Een Fijne Relatie tussen Calligrafie en Abstractie

Kalligrafie is waar symbool en gebaar elkaar ontmoeten. In wezen is kalligrafie schrijven. Het maakt gebruik van de traditionele hulpmiddelen van de schrijver: pen en inkt, of penseel en verf. Maar het doel van schrijven is om vooraf bepaalde betekenissen over te brengen via standaard vormen van taal. De kalligraaf schrijft niet simpelweg woorden om een vaste gedachte te communiceren. De kalligraaf gebruikt de pen of het penseel als een verlengstuk van het hele lichaam en de hele geest. Het kalligrafische teken moet iets metafysisch evenals fysiek overbrengen. De geest moet het lichaam informeren, dat in een verenigd gebaar moet bewegen, waarbij de energie van zowel lichaam als geest wordt overgedragen in de arm, in de hand, in de pen en uiteindelijk in het teken. Kalligrafie bestaat al duizenden jaren en manifesteert zich onafhankelijk in meerdere culturen over de hele wereld. In sommige culturen wordt er zo'n diep respect gegeven aan kalligrafie dat er een directe verbinding wordt gelegd tussen kalligrafisch schrijven en de kracht van het goddelijke. Met zijn traditie van het overbrengen van betekenis die verder gaat dan het objectieve in het rijk van het onbekende, is het dan ook geen wonder dat kalligrafie zoveel abstracte kunstenaars heeft aangesproken, vooral degenen die zich bezighouden met de communicatieve kracht van gebaar en lijn.

Oude Betekenis en Gebaar

Een eenvoudige manier om over kalligrafie na te denken, is dat het een vorm van zeer decoratief schrijven is. Veel kalligrafen specialiseren zich in bepaalde fancy lettertypen die de oude Engelse schrijfwijze, oude Latijnse schrijfwijze, Arabische schrijfwijze of Oost-Aziatische schrijfwijze oproepen. Maar de geest achter kalligrafische gebaren is niet om simpelweg een bestaand lettertype of font te kopiëren. Dat zou het domein van typografie zijn, het schrijven van letters die misschien decoratief zijn, maar die gemakkelijk te lezen zijn. Kalligrafie gaat meer over individuele gebaren en de betekenis die in het schrijven kan worden uitgedrukt, verder dan wat inherent is aan de symbolen zelf.

4e-eeuwse Latijnse kalligrafie uit een kopie van Vergilius' Aeneis, foto met dank aan de Vaticaanse Bibliotheek

In hoeverre een kalligrafische traditie probeert het onbekende uit te drukken, hangt af van de cultuur waaruit het afkomstig is. Oude Latijnse kalligrafie lijkt meer op een traditionele schrift dan op een expressieve kunstvorm. Maar elke letter in de Latijnse kalligrafie bevat desondanks een serif, of een kleine, expressieve lijn die aan de uiteinden van de symbolen is bevestigd. De serif wordt gecreëerd door een snelle fysieke beweging, waarbij de punt van de pen van de pagina wordt getild. In de serif kan de subtiele maar belangrijke persoonlijke expressie van de kalligraaf worden gevonden. Vergelijk die subtiliteit met de expressieve flair van de Arabische kalligrafie. De meest dramatisch uitziende van de vijf verschillende vormen van Arabische kalligrafie is Thuluth, een naam die ruwweg vertaald kan worden als "derden", wat betrekking heeft op de verhoudingen van de geschreven symbolen. De grootste kunstenaar die met Thuluth wordt geassocieerd, was Mustafa Râkim (1757–1826), wiens kalligrafische creaties bereikten wat wordt beschouwd als het proportionele ideaal, met grote precisie terwijl ook maximale energie werd uitgedrukt.

Voorbeeld van de Thuluth-stijl van Arabische kalligrafie door Mustafa Rakim

Gestuele Abstractie

Gebaseerd op zijn oude tradities, is het natuurlijk dat de kalligrafische traditie relevant is voor abstracte kunstenaars. Vanaf het begin van de abstractie, althans in de westerse traditie, zijn er twee complementaire, maar toch verschillende tendensen die herhaaldelijk zijn gemanifesteerd in het werk van veel abstracte kunstenaars. De ene tendens is gericht op het precieze: geometrische abstractie, rasters, wiskundige patronen, enzovoort. De andere tendens is gericht op het vrije: impulsieve markeringen, intuïtieve gebaren, onderbewuste schrijfwijze, biomorfe vormen, enzovoort. Kalligrafie bewoont een ruimte die beide omvat. Het is systeemgebaseerd, en toch nodigt het intuïtie, impulsiviteit en onderbewuste interventie uit.

Veel van de abstracte schilderijen van Wassily Kandinsky zijn, in zekere zin, de perfecte uitdrukking van de kalligrafische geest. Ze worden soms aangeduid als geometrische abstractie, vanwege hun opname van universele geometrische vormen en figuren. Ze worden ook soms aangeduid als lyrische abstractie en gestuele abstractie dankzij hun gebruik van spontane, vrije, biomorfe lijnen. Veel van hun krommingen en markeringen komen overeen met die in de oude kalligrafie, vooral uit Oost-Aziatische en Arabische tradities. Hun geometrische elementen drukken stabiliteit en controle uit, terwijl hun gestuele, lyrische elementen de energie van het onbekende en de dynamiek van de menselijke geest uitdrukken.

Wassily Kandinsky - Transverse Line, 1923, Oil on canvas, 55.1 × 78.7 in, 140.0 × 200.0 cm © Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Germany

Kalligrafie en de Abstracte Expressionisten

Na de Tweede Wereldoorlog was het idee om een diepere verbinding met het innerlijke zelf te vormen van monumentale zorg voor veel kunstenaars. In het bijzonder waren de kunstenaars die geassocieerd worden met Abstract Expressionisme geïnteresseerd in het onderzoeken van elke soort filosofie of traditie die hen in staat zou stellen zich op een diepere, meer intuïtieve, meer eerlijke manier uit te drukken. De tradities van kalligrafie informeerden veel van het werk dat door deze kunstenaars werd gemaakt, omdat het een kader bood voor het samenbrengen van fysiekheid, emotie, geest en de oude geest in de expressie van fysieke markering.

Franz Kline viel op als de Abstract Expressionistische schilder die het meest direct geïnspireerd was door kalligrafie. Hij staat bekend om het maken van ontelbare schetsen van zijn onderwerpen in zwarte inkt op pagina's van telefoonboeken. De schetsen werden snel in inkt gemaakt en leken op vele manieren op de kanji van de Oost-Aziatische kalligrafie. Volgens de legende vergrootte zijn vriend, de schilder Willem de Kooning, een van zijn kleine tekeningen in een projector. Toen Kline de kracht van de vergrote markeringen zag, begreep hij de inherente energie en communicatieve potentie van de kalligrafische markering. Zijn markeringen hoefden niet langer gerelateerd te zijn aan het onderwerp; ze konden emotionele krachten op zich worden. Kline werkte vanaf dat moment groot, en maakte grandioze afbeeldingen van markeringen die leken snel te zijn gemaakt, maar die in feite het resultaat waren van een lang, doordacht proces. Zijn vermogen om de energie van een kalligrafische markering over te brengen via een moeizaam proces blijft een van de meest verbluffende prestaties van zijn carrière.

Franz Kline - Mahoning, 1956, Oil and paper on canvas, 80 3/8 × 100 1/2 in, 204.2 × 255.3 cm, Courtesy of the Whitney Museum of Art © Franz Kline, Artists Rights Society (ARS), New York

Mythisch schrijven

Veel andere abstracte kunstenaars hebben innovatieve manieren gevonden, en blijven deze vinden, om elementaire kalligrafische technieken af te breken om nieuwe vormen van mythisch schrijven te creëren. Door gebruik te maken van gebaar, lijn, energie en patronen creëren ze nieuwe visuele talen die in staat zijn om een scala aan emotionele toestanden op te roepen en over te brengen. Hier zijn enkele van onze favorieten:

Cy Twombly - Untitled I (Bacchus), 2005, Acrylic on canvas, © Cy Twombly

Cy Twombly

De Amerikaanse schilder Cy Twombly gebruikte de traditie van kalligrafie om het beeldvormingspotentieel van schrijven te deconstrueren. Zijn schilderijen gebruikten de geschreven lijn om communicatieve beelden te creëren die soms lijken op een combinatie van krabbels en kanji, maar die volledig gebaar en emotie zijn. Vroeg in zijn verkenning van deze techniek richtte hij zich meer op de symbolische aard van zijn markeringen, waarbij hij gestructureerde composities creëerde. Toen hij vrijer en experimenteler werd, liet hij de kalligrafische impuls zich manifesteren in een meer abstracte cursieve stijl, wat bekend is geworden als zijn iconische "krabbel."

Cy Twombly - Untitled, 1951, Acrylic on canvas, © Cy Twombly

Brice Marden

Al in het midden van de jaren 1970 beroemd als schilder van monochromen, Brice Marden herontdekte zijn esthetiek nadat hij kennis had gemaakt met de Chinese kalligrafische schrijfkunst op poëziescrolls. In een serie genaamd de Cold Mountain Paintings, creëerde Marden intuïtieve kalligrafische kolommen van abstracte symbolen. Een Chinese monnik genaamd Hanshan en zijn 9e-eeuwse Cold Mountain Poems inspireerden de esthetische benadering. De schilderijen, net als de gedichten, zijn uitdrukkingen van vrijheid, instinct, een verbinding met de natuur en de schoonheid van harmonieuze systemen.

Melissa Meyer

Derde generatie Abstract Expressionist Melissa Meyer incorporeert de geest en de esthetiek van kalligrafie in haar composities, die de complementaire krachten van structuur en instinct manifesteren door lagen van abstracte glyphs. Elke markering en gebaar bouwt op naar wat gelezen kan worden als symbolen, vormen en patronen. Maar de energie en beweging in het werk komen naar voren. Een lezing van haar gebarenmarkeringen vraagt uiteindelijk om een emotionele vertaling, die leidt tot een gevoel van dynamische kracht en balans.

Melissa Meyer - Regale, 2005, Oil on canvas, © Melissa Meyer

Margaretha Neill

De elementen van kromme en lijn, die de basis vormen van alle kalligrafische kunst, vormen ook de basis van het werk van de Amerikaanse kunstenaar Margaret Neill. Haar schilderijen isoleren het meest expressieve element van het kalligrafische teken, de lyrische gebaar, en incorporeren het in de creatie van gelaagde composities van lijnen in de ruimte. De diepte van haar gebarencomposities verwart objectieve lezingen, tart de aard van schrift maar omarmt het dynamische, energieke potentieel dat de essentie van de oude traditie van kalligrafie belichaamt.

Margaret Neill - Manifest 1, 2015, Charcoal and water on paper

Uitgelichte afbeelding: Melissa Meyer - Ambassade (detail), 2007, Aquarel op hot press papier, © Melissa Meyer
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio