Brice Marden en de kalligrafische behandeling van de lijn

Naast traditionele verfkwasten liggen er op een tafel in de New Yorkse studio van Brice Marden tientallen takken. Gewone takken van de takken van bomen, behalve dat elke tak aan één uiteinde gekleurd is, als gevolg van het onderdompelen in inkt. Marden tekent ermee en creëert gesturalen symbolen in kolommen en rijen op papier, in composities die evocatief zijn van poëzie geschreven op een rol. Intuïtief getekend vanuit de verbeelding van Marden, zijn de symbolen gedeeltelijk geïnspireerd door Chinese kalligrafie. Ze zijn ook beïnvloed door objecten die gongshí worden genoemd, ook wel bekend als Chinese geleerdenstenen. Gongshí stenen worden gevonden in, of beter gezegd gekozen uit de natuur. Ze worden gewaardeerd om hun abstracte fysieke eigenschappen en worden door geleerden gebruikt voor contemplatieve doeleinden. Er valt veel te leren van het bestuderen van hun vormen, hun rimpels, hun perforaties, hun asymmetrische balans, de glans van hun oppervlakken, hun textuurkwaliteiten, hun kleuren en hun gelijkenis met natuurlijke dingen. Zoals in de schilderijen die Marden maakt, wachten de mogelijkheden binnen de gongshí om ontdekt te worden, verborgen in het volle zicht binnen de lagen en de lijnen.

Het vliegtuigbeeld

Brice Marden kwam in de jaren 60 op de voorgrond als schilder. Hij ontving zijn MFA van de Yale University in 1963 en verhuisde datzelfde jaar naar New York City. Hij kreeg al snel een baan aangeboden als beveiligingsagent in het Joods Museum. Daar kon hij het werk bestuderen van zijn meest bekwame tijdgenoten. Rond die periode voelden veel van zijn medekunstenaars een algemene malaise ten opzichte van schilderkunst. Sommigen bespotten het eeuwenoude rechthoekige doek en experimenteerden met doeken die in ongebruikelijke vormen waren gevormd. En veel kunstenaars verklaarden zelfs openlijk dat de schilderkunst dood was.

Maar Marden kon het niet meer oneens zijn. In zijn ogen was er nog steeds veel te doen voor de schilderkunst. Rond 1964 begon hij zijn aandacht te richten op het vlak van de schilderkunst. Anders gezegd, het vlak verwijst naar de totaliteit van het oppervlak van een schilderij. Alles wat een schilder aan het schilderij toevoegt, bestaat binnen het vlak. Veel van het modernisme was gericht op het zo veel mogelijk afvlakken van het vlak, het elimineren van perspectief, duwen en trekken, of iets dat diepte aan het beeld zou toevoegen. Om de belichaming van dat doel te bereiken, begon Marden met het schilderen van monochromen, die hij beschouwde als de ultieme manifestatie van vlakheid. Hij noemde zijn versie van de monochrome het Vlakbeeld, omdat, zoals hij zei, “het vlak was het beeld”.

Brice Marden - Het Dylan Schilderij, 1966. Olie en bijenwas op canvas. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

In Lof van Rechthoeken

Wat betreft de minachting die schilders in de jaren 60 voelden voor het rechthoekige doek, Brice Marden was, en is nog steeds, beslist niet in het kamp van de haters. Hij beschouwt de rechthoek als de ultieme vorm voor een schilderij. In een interview met de National Gallery of Art in 2014 zei hij: “De rechthoek is een geweldige menselijke uitvinding. In de jaren 60 was er veel van dit soort gevormde schilderijen aan de gang. Maar ik hield echt van de rechthoek. En ik dacht dat als je de exact juiste kleur voor die vorm kon krijgen, en je had het echt goed, als je absolute correctheid van vorm had, god weet wat dat schilderij in staat was te doen.”

Dat idee, dat een schilderij iets kan doen, onthult in Marden een diepgeworteld respect voor kunst in het algemeen, en in het bijzonder voor schilderkunst. Tijdens de jaren waarin hij zijn monochromen maakte, was er een grotere discussie gaande over wat kunst was en kon zijn. Het populaire idee was dat kunst alles kon zijn, en dat alles potentieel kunst is. Marden was het daar niet mee eens. Hij verdedigde kunst als een humanistische onderneming, en stond erop dat een kunstwerk door menselijke handen gemaakt moest worden. Gedurende de jaren 60 en 70 bouwde hij zijn reputatie op door schilderkunst te verdedigen met zijn gedurfde monochromen geschilderd op onverbloemde rechthoeken. Dit werk maakte hem beroemd, en tegen 1975 werd hij beschouwd als een van de meesters van Minimalisme, en ontving hij een solotentoonstelling in het Guggenheim in New York.

Brice Marden - De Seizoenen, 1974-75. Olieverf op doek. 243,8 x 632,5 cm. De Menil Collectie, Houston, TX. © Brice Marden

West ontmoet Oost

Net toen Marden de hoogte van zijn roem bereikte in de jaren 1970, begon hij ook te zoeken naar nieuwe richtingen voor zijn kunst. In de vroege jaren 1980 vond hij de inspiratie waar hij naar op zoek was, toen een reeks ontmoetingen met de oosterse cultuur hem hielp inspireren tot een nieuwe relatie met het geschilderde beeld. In het bijzonder viel zijn aandacht op de Chinese kalligrafie, waarbij hij zowel de gebarenlijnen van de individuele symbolen als de rasterachtige kwaliteit van de kolommen en rijen van de geschreven coupletten bewonderde.

Hij begon aan een serie schilderijen, gebaseerd op calligrafische esthetiek, genaamd de Cold Mountain schilderijen. Om ze te maken, schilderde hij een laag intuïtieve, abstracte calligrafische symbolen, schraapte de verf eraf en schilderde een andere laag symbolen, waarbij hij het proces herhaalde totdat de compositie was opgelost. De naam Cold Mountain was geïnspireerd door de Cold Mountain Gedichten, een serie van honderden gedichten geschreven door een hermetische Chinese monnik genaamd Hanshan in de 9e eeuw. Het strakke palet en de calligrafische uitstraling van de schilderijen spreken tot de esthetiek van de gedichtrollen, terwijl hun gestuele, gelaagde beelden de geest van de gedichten oproepen, die vrijheid, natuur en de zoektocht naar harmonie omarmden.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bridge), 1989-1991. Olie op linnen. 108 × 144 in. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

De geleerde rockt

Naast kalligrafie was de andere grote oosterse invloed op Marden zijn ontmoeting met gongshí, of Chinese geleerdenstenen. In de stenen, zo wordt gezegd, is de hele wereld en al het leven zichtbaar. In de afgelopen jaren heeft Marden een collectie geleerdenstenen in zijn studio verzameld. Hij verkent hun intricaties, hun patronen, hun lagen, hun kleurrelaties en de complexe harmonieën die hij erin waarneemt. Die observaties hebben zich gemanifesteerd in een serie genaamd de Red Rocks-schilderijen.

In de Red Rocks-schilderijen werkt Marden opnieuw in lagen, waarbij hij lineaire vormen creëert, deze wegschraapt, eroverheen schildert en geleidelijk verf opbouwt totdat het beeld zich oplost. De uiteindelijke vormen in deze schilderijen lijken meer direct gerelateerd aan de natuurlijke vormen die evident zijn in de stenen. Maar ze bevatten nog steeds de gestuele energie van zijn kalligrafische markeringen, wat een constante beweging aan de composities verleent.

Brice Marden - Oranje Stenen, Rode Bodem 3, 2000-2002. Olie op linnen. 75 x 107 in. © Brice Marden

Het zit allemaal in de schilderij

Daarnaast breidt Marden in zijn Red Rock schilderijen zijn gebruik van lijn uit tot de verste randen van het doek, waarbij hij lijn gebruikt om de rand van het frame te omlijnen, wat het gevoel van de rechthoekige grenzen van het stuk versterkt. Onlangs sprak hij over deze werken en merkte op dat zijn keuze om lijn op deze manier te gebruiken verband hield met vragen over de aard van de schilderijen en hoe ze werden geïnterpreteerd. Hij zei: “Deze afbeelding is geen detail. Deze afbeelding is zichzelf. Er gebeurt niets buiten deze afbeelding. Dat is waar dit hele kaderding om draait.”

Die uitspraak, dat er niets buiten het schilderij gebeurt, en dat alles wat essentieel is daarin is opgenomen, is van vitaal belang voor de overkoepelende thema's van de Oosterse tradities die de kalligrafische lineaire werken van Marden hebben geïnspireerd. Het is een alternatief voor de culturele perceptie dat mensen op de een of andere manier buiten de natuur bestaan en onafhankelijk van haar kunnen opereren. De werkelijkheid is dat mensen deel uitmaken van de natuur, niet ernaast staan en het van buitenaf observeren. Alles is in de natuur, inclusief ons. Er gebeurt niets buiten haar.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Olie op doek. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). MoMA Collectie. Fractionele en beloofde gift van Kathy en Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Vage lijnen

Wanneer we kijken naar de afgelopen zes decennia van het werk van Brice Marden, zijn er consistenties die door zijn gehele oeuvre heen lopen. Zijn palet is consistent gedempt, en hij heeft consequent rechthoeken omarmd, hetzij direct in zijn rechthoekige paneel monochrome werken of indirect in zijn kalligrafische lineaire composities. Maar er zijn ook ingrijpende veranderingen geweest, aangezien hij is overgestapt van het zoeken naar totale vlakheid met de Plane Image naar het omarmen van een gelaagd gevoel van diepte in zijn lineaire werk.

Voor Marden vertegenwoordigen die veranderingen een element van schilderkunst dat hij waardeert. Elke schilderij dat hij bekijkt uit elke fase van zijn carrière is een herinnering aan wie hij op dat moment was. Teruggaan en die werken tegenkomen biedt hem een gevoel dat hij geworteld is in iets onveranderlijks, ondanks de constante verandering. Zoals hij het ooit uitdrukte: “Een van de dingen van een schilderij is dat het zo blijft. En je kunt er altijd naar teruggaan. En elke keer dat je ernaar teruggaat, ben je anders, maar het is hetzelfde. Het is een stabiel ding.”

Uitgelichte afbeelding: Brice Marden - Tweede Brief, Zen Lente (detail), 2006 – 2009. Olie op linnen. © Brice Marden
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio