De Den Moeder van Abstract Expressionisme - Betty Parsons

Betty Parsons stierf 35 jaar geleden, toen ik 13 jaar oud was. Ik heb haar nooit gekend. Theoretisch gezien had ik haar kunnen ontmoeten, als ik had geweten dat ik het moest proberen. Maar ik had geen idee dat ze bestond totdat het veel te laat was. Ik stel me voor dat veel mensen spijt hebben dat ze Parsons niet hebben leren kennen. Ze was een revolutionair in de moderne kunst. Hoewel ik vermoed dat ze geen idee had dat het zo zou zijn, inspireerde haar voorbeeld mij, en ik geloof dat veel leden van mijn generatie, om te streven naar nieuwe modellen van authenticiteit en exceptionaliteit in de kunst. Van non-profit kunstcollectieven, tot door kunstenaars gerunde projectruimtes, tot experimentele musea, de kunstwereld van vandaag wemelt van mensen en plaatsen die grote kunst boven grote winst waarderen. Parsons is degene aan wie ik die erfenis dank. Maar ze is uitgebreid beschreven, in de meest prestigieuze kunsttijdschriften, door veel meer bekwame schrijvers dan ik. Er is niets nieuws dat ik over haar kan rapporteren. Maar aangezien ze op een manier uniek was die mijn ziel waardeert, ben ik desondanks geneigd het te proberen. Haar bijnaam, "de denmoeder van het Abstract Expressionisme," verscheen in een artikel in ARTnews uit 1979, geschreven door Grace Lichtenstein. De bijnaam verwees naar hoe Parsons geloofde in, koesterde en het werk toonde van Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still en Barnett Newman toen niemand anders in Amerika dat deed. Dat artikel onthult ook de complexiteit en diepgang die Parsons bezat als kunstenaar, een liefhebber en als zakenpersoon. Ondertussen gaat een interview dat in 1977 met Parsons is opgenomen door de kunstenaar Helène Aylon en in zijn geheel is gepubliceerd door Judith Stein in Art in America Magazine in 2013, een lange weg om te onthullen wat buitengewoon was aan Parsons als mens. De beste manier waarop ik mijn respect voor Parsons kan betuigen, is door me te concentreren op deze twee profielen, gemaakt door degenen die haar in het leven daadwerkelijk kenden. Hier zijn, uit deze profielen, tien citaten die Parsons een persoonlijke held van mij hebben gemaakt omdat ze me herinneren aan wat belangrijk is als het gaat om de creatie en waardering van kunst.

"Dank God dat er vandaag geen 'ismen' lijken te zijn. Ik haat mode."

Vaak proberen we de bewegingen van vandaag een naam te geven. Waarom doen we dit? Omdat labels producten gemakkelijker te verkopen maken, vooral aan mensen zonder veel opleiding of echte waardering. In plaats van in trends te geloven, gaf Parsons prioriteit aan wat goed was en vond hij vreugde in wat anders was.

"Ik ben altijd gefascineerd geweest door wat ik 'de onzichtbare aanwezigheid' noem. Het meest permanente in deze wereld is het onzichtbare; je komt er nooit vanaf."

Sommige kunstenaars denken dat ze alleen kunnen slagen als ze een verkoopbare identiteit bezitten, of als ze kunst maken die specifiek over een bepaald onderwerp gaat dat populair is bij hedendaagse publieken. Parsons richtte zich op het onbekende. In plaats van de kunst van het voor de hand liggende te promoten, was ze aangetrokken tot kunst die onthulde wat verborgen is.

"Ik geloof in spanning. Als je een schilderij maakt en het heeft geen spanning, dan heeft het geen opwinding."

Spanning in een kunstwerk kan voortkomen uit iets binnenin dat voor een kijker onherkenbaar is. Of het kan voortkomen uit iets dat als vulgair of grof wordt beschouwd. Soms komt spanning voort uit iets dat we simpelweg niet mooi vinden. In plaats van weg te kijken van deze dingen, omarmde Parsons ze, en zag ze in hen kansen om zichzelf uit te dagen om te groeien.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Ik ben geïnteresseerd in belangrijke schilderijen, niet in het huis."

Parsons toonde werk in kamers met blote witte muren en blote vloeren. Ze deed geen extra moeite om verzamelaars te overtuigen om te kopen. Ze zag haar taak als bestaande uit twee delen: het bevorderen van de integriteit van de kunstenaar, en het overtuigen van het publiek dat het werk geldig was om redenen die niet gerelateerd waren aan hoe goed het eruit zou zien boven hun banken.

"Ik wil niet overladen worden met al deze rijkdom—ze zouden me doodvervelen."

Parsons werd geboren in de hoge kringen, maar verwierp de versieringen van rijkdom. Na alles verloren te hebben tijdens de Grote Depressie, begon ze opnieuw. Gedurende de volgende vijftig jaar had ze vaak moeite om de rekeningen te betalen. Ze verkocht genoeg werk (van zichzelf en van de kunstenaars die ze vertegenwoordigde) om de lichten aan te houden, en beschouwde dat als de definitie van financieel succes.

"De abstracte wereld werd als koud beschouwd omdat het geen figuren had. Maar het had vuur, energie, natuur, licht, ruimte - het concentreerde zich op al die waarden."

Parsons had het vertrouwen om in haar eigen smaak te geloven. Ze begreep abstractie lang voordat de meeste Amerikanen dat deden. Ze vertrouwde op haar eigen visie, ongeacht wat de rest van de kunstwereld zei of deed.

"Ik was altijd tien jaar vooruit op mijn tijd. Dat is het verhaal van mijn leven."

Wanneer je financieel niet succesvol bent, is het verleidelijk te denken dat het komt omdat wat je doet geen waarde heeft. Parsons realiseerde zich dat soms de reden dat niemand je werk koopt is omdat ze het niet herkennen, omdat het van de toekomst is.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identificeer altijd met de kunst; identificeer nooit met de kunstenaar."

Parsons verachtte sommige kunstenaars maar adoreerde hun werk. Ze begreep dat kunstenaars niet leuk, sociaal of charmant hoeven te zijn. Kunstenaars zijn geen verkopers of politici. Hun werk spreekt voor zichzelf.

"[De artiesten die ik vertegenwoordig] worden vrijer en creatiever naarmate ze verder gaan. Ik heb dat altijd aangemoedigd."

Sommige galeriehouders moedigen kunstenaars aan om een stijl te vinden die verkoopt en daar vervolgens bij te blijven. Parsons daagde de kunstenaars die ze toonde uit. Ze geloofde dat dynamiek en groei essentieel zijn om beter te worden, en dat verkopen de minst belangrijke aspect van een kunstcarrière zijn.

"We zijn allemaal onderdeel van alles."

Parsons werd vaak gevraagd naar haar opvattingen over sociale kwesties. Dit citaat was haar antwoord op zo'n vraag. Ze wist dat kunst de capaciteit heeft om de realiteit te onthullen dat onze universaliteiten veel zwaarder wegen dan die dingen die ons uit elkaar drijven. Dit citaat heeft mij het meest beïnvloed. Het is belangrijk om het constant te herhalen, omdat het zo gemakkelijk is om het te vergeten.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Uitgelichte afbeelding: Betty Parsons - Oranje, 1956, acryl op canvas, © 2018 De Erfenis van Betty Parsons, Met dank aan Alexander Gray Associates, New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio