De Den Moeder van Abstract Expressionisme - Betty Parsons

Betty Parsons overleed 35 jaar geleden, toen ik 13 jaar oud was. Ik heb haar nooit gekend. In theorie had ik haar kunnen ontmoeten, als ik had geweten dat ik dat moest proberen. Maar ik had geen idee dat ze bestond totdat het veel te laat was. Ik kan me voorstellen dat veel mensen spijt hebben dat ze Parsons nooit hebben leren kennen. Ze was een revolutionair van de moderne kunst. Hoewel ik vermoed dat ze geen idee had dat dit zou gebeuren, inspireerde haar voorbeeld mij, en naar mijn overtuiging veel leden van mijn generatie, om te streven naar nieuwe modellen van authenticiteit en uitzonderlijkheid in de kunst. Van non-profitkunstcollectieven tot door kunstenaars gerunde projectruimtes en experimentele musea: de kunstwereld van vandaag wemelt van mensen en plaatsen die grote kunst belangrijker vinden dan grote winst. Parsons is degene die ik voor die nalatenschap dank. Maar er is uitgebreid over haar geschreven, in de meest prestigieuze kunsttijdschriften, door veel bekwamere schrijvers dan ik. Ik kan niets nieuws over haar melden. Maar omdat ze op een manier uniek was die mijn ziel waardeert, ben ik toch geneigd het te proberen. Haar bijnaam, “de moederkloek van het abstract expressionisme”, verscheen in een artikel in ARTnews uit 1979, geschreven door Grace Lichtenstein. De bijnaam verwees naar het feit dat Parsons geloofde in het werk van Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still en Barnett Newman, het koesterde en tentoonstelde toen niemand anders in Amerika dat wilde doen. Dat artikel onthult ook de complexiteit en diepgang die Parsons bezat als kunstenaar, liefhebber en zakenvrouw. Ondertussen draagt een interview dat in 1977 met Parsons werd opgenomen door kunstenaar Helène Aylon en in 2013 volledig werd gepubliceerd door Judith Stein in Art in America Magazine, in belangrijke mate bij aan het onthullen van wat er buitengewoon was aan Parsons als mens. De beste manier waarop ik, naar mijn gevoel, mijn respect voor Parsons kan betuigen, is door me te richten op deze twee portretten, gemaakt door mensen die haar tijdens haar leven daadwerkelijk kenden. Hier zijn, aan de hand van fragmenten daaruit, tien citaten die Parsons tot een persoonlijke heldin van mij hebben gemaakt, omdat ze me herinneren aan wat belangrijk is bij het maken en waarderen van kunst.

"Godzijdank lijken er vandaag geen enkele ‘ismen’ te zijn. Ik haat modes."

We proberen vaak de bewegingen van vandaag een naam te geven. Waarom doen we dat? Omdat labels producten gemakkelijker verkoopbaar maken, vooral aan mensen zonder veel opleiding of echte waardering. In plaats van in trends te geloven, stelde Parsons het goede voorop en vond ze vreugde in wat anders was.

"Ik ben altijd gefascineerd geweest door wat ik ‘de onzichtbare aanwezigheid’ noem. Het meest permanente in deze wereld is het onzichtbare; je komt er nooit van los."

Sommige kunstenaars denken dat ze alleen kunnen slagen als ze een verkoopbare identiteit hebben, of als ze kunst maken die specifiek over een bepaald onderwerp gaat dat populair is bij hedendaagse publieken. Parsons richtte zich op het onbekende. In plaats van de kunst van het voor de hand liggende te promoten, voelde ze zich aangetrokken tot kunst die onthulde wat verborgen is.

"Ik geloof in spanning. Als je een schilderij maakt en het bevat geen spanning, dan bevat het geen opwinding."

Spanning in een kunstwerk kan voortkomen uit iets daarin dat voor een kijker onherkenbaar is. Of ze kan voortkomen uit iets dat als vulgair of grof wordt beschouwd. Soms komt spanning voort uit iets wat we simpelweg niet mooi vinden. In plaats van van deze dingen weg te kijken, omarmde Parsons ze en zag ze als kansen om zichzelf uit te dagen en te groeien.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylverf op doek, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Ik ben geïnteresseerd in belangrijke schilderijen, niet in het huis."

Parsons toonde werk in ruimtes met kale witte muren en kale vloeren. Ze deed geen extra moeite om verzamelaars ervan te overtuigen iets te kopen. Ze zag haar taak als tweeledig: de integriteit van de kunstenaar bevorderen en het publiek ervan overtuigen dat het werk waardevol was om redenen die niets te maken hadden met hoe goed het boven hun banken zou staan.

"Ik wil niet overladen worden met al die rijkdom - daar zou ik me dood aan vervelen."

Parsons werd geboren in de hogere kringen, maar wees de uiterlijke tekenen van rijkdom af. Nadat ze tijdens de Grote Depressie alles was kwijtgeraakt, begon ze opnieuw vanaf nul. De daaropvolgende vijftig jaar had ze vaak moeite om de rekeningen te betalen. Ze verkocht genoeg werk (van haarzelf en van de kunstenaars die ze vertegenwoordigde) om het licht aan te houden en beschouwde dat als de definitie van financieel succes.

"De abstracte wereld werd als koud beschouwd omdat er geen figuren in voorkwamen. Maar ze bevatte vuur, energie, natuur, licht en ruimte - ze richtte zich op al die waarden."

Parsons had het vertrouwen om in haar eigen smaak te geloven. Ze begreep abstractie al lang voordat de meeste Amerikanen dat deden. Ze vertrouwde op haar eigen visie, ongeacht wat de rest van de kunstwereld zei of deed.

"Ik liep altijd tien jaar vooruit op mijn tijd. Dat is het verhaal van mijn leven."

Wanneer je financieel niet succesvol bent, is het verleidelijk te denken dat dit komt doordat wat je doet geen waarde heeft. Parsons besefte dat de reden waarom niemand je werk koopt soms is dat ze het niet herkennen, omdat het uit de toekomst komt.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylverf op doek (links) / Sputnik, 1961, acrylverf op doek (rechts), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identificeer je altijd met de kunst; nooit met de kunstenaar."

Parsons verachtte sommige kunstenaars, maar aanbad hun werk. Ze begreep dat kunstenaars niet aardig, sociaal of charmant hoeven te zijn. Kunstenaars zijn geen verkopers of politici. Hun werk spreekt voor zichzelf.

"[De kunstenaars die ik vertegenwoordig] worden steeds vrijer en creatiever naarmate ze vorderen. Dat heb ik altijd aangemoedigd."

Sommige galeriehouders moedigen kunstenaars aan een stijl te vinden die verkoopt en daaraan vast te houden. Parsons daagde de kunstenaars die ze tentoonstelde uit. Ze geloofde dat dynamiek en groei essentieel zijn om beter te worden en dat verkopen het minst belangrijke aspect van een kunstenaarsloopbaan zijn.

"We maken allemaal deel uit van alles."

Parsons werd vaak gevraagd naar haar opvattingen over sociale kwesties. Dit citaat was haar antwoord op een dergelijke vraag. Ze wist dat kunst in staat is de werkelijkheid te onthullen dat onze overeenkomsten veel zwaarder wegen dan de dingen die ons uit elkaar drijven. Dit citaat heeft mij het meest beïnvloed. Het moet voortdurend worden herhaald, omdat het zo gemakkelijk is het te vergeten.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylverf op doek, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Uitgelichte afbeelding: Betty Parsons - Orange, 1956, acrylverf op doek, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alle afbeeldingen worden uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio 2018
Bewerkt door IdeelArt (2026)