Wat is gebarenabstractie in schilderkunst?

De frase gestuele abstractie verwijst naar een manier van kunst maken. Het is een proces, geen beweging. Bij een abstracte gestuele schildering gaat het niet om wat er geschilderd wordt. Het gaat om hoe het geschilderd wordt. In plaats van verf op een oppervlak aan te brengen op een gecontroleerde, doordachte manier, brengen gestuele schilders verf intuïtief, fysiek aan, door te druppelen, te gieten, te spetteren, te vegen, te dumpen, te spuiten, of wat dan ook. Het type verf doet er niet toe, noch doet het er toe wat er naast verf op het oppervlak terechtkomt. Wat ertoe doet zijn fysiekheid, eerlijkheid, intuïtie en diepe persoonlijke expressie. Abstracte gestuele schilders verkennen hun diepste emoties, hun primaire realiteiten, en ze uiten dat deel van zichzelf tijdens de fysieke daad van het schilderen. De schilderij zelf is een relikwie van de actie; het is een registratie van de gemaakte gebaren; het is het esthetische restant van iets oprechts, intuïtiefs, idiosyncratisch en vrij.

De Wortels van Gesturele Abstractie

Creativiteit is van nature optimistisch. Voor een kunstenaar om te streven naar het maken van een origineel werk impliceert een geloof in de waarde van individuele menselijke bijdragen. Gesturele abstractie ontstond in een tijd waarin zowel originaliteit als optimisme onder druk stonden. Tijdens de eerste paar decennia van de 20e eeuw leidde een reeks revoluties, depressies, hongersnoden en oorlogen de wereld naar de rand van sociale ineenstorting. Tegen het midden van de jaren veertig bezaten meerdere landen wapens die krachtig genoeg waren om de menselijke beschaving te beëindigen. Geconfronteerd met het vooruitzicht dat het leven niet heilig was, greep een existentiële crisis de collectieve cultuur.

Tegelijkertijd had tientallen jaren van intense experimentatie in de kunsten originaliteit uitdagend gemaakt. Maar verschillende kunstenaars ontdekten dat de oplossing voor beide uitdagingen dezelfde was: naar binnen keren, naar hun onderbewustzijn. Daar konden ze verbinding maken met hun existentiële angst op een uniek persoonlijke, en dus originele manier. Om die innerlijke waarheid over te brengen, ontwikkelden ze technieken die hen in staat stelden om ongehinderd te schilderen, zodat ze hun instincten niet zouden verstoren. Ze lieten het onderwerp los. Hun onderwerp was de daad van het schilderen zelf. Zoals de kunstcriticus Harold Rosenberg het verwoordde: “Op een bepaald moment begon het doek voor de ene Amerikaanse schilder na de andere te verschijnen als een arena om in te handelen - eerder dan als een ruimte om een object, werkelijk of verbeeld, te reproduceren, opnieuw te ontwerpen, te analyseren of uit te drukken. Wat op het doek moest komen was geen afbeelding maar een gebeurtenis.”

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil and metallic paint on canvas. 6' 3 7/8" x 58" (192.7 x 147.3 cm). MoMA Collection. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) and Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Enamel and oil on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

Pioniers van de Geestelijke Abstractie

Jackson Pollock is de meest beroemde abstracte gebaarsschilder. In 1936 woonde Pollock een workshop bij die werd geleid door de beroemde Mexicaanse muurschilder David Alfaro Siqueiros in New York City. Siqueiros moedigde jonge kunstenaars aan om ongebruikelijke media en nieuwe technieken te gebruiken, zoals het gooien en druppelen van verf, om het moderne tijdperk uit te drukken. Pollock bouwde in het volgende decennium voort op dat advies. Hij verkende automatische tekeningen en ontwikkelde gebaarstechnieken voor het aanbrengen van verf zonder contact te maken met het oppervlak van het doek. Hij bereikte een gecontroleerde staat van samenwerking tussen zijn innerlijke emoties, zijn gebaren, zijn medium en zijn oppervlak, en creëerde de iconische esthetiek die nu wordt geassocieerd met gebaarabstractie.

Andere gebaarverfijningen zoals Willem de Kooning, Lee Krasner en Franz Kline bleven traditionele hulpmiddelen zoals penselen gebruiken en maakten ook fysiek contact met het canvas, terwijl ze toch dramatische, intuïtieve, fysieke gebaren in hun werken incorporeerden. Deze kunstenaars ontwikkelden persoonlijke visuele talen gebaseerd op de rauwheid en directheid van hun markeringen. Door hun gebaarverfstreken gaven ze de drama van hun emotionele toestanden en de intensiteit van hun fysieke bewegingen weer.

Jackson Pollock - Number 32, 1950. Enamel on canvas. 457.5 x 269 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany. © The Pollock-Krasner Foundation

Contemporary Gestural Painting

Vandaag de dag blijven veel schilders voortbouwen op de traditie van de gebarenverf. Joanne Freeman maakt gebruik van gebaren technieken om haar reductieve, hard-edge abstracties te creëren, waarbij de directe fysikaliteit van haar proces naar de voorgrond van haar visuele taal wordt gebracht. Margaret Neill verwijst naar Lyrische Abstractie in haar gebaren schilderijen. Haar proces omvat het maken van intuïtieve markeringen in verschillende media zoals grafiet, kleurpotlood en verf, wat resulteert in gelaagde, dimensionale composities van kronkelige, gebaren lijnen. Francine Tint is een leider onder hedendaagse Abstract Expressionistische gebaren schilders. Ze heeft de gebaren abstractie gedurende haar carrière voortdurend vooruitgeduwd en deze geüpdatet voor deze generatie.

Ongeacht de trends verkennen deze en vele andere kunstenaars de gebarenabstractie omdat het een oprechte, eerlijke en evocatieve manier is om zichzelf uit te drukken. Ze begrijpen dat hoewel de technieken die met dit kunstmaakproces geassocieerd worden in en uit de mode kunnen raken, de esthetische aantrekkingskracht altijd sterk zal blijven, vanwege de inherente emotionele diepgang en kracht die het communiceert voor zowel kunstenaars als kijkers.

Francine Tint - Male Muse, 2016. Acrylic on canvas. © Francine Tint

Uitgelichte afbeelding: Lee Krasner - Night Creatures, 1965. Acryl op papier. 30 x 42 1/2 in. (76,2 x 108 cm). Gift van Robert en Sarah W. Miller, ter ere van Lee Krasner, 1995. 1995.595. De collectie van het Metropolitan Museum of Art. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Bracio