Lyrische Abstractie: De Kunst Die Weigert Koud te Zijn

Tokio, 1957. Georges Mathieu, blootsvoets, gewikkeld in een kimono, zijn lange lichaam opgerold als een veer die op het punt staat los te laten, staat voor een doek van acht meter. Hij is uitgenodigd door Jiro Yoshihara van de Gutai Art Association, de avant-gardegroep die kunst predikt als pure materiële ontmoeting. Het publiek kijkt toe. Mathieu schetst niet, plant niet, aarzelt niet. Hij grijpt naar de tube verf. Hij knijpt die direct op het oppervlak. Zijn arm zwaait. Een kalligrafische wervelstorm barst los. Binnen enkele minuten bestaat La Bataille de Hakata. Hij zal nog twintig doeken schilderen voordat hij aan boord gaat van zijn vlucht naar huis. Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Georges Mathieu schildert la Bataille de Bouvines - 25 avril 1954 - ©Robert Descharnes

Als die scène je aanspreekt, het risico, het zweet, de verf die niet onaangeroerd kan blijven, dan zit je al in het betoog van dit essay. Voor lezers die geïnteresseerd zijn in belangrijke feiten over lyrische abstractie, biedt onze zeer gedetailleerde FAQ onderaan alle informatie.

Twee keer geboren, altijd in oppositie

Lyrische abstractie kwam niet uit het niets voort. Ze werd geboren uit een specifieke, lichamelijke afkeer van kilte. De eerste geboorte vond plaats in Parijs, 1947, een stad die nog steeds bloedde van de nazi-bezetting. De criticus Jean José Marchand en de schilder Georges Mathieu bedachten de term Abstraction Lyrique om de werken te beschrijven die werden getoond in "L'Imaginaire" in de Galerie du Luxembourg: schilderijen die, zoals Marchand opmerkte, een lyriek vertoonden die losstond van alle slavernij. Geen slavernij aan geometrie. Geen slavernij aan het rationele raster dat in zijn meest perverse politieke incarnatie net had geprobeerd Europa te vermoorden. Het gebaar was een daad van overleving: de penseelstreek als bewijs van voortdurende menselijke aanwezigheid.

De tweede geboorte vond plaats in New York, 1969, en de vijand was veranderd, maar het was nog steeds kil. De Amerikaanse criticus en verzamelaar Larry Aldrich publiceerde "Young Lyrical Painters" in Art in America, waarin hij een generatie schilders benoemde die uitgeput was geraakt door het ijzige perfectionisme van het minimalisme en de berekende ironie van de popart. Het Whitney Museum zou de beweging codificeren met een volledige tentoonstelling in 1971. Weer: warmte die opkomt tegen een systeem. Elke keer dat lyrische abstractie opkwam, gebeurde dat niet als een stijl, maar als een weigering: een weigering om schilderkunst een concept zonder lichaam te laten worden, een vorm zonder hartslag.

Deze dubbele genealogie (Parijs 1947 / New York 1969) is meer dan historische trivia. Het onthult iets structureels over wat lyrische abstractie is. Het is een beweging die zichzelf definieert tegenover iets anders, wat betekent dat haar identiteit voortdurend levend en voortdurend reactief is. Denk aan Martin Reyna, een in Argentinië geboren schilder die al decennia in Parijs woont en werkt. Zijn encres en verdunde acrylverven zijn tegelijkertijd gecomponeerd en losgelaten: Reyna stelt een structuur vast: een territorium, een ritme, een reeks voorwaarden, en laat vervolgens kleur binnen die structuur bewegen volgens haar eigen logica, waarbij het uiteindelijke oppervlak evenzeer toebehoort aan de beslissingen van de kunstenaar als aan de verf zelf. Bij het bekijken van een doek van Reyna voel je de weerstand, niet tegen een specifieke historische stroming, maar tegen het idee van het schilderij als een gesloten, besloten ding. Hij is, in deze zin, een directe erfgenaam van de Parijse weigering van 1947.

Martin Reyna - L'Ile - 2023

Wat het Lichaam Weet

Dit is wat lyrische abstractie onderscheidt van andere vormen van expressief schilderen: proces is geen middel, het is de boodschap.

Mathieu's "Tubisme" (verf rechtstreeks uit de tube persen met snelheid) was geen technische snelkoppeling. Het was een filosofische verklaring: geen bemiddeling tussen impuls en oppervlak. Jean-Paul Riopelle, het Canadese lid van de Art Informel-kring in Parijs, schafte de kwast volledig af en werkte alleen met het paletmes, waarbij hij dikke mozaïek-impasto's van kleur opbouwde die koppig en materieel aanwezig aanvoelen. Helen Frankenthaler ging de tegenovergestelde richting op: haar soak-stain techniek goot pigment op rauw, ongegrond canvas zodat de verf werd geabsorbeerd in plaats van aangebracht, waarbij de grens tussen schilderij en drager volledig vervaagde. Elk van deze is een andere weddenschap tegen controle, een andere manier om het lichaam te laten spreken voordat de geest kan redigeren.

Deze lichaamsgerichte logica is precies wat je ziet en voelt in het werk van Macha Poynder, de in Parijs gevestigde schilder die haar doeken opbouwt door performatieve gebaren, automatisch tekenen en intuïtieve kleurkeuzes die ze beschrijft als uitingen van het onbewuste in plaats van het intellect. Haar oppervlakken mengen gebieden van schijnbare willekeur, waar verf is gespat of gedruppeld, met zones van bewuste precisie aangebracht door een getrainde hand, en de spanning tussen die twee toestanden is het schilderij. Poynder vergelijkt haar proces met het maken van muziek: niet van tevoren gecomponeerd, maar ontdekt tijdens het doen. Haar werk maakt deel uit van de permanente collecties van het Centre Pompidou en het Rijksmuseum, wat suggereert dat ook instellingen het verschil kunnen voelen tussen een schilderij dat werd uitgevoerd en een dat slechts werd gemaakt.

Macha Poynder - Far Away -  2026

Janise Yntema, werkzaam in Brussel met encaustische was (bijenwas aangebracht en gefuseerd met een brander) bevindt zich in een vergelijkbaar geladen gebied tussen controle en loslaten. De was gedraagt zich: tot op zekere hoogte. Dan komt de hitte, en wat was geplaatst wordt wat het wordt. Elke halftransparante laag vangt licht anders, zodat het kijken in een Yntema-doek is als kijken in iets dat van binnenuit verlicht is. Het moment tussen richting en toeval is geen probleem dat ze probeert op te lossen; het is het hele onderwerp. En in Brooklyn werkt Emily Berger op houten panelen (zie hoofdfoto) met olieverf in brede horizontale gebaren die haar hele arm betrekken (schrapen, scumble, slepen) zodat elke markering onmiskenbaar het verslag is van een fysieke inzet. Haar oppervlakken, heeft Berger gezegd, vieren de hand van de kunstenaar. In een tijdperk dat vaak de hand onzichtbaar wil maken, is dit geen esthetische voorkeur. Het is een standpunt.

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer, een in Oostenrijk geboren schilder die in Belgrado woont, brengt weer een andere invalshoek in deze vraag over lichaam en proces. Zijn schilderijen bewegen zich tussen registers, van precieze, bijna architectonische tekeningen tot brede atmosferische kleurvlakken, maar in elke modus is het teken overwogen zonder berekend te zijn, het oppervlak bereikt door echte fysieke betrokkenheid in plaats van een vooraf bepaald plan. Landauer beschrijft zijn praktijk als een proces van opgraving: verhuizen naar Belgrado gaf hem de afstand om vertrouwde dingen in vraag te stellen, en die vraagstelling is zichtbaar in oppervlakken die zowel geconstrueerd als ontdekt aanvoelen.

Paul Landauer - Beweging - 2023

De wereld wachtte niet op Parijs of New York

Een van de hardnekkige mythen van de kunstgeschiedenis is dat stromingen op één plek ontstaan en zich "verspreiden" naar elders, alsof cultuur een soort besmetting is. Lyrische abstractie maakt dit model aanzienlijk ingewikkelder. De Gutai-groep in Japan was geen satelliet van het Franse Art Informel: het was een parallelle uitvinding, gedreven door haar eigen urgentie na de oorlog, haar eigen ontmoeting met materie en performance. Kazuo Shiraga schilderde met zijn voeten, hangend aan touwen boven het doek. Toen Mathieu in 1957 in Tokio arriveerde, was de ontmoeting tussen twee even volledig gevormde gevoeligheden, niet tussen een leraar en zijn leerlingen.

Zao Wou-Ki, de in China geboren schilder die zich na zijn studie in Hangzhou in Parijs vestigde, combineerde de spontane energie van de Oosterse inktpraktijk met de ruimtelijke ambities van het Europese Art Informel op een manier die geen van beide tradities afzonderlijk had kunnen voortbrengen. Zijn grootschalige doeken zijn tegelijkertijd kalligrafisch en atmosferisch, een soort schilderkunst zonder precedent omdat het precies zijn biografie vereiste, precies zijn kruispunt. In Canada publiceerden Riopelle en de Automatistes in 1948 hun Refus Global-manifest, waarin ze de provinciale clericale autoriteit verwierpen ten gunste van een experimentele, seculiere visie op kunst, weer een koud systeem dat werd afgewezen, weer een gebaar van warmte dat werd bevestigd.

Vandaag draagt Yari Ostovany, geboren in Teheran en nu werkzaam in San Francisco, deze wereldwijde synthese voort. Zijn schilderijen bouwen pigmenten op in dichte, atmosferische lagen, om ze vervolgens weer weg te wassen, af te schrapen, oppervlakken op te lossen en te herbouwen totdat ze iets dragen dat oud aanvoelt zonder archeologisch te zijn. Ostovany spreekt over Perzische poëzie als een vormende invloed, en die invloed is afleesbaar in de oppervlakken die hij maakt: dieptes die openen en sluiten, kleuren die verschijnen en dan weer terugtrekken, een oppervlak dat nooit helemaal tot rust komt. Zijn werk is noch Amerikaans Color Field, noch Iraanse miniatuur, noch iets daartussenin: het is precies zichzelf, een gevoeligheid die alleen door wereldwijde samenloop tot stand had kunnen komen.

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

De Derde Kou: Lyrische Abstractie en de Hedendaagse Wereld

In de hedendaagse kunstwereld van het begin van de eenentwintigste eeuw ondergaat lyrische abstractie haar derde kou. De eerste was het rationalistische raster. De tweede was de reductieve logica van het minimalisme. De derde is het algoritmische beeld, technisch perfect, onmiddellijk geproduceerd, gegenereerd uit statistische verdelingen van wat de menselijke visuele cultuur al heeft gemaakt. Het door AI gegenereerde beeld is het koudste tot nu toe: het draagt geen risico, geen betrokkenheid, geen lichaam. Het kan niet falen. Wat betekent dat het, in enige betekenisvolle zin, niet kan slagen.

Een doek van Poynder draagt het spoor van een gebaar gemaakt op een specifiek moment, in een specifieke staat van lichaam en geest, dat niet herhaald kan worden. Een Landauer schilderij bevat de biometrische afdruk van gebaren geteld en gemaakt in de bijzondere tijd van een bepaald lichaam. Een werk van Jill Moser, wiens lyrische, kalligrafische markeringen de ruimte tussen schilderkunst en geschreven taal, tussen beeld en de betekenis die woorden voorafgaat, doorkruisen, had niet gemaakt kunnen worden door een proces dat verloopt van berekening naar uitvoering. Deze schilderijen zijn niet het product van een algoritme dat voorspelt hoe een schilderij eruit zou moeten zien. Ze zijn wat gebeurt wanneer een menselijk lichaam materialen ontmoet onder omstandigheden van oprechte onzekerheid.

Jill Moser - Schilderij - 2007

Dat is geen kleinigheid. Het is, in feite, het hele verhaal. Lyrische abstractie ging nooit over een bepaalde stijl of techniek. Het ging altijd over de nadruk dat schilderen een gebeurtenis is, geen product: het teken op het oppervlak is bewijs van een geleefd leven, een genomen risico, een moment dat niet kan worden gereconstrueerd uit statistische gegevens. Tegen de derde kou is die nadruk niet nostalgisch. Het is noodzakelijk.

Door Francis Berthomier

Meer Schilderijen Die Weigeren Koud Te Zijn

De hedendaagse kunstenaars die in dit essay worden genoemd (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, en Jill Moser) zijn een persoonlijke selectie uit de bredere gemeenschap van lyrische en gebarenrijke schilders die door IdeelArt worden vertegenwoordigd. Veel andere kunstenaars in de collectie delen deze gevoeligheid. 

Voor verzamelaars die lyrische abstractie willen verkennen via vandaag beschikbare werken, onderhoudt IdeelArt een exclusieve collectie van meer dan 700 gebarenrijke en lyrische abstracte kunstwerken die ontdekt kunnen worden door hier te klikken.

Lyrische Abstractie: Veelgestelde Vragen

Voor lezers die de feiten willen, en voor Google, die ze ook wil.

1. Wat is lyrische abstractie?

Lyrische abstractie is een vorm van niet-figuratief schilderen die spontaniteit, emotionele intensiteit en het zichtbare spoor van het gebaar van de kunstenaar boven geometrische structuur of intellectueel systeem stelt. Het bestaat in twee historisch verschillende maar filosofisch verwante versies. De Europese versie, Abstraction Lyrique, ontstond in het naoorlogse Parijs eind jaren 1940 als een substroom van Art Informel, waarbij het instinctieve teken werd gevierd als een bevestiging van menselijke vrijheid na het trauma van bezetting en totalitarisme. De Amerikaanse versie werd geïdentificeerd eind jaren 1960 en begin jaren 1970 door verzamelaar Larry Aldrich en kreeg vorm in de tentoonstelling van het Whitney Museum in 1971, ditmaal als reactie tegen het klinische reductionisme van minimalisme en de ironische afstandelijkheid van popart. Beide versies delen een toewijding aan vloeibaarheid, kleur en wat men "productief toeval" zou kunnen noemen: het moment waarop het schilderij iets doet wat de schilder niet volledig had gepland, en dat ongeplande wordt behouden omdat het waarachtiger is dan wat het plan had opgeleverd. Visueel neigt lyrische abstractie naar atmosferische ruimte, gebaren of schilderachtige streken en een algemeen gevoel van beweging, in tegenstelling tot de harde randen, getrokken lijnen en berekende symmetrieën van geometrische abstractie.

Tentoonstellingscatalogus - Whitney Museum - Lyrical Abstraction - 1971 - Klik om de catalogus te bekijken

2. Wat is het verschil tussen lyrische abstractie en abstract expressionisme?

De verwarring is begrijpelijk: beide bewegingen vieren het gebaar, het lichaam en emotionele directheid, maar de verschillen zijn reëel en belangrijk. Abstract Expressionisme, zoals het zich ontwikkelde in New York vanaf het midden van de jaren 40, werd vaak gekenmerkt door een heroïsche, zelfs gewelddadige energie: de Action Painting van Pollock's druppeltechniek, de monumentale confrontatie van de Kooning's figuur-in-abstractie, de verhevenheid van Rothko's kleurvlakken. Het werd geassocieerd met een specifieke (en tamelijk macho) mythologie van de kunstenaar als existentiële strijder. Lyrische abstractie, vooral de Amerikaanse versie van eind jaren 60, was deels een reactie tegen die orthodoxie. Het was vloeiender, poëtischer, meer gericht op schoonheid als een legitiem doel op zich. Kunstenaars als Helen Frankenthaler, Joan Mitchell en Dan Christensen werkten in registers die lichter, meer doordrenkt, meer, om het precies te zeggen, lyrisch waren. Het verschil is niet een van ernst; het is een verschil in toon. Als Abstract Expressionisme jazz op vol volume is, is lyrische abstractie dezelfde jazz gespeeld in een kamer waar de ramen openstaan.

Mark Rothko bij Fondation Louis Vuitton - december 2023 - ©IdeelArt

3. Wie heeft de term "lyrische abstractie" bedacht?

De term werd in 1947 in Parijs bedacht door kunstcriticus Jean José Marchand en schilder Georges Mathieu, om de werken te beschrijven die werden getoond in de tentoonstelling "L'Imaginaire" in de Galerie du Luxembourg. Marchand gebruikte het om een gevoel van schilderkunst over te brengen die zich had losgemaakt van alle "dienstbaarheid": aan figuratie, aan theorie, aan de overgebleven eisen van pre-oorlogse stijlen. De term werd later onafhankelijk herleefd in de Verenigde Staten door Larry Aldrich, de Amerikaanse verzamelaar en oprichter van het Aldrich Contemporary Art Museum, in zijn 1969 Art in America artikel "Young Lyrical Painters." Hoewel Aldrich waarschijnlijk op de hoogte was van het Europese gebruik, werd zijn overname van de term gemotiveerd door een andere kritische context: de wens om een post-minimalistische gevoeligheid te benoemen in plaats van een post-oorlogse Europese.

Extract uit de tentoonstellingscatalogus - Hoogtepunten van het kunstseizoen 1968-69 - Aldrich Museum of Modern Art - Bekijk de catalogus 

4. Wie zijn de belangrijkste kunstenaars van lyrische abstractie?

Aan de Europese kant behoren tot de grondleggers Georges Mathieu, de zelfbenoemde oprichter, beroemd om zijn theatrale performances en Tubistische techniek, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), wiens rauwe, geïmproviseerde markeringen het nihilisme na de oorlog weerspiegelden, Hans Hartung, wiens snelle, gedisciplineerde streken de vrije wil onderzochten via snelheid, Jean-Paul Riopelle, de in Canada geboren Parijzenaar wiens paletmes-mozaïeken iconisch werden, Zao Wou-Ki, wiens synthese van Oosterse kalligrafie en Art Informel sui generis was, en Simon Hantaï, die begon binnen lyrische abstractie maar die in 1958 volledig verliet om zijn eigen techniek van pliage te ontwikkelen, een van de meest unieke trajecten in de naoorlogse schilderkunst. Aan de Amerikaanse kant zijn de belangrijkste namen Helen Frankenthaler, uitvinder van de soak-stain techniek, Sam Francis, wiens tachistische spatten aansloten bij boeddhistische ideeën over leegte, Joan Mitchell, die Action Painting combineerde met impressionistische kleurgevoeligheid, Dan Christensen, die industriële spuitpistolen gebruikte om lichtgevende lussen te creëren, en Ronnie Landfield, die de term "new sensibility" bedacht om te beschrijven wat zijn generatie deed.

Riopelle - Chevreuse - 1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, September 2023 - © IdeelArt

5. Welke technieken definiëren lyrische abstractie?

Proces en techniek staan centraal in lyrische abstractie op een manier die bijna definitorisch is: het hoe is onlosmakelijk verbonden met het wat. Mathieu's "Tubisme" (verf direct uit de tube snel aanbrengen, zonder voorafgaande schets) maximaliseerde spontaniteit en kalligrafische precisie tegelijk. Riopelle werkte uitsluitend met het paletmes en bouwde dichte, sculpturale impasto-oppervlakken die lijken op mozaïek of geologische lagen. Frankenthaler goot verdunde verf op ongeprepareerd doek zodat het in de weving trok, waardoor het onderscheid tussen oppervlak en grond verdween. Christensen gebruikte een industriële spuitpistool om doorlopende, lusvormige lijnen te creëren die verder gingen dan de fysieke reikwijdte van de arm. Recente kunstenaars zoals Macha Poynder combineren automatisch tekenen en performatieve gebaren met bewuste lagen, waarbij hun oppervlakken gelijktijdig toeval en intentie vastleggen; Janise Yntema werkt met encaustische bijenwas die met een brander wordt gefuseerd, en bouwt halftransparante lagen die licht vangen en doorgeven; en Emily Berger zet haar hele lichaam in voor horizontale, gebarenrijke streken op hout, schraapt en wrijft totdat het paneel het bewijs draagt van meerdere fysieke inspanningen. Wat al deze technieken gemeen hebben, is een nadruk op onomkeerbaarheid: de markering is gemaakt, en het maken kan niet volledig ongedaan worden gemaakt.

Janise Yntema - De Fluistering van Eenzaamheid - 2017

6. Wanneer en waar ontstond lyrische abstractie?

Lyrische abstractie heeft twee verschillende historische oorsprongen die niet verward mogen worden, hoewel ze geestelijk verwant zijn. De eerste is Parijs, 1947: de tentoonstelling "L'Imaginaire" in de Galerie du Luxembourg, waar Jean José Marchand en Georges Mathieu de term Abstraction Lyrique gebruikten om een nieuwe stroming van totale abstractie te beschrijven die ontstond in de context van de naoorlogse Art Informel. Deze Europese beweging bloeide op in de jaren 50, met Parijs als centrum, en belangrijke bijdragen van kunstenaars uit Frankrijk, Canada, Japan en China. De tweede oorsprong is New York, 1969–1971: Larry Aldrich's artikel in Art in America "Young Lyrical Painters" (1969) noemde een nieuwe generatie Amerikaanse kunstenaars die zich afkeerden van minimalisme, en de beweging werd geconsolideerd door de tentoonstelling "Lyrical Abstraction" van het Whitney Museum in 1971. Deze twee momenten zijn historisch verschillend: de Europese kunstenaars waren grotendeels onbekend bij, of werden genegeerd door, de kritische New Yorkse elite, maar ze vertegenwoordigen parallelle reacties op parallelle problemen: de noodzaak om het menselijke, het gebaar en het emotionele te herbevestigen tegen systemen die te koud waren geworden. (zie ook vraag 12 voor meer details)

Jean-Paul Riopelle en Fernand Leduc op de tentoonstelling "Automatisme" in de Galerie de Luxembourg, Parijs, 1947

7. Wat is het verschil tussen lyrische abstractie en geometrische abstractie?

Dit is de fundamentele tegenstelling van de abstractie in de twintigste eeuw, en het is de moeite waard om dit serieus te nemen. Geometrische abstractie, van Mondrian's rasters tot Albers's vierkanten tot de hard-edge schilderkunst van de jaren 60, vertrekt vanuit een plan. De vorm bestaat voordat het schilderij er is. De uitvoering is een kwestie van precisie: de lijn gaat waar besloten is dat de lijn zou gaan. Lyrische abstractie vertrekt vanuit de tegenovergestelde overtuiging: de vorm ontstaat tijdens het schilderen, door de ontmoeting tussen het lichaam van de kunstenaar, het medium en het moment. Het plan, als dat er al is, wordt onmiddellijk verlaten of overschreden. Geometrische abstractie waardeert controle, structuur en herhaalbaarheid; lyrische abstractie waardeert spontaniteit, toeval en onherleidbare uniciteit. Geen van beide is superieur, maar ze vertegenwoordigen echt tegengestelde filosofieën over wat een schilderij is en waar het voor dient. Voor een gedetailleerde verkenning van de geometrische traditie, zie het begeleidende essay van IdeelArt "Geometrische Abstractie: NIET Nog Een Heroïsch Verhaal van Malevich en Mondrian".

Piet Mondriaan - Tableau iii (Compositie in ovaal - detail) - 1914 - Stedelijk Museum Amsterdam

8. Is lyrische abstractie vandaag de dag nog relevant?

Niet alleen relevant, en wellicht noodzakelijker dan ooit tevoren. In een visuele cultuur die steeds meer verzadigd raakt met algoritmisch gegenereerde beelden die technisch perfect maar ervaringsmatig leeg zijn, vertegenwoordigt lyrische abstractie het onherleidbare argument voor de menselijke handtekening: het schilderij dat alleen door dit lichaam, in dit moment, onder deze omstandigheden van echte onzekerheid gemaakt had kunnen worden. Hedendaagse beoefenaars zoals Yari Ostovany (San Francisco, geboren in Teheran), wiens pigmentverzadigde oppervlakken tegelijk verwijzen naar de Perzische poëtische traditie en het Amerikaanse Color Field, of Paul Landauer (Belgrado, geboren in Wenen), wiens schilderijen bewegen tussen architectonische precisie en atmosferische breedte, altijd bereikt door fysieke toewijding in plaats van formule, of Jill Moser (New York), wiens kalligrafische markeringen het grensgebied bewonen tussen schilderkunst en geschreven taal, tussen gebaar en betekenis: zij maken allemaal werk dat een generatieve AI niet echt kan repliceren. Dit is geen kwestie van visuele verschijning: een algoritme kan zeker iets produceren dat eruitziet als lyrische abstractie, en overtuigend ook. Maar de menselijke aanwezigheid in het hart van de praktijk kan niet worden gesimuleerd.

Wat deze schilders produceren is niet primair een afbeelding: het is bewijs van een leven, een risico, een fysiek moment dat één keer plaatsvond en niet kan worden gereconstrueerd uit statistische gegevens. Het oppervlak is het verslag, niet het resultaat. Grote institutionele interesse blijft groeien: in 2025 wijdde de Monnaie de Paris en het Centre Pompidou gezamenlijk een omvangrijke retrospectief aan Georges Mathieu, "Geste, Vitesse, Mouvement", de eerste dergelijke overzichtstentoonstelling in meer dan vijftig jaar. 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - Van de "Geste, Vitesse, Mouvement" tentoonstelling in Monnaie de Paris, 2025. Bekijk hier de catalogus

9. Wat is het verschil tussen Lyrische Abstractie en Tachisme — zijn het dezelfde dingen?

Niet helemaal, hoewel de twee nauw verwant zijn en de termen vaak door elkaar worden gebruikt, wat echte verwarring veroorzaakt. Tachisme (van het Franse "tache", wat vlek of vlekken betekent) is een specifieke techniek: het spontane aanbrengen van verf in klodders, druppels en spatten die eind jaren 40 in Parijs ontstond en in 1952 werd gecodificeerd door criticus Michel Tapié. Lyrische abstractie is een bredere gevoeligheid die Tachisme omvat maar er niet toe beperkt is. Je kunt Tachisme zien als een van de methoden die lyrische abstractie gebruikt, in plaats van als synoniem. Beide vallen onder de bredere paraplu van Art Informel, de naoorlogse Europese afwijzing van rationele, geometrische benaderingen van schilderkunst.

Typisch tachistisch schilderij: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. Wat is het verschil tussen lyrische abstractie en Color Field schilderkunst?

Deze twee stromingen delen een generatie, een geografie (beide bloeiden in het naoorlogse Amerika) en een toewijding aan kleur als de primaire drager van emotie, wat verklaart waarom ze zo vaak door elkaar worden gehaald. Het belangrijkste verschil zit in de rol van het gebaar. Color Field schilders zoals Mark Rothko, Barnett Newman en Morris Louis bewogen zich weg van de zichtbare penseelstreek, richting grote, meeslepende kleurvlakken die de hand van de kunstenaar uitwisten. Lyrische abstractie ging de tegenovergestelde kant op: het gebaar, het teken, de fysieke sporen van het lichaam van de schilder zijn precies waar het werk over gaat. Helen Frankenthaler is het meest illustratieve voorbeeld, omdat haar soak-stain techniek atmosferische kleurvlakken produceerde terwijl ze diep geworteld bleef in het gebarenproces. In de praktijk is de grens tussen de twee echt doorlaatbaar, en veel schilderijen passen comfortabel in beide kampen.

Morris Louis - Pi - 1960 - North Carolina Museum of Art (tentoonstelling 2015) - ©IdeelArt

11. Is Joan Mitchell lyrische abstractie of abstract expressionisme?

Eerlijk gezegd beide, en die ambiguïteit is een deel van wat haar zo'n belangrijke figuur maakt. Mitchell werd opgeleid in en gevormd door de Abstract Expressionistische kring in New York, en ze deelde hun toewijding aan grootschalig, fysiek betrokken schilderen. Maar haar werk heeft een lyriek, een lichtheid en een verbinding met landschap en natuurlijke sensatie die het evenzeer in lijn brengt met de lyrische traditie. Ze bracht een groot deel van haar carrière door in Frankrijk, waar ze dichter bij de Europese Abstraction Lyrique gevoeligheid dan de heroïsche machismo van de New York School. De meeste kunsthistorici plaatsen haar tegenwoordig op het kruispunt tussen de twee bewegingen, wat misschien wel de meest interessante positie is die een schilder kan innemen.

Joan Mitchell in haar Vétheuil-studio, 1983. Foto door Robert Freson, Joan Mitchell Foundation Archives. © Joan Mitchell Foundation

12. Wat is het verschil tussen "abstraction lyrique" en "lyrical abstraction"?

Ze delen een filosofisch DNA maar zijn historisch verschillend.

Abstraction Lyrique is de Franse term, bedacht in Parijs in 1947 door Jean-José Marchand en Georges Mathieu, om een naoorlogse Europese stroming te beschrijven die geworteld is in Art Informel, existentialistisch denken en de afwijzing van geometrisch rationalisme.

Marchand, een kunstcriticus, bedacht de naam voor het eerst om de werken van Mathieu te beschrijven die in november 1947 werden tentoongesteld op de veertiende Salon des Surindépendants, vier maanden nadat hij Mathieu had opgemerkt op de Salon des Réalités Nouvelles:

"Ik zou eerst het werk van abstract kunstenaar Georges Mathieu willen noemen. Deze jongeman toont twee grote, zeer lyrische schilderijen die erg ontroerend zijn en, geloof ik, het publiek kunnen raken, ook al stellen ze niets voor."

Maar het is Mathieu die de beweging theoretiseerde. In zijn eerste geschrift over kunst, getiteld "La liberté, c’est le vide" (Vrijheid is de leegte), geschreven in 1947 en gepubliceerd op 22 april 1948 in de catalogus van de H.W.P.S.M.T.B.-tentoonstelling, legde Mathieu de basis voor een “metafysica van de leegte”, kondigde de metafysica van het risico aan en opende de routekaart van Abstraction Lyrique - een term die hij prefereerde boven "Abstractivisme Lyrique" (Lyrisch Abstractivisme) die aanvankelijk door Marchand werd gebruikt.

Voor Mathieu vereist Abstraction Lyrique dat “concentratie de klassieke notie van improvisatie vervangt.” Het bevordert de oproep tot spiritualiteit, energie en intuïtie ten koste van methoden en formules, en vereist uiteindelijk een echte gevoeligheid en een “opening naar het Kosmos” van de kunstenaar.

"Bewust dat ik mijn rol heb vervuld, alles heb gedaan wat in mijn macht lag, weet ik dat de tijd aan mijn kant is, dat de waarheid uiteindelijk aan het licht zal komen, dat deze vrije Abstractie een fatale triomf zal beleven, en ik vermoed zelfs dat het de grootste verwarring kan veroorzaken, en de grootste gemakzucht." -Georges Mathieu

H.W.P.S.M.T.B. tentoonstellingscatalogus (fragmenten)

"Lyrical Abstraction" als Amerikaanse beweging werd onafhankelijk benoemd in 1969 door verzamelaar Larry Aldrich, als reactie op minimalisme en popart. Het Whitney Museum zou de Amerikaanse beweging codificeren met een volledige tentoonstelling in 1971 getiteld "Lyrical Abstraction", met een tentoonstellingsverklaring geschreven door Larry Aldrich: 

"Vroeg in het afgelopen seizoen werd duidelijk dat er in de schilderkunst een beweging was weg van het geometrische, hard-edge en minimalistische, naar meer lyrische, sensuele, romantische abstracties in zachtere en levendigere kleuren. Schilders creëerden in aanzienlijke aantallen werken die visueel 'mooi' waren, tot dan toe in de kunstwereld van de jaren zestig een vies woord. Hoewel ze niet teruggingen naar een eerdere stijl, hadden deze nieuwe jonge schilders een relatie met mannen die al twintig jaar of langer schilderden met een schilderachtige aard: Mark Rothko, Robert Motherwell en anderen. De hand van de kunstenaar is altijd zichtbaar in dit type schilderij, zelfs wanneer de schilderijen zijn gemaakt met spuitpistolen, sponzen of andere voorwerpen. Oppervlakken zijn nooit anoniem zoals bij minimalistische schilderijen; ze zijn subtiel genuanceerd en vaak suggestief voor wolkachtige leegtes. Deze schilderijen vertegenwoordigen allemaal een duidelijke verschuiving naar een expressieve interesse. Terwijl ik deze lyrische trend onderzocht, vond ik veel jonge kunstenaars wiens schilderijen mij zo aanspraken dat ik gedwongen werd er veel van aan te schaffen. De meerderheid van de schilderijen in de Lyrical Abstraction-tentoonstelling werd gemaakt in 1969, en ze maken nu allemaal deel uit van mijn collectie." -Larry Aldrich

Tentoonstellingscatalogus - Whitney Museum - "Lyrical Abstraction" (1971) - pagina's 32 en 33 - Klik om te bekijken

De twee stromingen ontwikkelden zich grotendeels parallel, met beperkte kruisbewustheid destijds: de kritische New Yorkse elite van de jaren 50 en 60 was berucht om haar afwijzing van de Parijse scène. Tegenwoordig worden de termen min of meer door elkaar gebruikt om de gedeelde gevoeligheid te beschrijven, maar wanneer historici ze precies gebruiken, verwijst Abstraction Lyrique naar de Europese naoorlogse stroming en "Lyrical Abstraction" naar de Amerikaanse beweging van eind jaren 60 en 70.

13. Hoe herken ik lyrische abstractie — waar moet ik op letten in een schilderij?

Een paar aanwijzingen, geen enkele op zichzelf doorslaggevend maar overtuigend in combinatie. Kijk eerst naar het zichtbare spoor van het fysieke proces: penseelstreken die snelheid of druk vastleggen, sporen die niet gemaakt hadden kunnen worden door een gereedschap dat op armlengte van het doek werd gehouden, oppervlakken die bewijs tonen van bewerkt en opnieuw bewerkt zijn. Ten tweede, zoek naar een gevoel van atmosferische of emotionele ruimte, want lyrische abstractie neigt naar diepte en beweging in plaats van het vlakke, declaratieve oppervlak van hard-edge schilderkunst. Ten derde, merk op of kleur expressief aanvoelt in plaats van structureel: in lyrische abstractie is kleur stemming, geen architectuur. Ten slotte, en het meest veelzeggend, vraag jezelf af of het schilderij voelt alsof het ontdekt is in plaats van ontworpen. Als het antwoord ja is, als het werk lijkt te zijn ontstaan door een proces van risico en toeval, kijk je vrijwel zeker naar lyrische abstractie.

Emily Berger - Fire And Ice - 2020

14. Wat is de rol van toeval en ongeluk in lyrische abstractie?

Centraal, maar genuanceerd. Lyrische abstractie aanbidt het toeval niet om het toeval zelf, want dat zou pure willekeur zijn, en willekeur is niet hetzelfde als spontaniteit. Wat lyrische abstracten waarderen is wat "productief toeval" genoemd zou kunnen worden: het moment waarop de verf iets doet wat de schilder niet helemaal bedoelde, en dat onbedoelde wordt herkend als waarachtiger, levendiger, expressiever dan wat het plan had opgeleverd. De vaardigheid van de schilder ligt niet in het vermijden van deze momenten, maar in het weten hoe ze te lezen, erop te reageren en te behouden. Mathieu beschreef dit als een staat van "extatische concentratie", waarbij volledige bewustzijn wordt gecombineerd met het opschorten van bewuste controle. Frankenthaler sprak over het leren vertrouwen op de verf. Riopelle's paletmesmozaïeken vereisten constante microbeslissingen als reactie op wat de vorige streek had gedaan. In elk geval is toeval niet de maker van het werk - de kunstenaar is dat - maar toeval is een onmisbare samenwerkingspartner.

Georges Mathieu in het Bezalel National Museum, Jeruzalem, 1962, Yona Fisher Archive

15. Wat is de verbinding tussen lyrische abstractie en muziek?

Het zit al in de naam. "Lyrisch" komt van de lier, het instrument van Orpheus, de oorsprong van de lyrische poëzie, het idee van kunst als gezongen in plaats van gesproken. Kandinsky, wiens vroege abstracte werk veel van wat lyrische abstractie zou worden voorspelde, sprak expliciet over schilderen als visuele muziek: hij geloofde dat kleur en vorm emoties konden overbrengen met dezelfde directheid als geluid, waarbij taal volledig werd omzeild. Veel lyrische abstracten ontwikkelden deze parallel bewust. Mathieu voerde zijn schilderijen uit bij live jazz, en zijn doek uit 1959 Le Massacre de la Saint-Barthélemy werd geschilderd terwijl drummer Kenny Clarke improviseerde naast hem. Joan Mitchell beschreef haar schilderijen vaak in muzikale termen, als composities met ritme, tempo en stilte. De verbinding is niet slechts metaforisch: zowel muziek als lyrische abstractie produceren betekenis door duur, herhaling, variatie en het beheersen van spanning en ontspanning, in plaats van door vaste, leesbare beelden.

Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959

16. Wat is het verschil tussen lyrische abstractie en neo-expressionisme?

Neo-expressionisme ontstond eind jaren 70 en domineerde de kunstmarkt in de jaren 80, met kunstenaars als Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat en Julian Schnabel. Beide stromingen waarderen gebaar, emotie en de fysieke aanwezigheid van verf, dus de verwarring is begrijpelijk. De belangrijkste verschillen zijn figuratieve inhoud en culturele temperatuur. Neo-expressionisme behoudt bijna altijd herkenbare beelden: vervormde figuren, symbolische objecten, narratieve fragmenten. Lyrische abstractie is resoluut niet-figuratief. Neo-expressionisme is ook rauwer, confronterender, meer geïnteresseerd in mythe, geschiedenis en cultureel trauma als expliciet onderwerp. Lyrische abstractie richt zich meer op pure sensatie, kleurrelaties en de psychologie van waarneming. Als lyrische abstractie jazz is gespeeld met open ramen, is neo-expressionisme een heel ander instrument: luider, theatraler en zeer geïnteresseerd in het vertellen van een verhaal.

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - februari 2023 - Installatiezicht - ©IdeelArt

17. Kan lyrische abstractie figuratieve elementen bevatten?

Technisch gezien niet, maar in de praktijk is de grens vaag en interessant. Lyrische abstractie is per definitie niet-figuratief, wat betekent dat het geen herkenbare onderwerpen afbeeldt. Maar veel schilders die in de lyrische traditie werken, merken dat gebaren, atmosferische kleur en organische vormen beginnen te suggereren aan landschap, lichaam of weer zonder dat de kunstenaar dat heeft bedoeld. Joan Mitchell's late schilderijen zweven voortdurend op de rand van landschap zonder er ooit een af te beelden. Riopelle's mozaïeken roepen luchtfoto's van terrein op. Dit is geen falen van abstractie: het is wat er gebeurt als schilderen voldoende levendig en lichamelijk is, omdat de wereld teruglekt. Het onderscheid dat telt is dat van intentie: lyrische abstractie begint niet vanuit een figuur of een plaats. Wat ongevraagd verschijnt, maakt deel uit van haar eerlijkheid.

Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - Juni 2019 - ©IdeelArt

Paul Landauer's "The night: Zelfportret als jonge jongen" (hieronder) illustreert deze drempel met bijzondere kracht. Een figuur verschijnt uit een turbulent veld van diepe rood- en zwarttinten, niet zozeer geschilderd als wel opgeroepen, de vorm vormt zich uit de eigen logica van de verf. Landauer begon niet vanuit een figuur in traditionele zin: hij begon vanuit verf, vanuit proces, vanuit een emotioneel innerlijk. De figuratie kwam tevoorschijn. En omdat het op die manier kwam, draagt het iets wat een rechttoe rechtaan portret nooit zou kunnen: het gevoel van een herinnering die bovenkomt in plaats van wordt beschreven.

Paul Landauer - The Night (Zelfportret als jonge jongen) - 2025

18. Waar moet een verzamelaar op letten bij het kopen van lyrische abstractie?

Naast de gebruikelijke overwegingen van conditie, herkomst en reputatie van de kunstenaar, stelt lyrische abstractie een paar specifieke vragen aan de verzamelaar. Ten eerste: houdt het oppervlak stand bij langdurig kijken? Lyrische abstractie onthult zich langzaam, en een schilderij dat goed leesbaar is vanuit de ruimte moet ook belonen bij nauwkeurige inspectie, waar het fysieke bewijs van het proces zichtbaar wordt. Ten tweede: is het gebaar overtuigend? Er is een verschil tussen een markering gemaakt met oprechte fysieke inzet en een die slechts spontaniteit voordoet zonder werkelijk iets te riskeren, en met wat ervaring leert het oog dat verschil aan te voelen. Ten derde: heeft het werk interne samenhang? De beste lyrische abstractie is niet chaotisch: het heeft een logica die wordt aangevoeld in plaats van gelezen, een structuur die standhoudt ook al ging er geen plan aan vooraf. Tot slot, vertrouw op je eigen instinctieve reactie. Lyrische abstractie is gemaakt om gevoeld te worden voordat het wordt begrepen, en een verzamelaar die fysiek reageert op een werk, die de energie ervan in het lichaam voelt voordat de geest het heeft verwerkt, ervaart precies wat de schilder bedoelde. 

Alle afbeeldingen © de kunstenaars tenzij anders vermeld
Uitgelichte afbeelding: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (detail)

Lyrische kunst uit onze voorraad (Een selectie)