Baanbrekend maar Vergeten - De Kunst van Mark Tobey

Deze zomer toont de Peggy Guggenheim Collectie in Venetië, Italië, de eerste grote Europese overzichtstentoonstelling van de schilderijen van Mark Tobey in meer dan 20 jaar. Getiteld Mark Tobey: Threading Light, omvat de tentoonstelling 66 belangrijke werken die Tobey maakte tussen het einde van de jaren 1920 en het begin van de jaren 1970. De selectie van werken probeert de verschillende ontwikkelingen te belichten die Tobey doormaakte in zijn carrière terwijl hij op zoek was naar manieren om de universele aspecten van het menselijk bestaan uit te drukken. Nadat hij zijn carrière was begonnen als commercieel illustrator en portretschilder, schakelde hij in zijn dertiger jaren over op schilderen. Hij begon met figuratief werk, maar raakte al snel betrokken bij het modernistische gesprek over hoe nieuwe esthetische gezichtspunten te ontwikkelen. Zijn uiteindelijke prestaties op dit gebied waren enorm, wat het des te vreemder maakt dat zoveel mensen tegenwoordig Tobey helemaal vergeten zijn of nog nooit van hem hebben gehoord. Niet zo lang geleden werd hij beschouwd als een van de belangrijkste en invloedrijkste schilders ter wereld. Dat maakt de timing en locatie van deze huidige tentoonstelling bijzonder passend. De looptijd is afgestemd op de 2017 Biënnale van Venetië, een subtiele herinnering dat het op een eerdere Biënnale van Venetië in 1958 was dat Mark Tobey geschiedenis schreef. Tobey vertegenwoordigde de Verenigde Staten op die tentoonstelling samen met Mark Rothko. Maar hoewel Rothko tegenwoordig in de Verenigde Staten veel meer bekendheid geniet, was het een schilderij van Tobey met de titel Capricorn dat in 1958 de Prijs van de Stad Venetië voor schilderkunst won—de eerste keer, overigens, sinds de allereerste Biënnale van Venetië in 1895 dat de gouden prijs naar een Amerikaanse schilder ging.

Een Open Geest

Mark Tobey werd geboren in het Amerikaanse stadje Centerville, Wisconsin, in 1890. Hoewel hij Wisconsin al snel verliet, herinnerde hij het zich met genegenheid en verwees hij vaak naar het landschap in zijn vroege schilderijen. Maar in tegenstelling tot veel Amerikaanse abstracte schilders uit zijn generatie die ervoor kozen om volledig in New York te wonen en te werken, koos Mark Tobey er gedurende een groot deel van zijn volwassen leven voor om in Seattle te wonen en te werken. Het was misschien die noodlottige keuze die leidde tot veel van de vrijheid en openheid die zijn ontwikkeling als kunstenaar kenmerkten. Een andere frequente bewoner van Seattle, de krijgskunstenaar Bruce Lee, had een vergelijkbare levenshouding als Mark Tobey. Lee ontwikkelde een vechtstijl genaamd Jeet Kun Do, die hij omschreef als de “stijl zonder stijl,” wat betekent dat een vechter dogma’s moet afwijzen en open moet staan om alles te leren wat mogelijk is, vervolgens vasthoudt aan wat werkt en weggooit wat niet werkt. De “stijl zonder stijl” is voortgekomen uit de lessen die Lee eerst leerde tijdens zijn studie van het Zenboeddhisme, en het lijkt opvallend veel op de benadering die Mark Tobey jaren eerder ontwikkelde ten aanzien van schilderen.

Tobey reisde voor het eerst naar Azië in de jaren 1930. Die reis vond plaats in een periode waarin hij als schilder worstelde met de vraag wat hij met ruimte moest doen. Hij kon niet beslissen of hij diepte en dimensie in zijn werken moest nastreven of dat hij die moest loslaten en in plaats daarvan vlakheid moest omarmen. Tijdens zijn bezoek aan Japan, Shanghai en Hongkong kreeg hij een nieuwe en diepgaande kijk op de verschillende manieren waarop Aziatische kunstenaars door de geschiedenis heen met ruimte in hun werk zijn omgegaan. Eerder had hij al de technieken van de Chinese kalligrafie geleerd toen hij in de jaren 1920 in Seattle woonde, maar deze reis bracht hem tot een vollediger bewustzijn van hoe schrijven en symboliek passen in de bredere esthetische benaderingen van de Aziatische kunst. Deze openbaring maakte Tobey ontvankelijk voor het idee dat hij niet alleen de manier waarop zijn eigen cultuur kunst maakt moest bestuderen, maar zich juist moest openstellen om alles te leren over hoe alle verschillende culturen kunst maken.

Mark Tobey - Crystallizations, 1944, Iris en B. Gerald Cantor Centrum voor Beeldende Kunsten aan de Stanford Universiteit, Mabel Ashley Kizer Fonds, Geschenk van Mellita en Rex Vaughan, en Fonds voor Moderne en Hedendaagse Aankopen

Overal Schilderen

Kort na zijn terugkeer uit Azië maakte Tobey een van zijn meest invloedrijke schilderijen, getiteld Broadway. Het is een enigszins figuratieve uitdrukking van de vormen, kleuren en lichten van de beroemde straat in New York. Maar het is transformerend in zijn benadering. De compositie bestaat uit honderden kleine, gebaarachtige, witte tekens. De gelijkenis met schrijven is duidelijk, maar de tekens spellen niets concreets en stellen ook geen echte vormen uit de wereld voor. Ze zijn suggestief en poëtisch. Het schilderij wordt tegenwoordig gezien als de voorloper van een esthetische stijl die Mark Tobey gedurende zijn carrière op verschillende manieren bleef nastreven, die hij “wit schrift” noemde.

Broadway werd geschilderd in 1936. In de jaren daarna bleef Tobey de benadering ontwikkelen die dat werk kenmerkte. Hij abstraheerde zijn kalligrafische tekens tot onherkenbaarheid en liet al snel alle figuratieve vormen los. Hij raakte toegewijd aan het overbrengen van gevoel in plaats van alleen beelden. Het belangrijkste was dat hij erop stond het hele oppervlak van zijn doeken te bedekken met composities die geen enkel deel van het oppervlak voorkeursbehandeling gaven. Dat idee werd later benadrukt door kunstcriticus Clement Greenberg toen hij sprak over de “all-over schilderijen” die Jackson Pollock in de jaren 1940 maakte. Maar het was Mark Tobey, wiens schilderijen Pollock jaren eerder had gezien, die deze benadering pionierde.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Het Museum voor Moderne Kunst, New York

De School van Geen School

Mark Tobey was zeker bekend met Jackson Pollock en alle andere kunstenaars van de New York School. Werken van Tobey waren opgenomen in de tentoonstelling Fourteen Americans in 1946 in het Museum voor Moderne Kunst in New York, een tentoonstelling waar ook Arshile Gorky en Robert Motherwell aan deelnamen. Maar terwijl die New Yorkse kunstenaars en hun aanjager Greenberg de mythe omarmden dat zij deel uitmaakten van de opkomst van een soort van van nature Amerikaanse kunst, verwierp Tobey dat idee. Hij stond erop dat kunst niet in zulke nauwe termen gedefinieerd mocht worden, of beperkt door kleingeestige ideeën zoals nationalisme, politiek, cultuur of geografie. Hij weigerde zich te associëren met het idee van de New York School, ook al was zijn werk zo duidelijk een voorloper van de ideeën van haar leden.

In plaats daarvan nam Tobey dezelfde benadering aan die Bruce Lee later beschreef. Noem het de School van Geen School. Tobey reisde, las, experimenteerde, leerde zoveel mogelijk verschillende benaderingen en hield vervolgens vast aan wat werkte en liet los wat niet werkte. Hij bestudeerde zelfs het Zenboeddhisme en beheerste de Japanse Sumi-e (zwarte inkt) schilderkunst. Zijn openheid en zijn zoektocht zijn duidelijk zichtbaar in de selectie werken die zijn opgenomen in Mark Tobey: Threading Light, die zelfs enkele van zijn Sumi-e werken bevat evenals verschillende schilderijen die uit die techniek zijn voortgekomen, zoals City Reflections, dat rechtstreeks gespatte zwarte inkt bevat, en Lumber Barons, dat op een meer delicate wijze verwijst naar Sumi-e op een manier die meer verbonden is met wit schrift.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Het Museum voor Moderne Kunst, NY, De Sidney en Harriet Janis Collectie

Een Universele Esthetische Taal

Afgezien van zijn minachting voor nationalistische of regionale etiketten, is een andere belangrijke reden waarom sommige critici denken dat Mark Tobey uiteindelijk door veel schrijvers van de Amerikaanse kunstgeschiedenis is vergeten, zijn openlijke spiritualiteit. Niet dat de Amerikaanse kunstwereld een onspirituele plek is: dat is duidelijk niet waar. Maar de specifieke vorm van spiritualiteit die Mark Tobey aanhing, bracht hem in conflict met vrijwel iedereen, van kunstenaars, conservatoren, galeriehouders en critici tot mensen buiten de kunstwereld. Tobey behoorde tot een geloof dat bekendstaat als Bahá'í. De kern van het monotheïstische Bahá'í-geloof is een blijvend respect voor de waarde en het belang van alle menselijke religies, en het doel van de leden is blijvende vrede door de eenheid van alle mensen. Dat klinkt misschien niet controversieel voor een verstandig mens, maar de religie stelt ook dat alle religies afkomstig zijn van een enkele goddelijke bron, en dat alle profeten gelijke manifestaties zijn van dezelfde godheid, overtuigingen die de kernprincipes van bijna elke grote religie tegenspreken, vooral het christendom, jodendom en de islam.

Wat de Amerikaanse kunstwereld betreft, is het prima om over de geest te spreken, zoals Wassily Kandinsky en Piet Mondriaan zeker deden; en het is goed om over universaliteit te spreken, zoals Agnes Martin en vele anderen deden; en het is geweldig om over transcendentie en bezinning te spreken zoals Mark Rothko deed. Maar het woord religie schrikt mensen af. Amerikaanse instellingen mijden zaken die hen commercieel kunnen bedreigen. En hoewel het nu misschien anders is, werden openlijke religieuze agenda’s in het midden van de 20e eeuw over het algemeen niet als goed voor de zaken beschouwd. Maar Mark Tobey gaf daar nooit om. Hij aarzelde niet om zijn religieuze overtuigingen te uiten, en hij verklaarde vaak dat het zijn doel was om zijn kunst te gebruiken als een manier om bij te dragen aan het scheppen van een universele taal die de mensheid zou kunnen helpen eenheid en vrede te bereiken. Of dit nu de reden is dat hij in de VS is verwaarloosd, is natuurlijk slechts speculatie. Gelukkig genoot Tobey, ondanks de afwijzing door zijn vaderland, elders een lange en vruchtbare carrière, vooral in Europa, waar hij tijdens zijn leven werd vereerd en waar hij tegenwoordig wordt beschouwd als de grondlegger van stromingen als Tachisme en Art Informel. Mark Tobey: Threading Light is te zien in de Peggy Guggenheim Collectie in Venetië, Italië, tot en met 10 september 2017.

Mark Tobey - World, 1959, Particuliere Collectie, New York

Afbeelding uitgelicht: Mark Tobey - Untitled, Sumi-tekening (detail), 1944, De Martha Jackson Collectie in The Albright-Knox Kunstgalerie, Buffalo, NY

Door Phillip Barcio