De Den Moeder van Abstract Expressionisme - Betty Parsons

Betty Parsons stierf 35 jaar geleden, toen ik 13 jaar oud was. Ik heb haar nooit gekend. Theoretisch gezien had ik haar kunnen ontmoeten, als ik had geweten dat ik het moest proberen. Maar ik had geen idee dat ze bestond totdat het veel te laat was. Ik denk dat veel mensen spijt hebben dat ze Parsons niet hebben leren kennen. Ze was een revolutionair in de Moderne Kunst. Hoewel ik vermoed dat ze geen idee had dat het zo zou zijn, inspireerde haar voorbeeld mij, en ik geloof vele leden van mijn generatie, om te streven naar nieuwe modellen van echtheid en uitzonderlijkheid in de kunst. Van non-profit kunstcollectieven, tot door kunstenaars gerunde projectruimtes, tot experimentele musea, de kunstwereld van vandaag bruist van mensen en plaatsen die grote kunst waarderen boven grote winst. Parsons is degene aan wie ik die erfenis dank. Maar er is al uitgebreid over haar geschreven, in de meest vooraanstaande kunsttijdschriften, door veel meer ervaren schrijvers dan ik. Er is niets nieuws dat ik over haar kan melden. Maar omdat ze op een manier uniek was die mijn ziel waardeert, voel ik me toch geneigd het te proberen. Haar bijnaam, “de moeder van het Abstract Expressionisme,” verscheen in een artikel in ARTnews uit 1979, geschreven door Grace Lichtenstein. De bijnaam verwees naar hoe Parsons geloofde in, koesterde en het werk toonde van Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still en Barnett Newman toen niemand anders in Amerika dat deed. Dat artikel onthult ook de complexiteit en diepgang die Parsons bezat als kunstenaar, liefhebber en als zakenvrouw. Ondertussen gaat een interview dat in 1977 met Parsons werd opgenomen door de kunstenaar Helène Aylon en in zijn geheel werd gepubliceerd door Judith Stein in Art in America Magazine in 2013, ver in het onthullen wat er buitengewoon was aan Parsons als mens. De beste manier waarop ik mijn respect aan Parsons kan betuigen, is me te richten op deze twee portretten, gemaakt door degenen die haar daadwerkelijk in het leven kenden. Hier, uit hen gehaald, zijn tien citaten die Parsons voor mij persoonlijk tot een held hebben gemaakt omdat ze me herinneren aan wat belangrijk is bij het maken en waarderen van kunst.

"Godzijdank lijken er vandaag geen ‘ismen’ te zijn. Ik heb een hekel aan mode."

Vaak proberen we de bewegingen van vandaag een naam te geven. Waarom doen we dat? Omdat etiketten producten makkelijker verkopen, vooral aan mensen zonder veel opleiding of echte waardering. In plaats van in trends te geloven, gaf Parsons prioriteit aan wat goed was, en vond vreugde in wat anders was.

"Ik ben altijd gefascineerd geweest door wat ik ‘de onzichtbare aanwezigheid’ noem. Het meest blijvende in deze wereld is het onzichtbare; je komt er nooit van los."

Sommige kunstenaars denken dat ze alleen kunnen slagen als ze een verkoopbare identiteit hebben, of als ze kunst maken over een bepaald onderwerp dat populair is bij hedendaagse publieken. Parsons richtte zich op het onbekende. In plaats van de kunst van het voor de hand liggende te promoten, voelde ze zich aangetrokken tot kunst die onthult wat verborgen is.

"Ik geloof in spanning. Als je een schilderij maakt en het heeft geen spanning, dan heeft het geen opwinding."

Spanning in een kunstwerk kan voortkomen uit iets erin dat een kijker niet herkent. Of het kan voortkomen uit iets dat als vulgair of grof wordt beschouwd. Soms komt spanning voort uit iets dat we simpelweg niet mooi vinden. In plaats van weg te kijken van deze dingen, omarmde Parsons ze, en zag in hen kansen om zichzelf uit te dagen te groeien.

Betty Parsons - Groen #1, 1971, acryl op doek, © 2018 Het Nalatenschap van Betty Parsons, Met dank aan Alexander Gray Associates, New York

"Ik ben geïnteresseerd in belangrijke schilderijen, niet in het huis."

Parsons toonde werk in kamers met kale witte muren en kale vloeren. Ze deed geen extra moeite om verzamelaars te overtuigen te kopen. Ze zag haar taak als tweeledig: de integriteit van de kunstenaar promoten, en het publiek overtuigen dat het werk geldig was om redenen die niets te maken hadden met hoe goed het er boven hun banken uitzag.

"Ik wil niet overladen worden met al die rijkdommen—ze zouden me dood vervelen."

Parsons werd geboren in de hogere kringen, maar verwierp de tekenen van rijkdom. Nadat ze alles verloor in de Grote Depressie, begon ze opnieuw vanaf nul. De volgende vijftig jaar had ze vaak moeite om de rekeningen te betalen. Ze verkocht genoeg werk (van zichzelf en van de kunstenaars die ze vertegenwoordigde) om de lichten aan te houden, en beschouwde dat als de definitie van financieel succes.

"De abstracte wereld werd als koud beschouwd omdat er geen figuren in zaten. Maar het had vuur, energie, natuur, licht, ruimte—het concentreerde zich op al die waarden."

Parsons had het vertrouwen om in haar eigen smaak te geloven. Ze begreep abstractie lang voordat de meeste Amerikanen dat deden. Ze vertrouwde op haar eigen visie, ongeacht wat de rest van de kunstwereld zei of deed.

"Ik was altijd tien jaar vooruit op mijn tijd. Dat is het verhaal van mijn leven."

Als je financieel niet slaagt, is het verleidelijk te denken dat het komt omdat wat je doet geen waarde heeft. Parsons realiseerde zich dat soms de reden dat niemand je werk koopt is omdat ze het niet herkennen, omdat het van de toekomst is.

Betty Parsons - Uitdaging, 1976, acryl op doek (links) / Sputnik, 1961, acryl op doek (rechts), © 2018 Het Nalatenschap van Betty Parsons, Met dank aan Alexander Gray Associates, New York

"Identificeer je altijd met de kunst; identificeer je nooit met de kunstenaar."

Parsons verafschuwde sommige kunstenaars maar hield van hun werk. Ze begreep dat kunstenaars niet aardig, sociaal of charmant hoeven te zijn. Kunstenaars zijn geen verkopers of politici. Hun werk spreekt voor zich.

"[De kunstenaars die ik vertegenwoordig] worden vrijer en creatiever naarmate ze verder gaan. Dat heb ik altijd aangemoedigd."

Sommige galeriehouders moedigen kunstenaars aan een stijl te vinden die verkoopt en daaraan vast te houden. Parsons daagde de kunstenaars die ze toonde uit. Ze geloofde dat dynamiek en groei de sleutel zijn om beter te worden, en dat verkoop het minst belangrijke aspect van een kunstenaarscarrière is.

"We maken allemaal deel uit van alles."

Parsons werd vaak gevraagd naar haar opvattingen over maatschappelijke kwesties. Dit citaat was haar antwoord op zo’n vraag. Ze wist dat kunst de capaciteit heeft om de werkelijkheid te onthullen dat onze gemeenschappelijkheid veel groter is dan die dingen die ons uit elkaar drijven. Dit citaat heeft mij het meest beïnvloed. Het verdient het om steeds herhaald te worden, omdat het zo makkelijk te vergeten is.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acryl op doek, © 2018 Het Nalatenschap van Betty Parsons, Met dank aan Alexander Gray Associates, New York

Uitgelichte afbeelding: Betty Parsons - Oranje, 1956, acryl op doek, © 2018 Het Nalatenschap van Betty Parsons, Met dank aan Alexander Gray Associates, New York
Alle afbeeldingen alleen voor illustratieve doeleinden gebruikt
Door Phillip Barcio