Artikel: De ultieme gids voor Mark Rothko: de meester van kleur op zoek naar het menselijke drama
De ultieme gids voor Mark Rothko: de meester van kleur op zoek naar het menselijke drama
Voor een laat doek van Rothko staat men niet simpelweg naar een schilderij te kijken: men wordt bekeken. Weinig kunstenaars in de geschiedenis van de twintigste-eeuwse abstractie hebben die bewering zo stil en onweerlegbaar krachtig gemaakt als Mark Rothko (1903-1970): een in Letland geboren immigrant die het geweten van de Amerikaanse schilderkunst werd en wiens werken nog altijd behoren tot de emotioneel meest veeleisende objecten die ooit voor een mens zijn geplaatst.
Als belangrijke protagonist van het abstract expressionisme en de colorfieldschilderkunst waren Rothko's doeken veel meer dan louter verkenningen van picturale vorm. Ondanks talloze interpretaties op basis van hun formele kwaliteiten begon Rothko aan een levenslange zoektocht om de kijker te boeien, emoties te onderzoeken en een ervaring op gang te brengen door middel van rijke pigmenten, lichtgevende kleurvelden en de geladen relaties die de tinten aangaan. Daarmee riep hij een diep menselijke verbondenheid op die vaak aan de rede ontsnapt en zich tegen uitleg verzet. Deze ultieme gids put uit archiefbronnen, tentoonstellingsdocumentatie en de geschriften van de kunstenaar zelf om die reis te volgen, van het begin tot de meest extreme conclusies.
Rothko was overwegend autodidact en in zekere zin een buitenstaander: een man met een complexe geest, die etiketten afwees, zich in het bijzonder verzette tegen het etiket 'colorist' en voortdurend zocht naar manieren om de kwetsbaarheid van het menselijke drama weer te geven. Tijdens zijn hele carrière nam hij nooit een groepsmentaliteit aan. Hij creëerde een uniek oeuvre dat zijn eigen traject volgde, gevormd door tragedie, mythologie, filosofie en een onverzettelijk geloof dat schilderkunst een voertuig voor transcendentie kon zijn.
Mark Rothko: snelle feiten
- Geboren: 25 september 1903, Dvinsk (Daugavpils), Russische Rijk (het huidige Letland)
- Overleden: 25 februari 1970, New York City, VS (66 jaar)
- Geboortenaam: Marcus Yakovlevich Rotkovich
- Opleiding: Yale University (studiebeurs, 1921-1923); Art Students League of New York (onder Max Weber)
- Belangrijkste media: olieverf op doek, eitempera, werken op papier, gouache
- Geassocieerde stromingen: abstract expressionisme, colorfieldschilderkunst, surrealisme (vroeg), Art Informel
- Belangrijke tijdgenoten: Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Clyfford Still, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Milton Avery
- Belangrijke collecties: Tate Modern (Londen), Museum of Modern Art (MoMA, New York), National Gallery of Art (Washington D.C.), Kunstmuseum Basel, Fondation Louis Vuitton (Parijs), Rothko Chapel (Houston)
- Belangrijke concepten: kleur als drama, lichtgevende gelaagdheid (glaceren), meeslepende schaal, de 'multiform', het tragische sublieme, het weglaten van de lijst
- Gepubliceerd werk: The Artist's Reality (geschreven rond de jaren 1940, postuum gepubliceerd in 2004)
Van Rotkovich naar Rothko: de vormende jaren (1903-1935)
| Fase | Mijlpalen | Belangrijkste invloeden |
|---|---|---|
| Dvinsk & emigratie (1903-1913) | Geboren in een liberaal Joods gezin; emigreert op tienjarige leeftijd naar Portland, Oregon, na het overlijden van zijn vader. | De Joodse intellectuele traditie, de Russische cultuur, vroege blootstelling aan tragedie en ontheemding |
| Yale & New York (1921-1925) | Studiebeurs aan Yale eindigt na het eerste jaar; verhuist naar New York en gaat aan de Art Students League studeren bij de kubistische kunstenaar Max Weber. | Het Europese modernisme, Cézanne, Matisse, Paul Klee, Georges Rouault |
| De vroege kunstscene van New York (1929-1935) | Ontmoet Adolph Gottlieb en Barnett Newman; raakt bevriend met Milton Avery, wiens losse chromatische stijl van doorslaggevend belang is. Eerste solotentoonstelling (1933). | Milton Avery, het Duitse expressionisme, het surrealisme |
| The Ten (1935-1939) | Medeoprichter van The Ten, een onafhankelijke groep die zich verzette tegen conservatieve Amerikaanse kunstinstellingen. Verwijdert zich geleidelijk van de figuratie. | Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb |
De zoektocht naar een hedendaagse mythe (1938-1946)
Toen de verschrikkingen van de Tweede Wereldoorlog het culturele landschap hervormden, wendde Rothko zich, net als veel New Yorkse schilders, tot de antieke mythologie en de dieptepsychologie als kaders die het gewicht van de hedendaagse tragedie konden dragen. Diep beïnvloed door Sigmund Freuds De interpretatie van dromen en Carl Jungs theorieën over het collectieve onbewuste begon Rothko mythologische archetypen in zijn doeken te verwerken: figuren uit de Griekse tragedie, oerwezens en biomorfe vormen ontleend aan het surrealisme.
Werken als The Omen of the Eagle (1942) en Antigone (1941) onthullen een kunstenaar die, in zijn eigen woorden, een ‘hedendaagse mythe’ probeerde te creëren: een beeldtaal die oud genoeg was om universele menselijke emoties te dragen, maar volledig van zijn eigen tijd. In 1943 publiceerden Rothko en Gottlieb hun beroemde brief in de New York Times, waarin zij verklaarden: ‘Wij stellen dat het onderwerp cruciaal is en dat alleen onderwerpen geldig zijn die tragisch en tijdloos zijn.’
Mark Rothko - Black On Maroon, 1958. Olieverf op doek. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londen. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / ADAGP, Parijs
De Multiforms en de geboorte van Color Field (1946-1950)
In 1946 maakte Rothko een beslissende breuk. Gezuiverd van elke figuratieve of mythologische verwijzing begon hij zijn ‘Multiforms’ te schilderen: doeken die volledig waren gereduceerd tot zachte, lichtgevende, over elkaar heen geplaatste kleurvelden. Dit waren geen decoratieve composities, maar emotionele omgevingen. De rechthoekige kleurzones, die elkaar nooit helemaal raken en aan de randen zacht in elkaar overvloeien, waren bedoeld om een innerlijk licht te creëren, een trilling die de kijker fysiek aanvoelt in plaats van intellectueel te interpreteren.
"Een schilderij is geen afbeelding van een ervaring. Het is een Ervaring," verklaarde Rothko, waarbij hij schaal, atmosfeer en chromatische vibratie centraal stelde in zijn werk. Hij begon juist op zeer grote doeken te werken om het perifere zicht te overweldigen, de staande kijker in kleur te omhullen in plaats van kleur aan te bieden als een object om van een afstand te beschouwen.
Mark Rothko - Nr. 14, 1960. Olieverf op doek. 290,83 x 268,29 cm. San Francisco Museum of Modern Art. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / ADAGP, Parijs
De wetenschap van kleur: hoe Rothko van binnenuit licht opbouwde
Glaceren en het gelaagde oppervlak
Rothko's techniek was bedrieglijk arbeidsintensief. Hij bracht zijn kleurvelden aan in meerdere doorschijnende lagen — een proces dat hij ontleende aan het glaceren van olieverf door oude meesters — waarbij hij dunne pigmentwassingen opbouwde die waren gesuspendeerd in een mengsel van olie, ei en konijnenhuidlijm. Elke opeenvolgende laag verandert de laag eronder zonder die uit te wissen, waardoor een diepte en luminositeit ontstaat die vanuit het doek zelf lijkt uit te stralen, in plaats van vanaf het oppervlak.
De zachte, gevederde randen tussen zijn kleurzones, nooit een harde lijn maar altijd een diffuse overgang, zijn het resultaat van nat-in-nat werken op een ongegrond of licht gewassen doek dat plat op de ateliervloer lag. Het pigment sijpelt en vloeit uit, waardoor overgangen ontstaan die organisch en bijna ademend aanvoelen.
Kleur als emotionele architectuur
Rothko benadrukte dat zijn schilderijen niet over kleur in formalistische zin gingen. "Ik ben niet geïnteresseerd in kleur. Het is licht waar ik naar op zoek ben," merkte hij op. Met licht bedoelde hij het innerlijke drama dat kleur, op voldoende schaal en met voldoende luminositeit, in het zenuwstelsel van de kijker kan opwekken. Zijn keuze voor complementaire tinten — warme rode kleuren tegenover koele violetten, gloeiende oranjes tegenover gedempte okers, gekneusde marenen zwevend boven absoluut zwart — creëert een chromatische spanning die emotionele toestanden nabootst: vervoering, melancholie, ontzag, angst.
De grote opdrachten: architectuur, onderdompeling en het sacrale (1954-1967)
| Opdracht | Jaar | Locatie | Betekenis |
|---|---|---|---|
| Muurschilderingen in de Phillips Collection | 1960 | Washington D.C., VS | Rothko's eerste locatiespecifieke installatie; drie doeken die ontworpen zijn om één intieme ruimte te omhullen. |
| Seagram-muurschilderingen | 1956-1958 | Tate Modern, Londen (Rothkozaal) | Oorspronkelijk bedacht voor Mies van der Rohes restaurant Four Seasons; Rothko trok zich terug en noemde de opdracht een valstrik. De negen doeken vormen nu een van de meest bezochte zalen in de Tate. |
| Muurschilderingen van Harvard | 1962 | Harvard-universiteit, Cambridge, VS | Vijf grootschalige panelen voor het Holyoke Center van de universiteit; sterk verbleekt door de vroege instabiliteit van de pigmenten; sinds 2014 digitaal gerestaureerd en opnieuw geprojecteerd. |
| Rothko Chapel | 1964-1967 (geopend in 1971) | Houston, Texas, VS | Rothko's magnum opus: veertien grote zwarte en pruimkleurige doeken, opgesteld in een achthoekige, niet-confessionele kapel. Een bedevaartsoord voor meditatie en mensenrechtenbijeenkomsten. Rothko stierf voordat hij de voltooiing ervan kon meemaken. |
De Seagram Murals: een geweigerde opdracht
Het verhaal van de Seagram Murals onthult alles wat essentieel is aan Rothko's compromisloze artistieke ethiek. In 1958 aanvaardde hij een prestigieuze opdracht om grootschalige muurschilderingen te maken voor het restaurant Four Seasons in het markante Seagram Building van Mies van der Rohe aan Park Avenue in New York, destijds het duurste restaurant van de stad. Rothko begon enthousiast aan de serie en stelde zich schilderijen voor die "de eetlust zouden bederven van elke klootzak die ooit in die ruimte eet".
Maar tijdens een diner in 1959 bij de Four Seasons, te midden van de welgestelde clientèle, voelde Rothko de diepe onverenigbaarheid tussen het luxueuze spektakel van de ruimte en de tragische ernst van zijn schilderijen. Hij betaalde het voorschot terug, trok alle doeken terug en schonk er uiteindelijk een aantal aan de Tate Gallery – een buitengewoon helder moreel gebaar van een kunstenaar die weigerde zijn werk tot decoratie voor de machtigen te laten verworden.
De Rothko Chapel: schilderkunst als toevluchtsoord
De Rothko Chapel, in opdracht van de filantropen John en Dominique de Ménil uit Houston en geopend in 1971, één jaar na zijn dood, vormt de meest volledige verwezenlijking van Rothko's overtuiging dat schilderkunst als heilige ruimte kon functioneren. De veertien schilderijen, met een palet dat is teruggebracht tot bijna-zwarte pruim- en houtskooltinten, hangen in een achthoekige structuur die is ontworpen om het interieur te vullen met diffuus natuurlijk licht vanuit een centraal dakraam.
De Kapel is tegelijk een kunstinstallatie, een interreligieus spiritueel toevluchtsoord en een forum voor mensenrechten. De Dalai Lama, Jimmy Carter en talrijke internationale humanitaire evenementen hebben er plaatsgevonden – een getuigenis van de universele zeggingskracht die Rothko volgens eigen overtuiging met grote schilderkunst kon bereiken.
De serie Black and Grey en de laatste jaren (1968-1970)
In 1968 kreeg Rothko een ernstig aorta-aneurysma. Omdat zijn artsen hem verboden nog op grote verticale doeken te werken, begon hij op papier te schilderen – een medium dat hij voordien alleen voor studies had gebruikt – en maakte hij de beklemmende serie Black and Grey. Deze werken, radicaal gereduceerd tot één horizontale zwarte band boven een grijs veld, zijn geïnterpreteerd als voorgevoelens van de dood, daden van uiteindelijke zuivering of, welwillender, als de ultieme distillatie van zijn levenslange project: kleur teruggebracht tot haar meest elementaire existentiële minimum.
Op de ochtend van 25 februari 1970 werd Rothko door zijn assistent Oliver Steindecker dood aangetroffen in zijn studio in New York. Hij was 66 jaar oud. De Rothko Chapel werd het jaar daarop geopend.
Kunstenaars in dialoog: Rothko's nalatenschap bij Ideelart
Rothko's overtuiging dat kleur het volledige gewicht van menselijke emoties kon dragen, eindigde niet met hem. Drie kunstenaars die beschikbaar zijn bij Ideelart hebben elk op hun eigen manier hetzelfde terrein verkend - het geladen veld, het lichtgevende oppervlak, het schilderij dat gevoeld wil worden in plaats van ontcijferd.
Yari Ostovany - Kleur als transcendentie
Van alle schilders die vandaag in Rothko's voetsporen werken, staat de in Iran geboren Amerikaanse kunstenaar Yari Ostovany wellicht het dichtst bij de kern van waar Rothko naar streefde. Net als Rothko bouwt Ostovany zijn oppervlakken op door geduldig doorschijnende lagen te verzamelen - pigment toegevoegd, uitgewassen, weggekrabd, opgelost en vervolgens opnieuw opgebouwd - totdat de compositie, in zijn eigen woorden, met elke fase "dieper en lichtgevender" wordt. Het resultaat is een oppervlak dat ademt en licht van binnenuit vasthoudt in plaats van het van buitenaf te weerkaatsen.
Waar Rothko elk doek begon met een chromatisch veld en het verfijnde door elementen weg te laten, begint Ostovany met een "gestuele uitbarsting" - een kalligrafische vonk, geboren uit een cognitieve en emotionele impuls - die hij vervolgens uitwrijft, verdunt en naar nieuwe dimensies van kleur en textuur begeleidt. Het vluchtige karakter van de lagen wordt verankerd in de beeldtaal van het werk en roept beweging en transcendentie op. Geïnspireerd door de Perzische mystiek, de westerse abstractie, muziek en poëzie neemt Ostovany een zeldzame positie in: een kunstenaar die evenzeer geworteld is in de spirituele tradities van Oost en West en formele elementen - licht, kleur, textuur, ruimte - omvormt tot composities die meer zijn dan de som der delen. Zijn werken bevinden zich in het New Britain Museum of American Art, het Pasargad Bank Museum in Teheran en talrijke privécollecties wereldwijd.
Vers XLIX - Yari Ostovany
Dana Gordon - Het vibrerende veld
Dana Gordon brengt een uniek perspectief in deze dialoog, geworteld in meer dan vijf decennia abstracte schilderkunst en een zeldzame nabijheid tot Rothko's wereld - zij is de auteur van Notes and Reflections on Rothko in Paris, gepubliceerd op Ideelart, een persoonlijk verslag van haar ervaring voor zijn schilderijen tijdens de retrospectieve in de Fondation Louis Vuitton te hebben gestaan. Die ervaringsgerichte intimiteit met Rothko's werk is geen bijkomstigheid in haar schilderkunst; ze loopt erdoorheen.
Gordons methode verschilt structureel van Rothko's open chromatische veld, maar deelt dezelfde fundamentele ambitie: kleur energie laten genereren in plaats van slechts vorm te beschrijven. Ze legt vlakke, effen kleurblokken over dichte, met de hand geschilderde rasters van caleidoscopische spiraalmotieven, en creëert zo een optische ‘push-pull’-dynamiek die het doek transformeert in een vrolijk, vibrerend veld van pure spectrale kleur. Waar Rothko het tragische en transcendente nastreefde, zoekt Gordon naar straling en ritmische spanning — maar beiden stellen de kijker dezelfde vraag: kun je de kleur voelen voordat je erover nadenkt? Haar werken, ontstaan gedurende een gevierde carrière van meer dan vijftig jaar, bevinden zich in belangrijke internationale collecties.
Altitude - Dana Gordon
Paul Landauer - Het getelde gebaar
De Oostenrijkse abstracte kunstenaar Paul Richard Landauer benadert het schilderen vanuit een andere invalshoek, maar komt tot een vergelijkbare overtuiging: dat het maakproces de betekenis is. Waar Rothko zijn lichtgevende kleurvelden opbouwde met transparante glacislagen die hij wekenlang aanbracht en verfijnde, construeert Landauer zijn oppervlakken door middel van een bedrieglijk eenvoudige maar strikt gedisciplineerde handeling: het herhaaldelijk en geteld aanbrengen van afzonderlijke penseelstreken, die elk bewust, afgemeten en geregistreerd zijn. Elke vierkante centimeter van zijn doek vertegenwoordigt een opeenstapeling van doelbewuste fysieke handelingen in plaats van een spontaan gebaar.
De parallel met Rothko is treffend. Beide kunstenaars wijzen decoratie af. Beiden situeren betekenis in de directe ontmoeting van het lichaam met pigment. Beiden creëren werken waarvan het volledige emotionele gewicht zich pas in fysieke aanwezigheid openbaart — een foto kan een Rothko of een Landauer beschrijven, maar kan de ervaring niet overbrengen. Binnen de traditie van Art Informel en het abstract expressionisme verdiept Landauer hun meest intieme en zuivere aspecten: zijn oppervlakken lezen als diep harmonieus en muzikaal, als een meditatieve partituur die in stilte wordt uitgevoerd, streek voor streek, op het oppervlak van het doek.
Barcelona I - Paul Landauer
Mark Rothko verzamelen: markt, media en authenticatie
Rothko blijft een van de commercieel belangrijkste kunstenaars in de veilinggeschiedenis, met een totale levenslange omzet van meer dan $2 miljard. Zijn markt wordt gekenmerkt door extreme schaarste aan de top — er zijn minder dan 1.000 olieverfschilderijen op doek bekend — en een sterke institutionele vraag.
| Categorie / medium | Prijsbereik | Profiel van de verzamelaar |
|---|---|---|
| Klassieke olieverfschilderijen op groot formaat (1955-1965) | $50M - $186M+ | Meesterwerken uit de absolute top. Orange, Red, Yellow (1961) werd bij Christie's (2012) verkocht voor $86.9M; No. 6 (Violet, Green and Red) voor $186M onderhands (2014). Institutionele kopers en staatsinvesteringsfondsen. |
| Seagram / olieverfschilderijen uit de donkere periode (1957-1964) | $20M - $75M | De werken in bordeauxrood, wijnrood en zwart die door verfijnde verzamelaars worden gewaardeerd om hun emotionele diepgang. Tate, Kunstmuseum Basel, particuliere stichtingen. |
| Werken op papier / gouaches | $500K - $5M | Een toegankelijke kennismaking met Rothko's beeldtaal. Grote vraag van particuliere verzamelaars die uitstraling zoeken zonder het formaat van een groot doek. |
| Vroege figuratieve werken (vóór 1946) | $100K - $2M | Zeldzaam en steeds gewilder bij verzamelaars van museumkwaliteit die geïnteresseerd zijn in het volledige ontwikkelingsverhaal van Rothko's carrière. |
Authenticatie
De nalatenschap van Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko beheert vragen over authenticatie. De catalogue raisonné van Rothko, gepubliceerd in 1998, blijft de definitieve referentie. Alle belangrijke werken moeten aan de hand van deze catalogus worden gecontroleerd en vergezeld gaan van verifieerbare documentatie over de herkomst.
Veelgestelde vragen
1. Was Rothko echt een "kleurveldschilder"?
Rothko verzette zich naar eigen zeggen tegen het etiket. Hij stond zeer vijandig tegenover het categoriseren van hem als formalist of als een "colorist" en benadrukte dat zijn schilderijen draaiden om tragedie, extase en het menselijke drama - niet om kleur als esthetisch doel op zichzelf. Het etiket kleurveldschilderkunst, bedacht door criticus Clement Greenberg, werd naast Rothko ook toegepast op kunstenaars als Barnett Newman en Clyfford Still, maar Rothko bleef altijd volhouden dat het etiket het wezenlijke punt van zijn werk miste.
2. Waarom zijn Rothko's schilderijen zo groot?
Het formaat was een weloverwogen filosofische keuze. Rothko wilde dat zijn schilderijen het perifere zicht van de kijker overweldigden, zodat de psychologische afstand tussen toeschouwer en doek verdween. "Ik wil zeer intiem en menselijk zijn", zei hij. "Een klein schilderij maken is jezelf buiten je ervaring plaatsen." Op ware grootte kijkt de toeschouwer niet naar het schilderij - hij bevindt zich erin.
3. Welke techniek gebruikte Rothko om zijn lichtgevende kleurvelden te creëren?
Rothko bracht zijn kleur aan in meerdere dunne, doorschijnende lagen - een techniek die verwant is aan het glaceren van oude meesters - met een complex mengsel van olieverf, eitempera en konijnenhuidenlijm. Hij werkte op ongespannen of licht gewassen doek, plat op de ateliervloer gelegd, waardoor pigment aan de randen kon intrekken en uitvloeien. Het resultaat is een oppervlak dat licht van binnenuit lijkt uit te stralen in plaats van het van buitenaf te reflecteren.
4. Waarom weigerde Rothko de opdracht van Seagram?
Rothko aanvaardde de opdracht van Seagram in 1958 om muurschilderingen te maken voor het Four Seasons-restaurant in New York. Vervolgens gaf hij de vergoeding terug en trok hij de schilderijen in nadat hij daar had gegeten en de diepe onverenigbaarheid had ervaren tussen luxe als sociaal spektakel en de tragische ernst van zijn werk. Uiteindelijk schonk hij een groep doeken aan de Tate Gallery in Londen, waar ze nu de beroemde Rothko Room vormen.
5. Wat is de Rothko Chapel?
De Rothko Chapel in Houston, Texas (geopend in 1971) is Rothko's meest ambitieuze gerealiseerde project: veertien grote schilderijen in bijna zwarte pruim- en houtskooltinten, geïnstalleerd in een achthoekige, niet-confessionele ruimte die speciaal ontworpen is om ze te huisvesten. De kapel werd in opdracht van John en Dominique de Ménil gebouwd en fungeert zowel als kunstinstallatie als interreligieuze spirituele ruimte. Er waren onder anderen de Dalai Lama, mensenrechtentoppen en talrijke internationale ceremonies te gast.
6. Schreef Rothko over zijn eigen werk?
Ja. Rothko schreef uitvoerig, maar publiceerde tijdens zijn leven vrijwel niets. Zijn boek The Artist's Reality, rond 1940 geschreven, werd in 2004 postuum uitgegeven door Yale University Press. Het biedt een opmerkelijk filosofisch verslag van zijn opvattingen over kunst, de rol van de kunstenaar en de relatie tussen vorm en emotie — essentiële lectuur voor iedereen die zijn schilderijen wil begrijpen.
7. Wat is de Black and Grey-serie?
De Black and Grey-serie, gemaakt tussen 1969 en 1970 na een ernstig aorta-aneurysma dat zijn lichamelijke mogelijkheden beperkte, vertegenwoordigt een radicale reductie van Rothko's beeldtaal tot twee kleurvlakken: een band zwart boven een veld grijs. De werken zijn voornamelijk op papier uitgevoerd en behoren tot de strengste en emotioneel meest verwoestende werken van de twintigste-eeuwse schilderkunst.
8. Hoe moet ik een werk op papier van Rothko tentoonstellen?
Werken op papier van Rothko zijn zeer lichtgevoelig. Ze moeten uit de buurt van direct zonlicht en sterke kunstmatige uv-bronnen worden tentoongesteld. Lijst ze in achter museumglas met uv-filter en monteer ze op zuurvrij karton. Houd de relatieve luchtvochtigheid tussen 45 en 55% en de temperatuur tussen 18 en 21 °C. Wissel de tentoonstellingsperiodes indien mogelijk af om de cumulatieve blootstelling aan licht te beperken.
9. Wat zijn Rothko's duurste werken die ooit zijn verkocht?
Rothko behaalde enkele van de hoogste veilingresultaten in de kunstgeschiedenis. Belangrijke ijkpunten zijn: Orange, Red, Yellow (1961), verkocht voor $86,9 miljoen bij Christie's New York (2012); White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose) (1950), verkocht voor $72,8 miljoen bij Sotheby's New York (2007); en No. 6 (Violet, Green and Red) (1951), naar verluidt in 2014 privé verkocht voor ongeveer $186 miljoen.
10. Is Rothko verbonden met het abstract expressionisme of met Color Field-schilderkunst?
Beide, maar ook geen van beide volledig. Rothko kwam voort uit de eerste generatie van het abstract expressionisme in New York, naast Pollock, de Kooning en Newman, maar zijn volwassen werk ontwikkelde een stiller, meditativer register dat critici afzonderlijk classificeerden als Color Field-schilderkunst. Rothko wees beide labels af en benadrukte dat zijn onderwerp altijd hetzelfde was: de tragedie en extase van de menselijke conditie.
11. Wat beïnvloedde Rothko's gebruik van mythologie in zijn vroege werk?
Rothko werd sterk beïnvloed door Nietzsches The Birth of Tragedy, Freuds psychoanalytische theorie en Carl Jungs concept van het collectieve onbewuste. Hij geloofde dat de Griekse mythologie universele emotionele archetypen bood die rechtstreeks over culturele grenzen heen konden communiceren – een overtuiging die er uiteindelijk toe leidde dat hij de mythologie verruilde voor een nog directer middel: een puur chromatisch veld.
12. Waarom schilderde Rothko zonder lijst?
Rothko beschouwde de traditionele schilderijlijst als een psychologische barrière tussen de kijker en het schilderij. Door die weg te laten, wilde hij een ononderbroken chromatische omgeving creëren, een kleurveld zonder rand die het scheidt van de ruimte van de kijker. Hij gaf ook zeer precieze ophanghoogtes voor zijn werken aan: laag, dicht bij de vloer, zodat de doeken op dezelfde hoogte ademden als het staande menselijke lichaam.
13. Hoe verhoudt Paul Landauer zich tot Rothko's nalatenschap?
De Oostenrijkse abstracte kunstenaar Paul Richard Landauer erft Rothko's fundamentele overtuiging dat schilderen een handeling is, geen afbeelding. Waar Rothko lichtgevende diepte opbouwde met geglazuurde lagen, construeert Landauer zijn oppervlakken met getelde, ritmische penseelstreken: elke aanraking doelbewust, elk gebaar een fysieke gebeurtenis die zich in de loop van de tijd opstapelt. Beide kunstenaars vinden betekenis in de discipline van het lichaam tijdens het schilderen, en beiden creëren werken waarvan het volledige emotionele gewicht zich pas onthult in fysieke aanwezigheid.
14. Waar kan ik Rothko's werk in Europa zien?
Belangrijke Europese collecties zijn onder meer het Tate Modern in Londen (de Rothko Room met de Seagram Murals), het Kunstmuseum Basel, het Centre Pompidou in Parijs en de Fondation Louis Vuitton in Parijs, waar in 2023 een grote retrospectieve werd gehouden. De Beyeler Foundation in Basel bezit eveneens belangrijke werken.
15. Wat moet ik lezen om Rothko beter te begrijpen?
Begin met Rothko's eigen The Artist's Reality (Yale University Press, 2004), een essentiële primaire bron. Lees vervolgens de biografie van James E.B. Breslin, Mark Rothko: A Biography (1993), de tentoonstellingscatalogus van de retrospectieve in de National Gallery of Art uit 1998 en de catalogus van Tate van de Rothko-retrospectieve uit 2008. Lees voor een persoonlijk hedendaags verslag ook: Notes and Reflections on Rothko in Paris van Dana Gordon, gepubliceerd op Ideelart.
Door Francis Berthomier - bijgewerkt en uitgebreid in september 2026
Uitgelichte afbeelding: Rothko bij de Fondation Louis Vuitton, Parijs © Ideelart
