De Donkere, Abstracte Kunst van Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb was een van de sleutelfiguren in de abstractie van het midden van de 20e eeuw. Zijn schilderijen zijn emotioneel, spaarzaam en primitief, en veel mensen beschouwen ze als donker. Maar Gottlieb zag zichzelf als het tegenovergestelde van donker. Hij voelde zich energiek, complex, vurig modern, en iemand die een licht scheen, de weg leidend met zijn kunst naar iets beters voor de mensheid. Geboren in New York City aan het begin van een van de meest tumultueuze tijden in de menselijke geschiedenis, kwam Gottlieb zeker tot volwassenheid in een donkere tijd: een tijd van sociale, politieke en economische ellende, waarin de toekomst van de samenleving in een reële, concrete zin ter discussie stond. Het is duidelijk, niet alleen uit zijn kunst maar ook uit zijn geschriften, dat de angsten en ambiguïteiten van de Eerste Wereldoorlog, de Grote Depressie en de Tweede Wereldoorlog absoluut hebben bijgedragen aan de ontwikkeling van zijn esthetische visie. Maar die esthetische visie was niet alleen een van verdriet of ondergang, zoals zoveel critici hebben gesuggereerd. Het was in feite een visie waardoor Gottlieb simpelweg probeerde de waarheid over het menselijke hart en de geest op een hoopvolle manier te communiceren. Misschien is het onvermijdelijk dat de waarheid zoals Gottlieb die waarnam, enige mate van waanzin en chaos moet omvatten. Maar het uitgebreide oeuvre dat Gottlieb achterliet toen hij in 1974 stierf, omvatte ook het mooie, het serene, het vredige en het sublieme. Die paradoxale complexiteiten, die zijn soms controversiële wereldbeeld bepaalden, leidden uiteindelijk Adolph Gottlieb ertoe om abstracte kunst opnieuw te definiëren, en resulteerden in de creatie van een oeuvre dat pas nu begint erkend te worden voor zijn ware briljantheid en licht.
Een kunstenaar in hart en nieren
Adolph Gottlieb werd in 1904 geboren in een arbeidersgezin van immigranten in New York. In vergelijking met veel andere kinderen die op dat moment op de Lower East Side opgroeiden, kreeg hij een geweldige start in het leven, aangezien zijn ouders een succesvol kantoorartikelenbedrijf hadden opgebouwd en hoopten het op een dag aan hem door te geven. Maar al op jonge leeftijd wist hij zeker dat hij alleen maar kunstenaar wilde zijn. Hij was zo zeker van dat feit dat hij op 15-jarige leeftijd school verliet om zich volledig aan zijn kunst te wijden. Hij woonde lezingen bij aan de Art Students League, een door kunstenaars gerunde instelling waar veel kunstenaars die uiteindelijk deel uitmaakten van de Abstract Expressionistische beweging lessen volgden. En toen, op slechts 17-jarige leeftijd, vertrok Gottlieb naar Europa, waarbij hij zijn reis verdiende door aan boord van een schip naar Frankrijk te werken.
Zijn jeugdige geloof in zijn capaciteiten betaalde zich overseas uit, aangezien hij snel vertrouwd raakte met de wereld van het Europese modernisme. In tegenstelling tot de Amerikaanse kunst in de jaren 1920 was de Europese kunst in die tijd fantastisch inventief. Hij werd blootgesteld aan Fauvisme, Kubisme, Suprematisme, Futurisme en Geometrische abstractie. Hij bezocht musea en volgde alle gratis kunstlessen die hij kon vinden. En toen zijn visum afliep, bracht hij bijna een jaar door met reizen door Europa. Onderweg raakte hij ervan overtuigd dat Europese kunstenaars verbonden waren met iets belangrijks. In het bijzonder raakte hij gefascineerd door de verspreidende invloed van tribale kunst, een trend die hem inspireerde om de colloquialisme van figuratieve Amerikaanse kunst te verwerpen ten gunste van het zoeken naar universaliteiten binnen oude symbolen en eeuwenoude visuele tradities.
Adolph Gottlieb - Zwarte Spetter, 1967, Kleurzeefdruk, 31 1/8 × 23 1/8 in, 79,1 × 58,7 cm (Links) en Vliegende Lijnen, 1967, Kleurzeefdruk, 30 × 22 in, 76,2 × 55,9 cm, foto credits Marlborough Gallery
De Filosoof Kunstenaar
Toen Gottlieb in 1922 terugkeerde naar New York, bracht hij een gevoel van zijn eigen verantwoordelijkheid als kunstenaar mee. Hij zag zichzelf als een moderniserende kracht voor zijn cultuur en omarmde de opvatting dat kunstenaars filosofen en agenten van sociale verandering moesten zijn. Hij voltooide zijn kunstopleiding en werd in de daaropvolgende jaren bevriend met een groep andere kunstenaar/filosofen, zoals Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith en Milton Avery, van wie sommigen uiteindelijk de meest beroemde Amerikaanse kunstenaars van hun generatie zouden worden. Gottlieb en zijn vrienden waren anomalieën. Ze waren abstracte kunstenaars, of in ieder geval kunstenaars die kunst maakten die als abstract werd geïnterpreteerd, maar ze waren ook enthousiast om publiekelijk te praten over de betekenis van hun werk.
In die tijd werden avant-garde kunstenaars, en vooral abstracte kunstenaars, niet begrepen in de Verenigde Staten, en werden zeker niet breed gerespecteerd - zelfs niet in New York. Velen hadden moeite om voor zichzelf en hun waarde op te komen, en vooral voor de waarde van modernistische esthetische idealen. Maar Gottlieb was een natuurlijke pleitbezorger en een geboren communicator. Hij was politiek en sociaal betrokken, en was snel om zich uit te spreken voor wat hij als belangrijk beschouwde. In 1935 zetten Gottlieb en zijn vriend Mark Rothko (toen bekend als Marcus Rothkowitz) hun overtuigingen om in actie door een groep te vormen die The Ten heette. Het omvatte Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg en Yankel Kufeld. In open protest tegen de heersende trends in de New Yorkse curatorial scene, exposeerden The Ten hun abstracte werk samen, waarbij ze verwierpen wat ze noemden “de veronderstelde gelijkwaardigheid van Amerikaanse schilderkunst en letterlijke schilderkunst.”
Adolph Gottlieb - Rode grond, olie op papier bevestigd op canvas
De pictogrammen
Een van de eerste vooruitgangen naar de volwassen abstracte stijl die Gottlieb uiteindelijk ontwikkelde, vond plaats in de vroege jaren 1940, in de vorm van zijn Pictograph schilderijen. Deze werken waren in wezen pogingen om een nieuwe symbolische taal van beelden te creëren die universele emoties en gevoelens konden communiceren. Gottlieb conceptualiseerde zijn Pictograph schilderijen zodanig dat hun oppervlak werd afgevlakt, waardoor diepte en enige illusie die met hun figuratieve elementen geassocieerd kon worden, werden geëlimineerd. Hij democratiseerde ook alle gebieden van het canvas in een vooruitziende verwijzing naar wat al snel "all-over" schilderen zou worden genoemd. Zijn Pictographs gebruikten een rauwheid die deed denken aan kinderlijke markeringen en riepen de esthetische tendensen van tribale samenlevingen op.
In zekere zin probeerde Gottlieb een nieuw beeldalfabet te creëren in de traditie van hiërogliefen of Chinese kanji. Maar in plaats van te proberen specifieke verhalen te communiceren, probeerde hij zijn uitspraken te reduceren tot de essentie. In plaats van de mythen die hij aanhaalde letterlijk uit te spellen, probeerde hij de collectieve menselijke gevoelens te communiceren die hun kern bewonen. Om dit doel te bereiken, creëerde hij zorgvuldig beelden die volledig origineel waren en vrij van externe associaties, in de hoop dat hun universele aard de petty culturele verschillen zou overstijgen die mensen uit elkaar hielden.
Adolph Gottlieb - Pictogram, 1942, Olie op kunstenaarsboard, 29 1/4 × 23 1/4 in, 74,3 × 59,1 cm, foto credits Hollis Taggart Galleries, New York (Links) en Untitled, 1949, Pastel op papier, 24 × 18 in, 61 × 45,7 cm, foto credits Berggruen Gallery, San Francisco (Rechts)
Fictieve Landschappen
Naarmate Gottlieb zijn Pictogrammen ontwikkelde, ging hij een proces van vereenvoudiging aan. Door dat proces kwam hij tot een serie werken die hij Imaginary Landscapes noemde. In tegenstelling tot de Pictogrammen, die geen duidelijke nadruk op een bepaald deel van het beeld legden, scheidde Gottlieb het beeldvlak in deze schilderijen in twee verschillende gebieden door de introductie van een horizonlijn. Onder de lijn voegde Gottlieb pictografische krabbels toe. Boven de lijn voegde hij gekleurde geometrische vormen toe. De Imaginary Landscapes suggereerden een hiërarchische relatie tussen de twee soorten beelden. Afgebeeld als ondergeschikt is een krabbels, emotionele, ingewikkelde uitdrukking van menselijke angst. Boven hangt een eenvoudige, directe uitdrukking van universele puurheid.
Het Imaginary Landscape werd vervolgens verder vereenvoudigd tot wat Gottlieb Burst schilderijen noemde. In deze werken elimineerde hij de horizonlijn, maar behield hij de krabbels onderaan en de verenigde vorm bovenaan. De Bursts maakten gebruik van grote kleurvlakken en verenigden het element kleur met dat van vorm. Ze nodigden uit tot contemplatie op een bijna heilige niveau en leken het concept van een symbiotische relatie tussen een hogere en lagere bewustzijn te communiceren.
Adolph Gottlieb - Denkbeeldig Landschap, 1971, Aquatint in kleuren, op Fabriano papier, met volle marges, 26 3/10 × 32 1/2 in, 66,7 × 82,6 cm
De Erfenis van Adolph Gottlieb
In 1970 kreeg Gottlieb een beroerte en verloor hij het gebruik van de linkerkant van zijn lichaam. Desondanks bleef hij werken maken en creëerde hij enkele van de meest diepgaande en extreme uitdrukkingen van zijn Burst serie, slechts een jaar voordat hij stierf. Tegen de tijd dat zijn leven eindigde, was hij niet alleen bekend om het unieke oeuvre dat hij had gecreëerd, maar ook om zijn invloed op het werk van anderen. Zijn filosofieën waren integraal voor de ideeën van de Abstract Expressionisten. En zijn esthetische visie wordt als invloedrijk beschouwd in de opkomst van Color Field Painting en Minimalisme.
Maar even belangrijk voor de esthetische erfenis van de schilderijen, sculpturen en prenten die Adolph Gottlieb in de loop van zijn 70 jaar heeft gemaakt, is de bijdrage die hij heeft geleverd aan de grotere artistieke gemeenschap waartoe hij behoorde - die welke formele vooruitgangen, generaties en bewegingen overstijgt. Gottlieb had een visie van de kunstenaar als iemand die niet gescheiden is van de rest van de samenleving, maar er intriciek mee verbonden is. Hij geloofde in het potentieel van kunst om de beschaving te transformeren, en dat het belangrijk was om esthetische ideeën openlijk en in eenvoudige taal te bespreken, zodat ze door iedereen begrepen konden worden. Hij besefte dat kunstenaars essentieel zijn voor het vermogen van een cultuur om zichzelf te begrijpen, en door zijn werk toonde hij de verantwoordelijkheid aan die alle kunstenaars hebben om de waanzin, de chaos, de genialiteit, de schoonheid, de duisternis en het licht van hun tijd uit te drukken.
Uitgelichte afbeelding: Adolph Gottlieb -
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio
