Mark Rothko: De Meester van Kleur op Zoek naar het Menselijk Drama

Een belangrijke hoofdrolspeler van het abstract expressionisme en kleurvlakschilderkunst, Mark Rothko (1903 – 1970) was een van de meest invloedrijke schilders van de 20e eeuw wiens werken diep spreken, en dat nog steeds doen, over de menselijke gesteldheid. Beroemd als meester van kleur, waren Rothko’s schilderijen verre van louter verkenningen van puur schilderachtige elementen. Ondanks talrijke interpretaties gebaseerd op de formele kwaliteiten van zijn werk, begon de kunstenaar aan een reis om de toeschouwer te boeien, emotie te onderzoeken en een ervaring op te roepen binnen een doek door middel van rijke pigmenten, kleurvlakken en de relaties die de tinten aangaan, waardoor een diep menselijke verbinding met het kunstwerk ontstaat die vaak de rede te boven gaat en uitleg bemoeilijkt.

Voornamelijk autodidact en in zekere zin een buitenstaander, was Mark Rothko een man en kunstenaar met een complexe geest, die etiketten afwees, vooral het etiket “kleurist” weerstond, en een schilder die voortdurend op zoek was naar het weergeven van de kwetsbaarheid van het menselijke drama. Gedurende zijn carrière nam de schilder nooit een groepsmentaliteit aan, en creëerde een uniek oeuvre dat zijn eigen koers volgde, geïnspireerd door de tragedie van de menselijke gesteldheid. Van zijn vroege figuratieve werken en de revolutionaire multivormen tot de iconische Rothko Kapel en de Zwart en Grijs-serie, wordt Rothko’s werk vaak geïnterpreteerd via een evolutionaire logica, die een levensloop weerspiegelt.

De lopende baanbrekende tentoonstelling Mark Rothko in de Fondation Louis Vuitton in Parijs onderzoekt chronologisch de rol van kleur in het oeuvre van de kunstenaar en toont aan dat het verwijderen ervan een misleiding was. Doordrenkt met pruim- en bordeauxtinten, onttoveren de donkere doeken van de schilder de illusie, zoals ook blijkt uit een reeks werken uit de late jaren zestig. “Ik ben niet geïnteresseerd in kleur. Het is licht waar ik naar op zoek ben,” merkte Rothko ooit op, waarmee hij een verbindende draad weefde tussen al zijn schilderijen en de ware functie van de tinten onthulde.

Van Rotkovich tot Rothko

Synoniem met kleurvlakschilderkunst en een van de pioniers van de abstracte kunst, werd Mark Rothko geboren op 25 september 1903 in een familie van liberale joden als Marcus Yakovlevich Rotkovich, waarbij hij de wereldberoemde verengelste naam pas veel later aannam. Op jonge leeftijd werd de kunstenaar gedwongen zijn geboortestad Dvinsk (het huidige Daugavpils, Letland) te ontvluchten en emigreerde hij met zijn familie in 1913 vanuit het Russische Rijk naar de Verenigde Staten. Hoewel hij een religieus georiënteerde school in zijn thuisland bezocht voordat hij Lincoln High School in Portland, Oregon afrondde, was Rothko nooit bijzonder godsdienstig, noch speelde geloof een grote rol in zijn werk.

Begin jaren twintig schreef de schilder zich in aan Yale met een studiebeurs, die na het eerste jaar stopte, waardoor hij zijn studie staakte en in 1923 naar New York verhuisde, waar hij zich aansloot bij de Art Students League en lessen volgde bij de kubistische kunstenaar Max Weber. Destijds was New York een toevluchtsoord voor Europese kunstenaars en een bloeiend creatief centrum, waar Duitse expressionisten, Franse modernisten en surrealisten samenkwamen, wier werk grote invloed had op de jonge Rothko, die vooral onder de indruk was van Paul Klee en Georges Rouault.

In de jaren dertig ontmoette de schilder collega-kunstenaars zoals Adolph Gottlieb, Barnett Newman, en John Graham, wat hem dichter bij de schilder Milton Avery bracht, die cruciaal bleek in Rothko’s keuze om een artistieke loopbaan te volgen. Hoewel hij aanvankelijk onder Avery’s invloed stond, begon Rothko zich langzaam los te maken van de stijl van anderen, wat duidelijk werd bij zijn eerste solotentoonstelling aan de oostkust in de Contemporary Arts Gallery in New York in 1933. Slechts twee jaar later richtte de schilder The Ten op, een onafhankelijke groep kunstenaars waaronder Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman en Nahum Tschacbasov, en transformeerde van Marcus Rotkovich tot Mark Rothko.

Mark Rothko - Zwart op Kastanjebruin, 1958. Olie op doek. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londen. Aangeboden door de kunstenaar via American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Parijs, 2023

Ongeacht tijdperk of stijlkenmerken lijkt Mark Rothko geleidelijk een interesse te hebben ontwikkeld in het afbeelden van de tragedie van het menselijk bestaan, belichaamd door kleur. Zijn eerste solotentoonstelling in New York bestond voornamelijk uit portretten en stadsgezichten, die een schilderlogica aankondigden geleid door kleurvlakken en tinten. De overgangsperiode van de kunstenaar (1940-1950) leunde nog op figuratie, maar in deze tijd begon Rothko mythologische verwijzingen en surrealistische elementen te verwerken, beïnvloed door collega-kunstenaars en de pioniers van de moderne psychologie, Sigmund Freud en Carl Jung. Rothko’s schilderijen, zoals The Omen of the Eagle (1942), maakten deel uit van de intentie om een “hedendaagse mythe” te creëren, die fungeerde als voorloper van het abstract expressionisme.

Gezuiverd van alle figuratieve elementen of verwijzingen, begon Rothko in 1946 zijn beroemde Multivormen te schilderen. De compositie van de abstracte werken werd volledig teruggebracht tot over elkaar liggende rechthoekige kleurvlakken, waarbij de emotionele, psychologische en visuele sensaties werden onderzocht die het doorlopen van verschillende tinten en tonen kon oproepen. “Een schilderij is geen afbeelding van een ervaring. Het is een ervaring,” vat Rothko samen, waarmee hij het belang van schaal en het loslaten van het kader even cruciaal achtte als de tinten, tonen en levendigheid van kleur in zijn missie om een multisensorische ervaring te creëren in plaats van slechts een schilderij.

Mark Rothko - Nr. 14, 1960. Olie op doek. 290,83 cm x 268,29 cm. San Francisco Museum of Modern Art - Helen Crocker Russell Fund aankoop. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Parijs, 2023

Een Indringende, Intieme Ervaring

Rothko’s intentie om de toeschouwer onder te dompelen in zijn werken werd gerealiseerd in verschillende opdrachten en projecten, waaronder de beroemde Seagram-muurschilderingen (1956-1958), gemaakt in harmonie met de architectuur. Hoewel bedacht voor het Seagram-gebouw van Mies van der Rohe, vonden de negen doeken hun thuis in de Tate, waar ze de spectaculaire Rothko Kamer vormen. In de Seagram-muurschilderingen werd Rothko’s palet donkerder; de bruine, bordeauxrode, kastanjebruine en rode kleurvlakken liepen in elkaar over, en zijn compositie verschoof naar horizontale en verticale vlakken die architectonische vormen suggereerden, deuren en ramen die in de achtergrond overvloeiden. Rothko’s eerste samensmelting met architectuur was een opdracht voor de Philips Collection in Washington D.C., gevolgd door de Harvard-muurschilderingen, en culmineerde in de Rothko Kapel in Houston, Texas. Voor zijn zelfdoding in 1970 werkte Mark Rothko aan de Zwart en Grijs-serie, die volgens sommige recente interpretaties een link met het minimalisme suggereert.

Tijdens een kritieke onderbreking in zijn schilderpraktijk wijdde Rothko zich aan het schrijven van een boek om zijn schildervisie toe te lichten. Postuum gepubliceerd in 2004, biedt The Artist’s Reality een kostbare blik in de geest en ziel van een van de meest vooraanstaande kunstenaars van de 20e eeuw, wiens schilderijen blijven betoveren door hun mysterie. Hoewel het lezen van Rothko de sleutel biedt tot het ontsluiten van de geheimen van zijn schilderijen, kan het nooit de intieme, emotionele en onverklaarbare sensatie vervangen die we ervaren wanneer we een werk ontmoeten, als we durven Rothko’s uitnodiging te volgen: “Voor ons is kunst een avontuur in een onbekende wereld, die alleen kan worden verkend door hen die bereid zijn risico’s te nemen.”

Door Francis Berthomier

Afbeelding: Rothko in de Fondation Louis Vuitton, © Ideelart