Hoe de schilderijen van Paul Klee Amerikaanse kunstenaars inspireerden

Er wordt vaak gezegd dat Abstract Expressionisme de eerste puur Amerikaanse kunststroming was. Naar verluidt was het de eerste keer dat Amerikaanse kunstenaars, vertegenwoordigd door leden van de New York School, zich losmaakten van Europese invloed om hun eigen unieke esthetische stem te vestigen. Maar een lange blik op schilderijen van Paul Klee, gemaakt in de drie decennia voorafgaand aan het ontstaan van de New York School, onthult dat de Abstract Expressionisten misschien niet zo vrij waren van Oude Wereld-invloed als kunstgeschiedenisbibliotheken suggereren. Nu probeert het Center Paul Klee in Bern, Zwitserland, voor het eerst een serieuze wetenschappelijke studie te starten over de talloze manieren waarop Amerikaanse naoorlogse kunstenaars werden beïnvloed door het werk van Paul Klee. Om dit onderzoek te starten, opende het centrum onlangs de tentoonstelling 10 Amerikanen na Paul Klee. Naast schilderijen van Klee zijn uitstekende voorbeelden te zien van het werk van Jackson Pollock, Mark Tobey, Kenneth Noland, William Baziotes, Adolph Gottlieb, Norman Lewis, Robert Motherwell, Gene Davis, Theodoros Stamos en Bradley Walker Tomlin. Dit is niet alleen een ongeëvenaarde kans om werk te zien van enkele van de meest invloedrijke Amerikaanse schilders van de 20e eeuw, maar in de woorden van de curatoren van Center Paul Klee getuigt deze baanbrekende tentoonstelling ook

“op treffende en indrukwekkende wijze van de mate waarin deze kunstenaars werden geïnspireerd door Klees artistieke concepten en werkwijzen.”

Pionier van de Abstracte Avant-Garde

Geboren in Bern, Zwitserland, in 1879, was Paul Klee allesbehalve een natuurtalent als kunstenaar. Schrijfsels uit zijn dagboek, dat hij van 1897 tot 1918 nauwgezet bijhield, tonen aan dat hij zichzelf een verschrikkelijke mislukking vond in het begrijpen van kleur, en al vroeg zeker was dat hij als kunstenaar gedoemd was te falen. Maar in 1911, na jaren van opleiding en meerdere valse starts, waren zijn houding en lot volledig veranderd. Dat was het jaar waarin hij Wassily Kandinsky ontmoette en werd toegelaten als lid van de avant-garde groep Der Blaue Reiter. Klee werd geïnspireerd door de mentale behendigheid en esthetische ideeën van Kandinsky. En hoewel hij een enigszins unieke esthetische benadering behield, werd Klee al snel een invloedrijke bijdrager aan de filosofische ontwikkeling van de groep.

Maar toen brak de Eerste Wereldoorlog uit. Net als veel van zijn collega-kunstenaars werd Klee gedwongen dienst te nemen in het Pruisische leger. Hoewel Klee nooit aan het front hoefde te vechten, kostte de oorlog het leven van veel van zijn vrienden en veranderde hij ingrijpend zijn kijk op kunst. Klee wordt geciteerd met de woorden: “Hoe gruwelijker deze wereld wordt, hoe abstracter de kunst wordt.” Na de oorlog wijdde hij zich meer dan ooit aan abstractie als een manier om het universele en zuivere te onthullen. “Kunst reproduceert het zichtbare niet,” zei hij. “Ze maakt het zichtbaar.” Met deze baanbrekende houding als kern van zijn experimenten verwierf hij snel een brede reputatie als leider van de Europese avant-garde na de Eerste Wereldoorlog.

Paul Klee - Vuur bij Volle Maan, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Een Terugkeer naar Bern

De duidelijke passie en genialiteit die Klee toonde, maakten hem geliefd onder zijn tijdgenoten, en in de jaren dertig had hij zich ook gevestigd als een invloedrijke leraar van de jongere generatie. Hij was een gewaardeerd professor aan de Academie van Düsseldorf van 1931 tot 1933, en was natuurlijk ook een van de vooraanstaande docenten aan het beroemde Bauhaus. Maar toen de Weimarrepubliek in 1933 ten einde kwam en Europa opnieuw op de rand van oorlog leek te staan, werd Klee opgenomen op de lijst van kunstenaars die door de opkomende nazi-partij werden getarget. Hij vluchtte uit Duitsland en keerde terug naar Zwitserland. Ondertussen vluchtten veel van zijn kunsthandelaren naar de Verenigde Staten. Hoewel Klee van 1933 tot aan zijn dood in 1940 bijna geen werk in Europa verkocht, bleven zijn handelaren veel van zijn schilderijen in de VS verkopen. En gedurende de jaren dertig en veertig waren er talrijke Klee-tentoonstellingen in de Verenigde Staten.

Veel leden van de New York School spraken openlijk over de inspiratie die zij ontvingen van Paul Klee’s schilderijen. Net als Klee waren deze kunstenaars ook recent uit een verschrikkelijke wereldoorlog gekomen en zochten zij ook naar nieuwe manieren om het onuitsprekelijke uit te drukken. Hoewel ze misschien niet direct zijn visuele stijl kopieerden, moedigden de methoden die Klee gebruikte om zijn schilderijen te maken hen aan in hun zoektocht naar een meer tijdloze, oeroude en zuivere manier van kunst maken. Tot de vele vernieuwingen waarvoor Paul Klee wordt geprezen, en die direct invloed hadden op de Amerikaanse avant-garde na de Tweede Wereldoorlog, behoren automatismen (onbewust tekenen, een techniek die later door de surrealisten werd overgenomen), primitivisme (terugkeren naar de vroegste, meest oeroude methoden van kunst maken, later overgenomen door aanhangers van Art Brut), en reductivisme (het terugbrengen van universele symbolen tot hun eenvoudigste vorm, iets wat Klee had geleerd van vroege abstracte kunstenaars zoals Kandinsky en Malevich).

Paul Klee - Afbeelding uit het Boudoir, 1922, Kopie in olie en aquarel op papier op karton, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Automatisch Tekenen

De tentoonstelling 10 Amerikanen na Paul Klee doet uitstekend werk in het selecteren van werk van Amerikaanse kunstenaars die de drie concepten belichamen die het meest met Klee worden geassocieerd. Op het gebied van automatisch tekenen worden werken getoond van Jackson Pollock, Bradley Walker Tomlin en Mark Tobey. Compositie nr. 16 (1948) van Pollock valt op door zijn levendige kleurenpalet. Schokken van gebarenwitte lijnen vermengen zich met explosieve vlekken geel en dramatische zwierige zwarte lijnen, allemaal bovenop een zee van diepblauw. Het schilderij vertegenwoordigt perfect de methode van automatisch tekenen waarmee Klee werkte en die Pollock beroemd gebruikte bij het vernieuwen van zijn iconische “spat” schilderijen. Nummer 12 (1949) van Tomlin toont het gebruik van automatisch tekenen door gebarenmarkeringen, kalligrafische, lineaire vormen en brede, intuïtieve zwarte penseelstreken. After the Imprint (1961) van Mark Tobey is een explosieve, all-over compositie die van hoek tot hoek gevuld is met intuïtieve markeringen, die het onderbewuste onbehagen, zenuwachtige energie en lyrische expressie onthullen.

Mark Tobey - After the Imprint, 1961, Gouache op tekenkarton, 99,7 x 69,5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Aangekocht 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivisme

Ter demonstratie van primitivisme, of een terugkeer naar oeroude, oorspronkelijke kunstvormen, in 10 Amerikanen na Paul Klee, zijn werken te zien van Robert Motherwell, Theodoros Stamos en William Baziotes. Abstraction on Turquoise (1945) van Motherwell zal een ware openbaring zijn voor liefhebbers van deze schilder die niet bekend zijn met zijn vroegere werk. Motherwell verwierf faam met zijn gedurfde, zwarte, biomorfe, melancholieke gebarenabstracties. Dit schilderij is levendig kleurrijk en bijna speels, maar de primitieve vormen en texturen zijn duidelijke aanwijzingen voor de richting die hij in zijn latere werk insloeg. Ohne Titel (1945) van Theodoros Stamos is wellicht het meest figuratieve werk in de tentoonstelling. Een primitieve abstractie die doet denken aan een eilandlandschap, roept het de beelden op van rotsschilderingen. Pierrot (1947) van William Baziotes verwijst, zoals de titel al aangeeft, naar het klassieke Franse pantomimefiguur met dezelfde naam. De vereenvoudigde, primitieve vormen in het schilderij brengen het personage terug tot de essentie en tonen hem op een sterk vereenvoudigde, maar toch ook zeer expressieve wijze.

Robert Motherwell - Abstraction on Turquoise, 1945, Olie, emailverf, zand en houtskool op linnenkarton, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris

Reductivisme

Ter demonstratie van reductivisme, of het terugbrengen van essentiële, universele symbolen tot hun eenvoudigste vormen, in 10 Amerikanen na Paul Klee, zijn werken te zien van Adolph Gottlieb, Kenneth Noland, Gene Davis en Norman Lewis. De twee schilderijen Labyrinth #1 (1950) en The Seer (1950) van Adolph Gottlieb lijken in veel opzichten sterk op het vroege reductieve abstracte werk van Paul Klee zelf. Werkend met het raster als achtergrond, tonen ze een verzameling abstracte, teruggebrachte symbolische vormen gemengd met geometrische elementen en figuratieve verwijzingen. Hun verweerde oppervlakken en gebarenrijke onderlagen creëren een complexiteit en diepte die de eenvoud van veel van de meer prominente elementen in de composities tegenspreken. In the Garden (1952) van Kenneth Noland gaat een fascinerend gesprek aan met de werken van Gottlieb. Het bevat een dramatische X bijna precies in het midden van het doek, omringd door diagonale lijnen, die wellicht verwijzen naar een gebroken raster, of misschien naar primitieve instructieve markeringen. Hoewel vereenvoudigd, geven de duw en trek van de kleuren in dit schilderij het een verrassende diepte en helderheid.

Rain Dance I (1960) van Gene Davis is een uitstekend voorbeeld van een reductieve compositie. Het is moeilijk te zeggen dat dit specifieke schilderij direct geïnspireerd is door Paul Klee. De pure kleuren en sterk gedistilleerde, lineaire, geometrische beelden plaatsen het ver buiten de andere werken in deze tentoonstelling. Maar het verwijst zeker terug naar de vroege abstracte kunstenaars zoals Malevich die Klee inspireerden, en kunstenaars zoals Mondriaan, die ook de reductieve aspecten van lijnen, rechthoeken en pure kleurvlakken onderzochten. Ten slotte vult Promenade (1950) van Norman Lewis een belangrijk gat in de tentoonstelling. Met elementen van reductivisme, primitivisme en automatisch tekenen, beantwoordt het de vraag naar de evolutie van de invloed van Paul Klee. In zijn complexiteit, energie en opwinding springt deze compositie eruit als iets puur Amerikaans en puur vooruitstrevends. Het is zonder twijfel beïnvloed door de ideeën die Klee hielp ontwikkelen, en toch vertegenwoordigt het de volgende stap die al deze Amerikaanse schilders probeerden te zetten.

10 Amerikanen na Paul Klee is te zien tot 7 januari 2018 in het Center Paul Klee in Bern, Zwitserland.

Afbeelding: Kenneth Noland - In the Garden, 1952, Olie op hardboard, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Aangekocht 1952, © 2017, Prolitteris.