Hard-Edge Schilderkunst en de Esthetiek van Abstracte Orde

Zou je graag in een hard-edge schilderij willen klimmen? Ga de volgende keer dat je in Las Vegas bent naar het Cosmopolitan Hotel en Casino. Op straatniveau is er een Starbuck’s koffiehuis. Loop naar binnen en kijk omhoog naar de muren. Je zult heldere vlakken van primaire kleuren zien die op verschillende oppervlakken en armaturen zijn geschilderd. Op een van de muren zie je de handtekening van de man die deze kleurvlakken schilderde: de Franse kunstenaar en fotograaf Georges Rousse.

Als je naar het verste uiteinde van de kamer loopt, zie je een plek op de vloer gemarkeerd die kijkers uitnodigt erop te gaan staan. Vanaf die ene plek, en alleen vanaf die plek, wordt Rousse’s visie vervuld. Die beschilderde oppervlakken maken deel uit van een illusie, een driedimensionale verwezenlijking van een geometrisch abstract schilderij dat architectonische ruimte inneemt.

John McLaughlin - Ongetiteld, 1951, Olie op Masoniet, 23 ¾ × 27 ¾ inch, Met dank aan Van Doren Waxter

Wat is Hard-Edge Schilderkunst?

De term hard-edge schilderkunst werd in de late jaren 1950 bedacht door Jules Langsner, een kunstschrijver voor de krant Los Angeles Times. De term verwees naar een oude neiging die opnieuw begon op te duiken in verschillende abstracte kunststijlen, maar die vooral in Californië op dat moment veel voorkwam. De neiging hield in dat geometrische vormen in felle, volle kleuren werden geschilderd, duidelijk van elkaar gescheiden door scherpe, stevige randen. Twee van de voornaamste hard-edge schilders waar Langsner naar verwees toen hij de term bedacht, waren John McLaughlin en Helen Lundeberg.

Dit type schilderkunst was al eeuwenlang gedaan en had zich in vele culturen laten zien. Zelfs binnen de Westerse abstracte kunst was deze neiging om met felle kleuren, goed gedefinieerde vormen en scherpe randen te werken al eerder opgedoken, bijvoorbeeld in het werk van Kazimir Malevich en Piet Mondriaan.

De esthetiek van hard-edge schilderkunst raakte uit de mode in de jaren 1940 en 50, mede dankzij de opkomst van het emotieve, gebarenrijke werk van de Abstract Expressionisten. Zoals de term tegenwoordig wordt gebruikt, verwijst hard-edge schilderkunst niet zozeer naar een specifieke stijl of stroming, maar eerder naar een neiging die moderne kunstenaars in verschillende stijlen toepassen en blijven toepassen in hun esthetiek.

Helen Lundeberg - Blauwe Planeet, 1965, Acryl op doek, 60 x 60 inch, De Marilynn en Carl Thoma Collectie. © Feitelson Arts Foundation, met dank aan Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Rode Vierkant, 1915, Olie op doek, 21 × 21 inch, Russisch Museum, Sint-Petersburg

De Filosofie van Schoonheid

Voor veel mensen is een van de meest verwarrende elementen van abstracte kunst dat het niet voldoet aan een objectieve definitie van schoonheid. Althans in de westerse wereld werd esthetische schoonheid in schilderkunst eeuwenlang bepaald door natuurlijke en figuratieve onderwerpen, zoals portretten en landschappen. Voor de opkomst van abstractie werd van een kunstwerk verwacht dat het iets moois uit de objectieve wereld weergaf, zoals een engel, een historische figuur of een weide, om als esthetisch mooi te worden beschouwd.

Toen kunstenaars begonnen de elementen van schilderkunst te ontleden, daagden ze het concept uit van wat mooi kon zijn. Zou het licht op zichzelf als mooi kunnen worden beschouwd? De impressionisten dachten van wel. Zou kleur op zichzelf esthetisch mooi kunnen zijn? De Orphisten dachten van wel. Veel kunstenaars en kunststromingen hebben sindsdien zelfs de vraag gesteld of esthetische schoonheid wel relevant is. Moet kunst iets met schoonheid te maken hebben?

Piet Mondriaan - Compositie II in Rood, Blauw en Geel, 1930, Olie op doek, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

De Schoonheid van Orde

Ongeacht de filosofische spelletjes die kunstenaars, critici en academici met elkaar spelen, is het feit dat schoonheid ertoe doet voor kijkers. Kunstkijkers willen in de nabijheid zijn van objecten die hen een goed gevoel geven. Ze willen dat kunst met hen meedoet in hun zoektocht naar voldoening, wat dat ook voor hen mag betekenen. Zelfs als elke kunstcriticus ter wereld een bepaald schilderij van groot historisch belang acht, als geen enkele kijker er in de buurt wil zijn, neemt de waarde ervan terecht af. De fundamentele waarheid dat mensen graag in de nabijheid zijn van esthetisch aangename dingen is iets waar veel abstracte kunststromingen mee hebben geworsteld, en het is iets waar hard-edge schilderkunst veel kijkers mee heeft geholpen om het onder ogen te zien.

Er is schoonheid in orde. Er is schoonheid in rationaliteit. Er is schoonheid in kleur. Er is schoonheid in lijn. Er is schoonheid in iets dat ongerept, onaangetast, schoon en verstandig is. Hoewel veel kijkers zelfs vandaag de dag moeite hebben om de schoonheid van kubistische werken of de abstracte schilderijen van Wassily Kandinsky in eerste instantie te zien, is het onmiskenbaar dat er iets aantrekkelijks, of op zijn minst psychologisch bevredigends, is aan schilderijen die onze behoefte aan structuur aanspreken. De hard-edge geometrische abstractie van Malevich’s Suprematistische schilderijen en Mondriaans De Stijl schilderijen is mooi omdat het een esthetisch tegengif is tegen chaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, of Nummer 11, 1952, Emaille en aluminiumverf met glas op doek, 83,5 inch × 192,5 inch, National Gallery of Australia, Canberra

Een Vraag van Smaak

Natuurlijk wil dit niet zeggen dat andere soorten abstracte kunst niet mooi zijn. Schoonheid is een kwestie van smaak. Bijvoorbeeld, verschillende kijkers hebben een verschillende capaciteit om complexiteiten te doorgronden. Wat voor de ene blik chaos lijkt, oogt voor een ander idyllisch. De reden dat actie-schilders zoals Jackson Pollock en Willem de Kooning zo succesvol waren, is duidelijk omdat zoveel kijkers hun werk toegankelijk, herkenbaar en mooi vonden. Hoewel sommige kijkers een schilderij als Pollocks Blue Poles een rommel vinden, beschouwen veel meer kijkers het als een uitdrukking van universele menselijke waarheden en oerpersoonlijke waarheid.

De reden dat hard-edge schilderkunst in de jaren 1950 weer in de mode kwam, is misschien omdat Abstract Expressionisme zo emotioneel was. Het was immers ontstaan uit de meest gewelddadige, catastrofale en angstige tijden in de geschiedenis van de mensheid, na de Tweede Wereldoorlog en de opkomst van de atoombom. Het is logisch dat kijkers die dag in dag uit hun eigen ondergang zagen op het avondnieuws uiteindelijk verlangden naar iets dat meer bijdroeg aan innerlijke rust en een gevoel van orde.

De hard-edge schilderkunst van de jaren 1950 en 60 bood precies dat. Het bood een terugkeer naar de formele, klassieke kwaliteiten van geometrische abstractie. In plaats van te kijken naar de horror van onze psyche en de chaos in onze oeremoties, bood hard-edge abstractie ons een toevluchtsoord in een beschouwende, meditatieve ruimte waar vorm, kleur, lijn en oppervlak het enige waren dat telde. Daar konden we mediteren over de basiselementen van dingen en onszelf misschien, al was het maar tijdelijk, transformeren in iets anders.

Donald Judd - 15 ongetitelde werken in beton, 1980-1984, Marfa, TX, De Chinati Stichting, Marfa

Minimalisme en Meer

De terugkeer naar formele, hard-edge esthetiek inspireerde een enorme creatieve evolutie in abstracte kunst halverwege de 20e eeuw. Het inspireerde de opkomst van de Color Field schilders, zoals Kenneth Noland, die vlakke oppervlakken en grote kleurvlakken gebruikten om meditatieve schilderijen te maken waardoor kijkers transcendente sensaties konden ervaren. Het inspireerde Post-Painterly abstractie, een stroming die zich toelegde op het verbergen van de hand van de kunstenaar en het benadrukken van formalistische kwaliteiten zoals kleur, lijn, vorm en oppervlak. Het hielp ook het denken van kunstenaars als Donald Judd en degenen die verbonden zijn aan Minimalisme, die het toppunt van ongeëmotioneerde expressie bereikten door esthetisch formalisme te omarmen.

James Turrell - Raethro Pink (Hoekprojectie), 1968, © James Turrell

Een Groter Erfgoed

Hard-edge schilderkunst inspireerde ook de kunstenaars van de licht- en ruimtestroming. Iedereen die ooit binnen een meeslepend werk van James Turrell is geweest, of een van zijn werken heeft gezien waarin “openingen” worden gebruikt, hard-edge gaten in oppervlakken waardoor licht kan schijnen, kan duidelijk de link zien tussen dit werk en hard-edge schilderkunst.

Zelfs de installatiekunstenaar James Irwin wordt in verband gebracht met het erfgoed van de hard-edge schilders door zijn lichtwerken. De bekendste voorbeelden zijn Irwins acrylinstallaties, waarin een helder, gebogen, cirkelvormig stuk acryl uit een muur steekt en wordt beschenen met licht, waardoor lijnen, geometrische patronen en een samenspel van licht en schaduw op het omliggende oppervlak ontstaan. Deze werken breiden de principes van hard-edge schilderkunst uit naar driedimensionale ruimte, waardoor ze door de kijker kunnen worden betreden.

Robert Irwin - Ongetiteld, 1969, Acrylverf op gegoten acryl, 137 cm in diameter, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York

Een Zaak van Perspectief

Of hard-edge schilderkunst mooier is dan meer emotieve schilderstijlen of andersom is puur een kwestie van mening. En meningen veranderen. Terug naar die Starbucks in Las Vegas, we kunnen zien dat dat de ware kern is van de boodschap die Georges Rousse misschien probeert over te brengen met zijn werk. Een hard-edge schilderij van een geometrische vorm kan ons orde en helderheid geven. Maar niet iedereen vindt geluk in orde en helderheid. Sommigen van ons houden van rommeligheid. Sommigen van ons genieten van chaos. De ware schoonheid van Rousse’s hard-edge werken is dat met een simpele stap in welke richting dan ook de randen zachter worden en verschuiven. Ze bewijzen dat perspectief echt alles is.

Alle afbeeldingen worden alleen voor illustratieve doeleinden gebruikt
Door Phillip Barcio