De Ontwikkeling van de Optische Abstractie of Hoe Victor Vasarely Zijn Eigen Stijl Vond

Het wordt soms aangenomen dat wanneer we het hebben over "kunsten en wetenschappen", we het over duidelijk verschillende dingen hebben. Wetenschap gaat tenslotte over het bestuderen van dingen, terwijl kunst gaat over het creëren van dingen. Maar creëren wetenschappers niet ook en bestuderen kunstenaars niet ook? En is verbeelding niet essentieel voor beiden? Victor Vasarely was zowel een wetenschapper als een kunstenaar. De vader van een modernistische abstracte kunstbeweging die bekend staat als Op-Art, bewoonde hij beide werelden met gemak. Aanvankelijk opgeleid in de geneeskunde, benaderde Vasarely kunst vanuit een systematisch perspectief. Hij analyseerde de formele kwaliteiten van wat een esthetisch object vormde. Hij bestudeerde de natuur op zoek naar de bouwstenen van het visuele universum. En hij analyseerde de manier waarop kijkers het visuele universum waarnamen, op zoek naar hoe kunst kon helpen fundamentele waarheden te onthullen. Van de jaren 1920, toen hij zijn vroegste esthetische experimenten uitvoerde, tot de jaren 1960, toen hij zijn ultieme creatie, de "Alphabet Plastique", onthulde, tot het einde van zijn leven op 90-jarige leeftijd, benaderde Vasarely zijn kunst vanuit een standpunt dat tegelijkertijd creativiteit en analyses omvatte. Onderweg veranderde hij hoe mensen tweedimensionale ruimte waarnemen en creëerde hij een oeuvre dat, zelfs decennia na zijn dood, kunstenaars, kunstliefhebbers, ontwerpers en wetenschappers blijft inspireren.

Victor Vasarely de Wetenschapper

In 1906, toen Victor Vasarely werd geboren, werden kunstenaars en wetenschappers evenzeer gerespecteerd. In Boedapest, waar Vasarely naar de universiteit ging, zou het niet ongebruikelijk zijn geweest dat leden van beide velden met elkaar omgingen, vooral in de drukke cafés langs de oevers van de Donau, die centra waren van de Europese intellectuele scene. Toen Vasarely voor het eerst de universiteit binnenkwam, was het om te studeren om arts te worden aan de Faculteit Geneeskunde van de Universiteit van Boedapest. Maar twee jaar in het programma veranderde hij abrupt van richting en besloot hij zich te wijden aan het bestuderen van kunst.

Maar hoewel zijn onderwerp veranderde, veranderde zijn benadering van leren niet. In 1927, op 21-jarige leeftijd, schreef Vasarely zich in bij een privéschool voor kunst waar hij formele training als schilder ontving. Hij excelleerde als kunststudent en terwijl hij zijn esthetische vaardigheden verfijnde, bleef hij ook boeken lezen van de toonaangevende wetenschappers van die tijd. Een van zijn favoriete auteurs om in deze periode van zijn leven te lezen was Niels Bohr, die in 1922 de Nobelprijs ontving voor zijn studie van de atomaire structuur. In de kwantumfysica stelt het Bohr-model de structuur van een atoom voor als zijnde vergelijkbaar met die van de structuur van het zonnestelsel. Visueel lijkt het op een cirkel omringd door grotere cirkels, een patroon dat Vasarely herhaaldelijk in zijn kunst zou verkennen.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Zeefdruk. 38 1/2 × 28 1/2 in; 97,8 × 72,4 cm. Editie van 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Zijn zaak opbouwen

Door zijn dubbele studie van kunst en wetenschap begon Vasarely een theorie te formuleren dat de twee denkwijzen elkaar op een manier kruisten die, wanneer ze samen werden waargenomen, zoals hij zei, “een imaginaire constructie kan vormen die in overeenstemming is met onze gevoeligheid en hedendaagse kennis.” In 1929 schreef hij zich in aan de Muhely Academie in Boedapest, die destijds het Hongaarse equivalent van de Bauhaus was. Zijn studies daar waren gericht op het concept van een totale kunst gebaseerd op geometrie. Hij experimenteerde met geometrische abstractie en begon te begrijpen hoe optische illusies konden worden gecreëerd door de rangschikking van geometrische vormen en kleuren op een tweedimensionaal oppervlak. Een vergelijking van een van zijn schilderijen van de Muhely Academie getiteld Etudes Bauhaus C met een schilderij dat hij in 1975 maakte getiteld Vonal-Stri toont Vasarely’s levenslange en eenzijdige focus op de mogelijkheden van geometrie om de kruising van wetenschap en kunst uit te drukken.

Na zijn vertrek van de Muhely Academie verhuisde Vasarely naar Parijs, trouwde en kreeg twee kinderen. Hij ondersteunde zijn gezin als grafisch kunstenaar en vervolgde zijn kunst 's nachts. Terwijl zijn dagtaak een schone, precieze stijl vereiste, stond zijn kunstpraktijk open voor zijn verbeelding. Hij ontwikkelde een persoonlijke stijl die in beide doordrongen was. Dit manifesteerde zich in zijn “Zebra” en “Harlequin” schilderijen, series waar hij gedurende zijn leven steeds naar terugkeerde, en in schilderijen zoals “Het Schaakbord.”

Victor Vasarely - Schaakbord, 1975. Zeefdruk. 31 1/2 × 30 in; 80 × 76,2 cm. Editie van 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Het verkeerde pad

Na 14 jaar werken aan dubbele carrières in Parijs, ontving Vasarely eindelijk zijn eerste grote tentoonstelling. Het werd zo goed ontvangen dat hij ervan overtuigd was dat hij zich fulltime kon wijden aan het kunstenaarschap. Rond deze tijd nam hij een afwijking van de visuele stijl die hij had gecreëerd. Tijdens een vakantie op een eiland in Bretagne merkte hij op hoe golven het landschap beïnvloedden, vooral hoe ze de kustlijn veranderden en de stenen vormden. Deze observatie leidde hem naar een soort biomorfe geometrische abstractie terwijl hij probeerde verbinding te maken met een visuele manifestatie van de natuurlijke geometrie van de organische wereld.

Hoewel Vasarely deze periode in zijn leven later "het verkeerde pad" noemde, resulteerde het in een belangrijke evolutie in zijn werk. Het voegde meer afgeronde elementen toe aan zijn schilderijen. Toen hij terugkeerde naar zijn eerdere geometrische stijl, was het met de toevoeging van dynamische afgeronde vormen die leken uit te puilen van het schilderij of naar binnen te vallen vanaf het oppervlak. De manier waarop deze vormen het oog bedrogen, leek het alsof het beeld bewoog. Die kinetische illusie, gecombineerd met de driedimensionaliteit van de beelden op Vasarely's doeken, werd de basis voor de iconische esthetiek die we nu Op-Art noemen.

Victor Vasarely - Ongesigneerd #8 (roze en turquoise bol). Zeefdruk. 13 × 10 in; 33 × 25,4 cm. Editie van 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Het Gele Manifest

In 1955 exposeerde Vasarely een aantal van zijn werken in een tentoonstelling van kinetische kunst genaamd “Le Movement” in Parijs. Ter ondersteuning van zijn werk publiceerde hij een essay genaamd Notes for a Manifesto. Gedrukt op geel papier, is het essay sindsdien bekend geworden als The Yellow Manifesto. Hierin verklaarde Vasarely: “We staan aan de vooravond van een groot tijdperk.” Hij volhardde dat labels zoals schilderkunst en beeldhouwkunst verouderd waren, aangezien kunstenaars zoals Arp, Kandinsky, Mondrian en Calder de kunstmatige scheidingen tussen de plastische kunsten hadden vernietigd. Hij verklaarde dat, aangezien alle esthetische fenomenen manifestaties zijn van dezelfde impuls, het tijd was om alle artistieke prestaties te beschouwen als onderdeel van “een enkele plastische gevoeligheid in verschillende ruimtes.”

Vasarely's bijdrage aan dit "grote tijdperk" is duidelijk wanneer we kijken naar de schilderijen die hij in deze periode van zijn leven maakte. Zijn werk herdefinieerde volledig de kijkervaring van een tweedimensionaal kunstwerk. Hij creëerde de perceptie dat er ruimte bestond waar geen ruimte bestond. De kijkervaring werd getransformeerd om volledig binnen de geest van de kijker te bestaan. De vormen die op een van Vasarely's doeken staan, zijn formeel en wetenschappelijk, en toch, wanneer ze door het oog worden geïnterpreteerd, nemen ze kwaliteiten aan die lijken te weerstaan aan de wetenschappelijke feiten van de ruimtelijke realiteit.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Zeefdruk op Arches papier. 30 7/8 × 37 7/8 in; 78,4 × 96,2 cm. Editie van 250. © Victor Vasarely

Het Plastic Alfabet

Op het hoogtepunt van zijn populariteit in de jaren 60 creëerde Vasarely wat de culminatie van zijn levenswerk zou vertegenwoordigen. Hij beschreef wat hij het Plastic Alfabet noemde, een symbolische visuele taal gebaseerd op geometrische vormen en kleuren. Er waren 15 vormen in het alfabet, allemaal gebaseerd op variaties van de cirkel, de driehoek en het vierkant, en elke vorm bestond in een reeks van 20 verschillende tinten. Elke vorm werd afgebeeld binnen een vierkant kader, en de vorm en het omringende kader werden gepresenteerd in verschillende tinten. Het Plastic Alfabet kon worden gerangschikt in een schijnbaar oneindige verscheidenheid aan combinaties en gebruikt worden om een kennelijk eindeloze reeks beelden te creëren.

Het concept dat Vasarely expliciet impliceerde met zijn Plastic Alphabet was dat door de implementatie ervan de creatieve daad kon worden uitgevoerd via een puur wetenschappelijk proces. Aan de ene kant was het dehumaniserend, omdat het een vorm van programmering vertegenwoordigde, zoals een proto-kunstmatige intelligentie die het proces van het maken van kunst kon overnemen. Aan de andere kant was het humaniserend, omdat het het creatieve proces democratiseerde en demystificeerde, waardoor iedereen kon deelnemen aan een creatieve esthetische activiteit.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Zeefdruk. 22 × 23 1/2 in; 55,9 × 59,7 cm. Editie van 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Kunst voor iedereen

Het is passend dat de bijdrage waarvoor Vasarely het meest herinnerd wordt, een vorm van verstoring is. Niet alleen vervormde zijn visuele werk het oppervlak van tweedimensionale kunst, maar ook zijn ideeën en zijn Plastic Alphabet vervormden het oppervlak van de cultuur. Vasarely’s vrienden, collega's en volgers herinneren zich enthousiast dat een van zijn motto's was “kunst voor iedereen.” Hij was enthousiast om te zien dat zijn kunst werd opgenomen op kleding, ansichtkaarten, commerciële producten en advertenties. Hij voorzag dat in de toekomst de enige manier waarop kunst relevant kon blijven, was als elke mens kon deelnemen aan het genieten ervan.

Niet alleen kunnen we echo's van Vasarely's kunst zien in de producten van hedendaagse kunst en design, we zien ook echo's van zijn filosofie in de digitale gemeenschap en de wereldwijde cultuur waaraan het heeft bijgedragen. Door een stijl van beeldende kunst te creëren die een universele aantrekkingskracht kon hebben over kunstmatige sociale divisies heen, creëerde Vasarely iets unieks: een oprechte en vreugdevolle esthetische ervaring die, hoewel abstract, gemakkelijk kan worden genoten door iedereen die kan zien. En misschien nog waardevoller is dat hij een visie deelde van een toekomst waarin kunst en wetenschap samenwerken aan een interessantere en rechtvaardigere wereld.

Uitgelichte afbeelding: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio