De Donkere, Abstracte Kunst van Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb was een van de sleutelfiguren in de abstractie van het midden van de 20e eeuw. Zijn schilderijen zijn emotioneel, spaarzaam en primitief, en velen beschouwen ze als donker. Maar Gottlieb zag zichzelf als het tegenovergestelde van donker. Hij voelde zich energiek, complex, hartstochtelijk modern en iemand die met zijn kunst een licht liet schijnen, de weg wijzend naar iets beters voor de mensheid. Geboren in New York City aan het begin van een van de meest woelige tijden in de menselijke geschiedenis, kwam Gottlieb zeker tot volwassenheid in een donkere tijd: een tijd van sociale, politieke en economische nood, waarin de toekomst van de samenleving in een reële, concrete zin ter discussie stond. Het is duidelijk, niet alleen uit zijn kunst maar ook uit zijn geschriften, dat de angsten en dubbelzinnigheden van de Eerste Wereldoorlog, de Grote Depressie en de Tweede Wereldoorlog absoluut bijdroegen aan de ontwikkeling van zijn esthetische visie. Maar die esthetische visie was niet alleen een van droefheid of ondergang, zoals veel critici hebben gesuggereerd. Het was in feite een visie waarmee Gottlieb simpelweg probeerde de waarheid over het menselijke hart en verstand op een hoopvolle manier over te brengen. Misschien is het onvermijdelijk dat zo’n waarheid als die door Gottlieb werd waargenomen, een zekere mate van waanzin en chaos moet bevatten. Maar het uitgebreide oeuvre dat Gottlieb achterliet toen hij in 1974 overleed, omvatte ook het mooie, het serene, het vredige en het verhevene. Die paradoxale complexiteiten, die zijn soms controversiële wereldbeeld bepaalden, leidden Adolph Gottlieb uiteindelijk tot het herdefiniëren van abstracte kunst en resulteerden in het ontstaan van een oeuvre dat pas nu begint te worden erkend om zijn ware schittering en licht.
Een Kunstenaar in Hart en Nieren
Adolph Gottlieb werd geboren in een arbeidersgezin van immigranten in New York in 1904. Vergeleken met veel andere kinderen die op dat moment op de Lower East Side opgroeiden, kreeg hij een geweldige start in het leven, omdat zijn ouders een succesvol papierwarenbedrijf opbouwden en hoopten het op een dag aan hem over te dragen. Maar al op jonge leeftijd wist hij zeker dat hij niets anders wilde zijn dan kunstenaar. Hij was zo zeker van dat feit dat hij op 15-jarige leeftijd van school ging om zich volledig aan zijn kunst te wijden. Hij woonde lezingen bij aan de Art Students League, een door kunstenaars gerunde instelling waar veel kunstenaars die uiteindelijk deel uitmaakten van de Abstract Expressionistische beweging lessen volgden. En toen, op slechts 17-jarige leeftijd, vertrok Gottlieb naar Europa, waarbij hij zijn overtocht verdiende door aan boord van een schip naar Frankrijk te werken.
Zijn jeugdige vertrouwen in zijn kunnen wierp zijn vruchten af in het buitenland, want hij raakte snel vertrouwd met de wereld van het Europese modernisme. In tegenstelling tot de Amerikaanse kunst in de jaren 1920 was de Europese kunst destijds buitengewoon vindingrijk. Hij maakte kennis met het Fauvisme, Kubisme, Suprematisme, Futurisme en Geometrische Abstractie. Hij bezocht musea en volgde alle gratis kunstlessen die hij kon vinden. En toen zijn visum afliep, bracht hij bijna nog een jaar reizend door Europa door. Onderweg raakte hij ervan overtuigd dat Europese kunstenaars verbonden waren met iets belangrijks. Vooral raakte hij gefascineerd door de zich verspreidende invloed van stamkunst, een trend die hem inspireerde om de spreektaal van de figuratieve Amerikaanse kunst af te wijzen ten gunste van het zoeken naar universele waarden binnen oude symbolen en eeuwenoude visuele tradities.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Kleurenzeefdruk, 31 1/8 × 23 1/8 inch, 79,1 × 58,7 cm (links) en Flying Lines, 1967, Kleurenzeefdruk, 30 × 22 inch, 76,2 × 55,9 cm, fotocredits Marlborough Gallery
De Filosoof-Kunstenaar
Toen Gottlieb in 1922 terugkeerde naar New York, bracht hij een gevoel van eigen verantwoordelijkheid als kunstenaar mee. Hij zag zichzelf als een moderniserende kracht voor zijn cultuur en omarmde het idee dat kunstenaars filosofen en dragers van maatschappelijke verandering moesten zijn. Hij rondde zijn kunstopleiding af en werd in de daaropvolgende jaren bevriend met een groep andere kunstenaar/filosofen, zoals Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith en Milton Avery, van wie sommigen uiteindelijk de beroemdste Amerikaanse kunstenaars van hun generatie zouden worden. Gottlieb en zijn kameraden waren buitenbeentjes. Ze waren abstracte kunstenaars, of althans kunstenaars die kunst maakten die als abstract werd geïnterpreteerd, maar ze waren ook gretig om publiekelijk te spreken over de betekenis van hun werk.
In die tijd werden avant-garde kunstenaars, en vooral abstracte kunstenaars, in de Verenigde Staten niet begrepen en zeker niet breed gerespecteerd – zelfs niet in New York. Velen hadden moeite om voor zichzelf en hun waarde op te komen, en vooral voor de waarde van modernistische esthetische idealen. Maar Gottlieb was een geboren pleitbezorger en een geboren communicator. Hij was politiek en maatschappelijk betrokken en sprak snel zijn steun uit voor wat hij belangrijk vond. In 1935 zetten Gottlieb en zijn vriend Mark Rothko (toen bekend als Marcus Rothkowitz) hun overtuigingen om in daden door een groep te vormen die The Ten heette. Deze groep bestond uit Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg en Yankel Kufeld. In open protest tegen de heersende tendensen in de New Yorkse curatorscene exposeerden The Ten hun abstracte werk samen, waarbij ze wat zij noemden “de vermeende gelijkwaardigheid van Amerikaanse schilderkunst en letterlijke schilderkunst” verwierpen.
Adolph Gottlieb - Red Ground, Olie op papier gemonteerd op doek
De Pictogrammen
Een van de eerste stappen naar de volwassen abstracte stijl die Gottlieb uiteindelijk ontwikkelde, kwam in het begin van de jaren 1940, in de vorm van zijn Pictogram-schilderijen. Deze werken waren in wezen pogingen om een nieuwe symbolentaal van beelden te creëren die universele emoties en gevoelens konden overbrengen. Gottlieb bedacht zijn Pictogram-schilderijen zodanig dat hun oppervlak werd afgevlakt, waarbij diepte en elk gevoel van illusie dat met hun figuratieve elementen geassocieerd kon worden, werden geëlimineerd. Hij maakte ook alle delen van het doek gelijkwaardig, een vooruitziende verwijzing naar wat later “all-over” schilderkunst zou worden genoemd. Zijn Pictogrammen hadden een rauwheid die deed denken aan kinderlijke krabbels en riepen de esthetische neigingen van stamgemeenschappen op.
In zekere zin probeerde Gottlieb een nieuw beeldalfabet te creëren in de traditie van hiërogliefen of Chinese kanji. Maar in plaats van te proberen specifieke verhalen over te brengen, probeerde hij zijn uitspraken terug te brengen tot de kern. In plaats van de mythen die hij aanhaalde te spellen, probeerde hij de collectieve menselijke gevoelens te communiceren die hun kern vormen. Om dit doel te bereiken, maakte hij zorgvuldig beelden die volledig origineel waren en vrij van externe associaties, in de hoop dat hun universele aard de kleine culturele verschillen die mensen uit elkaar hielden, zou overstijgen.
Adolph Gottlieb - Pictogram, 1942, Olie op kunstenaarsplaat, 29 1/4 × 23 1/4 inch, 74,3 × 59,1 cm, fotocredits Hollis Taggart Galleries, New York (links) en Zonder titel, 1949, Pastel op papier, 24 × 18 inch, 61 × 45,7 cm, fotocredits Berggruen Gallery, San Francisco (rechts)
Droomlandschappen
Terwijl Gottlieb zijn Pictogrammen ontwikkelde, ging hij een proces van vereenvoudiging door. Door dat proces kwam hij tot een reeks werken die hij Droomlandschappen noemde. In tegenstelling tot de Pictogrammen, die geen duidelijke nadruk legden op een deel van het beeld, verdeelde Gottlieb het beeldvlak in deze schilderijen in twee aparte gebieden door de introductie van een horizonlijn. Onder de lijn voegde Gottlieb pictografische krabbels toe. Boven de lijn plaatste hij gekleurde geometrische vormen. De Droomlandschappen suggereerden een hiërarchische relatie tussen de twee soorten beelden. Afgebeeld als ondergeschikt is een krabbelig, emotioneel, ingewikkeld uitdrukking van menselijke angst. Daarboven zweeft een eenvoudige, directe uitdrukking van universele zuiverheid.
Het Droomlandschap werd vervolgens verder vereenvoudigd tot wat Gottlieb Explosie-schilderijen noemde. In deze werken schafte hij de horizonlijn af, maar behield de krabbel aan de onderkant en de eenduidige vorm aan de bovenkant. De Explosies maakten gebruik van grote kleurvlakken en verenigden het element kleur met dat van vorm. Ze nodigden uit tot overdenking op bijna heilig niveau en leken het concept van een symbiotische relatie tussen een hoger en lager bewustzijn over te brengen.
Adolph Gottlieb - Droomlandschap, 1971, Aquatint in kleuren, op Fabriano-papier, met volle marges, 26 3/10 × 32 1/2 inch, 66,7 × 82,6 cm
De Nalatenschap van Adolph Gottlieb
In 1970 kreeg Gottlieb een beroerte en verloor het gebruik van de linkerkant van zijn lichaam. Desondanks bleef hij werken maken en creëerde hij enkele van de meest diepgaande en extreme uitingen van zijn Explosie-serie slechts een jaar voordat hij stierf. Tegen de tijd dat zijn leven eindigde, was hij niet alleen bekend om het unieke oeuvre dat hij had gecreëerd, maar ook om zijn invloed op het werk van anderen. Zijn filosofieën waren integraal voor de ideeën van de Abstracte Expressionisten. En zijn esthetische visie wordt beschouwd als invloedrijk geweest in de opkomst van Kleurvlakschilderkunst en Minimalisme.
Maar even belangrijk als de esthetische nalatenschap van de schilderijen, beelden en prenten die Adolph Gottlieb in de loop van zijn 70 jaar maakte, is de bijdrage die hij leverde aan de bredere kunstenaarsgemeenschap waartoe hij behoorde – een bijdrage die formele vooruitgang, generaties en stromingen overstijgt. Gottlieb had een visie van de kunstenaar als iemand die niet losstaat van de rest van de samenleving, maar er nauw mee verbonden is. Hij geloofde in het vermogen van kunst om de beschaving te veranderen en vond het belangrijk om esthetische ideeën open en in eenvoudige taal te bespreken, zodat iedereen ze kon begrijpen. Hij zag dat kunstenaars essentieel zijn voor het vermogen van een cultuur om zichzelf te begrijpen, en via zijn werk toonde hij de verantwoordelijkheid aan die alle kunstenaars hebben om de waanzin, de chaos, de schittering, de schoonheid, de duisternis en het licht van hun tijd uit te drukken.
Uitgelichte afbeelding: Adolph Gottlieb -
Alle afbeeldingen worden uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio
