De Vurige Abstractie van Olivier Debré

Een van de meest intrigerende tentoonstellingen die deze zomer naar Londen komt, is Olivier Debré: Fervent Abstraction, die eind juni opent in The Estorick Collection. Mijn interesse in de tentoonstelling is deels te danken aan de kunstenaar en deels aan de locatie: het boutique museum staat bekend om zijn collectie van moderne Italiaanse kunst uit de vroege 20e eeuw, met name Futuristische kunst. Olivier Debré (1920-1999) was geen Italiaan, maar Frans. Hij verschilde ook filosofisch behoorlijk van de Futuristen, vooral wat betreft hun ideeën over oorlog als een positieve, reinigende kracht in de samenleving. Verschillende ondertekenaars van het Futuristische Manifest hebben enthousiast aan de kant van de Fascisten gevochten in de Eerste Wereldoorlog. Debré daarentegen werd opgevoed in de nasleep van die oorlog en sloot zich zelf aan bij de Franse weerstand die vocht tegen de Fascisten in de Tweede Wereldoorlog. Desondanks is er een fascinerende overlap tussen Debré en de vroege Italiaanse modernisten als het gaat om hun interesse in het uitdrukken van het metafysische in kunst. De Futuristen deden baanbrekende ontdekkingen in hun pogingen om sensaties zoals snelheid en de ervaring van synesthesie te schilderen. Debré deed even diepgaande ontdekkingen in zijn zoektocht om schilderkunst te gebruiken als een manier om emoties uit te drukken zonder beschrijving te gebruiken. Debré was geïnteresseerd in het diepgaande gevoel van gemeenschap dat ontstaat wanneer we het gevoel hebben dat iemand anders onze exacte emoties deelt. Hij realiseerde zich ook de ontoereikendheid van woorden als het gaat om het proberen uit te leggen aan iemand anders hoe we ons voelen. Zijn schilderijen kunnen zowel worden begrepen als pogingen om een emotionele toestand uit te drukken, als pogingen om ruimtes te creëren waar emotionele verbindingen kunnen worden gemaakt en gekoesterd. Hij verwierp de pretenties van hoge kunst ten gunste van meer humanistische gebaren en schilderde op de vloer in plaats van op een ezel. Hij voegde ook bescheiden materialen zoals zand toe aan zijn verf en gebruikte alledaagse gereedschappen zoals bezems om zijn mediums aan te brengen. Het diverse oeuvre dat hij creëerde is synoniem geworden met de term Lyrical Abstraction. Het is de materiële manifestatie van sensualiteit en subjectiviteit—de schilderachtige equivalent van poëzie en muziek.

Tekens en symbolen

Een van de vaak vertelde verhalen over Debré is dat Pablo Picasso zijn eerste grote solo-expositie in Parijs bezocht. Na het bekijken van het werk, zei Picasso tegen Debré, die toen in zijn vroege dertig was, "Je schildert al als een oude man." Deze raadselachtige opmerking is kennelijk wat Debré op een pad zette naar het ontwikkelen van zijn kenmerkende abstracte stem. In plaats van de populaire stijlen van die tijd te kopiëren, begon hij aan een uitputtend proces om precies te ontdekken hoe een kunstenaar gedachten en gevoelens kan overbrengen via abstracte kunst. Hij begon met het analyseren van hoe mensen hun gevoelens het vaakst aan elkaar overbrengen: door middel van woorden. Geschreven taal, realiseerde hij zich, is de belichaming van symbolische communicatie, aangezien ideeën worden vertaald als lijnen op oppervlakken die zijn gecreëerd door middel van fysieke menselijke gebaren. Deze openbaring zette hem op een pad naar het creëren van zijn eigen gebaren, lineaire symboliek, die hij kon gebruiken om zijn gevoelens over te brengen en emotionele verbindingen tussen kijkers te faciliteren.

Olivier Debré - Monochroom rozenrood, rode rozenstreep, 1984. Olieverf op doek, 180 x 180 cm. Collectie Galerie, Louis Carré & Cie, Parijs

Tot dat moment waren de meest voorkomende emoties die Debré had ervaren eenzaamheid en verdriet. In feite kwam zijn eerste verbinding met kunst toen hij pas negen jaar oud was en zijn moeder overleed, en zijn vader en oom hem aanmoedigden om te tekenen en te schilderen als een manier om met het verlies om te gaan. De onbeschrijfelijke gruwelen die hij later meemaakte tijdens de strijd tegen de nazi's herinnerden hem herhaaldelijk aan de isolatie en het lijden die zo vaak de menselijke conditie definiëren. Zijn doorbraakpoging om deze vreselijke gevoelens uit te drukken kwam in de vroege jaren vijftig, met een serie abstracte schilderijen die hij Signes-Personnages (Karaktertekens) noemde. De werken bestaan voornamelijk uit verticale, lineaire, zwarte vormen op witte achtergronden en lijken op een hybride van menselijke figuren en letters. Het waren niet solistische mensen die Debré in deze werken probeerde te tonen - dit zijn afbeeldingen van de essentie van de eenzaamheid zelf.

Olivier Debré - Zonder titel, ca. 1990. Olieverf op doek, 100 x 100 cm. Privécollectie

De realiteit schildert ons

Naast de langlopende Signes-Personnages serie, heeft Debré vele decennia gewijd aan zijn serie abstracte landschapschilderijen, die hij Signes-Paysages (Landschapstekens) noemde. Gedefinieerd door brede stroken levendige kleur, delen deze schilderijen een visueel erfgoed met het werk van Color Field kunstenaars zoals Helen Frankenthaler en Mark Rothko. Debré maakte deze schilderijen om de sensaties uit te drukken die hij voelde tijdens zijn interactie met de natuurlijke omgeving. Hij sprak echter niet over dit werk in termen van het maken van schilderijen van de natuurlijke wereld, omdat hij de realiteit niet beschouwde als iets dat door mensen wordt gecreëerd. In plaats daarvan beschouwde hij de menselijke ervaring als iets dat voortdurend wordt gevormd en hervormd door een natuurlijke realiteit die buiten ons bereik ligt. "Er is een soort overlapping tussen de mentale atmosfeer en de echte atmosfeer," zei hij. "We zijn altijd zowel in onszelf als buiten onszelf. Ik schilder in de emotie van een realiteit die mij genereert."

Olivier Debré - Zonder titel, ca. 1958. Olieverf op doek, 27 x 35 cm. Privécollectie

Naast het enorme aantal schilderijen dat Debré heeft gemaakt, heeft hij zich ook een naam verworven in de wereld van monumentale openbare werken, waarbij hij talrijke openbare sculpturen heeft gecreëerd, evenals een collectie geliefde theatergordijnen, waaronder gordijnen voor operahuizen in Londen en Hongkong. Telkens wanneer hij terugdacht aan zijn uitgebreide en diverse oeuvre, noemde hij de essentie van wat hij zocht le signe du réel, of het teken van het echte. Vurige abstractie is de naam die hij bedacht om de passie en urgentie van een gebaar, een symbool en een gevoel dat gelijktijdig tot leven komt, over te brengen.
Net als Picasso in de vroege dagen van het Kubisme, was Debré op zoek naar een dieper realisme dat verder ging dan de wereld van artistieke nabootsing; een realisme dat de mysterie en schoonheid van zowel de zichtbare als onzichtbare delen van het leven vastlegde.

Olivier Debré: Fervente Abstractie is te zien van 30 juni tot 12 september 2021 in de Estorick Collection of Modern Italian Art in Londen.

Uitgelichte afbeelding: Olivier Debré - Zonder titel, ca. 1946. Indische inkt op papier. 20,2 x 30,9 cm. Privécollectie
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio