Artikel: De Ontwikkeling van de Optische Abstractie: Hoe Victor Vasarely Zijn Eigen Stijl Vond
De Ontwikkeling van de Optische Abstractie: Hoe Victor Vasarely Zijn Eigen Stijl Vond
Er wordt soms aangenomen dat wanneer we het hebben over “kunst en wetenschap” we het over duidelijk verschillende dingen hebben. Wetenschap gaat tenslotte over het bestuderen van dingen, terwijl kunst gaat over het creëren van dingen. Maar creëren wetenschappers niet ook, en bestuderen kunstenaars niet ook? En is verbeelding niet essentieel voor beide? Victor Vasarely was zowel wetenschapper als kunstenaar. De grondlegger van een modernistische abstracte kunstbeweging bekend als Op-Art, bewoonde hij beide werelden met gemak. Oorspronkelijk opgeleid in de geneeskunde, benaderde Vasarely kunst vanuit een systematisch perspectief. Hij analyseerde de formele kwaliteiten van wat een esthetisch object vormde. Hij bestudeerde de natuur op zoek naar de bouwstenen van het visuele universum. En hij analyseerde de manier waarop kijkers het visuele universum waarnemen, op zoek naar hoe kunst fundamentele waarheden kon onthullen. Vanaf de jaren 1920, toen hij zijn vroegste esthetische experimenten uitvoerde, tot de jaren 1960, toen hij zijn ultieme creatie, het “Alphabet Plastique,” onthulde, tot het einde van zijn leven op 90-jarige leeftijd, benaderde Vasarely zijn kunst vanuit een standpunt dat creativiteit en analyse tegelijk omvatte. Onderweg veranderde hij hoe mensen tweedimensionale ruimte bekijken en creëerde hij een oeuvre dat zelfs decennia na zijn dood kunstenaars, kunstliefhebbers, ontwerpers en wetenschappers blijft inspireren.
Victor Vasarely: de Wetenschapper
In 1906, toen Victor Vasarely werd geboren, werden kunstenaars en wetenschappers evenveel gerespecteerd. In Boedapest, waar Vasarely naar de universiteit ging, was het niet ongewoon dat leden van beide vakgebieden met elkaar omgingen, vooral in de bruisende cafés langs de oevers van de Donau, die centra waren van de Europese intellectuele scene. Toen Vasarely voor het eerst aan de universiteit begon, was het om geneeskunde te studeren aan de medische faculteit van de Universiteit van Boedapest. Maar twee jaar in de opleiding veranderde hij abrupt van richting en besloot zich volledig aan de kunststudie te wijden.
Maar hoewel zijn onderwerp veranderde, bleef zijn benadering van leren hetzelfde. In 1927, op 21-jarige leeftijd, schreef Vasarely zich in aan een privé-kunstschool waar hij formele opleiding tot schilder kreeg. Hij blonk uit als kunststudent en terwijl hij zijn esthetische vaardigheden aanscherpte, bleef hij ook boeken lezen van de toonaangevende wetenschappers uit die tijd. Een van zijn favoriete auteurs om te lezen in deze periode van zijn leven was Niels Bohr, die in 1922 de Nobelprijs ontving voor zijn studie van de atomaire structuur. In de kwantumfysica toont het Bohr-model de structuur van een atoom als vergelijkbaar met die van het zonnestelsel. Visueel lijkt het op een cirkel omringd door grotere cirkels, een patroon dat Vasarely herhaaldelijk zou verkennen in zijn kunst.
Victor Vasarely - Harlekijn Sportif, ca. 1988 - © Victor Vasarely
Zijn Zaak Opbouwen
Door zijn dubbele studie van kunst en wetenschap begon Vasarely een theorie te formuleren dat de twee denkwijzen elkaar op zo’n manier kruisten dat ze, zoals hij zei, “een denkbeeldige constructie kunnen vormen die in overeenstemming is met onze gevoeligheid en hedendaagse kennis.” In 1929 schreef hij zich in aan de Mühely Academie in Boedapest, die destijds het Hongaarse equivalent van het Bauhaus was. Zijn studie richtte zich op het concept van totale kunst gebaseerd op geometrie. Hij experimenteerde met geometrische abstractie en begon te begrijpen hoe optische illusies gecreëerd konden worden door de rangschikking van geometrische vormen en kleuren op een tweedimensionaal oppervlak. Een vergelijking van een van zijn Mühely Academie schilderijen getiteld Etudes Bauhaus C tot een schilderij dat hij in 1975 maakte met de titel Vonal-Stri toont Vasarely’s levenslange en vastberaden focus op de mogelijkheden van geometrie om de kruising van wetenschap en kunst uit te drukken.
Na het verlaten van de Mühely Academie, verhuisde Vasarely naar Parijs, trouwde en kreeg twee kinderen. Hij ondersteunde zijn gezin als grafisch ontwerper en wijdde zich ’s nachts aan zijn kunst. Terwijl zijn dagbaan een strakke, precieze stijl vereiste, stond zijn kunstpraktijk open voor zijn verbeelding. Hij ontwikkelde een persoonlijke stijl die in beide geworteld was. Dit kwam tot uiting in zijn schilderijen “Zebra” (zie FAQ 9) en “Harlekijn” (zie hierboven), series waar hij zijn hele leven op terugkwam, en in schilderijen zoals “Het Schaakbord” hieronder.
Victor Vasarely - Schaakbord, 1975 - © Victor Vasarely
Het "Verkeerde Pad" en het Kinetische Ontwaken
Na 14 jaar werken aan een dubbele carrière in Parijs, kreeg Vasarely eindelijk zijn eerste grote tentoonstelling. Deze werd zo goed ontvangen dat hij ervan overtuigd raakte dat hij zich fulltime aan het kunstenaarschap kon wijden. Rond deze tijd maakte hij een uitstapje van de visuele stijl die hij tot dan toe had gecreëerd. Tijdens een vakantie op een eiland in Bretagne viel het hem op hoe golven het landschap beïnvloedden, vooral hoe ze de kustlijn veranderden en de stenen vormgaven. Deze observatie leidde hem op een pad naar een soort biomorfe geometrische abstractie terwijl hij probeerde een visuele manifestatie te vinden van de natuurlijke geometrie van de organische wereld.
Hoewel Vasarely later deze periode in zijn leven “het verkeerde pad” noemde, leidde het tot een belangrijke evolutie in zijn werk. Het voegde meer afgeronde elementen toe aan zijn schilderijen. Toen hij terugkeerde naar zijn eerdere geometrische stijl, was dat met de toevoeging van dynamische afgeronde vormen die leken uit te puilen uit het schilderij of in te storten vanaf het oppervlak. De manier waarop deze vormen het oog misleidden, maakte het alsof het beeld bewoog. Die kinetische illusie, gecombineerd met de driedimensionaliteit van de beelden op Vasarely’s doeken, werd de basis voor de iconische esthetiek die we nu Op-Art noemen.
Victor Vasarely - Untitled #8 (roze en turquoise bol) - © Victor Vasarely
Het Gele Manifest: Kunst in Beweging
In 1955 exposeerde Vasarely een aantal van zijn werken in een tentoonstelling van kinetische kunst genaamd “Le Mouvement” in Parijs. Ter begeleiding van zijn werk publiceerde hij een essay genaamd Notes for a Manifesto. Dit essay, gedrukt op geel papier, staat sindsdien bekend als Het Gele Manifest. Hierin verklaarde Vasarely: “We staan aan het begin van een groot tijdperk.” Hij stelde dat labels zoals schilderkunst en beeldhouwkunst achterhaald waren, omdat kunstenaars als Arp, Kandinsky, Mondrian en Calder de kunstmatige scheidingen tussen de plastische kunsten hadden doorbroken. Hij verklaarde dat, aangezien alle esthetische fenomenen manifestaties zijn van dezelfde impuls, het tijd was om alle artistieke prestaties te beschouwen als onderdeel van “een enkele plastische gevoeligheid in verschillende ruimtes.”
Vasarely’s bijdrage aan deze “grote tijd” wordt duidelijk wanneer je kijkt naar de schilderijen die hij in deze periode van zijn leven maakte. Zijn werk herdefinieerde volledig de kijkervaring van een tweedimensionaal kunstwerk. Hij creëerde de perceptie dat ruimte bestond waar eigenlijk geen ruimte was. De kijkervaring werd volledig verplaatst naar de geest van de toeschouwer. De vormen op een van Vasarely’s doeken zijn formeel en wetenschappelijk, maar wanneer ze door het oog worden geïnterpreteerd, krijgen ze eigenschappen die lijken te strijden tegen de wetenschappelijke feiten van ruimtelijke realiteit.
Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely
Het Plastic Alfabet: Esthetische Programmering
Op het hoogtepunt van zijn populariteit in de jaren 60 creëerde Vasarely wat het hoogtepunt van zijn levenswerk zou vertegenwoordigen. Hij beschreef wat hij het Plastic Alfabet noemde, een symbolische visuele taal gebaseerd op geometrische vormen en kleuren. Er waren 15 vormen in het alfabet, allemaal gebaseerd op variaties van de cirkel, de driehoek en het vierkant, en elke vorm bestond in een reeks van 20 verschillende tinten. Elke vorm werd afgebeeld binnen een vierkant kader, en de vorm en het omliggende kader werden in verschillende tinten gepresenteerd. Het Plastic Alfabet kon worden gerangschikt in een schijnbaar oneindige verzameling combinaties en gebruikt worden om een ogenschijnlijk eindeloze reeks beelden te creëren.
Het concept dat Vasarely expliciet impliceerde met zijn Plastic Alfabet was dat door de toepassing ervan de creatieve handeling via een puur wetenschappelijk proces kon worden uitgevoerd. Enerzijds was het ontmenselijkend, omdat het een vorm van programmering vertegenwoordigde, als een proto-kunstmatige intelligentie die het proces van kunst maken kon overnemen. Anderzijds was het menselijk makend, omdat het het creatieve proces democratiseerde en demystificeerde, waardoor iedereen kon deelnemen aan een creatieve esthetische activiteit.
Victor Vasarely - Titan A, 1985 - © Victor Vasarely
Kunst Voor Iedereen
Het is passend dat de bijdrage waarvoor Vasarely het meest wordt herinnerd een vorm van verstoring is. Niet alleen vervormde zijn visuele werk het oppervlak van tweedimensionale kunst, maar ook zijn ideeën en zijn Plastic Alfabet vervormden het oppervlak van de cultuur. Vasarely’s vrienden, collega’s en volgers herinneren zich enthousiast dat een van zijn motto’s was “kunst voor iedereen.” Hij was verheugd om zijn kunst terug te zien op kleding, ansichtkaarten, commerciële producten en advertenties. Hij voorzag dat de enige manier waarop kunst in de toekomst relevant kon blijven was als ieder mens kon deelnemen aan het genieten ervan.
We zien niet alleen echo’s van Vasarely’s kunst in de producten van hedendaagse kunst en design, maar ook echo’s van zijn filosofie in de digitale gemeenschap en de wereldwijde cultuur waaraan deze heeft bijgedragen. Door een stijl van beeldende kunst te creëren die universele aantrekkingskracht kon hebben over kunstmatige sociale scheidslijnen heen, schiep Vasarely iets unieks: een oprechte en vreugdevolle esthetische ervaring die, hoewel abstract, gemakkelijk door iedereen die kan zien genoten kan worden. En misschien nog waardevoller, hij deelde een visie van een toekomst waarin kunst en wetenschap samenwerken aan een interessantere en rechtvaardigere wereld.
De Levendige Erfenis: Hedendaagse Perceptuele Meesters
Door Vasarely’s historische focus op optische beweging, rasters en democratische creatie te vertalen naar de moderne tijd, blijven veel hedendaagse abstracte kunstenaars bij IdeelArt de grenzen verleggen van hoe het menselijk oog licht, ruimte en beweging verwerkt. Hoewel we hier niet uitgebreid op hun individuele werkwijzen ingaan, vertegenwoordigt deze zorgvuldig samengestelde selectie, na een recente diepgaande verkenning van hun werk in onze uitgebreide redactionele Op Art: The Perceptual Ambush and the Art That Refuses to Stand Still, enkele van de meest opwindende perceptuele meesters die vandaag actief zijn:
-
Cristina Ghetti: Gebruikt pulserende geometrische ritmes en berekende chromatische vibraties om geschilderde doeken te creëren die onder de blik van de kijker fysiek lijken uit te zetten en te verschuiven.
-
Andy Harwood: Zet nauwkeurige doorschijnende verlopen en scherpe maskering in zijn Mesmerism-serie in om het oog in een staat van voortdurende visuele flux te houden.
-
Sebastiaan Knot: Hervindt optische illusie in de studio door fysieke geometrische structuren te fotograferen die puur zijn gevormd door de intersectie van gekleurde lichtstralen.
-
Louise Blyton: Bevrijdt optische abstractie van het platte vlak door driedimensionale linnen doeken te maken met een vorm, bedekt met fluweelachtige, ruwe pigmenten.
-
Jesus Perea: Componeert zorgvuldig uitgebalanceerde, architectonische geometrische vormen die spelen met schaduw, diepte en ruimtelijke oriëntatie op vlakke vlakken.
-
Bernadette Jiyong Frank: Legt tientallen microdunne, doorschijnende kleurbanden over elkaar om de veranderende, lichtgevende brekingskracht van licht vast te leggen.
-
Brent Hallard: Gebruikt scherpe maskering en sterk verzadigde monochrome oppervlakken die de grenzen van geometrische spanning en hard-edge visuele vibratie opzoeken.
Uitgelichte afbeelding: Victor Vasarely - Universal Structure, Vega Period (vanaf 1968), DETAIL, © Victor Vasarely
Alle afbeeldingen zijn uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio (2016) en Francis Berthomier (2026)
F Berthomier (medeoprichter IdeelArt) bij Fondation Vasarely - 2022
C Thomas (medeoprichter IdeelArt) bij Fondation Vasarely - 2022
FAQ: Victor Vasarely en de Oprichting van Op Art
1. Waarom wordt Victor Vasarely beschouwd als de "vader van Op Art"?
Terwijl andere historische avant-garde kunstenaars experimenteerden met optische patronen, was Victor Vasarely de eerste die optische en kinetische effecten systematisch ontwikkelde, theoretiseerde en populariseerde als een toegewijde beweging. Zijn deelname aan de historische tentoonstelling Le Mouvement in 1955 en zijn schrijven van het Gele Manifest legden de formele en conceptuele blauwdrukken voor wat de wereld spoedig Op Art zou noemen.
2. Hoe beïnvloedde Vasarely's vroege medische opleiding zijn kunst?
Vasarely bracht twee intensieve jaren door met het studeren van geneeskunde aan de Faculteit in Boedapest voordat hij zich op kunst richtte. Deze klinische opleiding gaf hem een levenslange, diep analytische benadering van menselijke anatomie, lichtbreking en fysieke neurologie — waardoor hij het doek benaderde als een laboratorium in plaats van een emotionele uitlaatklep.
3. Wat is het "Plastic Alfabet" (Alphabet Plastique)?
Ontwikkeld in de jaren 1960 was het Plastic Alfabet een gestandaardiseerde visuele taal die basisvormen (cirkels, vierkanten, driehoeken) combineerde met precieze kleurenschaal binnen modulaire eenheden. Het kon een oneindig aantal unieke composities genereren, en was een voorloper van moderne digitale pixels en algoritmen.
4. Wat was het "Gele Manifest" (Notes pour un Manifeste)?
Geschreven voor de baanbrekende tentoonstelling Le Mouvement in Parijs in 1955 en gedrukt op felgeel papier, verklaarde deze tekst traditionele opvattingen over statische schilderkunst en beeldhouwkunst achterhaald te zijn. Vasarely betoogde dat kunst een "plastische gevoeligheid in beweging" moest zijn, die uitsluitend wordt voltooid door de fysiologische reactie van de toeschouwer.
5. Waarom verklaarde Vasarely zijn biomorfe fase als het "verkeerde pad"?
Tijdens een vakantie in Bretagne eind jaren 1940 maakte Vasarely tijdelijk de overstap naar biomorfe abstractie. Hoewel hij dit later als een omweg afdeed, introduceerde het organische krommen en sferen in zijn raster systemen — wat de bolle, dynamische driedimensionale illusies mogelijk maakte die zijn kenmerkende Op Art-stijl definieerden.
6. Wat was de Műhely Academie in Hongarije en hoe heeft deze Vasarely's werk gevormd?
Bekend als de "Hongaarse Bauhaus," leerde de Műhely Academie de integratie van beeldende kunst, grafisch ontwerp, geometrie en functionele architectuur. Studeren daar in 1929 maakte Vasarely vertrouwd met strikte geometrische principes van het constructivisme die de basis van zijn carrière vormden.
7. Wat is de relatie tussen het atoommodel van Niels Bohr en de schilderijen van Vasarely?
Het model van het atoom van Bohr — een kern omringd door concentrische baanringen — inspireerde Vasarely direct in zijn frequente gebruik van geneste cirkels, uitbreidende sferen en ritmische geometrische rasters gedurende zijn hele carrière.
8. Wat is de betekenis achter Vasarely's motto "Kunst voor Iedereen"?
Vasarely verwierp het elitisme van de traditionele kunstmarkt. Hij geloofde dat beeldende kunst geïntegreerd moest worden in het dagelijks leven en omarmde massaproductie van zijn optische patronen op kleding, textiel, ansichtkaarten en gevels.
9. Waarom wordt Vasarely's "Zebra" (1937) beschouwd als een mijlpaal in de kunstgeschiedenis?
Zebra bestaat uit twee in elkaar grijpende figuren die volledig zijn opgebouwd uit contrasterende zwarte en witte gebogen strepen, zonder contouren of achtergrond. De illusie van volume en beweging wordt puur gegenereerd door de optische interactie van de strepen — waardoor het een van de vroegste echte voorlopers van Op Art is.
10. Hoe heeft Vasarely's baan als grafisch ontwerper zijn beeldende kunst beïnvloed?
Veertien jaar commercieel grafisch werk vereisten visuele helderheid, scherpe lijnen, hoog contrast en drukprecisie. Dit verfijnde zijn technische vaardigheden en leerde hem visueel gewicht te manipuleren — wat hij later toepaste om zijn optische illusies fysiek perfect te maken.
11. Wat is de Vasarely Stichting in Aix-en-Provence?
In 1976 geopend, is de Vasarely Stichting een op maat ontworpen architectonisch complex met 44 monumentale optische installaties die direct in de muren zijn geïntegreerd — het verwezenlijken van Vasarely's droom om abstracte geometrische kunst in een permanente driedimensionale architecturale omgeving te brengen.
12. Hoe voorspelt Vasarely's Plastic Alfabet digitale kunst?
Het Plastic Alfabet functioneert precies als moderne computervelden en vectorgraphics. Decennia vóór personal computers "programmeerde" Vasarely zijn doeken effectief via logica, binaire structuren en systematische reproductie.
13. Wat is het verschil tussen Op Art en Kinetische Kunst?
- Kinetische Kunst omvat daadwerkelijke fysieke beweging door wind, motoren of magneten.
- Op Art omvat fysiologische beweging — het statische schilderij veroorzaakt visuele vermoeidheid en netvliestrillingen in het oog van de kijker, waardoor de illusie van beweging ontstaat.
14. Waarom gaf Vasarely prioriteit aan "multiples" boven unieke doeken?
Vasarely promootte zeefdrukken en industrieel geproduceerde edities om hoogwaardige optische werken tegen toegankelijke prijzen te verkopen, waarmee hij zijn filosofie "Kunst voor Iedereen" wereldwijd verspreidde.
15. Hoe moeten verzamelaars de originele zeefdrukken van Victor Vasarely verzorgen en bewaren?
- UV-bescherming: Lijst achter UV-filterend acryl of glas; vermijd direct zonlicht.
- Vochtigheidscontrole: Houd 40–60% vochtigheid aan om papiervervorming te voorkomen.
- Zuurvrije Passepartouts: Gebruik alleen museumkwaliteit, zuurvrije passepartouts en achterplaten.
KOOP OP ART OP IDEELART (EEN SELECTIE)
