Duidelijkheid van Toon en Vorm in de Schilderijen van Barnett Newman

De iconische ritssluitingsschilderijen van Barnett Newman, met dunne, lichtgevende verticale banden omgeven door meeslepende kleurvlakken, worden beschouwd als enkele van de meest ontroerende en krachtige werken van de 20e eeuw. Maar Newman werd in zijn tijd niet gewaardeerd. Pas in zijn veertiger jaren bereikte hij zijn rijpe stijl, en toen hij zijn ritssluitingsschilderijen voor het eerst tentoonstelde, verachtten critici en verzamelaars ze unaniem. Desondanks bleef Newman onverzettelijk gefocust op wat hij met zijn kunst wilde overbrengen. Zijn lange en moeilijke weg naar succes gaf hem een uniek perspectief en de kans om zelf de betekenis en het doel van leven en kunst te doorgronden. Tegen de tijd dat de geschiedenis hem inhaalde, had zijn unieke visie geleid tot een artistiek oeuvre dat met perfecte helderheid het universele, het individuele en het verhevene communiceert.

Barnett Newman de Schrijver

Barnett Newman werd geboren met een passie voor communicatie, zowel via woorden als beelden. Als kind in de Bronx won hij ooit een spreekwedstrijd op school. Tegen de tijd dat hij in de laatste klas van de middelbare school zat, volgde hij bijna elke dag lessen aan de Art Students League. Op de universiteit zette hij zijn passies in door kunst te studeren, met als hoofdvak filosofie, en hij leverde bijdragen aan schoolpublicaties. Maar ondanks zijn enorme talent en gedrevenheid vond Newman na zijn studie geen duidelijke richting voor hoe hij zijn passies in een loopbaan kon omzetten.

Na zijn afstuderen met een graad in de filosofie in 1927 begon Newman te werken in het familiebedrijf, om geld te sparen voordat hij het kunstenaarsleven zou gaan leiden. Maar toen de beurs twee jaar later instortte, werden bijna alle vooruitzichten voor hem en zijn familie vernietigd. Geconfronteerd met harde realiteiten zette Newman zich vastberaden in om op welke manier dan ook te overleven. Hij probeerde invalleraarschap en schreef voor verschillende publicaties over onderwerpen als politiek en kunstgeschiedenis. Terwijl hij worstelde en zocht, bleef hij schilderen en legde hij contacten met andere gelijkgestemde zielen die ook hun weg probeerden te vinden. Tot die contacten behoorden zijn vrouw Annalee, de schilders Mark Rothko en Adolph Gottlieb, en de galeriehoudster Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Keulen, Duitsland. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman de Filosoof

Gedurende de jaren dertig en vroege jaren veertig was Newman voortdurend ontevreden over zijn eigen pogingen als schilder. Hij had het hart van een dichter en filosoof en zocht een manier om zijn innerlijke aard via zijn kunst te communiceren. Hij vond troost in het schrijven over kunst, doordat hij tentoonstellingscatalogusessays schreef voor verschillende andere kunstenaars, dankzij zijn band met Betty Parsons. Die geschriften, samen met zijn uiteenlopende levenservaringen en persoonlijke worstelingen, leidden hem geleidelijk tot het ontwikkelen van een diepgaande theorie over de aard van de mensheid en het doel van kunst.

Hij legde die filosofie uit in twee essays die hij respectievelijk in 1947 en 1948 schreef. Het eerste essay droeg de titel The First Man Was an Artist. Daarin betoogde Newman dat de poëtische, of artistieke, drang altijd voorafging aan de nuttige drang bij mensen, sinds het begin der tijden. Hij stelde dat modderbeelden van goden ouder waren dan aardewerk, en dat poëtische grommen en kreten die de meest oeroude emoties uitdrukten, ouder waren dan zogenaamde beschaafde uitingen. “Aardewerk is het product van de beschaving,” schreef Newman. “De artistieke daad is het persoonlijke geboorterecht van de mens.”

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Olie op doek. Afmetingen: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 inch). Geschenk van Annalee Newman, ter ere van het 50-jarig jubileum van de National Gallery of Art. 1988.57.2. Collectie National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman de Schilder

Het tweede belangrijke essay dat Newman schreef, droeg de titel The Sublime Is Now. In dit stuk berispte hij alle vroegere kunstenaars omdat ze simpelweg schoonheid achterna zaten. Zelfs modernistische kunstenaars, betoogde hij, interpreteerden alleen maar opnieuw wat mooi was, en creëerden een “overdracht van waarden in plaats van het scheppen van een nieuwe visie.” Hij stelde dat hij en zijn tijdgenoten iets geheel nieuws nastreefden, “door volledig te ontkennen dat kunst zich bezighoudt met het probleem van schoonheid en waar die te vinden is.” Hij stelde dat het werk dat hij en zij maakten geen enkele verbinding had met iets historisch, nostalgisch of mythisch, maar “voor de hand liggend” was en “gemaakt uit onze eigen gevoelens.”

Het resultaat van al dat filosoferen manifesteerde zich voor Newman artistiek in 1948, toen hij zijn iconische meesterwerk Onement maakte, het eerste van zijn zip paintings. De titel van het werk is een woordspeling. Het verwijst naar het woord atonement, dat kan betekenen iets te herstellen, maar ook een christelijke verwijzing is naar de vereniging van mensheid en goddelijkheid die wordt voorgesteld door de Christusfiguur. Maar door de eerste twee letters van het woord weg te laten, maakte Newman ook een verwijzing naar de totaliteit van het individu, de één, en zijn overkoepelende idee dat de volledigheid van alle verheven inzichten binnen één persoon, of in dit geval één schilderij, kan worden samengevat.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olie op doek en olie op afplaktape op doek. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Geschenk van Annalee Newman. 390.1992. Collectie MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Een Unieke Uitdrukking van Doel

Na het schilderen van Onement vernietigde Barnett Newman al zijn eerdere werken. Hij had de esthetische stem gevonden waar hij naar zocht, en vanaf dat moment bleef hij elk werk vernietigen dat niet in zijn specifieke visie paste. Ironisch genoeg was hij niet de enige die de behoefte voelde zijn werk te vernietigen. Die ongelukkige les leerde hij in 1950 toen hij werd vertegenwoordigd door zijn vriendin Betty Parsons. In de loop van de volgende twee jaar hield hij twee solotentoonstellingen in haar galerie. Bij beide shows werden zijn schilderijen doorgesneden, en in de recensies bespotten critici het werk unaniem.

Geschokt door de haat die hij ondervond, trok Newman zijn werk terug bij Betty Parsons en stopte hij vier jaar lang volledig met tentoonstellen. Hij kocht zelfs een van zijn verkochte schilderijen terug, en schreef aan de verzamelaar: “De omstandigheden bestaan nog niet... die een directe, onschuldige houding tegenover een geïsoleerd stuk van mijn werk mogelijk maken.” Maar hij bleef zijn ritssluitingsschilderijen maken, in de overtuiging dat ze de zuiverheid en grootsheid van de verheven, individuele geest uitdrukten. Toen hij uiteindelijk besloot zijn werk weer tentoon te stellen, werd het nog steeds bespot, waarbij een criticus van een tentoonstelling in 1957 van het schilderij Vir Heroicus Sublimis zelfs vloekte over het werk en alleen aandacht schonk aan de grootte en het feit dat het rood was.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olie op doek. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Geschenk van de heer en mevrouw Ben Heller. 240.1969. Collectie MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

De Volgende Generatie

Ondanks het publieke misverstand over zijn inspanningen, zette Newman door en verstevigde hij zijn uitdrukking door die te vereenvoudigen. Zijn meest geslaagde werken bestonden slechts uit twee elementen: toon en vorm. De zips zelf waren niet zozeer vormen als wel figuren. Maar de schilderijen waren vormen in hun geheel. De zips waren eigenlijk slechts uitdrukkingen van tonale kwaliteiten, een kleurverschuiving die hen onderscheidde van hun omringende kleurvlakken. En hij drukte toon ook uit in muzikale zin, als een heldere, precieze, verlengde uitdrukking van een stem. Door zijn heldere uitdrukking van toon en vorm definieerde Newman zijn standvastige geloof in de waarde van zelfbeschikking, eigenzinnigheid en de universele essentie van het individu.

Ondanks zijn oprechtheid en passie steunde in de jaren vijftig slechts één criticus Barnett Newman, en dat was Clement Greenberg. Hoewel zijn steun weinig deed om de kunstwereld te overtuigen van de waarde van het werk, weerspiegelde het wel het groeiende begrip dat de jongere generatie had voor wat Barnett Newman vertegenwoordigde. Voor de jonge schilders had Newman hen niet aan het verleden gebonden, maar bevrijd om hun unieke individualiteit te omarmen. Hij had aangetoond dat kijkers elk van zijn schilderijen konden benaderen en ze op exact dezelfde manier konden ervaren als een andere mens: gewoon één wezen dat een ander ontmoet. Hij bewees dat schilderijen niet met elkaar hoefden te verbinden, en ook niet met de geschiedenis. Hij toonde aan dat elk kunstwerk een universum op zich was.

 

Barnett Newman - The Third, 1964. Olie op doek. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Een Vertraagde Maar Blijvende Invloed

Hoewel het pas was toen Newman in de zestig was dat een nieuwe generatie zich met zijn ideeën kon verbinden, verdiende hij uiteindelijk het respect en de erkenning die hij verdiende. Tegenwoordig is de invloed van Barnett Newman te zien bij tal van hedendaagse abstracte kunstenaars die eigenzinnige esthetische visies hebben gecreëerd op basis van toon en vorm. Denk bijvoorbeeld aan Tom McGlynn, die een verheven en eigenzinnige visie heeft gecreëerd op basis van toon en vorm; of het werk van Richard Caldicott, dat seriële herhaling en structuren onderzoekt bij het scheppen van unieke, eigenzinnige esthetische ruimtes.

Ondanks het aanvankelijke misverstand over zijn werk wordt Barnett Newman nu routinematig gerekend tot de beste Abstract Expressionisten, Kleurvlakkunstenaars en zelfs Minimalisten. Maar hij beschouwde zichzelf als niet verbonden aan een van die groepen. Hij zag zichzelf meer als een beweging op zichzelf. Toch, hoewel hij niet leek op de Abstract Expressionisten in stijl, was hij een vaandeldrager voor de waarde van persoonlijke expressie. Hoewel hij geen Kleurvlakkunstenaar was, toonde hij het vermogen van tonale kwaliteiten alleen om meditatieve en beschouwende esthetische vormen te creëren. En hoewel hij geen Minimalist was, drukte hij vooruitziend de waarde uit van het vereenvoudigen en reduceren van de beeldtaal.

 

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Olie op doek. 114 x 84 inch (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Afbeelding in de spotlight: Barnett Newman - Onement I (detail), 1948. Olie op doek en olie op afplaktape op doek. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Geschenk van Annalee Newman. 390.1992. Collectie MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio