De Ontwikkeling van de Optische Abstractie of Hoe Victor Vasarely Zijn Eigen Stijl Vond

Er wordt soms aangenomen dat wanneer we het hebben over “kunsten en wetenschappen” we het over duidelijk verschillende zaken hebben. Wetenschap gaat tenslotte over het bestuderen van dingen, terwijl kunst gaat over het creëren van dingen. Maar creëren wetenschappers niet ook, en bestuderen kunstenaars niet ook? En is verbeelding niet onlosmakelijk verbonden met beide? Victor Vasarely was zowel wetenschapper als kunstenaar. De grondlegger van een modernistische abstracte kunststroming die bekendstaat als Op-Art, bewoog hij zich moeiteloos tussen beide werelden. Oorspronkelijk opgeleid in de geneeskunde, benaderde Vasarely kunst vanuit een systematisch perspectief. Hij analyseerde de formele kwaliteiten van wat een esthetisch object vormde. Hij bestudeerde de natuur op zoek naar de bouwstenen van het visuele universum. En hij analyseerde de manier waarop kijkers het visuele universum waarnemen, op zoek naar hoe kunst fundamentele waarheden kon onthullen. Vanaf de jaren 1920, toen hij zijn vroegste esthetische experimenten uitvoerde, tot de jaren 1960, toen hij zijn ultieme creatie onthulde, het “Alphabet Plastique,” en tot het einde van zijn leven op 90-jarige leeftijd, benaderde Vasarely zijn kunst vanuit een standpunt dat creativiteit en analyse tegelijk omvatte. Onderweg veranderde hij de manier waarop mensen tweedimensionale ruimte bekijken en creëerde hij een oeuvre dat zelfs decennia na zijn dood kunstenaars, kunstliefhebbers, ontwerpers en wetenschappers blijft inspireren.

Victor Vasarely de Wetenschapper

In 1906, toen Victor Vasarely werd geboren, genoten kunstenaars en wetenschappers gelijke achting. In Boedapest, waar Vasarely studeerde, was het niet ongewoon dat leden van beide vakgebieden met elkaar omgingen, vooral in de drukke cafés langs de oevers van de Donau, die centra waren van het Europese intellectuele leven. Toen Vasarely aan de universiteit begon, was dat om geneeskunde te studeren aan de medische faculteit van de Universiteit van Boedapest. Maar na twee jaar veranderde hij plotseling van richting en besloot zich volledig aan de kunststudie te wijden.

Hoewel zijn studierichting veranderde, bleef zijn leerhouding hetzelfde. In 1927, op 21-jarige leeftijd, schreef Vasarely zich in bij een particuliere kunstschool waar hij formele opleiding tot schilder kreeg. Hij blonk uit als kunststudent en terwijl hij zijn esthetische vaardigheden aanscherpte, bleef hij ook boeken lezen van de toonaangevende wetenschappers van die tijd. Een van zijn favoriete auteurs in deze periode was Niels Bohr, die in 1922 de Nobelprijs kreeg voor zijn studie van de atoomstructuur. In de kwantumfysica toont het Bohr-model de structuur van een atoom als vergelijkbaar met die van het zonnestelsel. Visueel lijkt het op een cirkel omringd door grotere cirkels, een patroon dat Vasarely herhaaldelijk in zijn kunst zou onderzoeken.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Zeefdruk. 97,8 × 72,4 cm. Oplage van 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Zijn Bewijs Opbouwen

Door zijn dubbele studie van kunst en wetenschap begon Vasarely een theorie te formuleren dat de twee denkwijzen elkaar kruisten op een manier die, wanneer samen waargenomen, volgens hem “een denkbeeldige constructie vormt die in overeenstemming is met onze gevoeligheid en hedendaagse kennis.” In 1929 schreef hij zich in aan de Muhely Academie in Boedapest, die destijds het Hongaarse equivalent van het Bauhaus was. Zijn studie daar richtte zich op het concept van een totale kunst gebaseerd op meetkunde. Hij experimenteerde met geometrische abstractie en begon te begrijpen hoe optische illusies konden worden gecreëerd door de rangschikking van geometrische vormen en kleuren op een tweedimensionaal vlak. Een vergelijking van een van zijn Muhely Academie-schilderijen getiteld Etudes Bauhaus C met een schilderij uit 1975 getiteld Vonal-Stri toont Vasarely’s levenslange en vastberaden focus op de mogelijkheden van meetkunde om de kruising van wetenschap en kunst uit te drukken.

Na zijn vertrek van de Muhely Academie verhuisde Vasarely naar Parijs, trouwde en kreeg twee kinderen. Hij ondersteunde zijn gezin als grafisch kunstenaar en oefende zijn kunst ’s nachts uit. Terwijl zijn dagbaan een strakke, precieze stijl vereiste, stond zijn kunstpraktijk open voor zijn verbeelding. Hij ontwikkelde een persoonlijke stijl die in beide geworteld was. Dit kwam tot uiting in zijn “Zebra” en “Harlequin” schilderijen, series waar hij zijn hele leven op terugkwam, en in schilderijen zoals “Het Schaakbord.”

Victor Vasarely - Schaakbord, 1975. Zeefdruk. 80 × 76,2 cm. Oplage van 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Het Verkeerde Pad

Na 14 jaar een dubbele loopbaan in Parijs te hebben gehad, kreeg Vasarely eindelijk zijn eerste grote tentoonstelling. Die werd zo goed ontvangen dat hij ervan overtuigd raakte dat hij zich volledig aan het kunstenaarschap kon wijden. Rond die tijd nam hij een andere wending in de visuele stijl die hij had ontwikkeld. Tijdens een vakantie op een eiland in Bretagne viel hem op hoe golven het landschap beïnvloedden, vooral hoe ze de kustlijn veranderden en de stenen vormgaven. Deze observatie leidde hem naar een soort biomorfe geometrische abstractie terwijl hij probeerde een visuele uitdrukking te vinden van de natuurlijke meetkunde van de organische wereld.

Hoewel Vasarely later deze periode in zijn leven “het verkeerde pad” noemde, leidde het tot een belangrijke ontwikkeling in zijn werk. Het voegde meer afgeronde elementen toe aan zijn schilderijen. Toen hij terugkeerde naar zijn eerdere geometrische stijl, was dat met de toevoeging van dynamische afgeronde vormen die leken uit te puilen uit het schilderij of in te storten vanaf het oppervlak. De manier waarop deze vormen het oog misleidden, maakte het alsof het beeld bewoog. Die kinetische illusie, gecombineerd met de driedimensionaliteit van de beelden op Vasarely’s doeken, werd de basis voor het iconische esthetische dat we nu Op-Art noemen.

Victor Vasarely - Untitled #8 (roze en turquoise bol). Zeefdruk. 33 × 25,4 cm. Oplage van 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Het Gele Manifest

In 1955 toonde Vasarely een deel van zijn werk in een tentoonstelling van kinetische kunst genaamd “Le Movement” in Parijs. Ter begeleiding van zijn werk publiceerde hij een essay genaamd Notes for a Manifesto. Gedrukt op geel papier, staat het essay sindsdien bekend als Het Gele Manifest. Hierin verklaarde Vasarely: “We staan aan het begin van een groot tijdperk.” Hij stelde dat labels zoals schilderkunst en beeldhouwkunst achterhaald waren, omdat kunstenaars als Arp, Kandinsky, Mondriaan en Calder de kunstmatige scheidingen tussen de plastische kunsten hadden doorbroken. Hij stelde dat omdat alle esthetische verschijnselen manifestaties zijn van dezelfde drijfveer, het tijd was om alle artistieke prestaties te beschouwen als onderdeel van “een enkele plastische gevoeligheid in verschillende ruimten.”

Vasarely’s bijdrage aan dit “grote tijdperk” wordt duidelijk als je kijkt naar de schilderijen die hij in deze periode maakte. Zijn werk herdefinieerde volledig de kijkervaring van een tweedimensionaal kunstwerk. Hij creëerde de perceptie dat ruimte bestond waar die niet bestond. De kijkervaring werd volledig verplaatst naar de geest van de kijker. De vormen op een van Vasarely’s doeken zijn formeel en wetenschappelijk, en toch nemen ze, wanneer door het oog geïnterpreteerd, eigenschappen aan die lijken in te druisen tegen de wetenschappelijke feiten van ruimtelijke werkelijkheid.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Zeefdruk op Arches-papier. 78,4 × 96,2 cm. Oplage van 250. © Victor Vasarely

Het Plastische Alfabet

Op het hoogtepunt van zijn populariteit in de jaren 1960 creëerde Vasarely wat het hoogtepunt van zijn levenswerk zou vormen. Hij beschreef wat hij het Plastische Alfabet noemde, een symbolische visuele taal gebaseerd op geometrische vormen en kleuren. Het alfabet bestond uit 15 vormen, allemaal gebaseerd op variaties van de cirkel, de driehoek en het vierkant, en elke vorm bestond in een reeks van 20 verschillende tinten. Elke vorm werd weergegeven binnen een vierkant kader, en de vorm en het omliggende kader werden in verschillende tinten gepresenteerd. Het Plastische Alfabet kon worden gerangschikt in een schijnbaar oneindige reeks combinaties en gebruikt worden om een ogenschijnlijk eindeloze reeks beelden te creëren.

Het concept dat Vasarely expliciet impliceerde met zijn Plastische Alfabet was dat door de toepassing ervan de creatieve handeling via een puur wetenschappelijk proces kon worden uitgevoerd. Enerzijds was het ontmenselijkend, omdat het een vorm van programmering vertegenwoordigde, als een proto-kunstmatige intelligentie die het proces van kunst maken kon overnemen. Anderzijds was het menselijk, omdat het het creatieve proces democratiseerde en ontdooide, waardoor iedereen kon deelnemen aan een creatieve esthetische activiteit.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Zeefdruk. 55,9 × 59,7 cm. Oplage van 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Kunst Voor Iedereen

Het is passend dat de bijdrage waarvoor Vasarely het meest wordt herinnerd een vorm van verstoring is. Niet alleen vervormde zijn visuele werk het vlak van tweedimensionale kunst, ook zijn ideeën en zijn Plastische Alfabet vervormden het vlak van de cultuur. Vasarely’s vrienden, collega’s en volgers herinneren zich enthousiast dat een van zijn motto’s was “kunst voor iedereen.” Hij was verheugd zijn kunst terug te zien op kleding, ansichtkaarten, handelsproducten en advertenties. Hij voorzag dat de enige manier waarop kunst in de toekomst relevant kon blijven was als ieder mens kon deelnemen aan het genieten ervan.

We zien niet alleen echo’s van Vasarely’s kunst in de producten van hedendaagse kunst en vormgeving, maar ook echo’s van zijn filosofie in de digitale gemeenschap en de wereldcultuur waaraan die heeft bijgedragen. Door een stijl van beeldende kunst te creëren die universele aantrekkingskracht kon hebben over kunstmatige sociale scheidingen heen, schiep Vasarely iets unieks: een oprechte en vreugdevolle esthetische ervaring die, hoewel abstract, gemakkelijk door iedereen die kan zien genoten kan worden. En misschien nog waardevoller, hij deelde een visie van een toekomst waarin kunst en wetenschap samenwerken aan een interessantere en rechtvaardiger wereld.

Afbeelding: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie
Door Phillip Barcio