Brice Marden en de kalligrafische behandeling van de lijn

Naast traditionele verfkwasten liggen er op een tafel in het New Yorkse atelier van Brice Marden tientallen stokjes verspreid. Gewone stokjes van takken van bomen, behalve dat elk stokje aan één punt gekleurd is, het resultaat van het onderdompelen in inkt. Marden tekent ermee, waarbij hij gebarenachtige symbolen maakt in kolommen en rijen op papier, in composities die doen denken aan poëzie geschreven op een rol. Intuïtief getekend vanuit de verbeelding van Marden, zijn de symbolen deels geïnspireerd door Chinese kalligrafie. Ze zijn ook beïnvloed door objecten die gongshí worden genoemd, ook wel Chinese geleerdenstenen genoemd. Gongshí-stenen worden gevonden in, of beter gezegd gekozen uit de natuur. Ze worden gewaardeerd om hun abstracte fysieke eigenschappen en worden door geleerden gebruikt voor contemplatieve doeleinden. Er valt veel te leren door hun vormen, hun rimpels, hun openingen, hun asymmetrische balans, de glans van hun oppervlakken, hun textuur, hun kleuren en hun gelijkenis met natuurlijke dingen te bestuderen. Net als in de schilderijen die Marden maakt, wachten de mogelijkheden binnen de gongshí om ontdekt te worden, verborgen in het volle zicht binnen de lagen en lijnen.

Het Vlakke Beeld

Brice Marden werd bekend als schilder in de jaren zestig. Hij behaalde zijn MFA aan Yale University in 1963 en verhuisde datzelfde jaar naar New York City. Hij kreeg snel een baan als bewaker in het Joods Museum. Daar kon hij het werk bestuderen van zijn meest begaafde tijdgenoten. Rond die tijd voelden veel van zijn collega-kunstenaars een algemene malaise ten opzichte van schilderkunst. Sommigen bespotten het eeuwenoude rechthoekige doek en experimenteerden met doeken die in ongewone vormen waren gevormd. En veel kunstenaars verklaarden zelfs openlijk dat schilderkunst dood was.

Maar Marden kon het niet meer oneens zijn. Naar zijn mening was er nog genoeg te doen voor schilderkunst. Rond 1964 begon hij zijn aandacht te richten op het vlak van het schilderij. Anders gezegd verwijst het vlak naar de totaliteit van het oppervlak van een schilderij. Alles wat een schilder aan het schilderij toevoegt, bestaat binnen het vlak. Een groot deel van het modernisme richtte zich op het zo veel mogelijk vlak maken van het vlak, het elimineren van perspectief, duw en trek, of iets dat diepte aan het beeld zou toevoegen. Om het toppunt van dat doel te bereiken, begon Marden monochromen te schilderen, die hij beschouwde als de ultieme uitdrukking van vlakheid. Hij noemde zijn versie van de monochroom het Vlakke Beeld, omdat, zoals hij zei, “het vlak het beeld was.”

Brice Marden - The Dylan Painting, 1966. Olie en bijenwas op doek. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Lof voor Rechthoeken

Wat betreft de minachting die schilders in de jaren zestig voelden voor het rechthoekige doek, was Brice Marden beslist niet in het kamp van de haters. Hij beschouwt de rechthoek als de ultieme vorm voor een schilderij. In een interview met de National Gallery of Art in 2014 zei hij: “De rechthoek is een geweldige menselijke uitvinding. In de jaren zestig was er veel van dat gedoe met gevormde schilderijen. Maar ik hield echt van de rechthoek. En ik dacht dat als je de exacte juiste kleur voor die vorm kon krijgen, en je had het echt goed, als je absolute correctheid van vorm had, god weet wat dat schilderij dan kon doen.”

Dat idee, dat een schilderij iets kan doen, toont bij Marden een diepgeworteld respect voor kunst in het algemeen en in het bijzonder voor schilderkunst. In de jaren dat hij zijn monochromen maakte, was er een bredere discussie gaande over wat kunst was en kon zijn. Het populaire idee was dat kunst alles kon zijn, en dat alles potentieel kunst is. Marden was het daar niet mee eens. Hij verdedigde kunst als een menselijke onderneming en stelde dat een kunstwerk door menselijke handen gemaakt moet zijn. Gedurende de jaren zestig en zeventig bouwde hij zijn reputatie op door schilderkunst te verdedigen met zijn gedurfde monochromen geschilderd op onverschrokken rechthoeken. Dit werk maakte hem beroemd, en in 1975 werd hij beschouwd als een van de meesters van minimalisme en kreeg hij een soloretrospectief in het Guggenheim in New York.

Brice Marden - The Seasons, 1974-75. Olie op doek. 243,8 x 632,5 cm. The Menil Collection, Houston, TX. © Brice Marden

West ontmoet Oost

Net toen Marden in de jaren zeventig op het hoogtepunt van zijn roem was, begon hij ook nieuwe richtingen te zoeken voor zijn kunst. Begin jaren tachtig vond hij de inspiratie waar hij naar op zoek was, toen een reeks ontmoetingen met de Oosterse cultuur hem hielpen een nieuwe relatie met het geschilderde beeld te ontwikkelen. Vooral viel hem de Chinese kalligrafie op, waarbij hij zowel de gebarenlijnen van de individuele symbolen bewonderde als de rasterachtige kwaliteit van de kolommen en rijen van de geschreven coupletten.

Hij begon een serie schilderijen, gebaseerd op kalligrafische esthetiek, genaamd de Cold Mountain-schilderijen. Om ze te maken schilderde hij een laag intuïtieve, abstracte kalligrafische symbolen, schraapte de verf eraf en schilderde een nieuwe laag symbolen, waarbij hij het proces herhaalde totdat de compositie was afgerond. De naam Cold Mountain is geïnspireerd op de Cold Mountain Poems, een serie van honderden gedichten geschreven door een kluizenaarsmonnik genaamd Hanshan in de 9e eeuw. Het sobere kleurenpalet en de kalligrafische uitstraling van de schilderijen verwijzen naar de esthetiek van de gedichtenrollen, terwijl hun gebaarachtige, gelaagde beelden de geest van de gedichten oproepen, die vrijheid, natuur en de zoektocht naar harmonie omarmden.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bridge), 1989-1991. Olie op linnen. 108 × 144 inch. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

De Geleerdenstenen

Naast kalligrafie was de andere grote Oosterse invloed op Marden zijn ontmoeting met gongshí, of Chinese geleerdenstenen. In de stenen zou, zo wordt gezegd, de hele wereld en het hele leven zichtbaar zijn. In de afgelopen jaren heeft Marden een verzameling geleerdenstenen in zijn atelier opgebouwd. Hij onderzoekt hun ingewikkeldheden, hun patronen, hun lagen, hun kleurrelaties en de complexe harmonieën die hij erin waarneemt. Die waarnemingen hebben zich gemanifesteerd in een serie genaamd de Red Rocks-schilderijen.

In de Red Rocks-schilderijen werkt Marden opnieuw in lagen, waarbij hij lineaire vormen creëert, ze uitschraapt, eroverheen schildert en geleidelijk de verf opbouwt totdat het beeld zich vormt. De uiteindelijke vormen in deze schilderijen lijken directer te verwijzen naar de natuurlijke vormen die in de stenen zichtbaar zijn. Maar ze bevatten nog steeds de gebarenenergie van zijn kalligrafische tekens, wat een constant gevoel van beweging aan de composities geeft.

Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Olie op linnen. 75 x 107 inch. © Brice Marden

Het Zit Allemaal in het Schilderij

Daarnaast breidt Marden in zijn Red Rock-schilderijen zijn gebruik van lijn uit tot aan de verste randen van het doek, waarbij hij lijn gebruikt om de rand van het kader te omlijnen, wat het gevoel van de rechthoekige grenzen van het werk versterkt. Over deze werken sprak hij onlangs en merkte op dat zijn keuze om lijn op deze manier te gebruiken verband hield met vragen over de aard van de schilderijen en hoe ze werden geïnterpreteerd. Hij zei: “Dit beeld is geen detail. Dit beeld is zichzelf. Er gebeurt niets buiten het beeld. Daar gaat dat hele kadergedoe over.”

Die uitspraak, dat er niets buiten het schilderij gebeurt, en dat alles wat essentieel is erin is opgenomen, is van wezenlijk belang voor de overkoepelende thema’s van de Oosterse tradities die de kalligrafische lineaire werken van Marden hebben geïnspireerd. Het is een alternatief voor de culturele opvatting dat mensen op de een of andere manier buiten de natuur bestaan en onafhankelijk daarvan kunnen handelen. De werkelijkheid is dat mensen deel uitmaken van de natuur, niet er apart van staan en het van buitenaf observeren. Alles zit in de natuur, inclusief wijzelf. Er gebeurt niets buiten de natuur.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Olie op doek. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). MoMA Collectie. Gedeeltelijk en toegezegd geschenk van Kathy en Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Vervaagde Lijnen

Als je kijkt naar de afgelopen zes decennia werk van Brice Marden, zijn er overeenkomsten die door zijn hele oeuvre heen lopen. Zijn kleurenpalet is steeds gedempt, en hij heeft consequent rechthoeken omarmd, hetzij direct in zijn rechthoekige gepaneelde monochrome werken, hetzij indirect in zijn kalligrafische lineaire composities. Maar er zijn ook ingrijpende veranderingen geweest, omdat hij is overgestapt van het zoeken naar totale vlakheid met het Vlakke Beeld naar het omarmen van een gelaagd gevoel van diepte in zijn lineaire werk.

Voor Marden vertegenwoordigen die veranderingen een element van schilderkunst dat hij waardeert. Elk schilderij dat hij bekijkt uit elke fase van zijn carrière herinnert hem eraan wie hij toen was. Terug kunnen gaan en die werken kunnen ontmoeten geeft hem het gevoel dat hij geworteld is in iets onveranderlijks, ondanks de voortdurende verandering. Zoals hij het ooit uitdrukte: “Een van de dingen van een schilderij is dat het zo blijft. En je kunt er steeds op terugkomen. En elke keer dat je er op terugkomt ben je anders, maar het is hetzelfde. Het is iets stabiels.”

Afbeelding in de uitgelichte sectie: Brice Marden - Second Letter, Zen Spring (detail), 2006 – 2009. Olie op linnen. © Brice Marden
Alle afbeeldingen worden alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio