velden van lichtgevende kleur. Toch bestond deze methodische aanpak naast Rothko's eigen worstelingen met depressie en emotionele intensiteit, wat een fascinerend paradox opleverde van bewuste techniek geboren uit geleefde emotionele ervaring.

Rothko: Meester van het Emotionele Sublieme

Mark Rothko belichaamt de complexe relatie tussen persoonlijke emotionele ervaring en doelbewuste emotionele kunst. Terwijl hij zijn eigen cycli van depressie en emotionele intensiteit door zijn leven navigeerde, perfectioneerde Rothko tegelijkertijd de kunst van het schilderen van pure emotie voor anderen. Zijn verklaarde doel was om "basis menselijke emoties: tragedie, extase en ondergang" uit te drukken door alleen kleurrelaties.

Rothko's persoonlijke emotionele worstelingen vormden zijn diepgaand begrip van menselijke gevoelens, maar zijn aanpak was methodisch en doelbewust. Hij begreep dat schaal en kleur een diepgaande invloed hebben op de psyche. Zijn schilderijen waren bewust groot om de kijkers te omhullen, waardoor intieme ontmoetingen ontstonden die intellectuele analyse omzeilden. Door zorgvuldig lagen dunne verflagen aan te brengen, creëerde hij kleuren die leken te ademen en te verschuiven, misschien als weerspiegeling van zijn eigen ervaring van emotionele wisselingen, terwijl hij diende aan zijn grotere doel om universele emotionele ontmoetingen te creëren.

De ultieme verwezenlijking van zijn visie is de Rothko Chapel in Houston, een spirituele ruimte waar bezoekers in contemplatieve stilte zitten, omringd door zijn bijna-monochrome schilderijen, en kunst ervaren als pure emotionele gemeenschap. Dit vertegenwoordigt de culminatie van een kunstenaar die persoonlijke emotionele kennis transformeerde in transcendente kunst voor anderen.

The Silence Under The Water (2025) - Nikolaos Schizas

Hedendaagse Emotionele Schilders: De Levendige Traditie

Deze krachtige traditie van het schilderen van emotie zet zich vandaag voort via hedendaagse kunstenaars die gevoelens tot hun primaire onderwerp hebben gemaakt. In tegenstelling tot sommige van hun voorgangers die intense persoonlijke emotionele cycli doormaakten, benaderen veel hedendaagse emotionele schilders hun onderwerp via bewuste verkenning in plaats van persoonlijke noodzaak. Bij IdeelArt zijn we trots verschillende kunstenaars te vertegenwoordigen die deze diepgaande erfenis voortzetten:

Kyong Lee, een Koreaanse kunstenaar gevestigd in Seoul, heeft een van de meest systematische en uitgebreide verkenningen van emotie door kleur in de hedendaagse kunst gecreëerd. Na een diep persoonlijk verlies in 2011, waardoor ze tijdelijk niet in staat was kleur te voelen of woorden te vinden, begon Lee aan een buitengewone reis van posttraumatische groei via kunst die zich tot op heden blijft ontwikkelen. 

Haar monumentale lopende serie "Colors as Adjectives" (begonnen in 2012) omvat tot nu toe 446 verschillende combinaties, elk representerend een unieke combinatie van bijvoeglijk naamwoord en kleur, gecreëerd via een intens persoonlijk proces. Lee maakt een cruciaal onderscheid: "De emoties die ik ken en de emoties die ik voel zijn verschillend. Hoewel er veel mooie en elegante bijvoeglijke naamwoorden en kleuren zijn, meng ik alleen de emoties die ik persoonlijk heb ervaren en gevoeld." Elk schilderij toont het bijvoeglijk naamwoord subtiel geperst in dezelfde kleur als het monochroom, wat zij beschrijft als "fluisterende" woorden die "de plaats vervangen van waar beelden worden verwijderd." Dit fundamentele werk dient als het raamwerk dat haar gehele artistieke praktijk ondersteunt, waarbij Lee elk jaar nieuwe combinaties toevoegt.

Met opmerkelijke veelzijdigheid en methodische briljantheid heeft ze haar gehele oeuvre opgebouwd met dit emotionele kleurenpalet als haar constante basis, en creëert ze via een indrukwekkende verscheidenheid aan stijlen: de geometrische precisie van "Emotional Color Chart," de lyrische poëzie van de "Chapter"-serie, de minimalistische elegantie van "Lines," en haar nieuwste "Sinneswelt" ("Sensory World")-serie, die water gebruikt als een vloeibaar medium om de aard van kleur uit te breiden en de beperkingen van haar zelfopgelegde kleurenpalet te overstijgen.

Deze consistente woordenschat zorgt ervoor dat ondanks frequente stilistische veranderingen, haar gehele inventaris opmerkelijke samenhang behoudt. Zoals Lee uitlegt, "Dit fundamentele werk zal doorgaan zolang ik sensueel levend blijf," waardoor haar praktijk een levende, ademende documentatie is van menselijke emotionele ervaring door kleur; soms poëtisch, soms minimalistisch, soms geometrisch, maar altijd systematisch prachtig en diep persoonlijk.

Flag nb 2 (2024) - Paul Richard Landauer

Paul Landauer, een Oostenrijkse kunstenaar die in Belgrado werkt, creëert ongelooflijk krachtige expressieve lyrische abstracties. Geboren in Wenen in 1974, maakte Landauer in 2018 een diep ontwaken mee toen, zoals hij het zegt, "het me 44 jaar kostte om wakker te worden." Dit beslissende moment transformeerde zijn begrip dat "zich wenden tot kunst als levensproject niet zomaar een idee of stemming is, maar simpelweg een kwestie van overleven." Na jaren als creatief directeur in de commerciële merkensector, maakte hij een radicale sprong in wat hij noemt "een oneindig avontuur van verkennen, leren en onthullen."

Werkend op museumkwaliteit doeken in indrukwekkend grote formaten, beschrijft Landauer zijn praktijk als "graven door lagen emoties die zich in een leven hebben opgehoopt." Na een diepe introspectie via verschillende verkennende technieken, brengt hij een ongewoon helder begrip van zijn emotionele toestanden in zijn werk, en creëert schilderijen die resoneren met buitengewone diepte en authenticiteit. Volledig toegewijd aan zijn kunst, is zijn doel om "subjectieve ervaringen te vertalen in visuele kunstwerken die ruimte geven aan de kijkers om daarin een reflectie van hun eigen leven en ervaringen te vinden."

Nikolaos Schizas, een Griekse schilder gevestigd in Barcelona, is uitgegroeid tot een van de meest productieve en gezochte abstracte schilders van zijn generatie. Ondanks dat hij zijn professionele carrière pas in 2020 begon, heeft deze volledig autodidactische kunstenaar meer dan 550 werken geproduceerd, waarvan maar liefst 450 al verzameld zijn. Voor Schizas is kunst zowel passie als noodzaak; een meditatieve praktijk die balans en focus biedt als iemand met ADHD.

Zijn benadering van emotionele verkenning is opmerkelijk dynamisch, evoluerend door meerdere gelijktijdige series die kunnen worden beschreven als een "groeiende boom van inspiratie." In plaats van oude technieken op te geven, groeit elke nieuwe serie organisch voort uit eerdere, waarbij gevestigde elementen worden verweven met frisse innovaties in een continue creatieve evolutie. Van zijn fundamentele splash-schilderijen met 30cm brede penselen op natte doeken, tot brede meerkleurige gebaren, verfijnde monochromatische onderdompelingen en etherisch metallic minimalisme, biedt elke techniek hem verschillende emotionele gebieden om te verkennen.

Wat Schizas uniek maakt onder emotionele schilders is dat hij nooit een serie opgeeft; in plaats daarvan blijft hij tegelijkertijd in al zijn technieken schilderen, waarbij hij kiest welke benadering hij gebruikt op basis van zijn huidige emotionele staat en wat elke serie hem brengt. Sommige werken zijn speels en verkwikkend (zoals zijn pop- en tactiele "Sweeties" serie), terwijl andere diep contemplatief zijn (zijn all-over monochromen in blauw, groen en paars), en weer andere bieden dynamische expressie (zijn grote penseelstreekwerken). Deze parallelle evolutie van meerdere benaderingen stelt hem in staat zijn artistieke expressie precies af te stemmen op zijn emotionele behoeften op elk moment, waarbij hij uitdrukt wat hij noemt "onbewuste gevoelens en onderdrukte emoties" via gevarieerde esthetische talen die "fris, levendig en dromerig" blijven. 

Solstice 2 (2019) - Brooke Noel Morgan

Brooke Noel Morgan, een multimedia kunstenaar uit Nashville, brengt een diep spirituele dimensie in emotioneel schilderen. Voor Morgan betekent kunstenaar zijn "leven vanuit mijn ziel," en haar creatieve reis, die lesgeven, fotografie, interieurcuratie, poëzie, schilderen en beeldhouwen omvat, weerspiegelt een diep begrip dat "leven, het levende, het meest creatieve is wat ik doe." Werkend vanuit haar minimalistische, vredige toevluchtsoord in Nashville, heeft Morgan wat ze beschrijft als een gemeenschap met Moeder Aarde gecultiveerd, en kanaliseert deze diepe verbinding in abstracte organische vormen die lijken te ademen met natuurlijke wijsheid. Haar benadering van emotionele expressie overstijgt individuele ervaring, geworteld in het geloof dat "mijn waarheid op de een of andere manier verbonden is met jouw waarheid... de waarheid van collectieve menselijkheid die deze leven/aarde ervaring heeft."

De schilderijen van Morgan dienen als wat zij noemt "schoonheid als balsem," gecreëerd voor genezing, "mijn genezing, jouw genezing, onze genezing." Haar werk verkent het volledige spectrum van menselijke emotie: "vreugde, pijn, verlies, liefde, angst, verdriet, woede, droefheid, verleiding en alles daartussenin," niet als afzonderlijke ervaringen maar als facetten van wat zij beschrijft als "een uitgestrekte, ruime baarmoeder van Liefde die ons precies vasthoudt zoals we zijn." Geïnspireerd door wabi-sabi principes lijken haar abstracte vormen voort te komen uit een plek van diepe stilte en universele verbinding, en nodigen kijkers uit in contemplatieve ruimtes waar de grenzen tussen zelf en kosmos oplossen. In Morgans handen wordt emotioneel schilderen een vorm van spirituele praktijk, waarbij elk werk dient als een brug tussen de individuele ziel en het oneindige mysterie van het bestaan.

Emma Godebska, een Franse kunstenaar die in Nîmes werkt, zet een van de meest vooraanstaande lijnen uit de kunstgeschiedenis voort terwijl ze haar eigen contemplatieve pad in emotionele expressie smeedt. Afstammeling van de legendarische Godebski artistieke dynastie, inclusief de mythische Misia Godebska, "Koningin van Parijs" en muze voor Vuillard, Bonnard en Ravel, vertegenwoordigt Godebska de hedendaagse bloei van een familieboom die al meer dan een eeuw creativiteit voedt. Onlangs gevierd in de grote retrospectieve "La Saga Godebski" in Nîmes, stroomt dit artistieke erfgoed door het werk van Godebska niet als een last maar als een diepgaand begrip van de spirituele dimensie van kunst. 

Haar praktijk belichaamt wat criticus Martine Guillerm beschrijft als een reis "van accumulatie naar eenvoud," waarbij de zoektocht naar de essentie van het schilderen verloopt via gezuiverd gebaar en minimale beeldtaal. Werkend op witte oppervlakken met een bijna obsessieve focus op sporen - sporen van verschillende kleuren, sporen van emotie, sporen van aanwezigheid - creëert Godebska wat lijkt op kalligrafische tekens die zweven in een contemplatieve ruimte. Haar techniek omvat een delicate dans tussen verfverdunning en pigmentophoping, waarbij transparantie-effecten worden benut terwijl ze zoekt naar balans tussen spanning en ontspanning, concentratie en spontaniteit. Het resultaat lijkt op sculpturale volumes die in tijd en ruimte zijn opgehangen, waar over elkaar geplaatste elementen diepte creëren die zowel spreekt over temporele ervaring als ruimtelijke aanwezigheid. 

Met formele eenvoud die echoot van de Neo-Abstract Expressionistische traditie confronteren Godebska's werken kijkers met hun eigen emotionele expressiviteit en nodigen hen uit tot wat Guillerm een "spirituele reis" noemt. Elk schilderij wordt een meditatie over het Hier en Nu, waarbij licht, gevoel en vluchtige momenten worden vastgelegd door een minimalistische woordenschat die emotionele ervaring transformeert in pure visuele poëzie. Specifieke emoties zijn misschien niet strikt Godebska’s onderwerp, maar haar kunst is dat wel en een open doek voor de persoonlijke gevoelens van de kijker.

Emotional Color Change 53 (2025) - Kyong Lee

De universele taal van gevoel

Wat deze kunstenaars, zowel historisch als hedendaags, zo boeiend maakt, is hun vermogen om emotionele ervaring om te zetten in universele communicatie. Of ze nu putten uit persoonlijke emotionele intensiteit zoals Rothko en Pollock, of bewust emotionele gebieden verkennen zoals onze hedendaagse kunstenaars, ze delen allemaal de toewijding om emotie zelf het onderwerp van hun werk te maken.

De krachtigste emotionele schilders belichamen vaak deze dualiteit: ze begrijpen emotie van binnenuit, hetzij door persoonlijke ervaring of bewuste verkenning, maar overstijgen het puur persoonlijke om werken te creëren die spreken tot universele menselijke gevoelens. Ze bieden het kader voor een emotionele reis, maar de uiteindelijke ervaring wordt een samenwerking tussen kunstenaar en kijker.

Dit is waarom abstracte emotionele schilderkunst zo krachtig en relevant blijft. In onze steeds complexere wereld, waar woorden vaak tekortschieten om het volledige spectrum van menselijke gevoelens vast te leggen, bieden deze kunstenaars iets kostbaars: een directe, niet-verbale verbinding met onze diepste emoties.

Of het nu Rothko's transcendente kleurvlakken zijn, geboren uit persoonlijke emotionele kennis, of Kyong Lee's systematische emotionele diagrammen ontwikkeld door bewuste verkenning, deze werken herinneren ons eraan dat de grootste kracht van kunst niet ligt in wat het ons toont, maar in wat het ons laat voelen. Ze bewijzen dat de meest diepgaande menselijke ervaringen - liefde, verlies, verwondering, transcendentie - niet door beelden kunnen worden geschilderd, maar door de pure taal van kleur, vorm en gevoel zelf.

Uiteindelijk hebben deze schilders van emotie iets opmerkelijks bereikt: ze hebben het onzichtbare zichtbaar gemaakt, het onuitsprekelijke tastbaar. Ze hebben ons laten zien dat emotie niet alleen iets is wat we aan kunst toevoegen, het kan het onderwerp van kunst zelf zijn, het diepste doel en het meest blijvende geschenk aan de mensheid.

Door Francis Berthomier

Uitgelichte afbeelding: "Sinneswelt - ELT57" (2025), Kyong Lee

Emotionele kunstwerken op IdeelArt