Georg Herold en Het Luminous West in Kunstmuseum Bonn

De meeste mensen zouden Georg Herold waarschijnlijk categoriseren als lid van de zogenaamde ‘oudere generatie’. Hij is tenslotte 70 jaar oud. En inderdaad, zeven jaar geleden voorzag het Kunstmuseum Bonn Herold officieel van dat ongelukkige en enigszins betekenisloze label, toen het hem opnam in een ambitieuze groepstentoonstelling met de titel The Luminous West. Aan die tentoonstelling namen 33 kunstenaars deel, die allemaal afkomstig waren uit de regio Rijnland / Noordrijn-Westfalen in Duitsland. Het doel van de tentoonstelling was een samenhangende visie te schetsen op het esthetische erfgoed van dit deel van Duitsland en dit te verbinden aan een voorspellend onderzoek naar wat de toekomst van de regio zou kunnen brengen. Om deze monumentale taak te volbrengen, koos het museum voor een unieke curatoriële aanpak. Eerst gaf het zijn vijfkoppige academische team de opdracht om 19 kunstenaars te selecteren die, in hun woorden, ‘de oudere generatie’ vertegenwoordigden. Het team begon met wat het de ‘historische kern’ van de regio noemde, bestaande uit vijf kunstenaars: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter en Blinky Palermo. Vervolgens selecteerden ze nog 14 ‘oudere’ kunstenaars, onder wie Georg Herold. Daarna nodigde het museum deze zogenaamde ‘oudere’ kunstenaars, of in elk geval degenen die nog leefden, uit om kunstenaars uit de ‘jongere generatie’ aan te bevelen van wie zij vonden dat hun werk in de tentoonstelling thuishoorde. Omdat hij destijds 63 was, lijkt het misschien geen belediging dat Georg Herold werd geselecteerd als vertegenwoordiger van de oudere generatie. Toch voelt er iets verkeerds aan die aanduiding. Het is nog niet zo lang geleden dat Herold volledig nieuw was in de kunstwereld. En tot op de dag van vandaag blijft zijn werk fascinerend, fris, gevat, oneerbiedig en provocerend—in veel gevallen aanzienlijk meer dan dat van de chronologisch jongere kunstenaars die in The Luminous West zogenaamd de toekomst vertegenwoordigden. Dat feit komt scherp in beeld door de nieuwe monografische tentoonstelling van Georg Herold, die momenteel in diezelfde ruimte, het Kunstmuseum Bonn, te zien is. Het werk blijft dynamisch en vertegenwoordigt nog altijd de voorhoede. Het doet me afvragen of biologische leeftijd wel de enige maatstaf zou moeten zijn voor ‘ouderdom’ in de kunst. Zoals Herold laat zien, ontstaan de beste ideeën en krachtigste werken van een kunstenaar soms juist met het verstrijken van de tijd, en wordt de volledige betekenis en het potentieel van eerder werk uiteindelijk onthuld.

Een late entree

Georg Herold werd in 1947 geboren in Jena, Duitsland, een universiteitsstad met ongeveer 100.000 inwoners. Zijn eerste opleiding volgde hij als leerling-smid, waarna hij naar de universiteit ging en serieus begon te studeren om kunstenaar te worden. Eerst studeerde hij aan de Hochschule für Kunst und Design in Halle, in de stad Halle, vlak bij de plaats waar hij opgroeide. Daarna verhuisde hij naar het zuiden van het land, naar München, waar hij van 1974 tot en met 1976 aan de Academie voor Schone Kunsten studeerde. Vervolgens trok hij noordwaarts naar Hamburg, waar hij van 1977 tot en met 1981 aan de Hochschule für bildende Künste studeerde onder Sigmar Polke. Tijdens zijn verblijf in Hamburg maakte Herold kennis met verschillende andere student-kunstenaars, onder wie vooral Martin Kippenberger en Albert Oehlen, die al naam begonnen te maken met hun punkachtige benadering van het maken van kunst.

Samen met deze nieuwe wilde kunstenaars werd Herold een van de opkomende ‘bad boys’ van de Duitse kunstscene in de jaren tachtig genoemd. Tegen de tijd dat hij afstudeerde, was Herold 34. Toch werd hij beschouwd als onderdeel van de nieuwe, jonge en onstuimige generatie. Een van de ‘bad boys’ hield het niet lang vol. Kippenberger stierf in 1997 op 44-jarige leeftijd, maar wist in zijn korte carrière een enorme invloed op de kunstwereld uit te oefenen en vond bijna eigenhandig opnieuw uit wat het betekende om een hedendaagse kunstenaar te zijn. Oehlen is nog altijd actief als kunstenaar en docent. Zijn abstracte schilderijen zijn geliefd en zijn onderzoek naar het werkproces is buitengewoon invloedrijk gebleken voor opkomende generaties kunstenaars. En dan is er Herold, de oudste van de ‘bad boys’. Hij deed er het langst over om tot volle wasdom te komen en heeft zich in sommige opzichten het langst tegen categorisering verzet. Zoals hij ooit zei: ‘Ik wil een toestand bereiken die ambigu is en allerlei interpretaties toestaat.’ In overeenstemming met dat doel tart zijn oeuvre elke vorm van categorisering, en geen enkel afzonderlijk werk daarbinnen is tot nu toe succesvol gediagnosticeerd.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, kaviaar, lak, inkt op doek, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109,9 cm, fotocredits Magenta Plains, New York

Erbij blijven

Het eerste kunstwerk waarvoor Georg Herold wordt herinnerd, was een dunne houten lat van het type dat in de bouw wordt gebruikt, die aan de muur was vastgeschroefd. Hij noemde het werk Präsentation der ersten Latte, of Presentatie van de eerste plank.Het werk werd in 1977 gemaakt, toen hij nog op school zat, voor een opdracht in een klas die door Sigmar Polke werd gegeven. In strikt formele zin was het werk onmiskenbaar. Het vertegenwoordigde lijn en vorm. Als driedimensionaal object dat aan de muur hing, stelde het de rollen van schilderkunst en beeldhouwkunst ter discussie. Het was zowel minimalistisch als conceptueel. De titel suggereerde iets ceremonieels. De geschiedenis van het materiaal impliceerde dat het een onderdeel was van iets groters dat nog moest komen. De status als gevonden object riep Marcel Duchamp en Robert Rauschenberg in herinnering. Maar er was ook iets speels aan, en misschien zelfs iets absurds.

Na verloop van tijd zou de titel van dat eerste werk echter profetisch blijken. Herold keerde steeds opnieuw terug naar het materiaal van bouwplanken. Hij gebruikte ze in grotere sculpturen, hing ze in verschillende configuraties aan de muur, gebruikte ze als dragers voor schilderijen en andere werken, en zette ze in als grondstoffen voor de constructie van een reeks beklemmende figuratieve sculpturen. Om deze vormen te maken, bindt Herold bouwplanken met draad en schroeven aan elkaar. Vervolgens spant hij doek over de samengebonden stokken om een soort cocon rond de vorm van een menselijk lichaam te creëren. Hij laat het doek na verloop van tijd drogen en krimpen, waarna hij de vorm beschildert en lakt. In sommige gevallen maakt hij vervolgens bronzen afgietsels in beperkte oplage van de vormen. Gezien in de context van zijn vroege werk in die klas bij Sigmar Polke, zijn deze figuratieve vormen poëtisch door hun rijke potentieel aan betekenissen. Maar zelfs zonder kennis van hun materiële essentie roept hun aanwezigheid een scala aan emoties op, van lijden tot sensualiteit. Ze zijn zowel vermenselijkend als ontmenselijkend en roepen talloze interpretaties op, van beelden van dans tot beelden van de dood.

Georg Herold - Untitled, 2011, lat, doek, lak, draad en schroeven, 115 x 510 x 65 cm, afbeelding © Saatchi Gallery, alle rechten voorbehouden

Kaviaar en bakstenen

Een ander oeuvre waarvoor Herold bekend is geworden, is een reeks schilderijen waarin viskuit als voornaamste medium wordt gebruikt. Deze abstracte kaviaarschilderijen bezitten een rustige, natuurlijke kwaliteit die doet denken aan Koreaanse dansaekhwa-schilderijen. Ze zijn vrijwel monochroom, licht getextureerd en mooi. Maar het is hun medium dat vragen oproept. De miljoenen, misschien wel miljarden viseieren die voor de vervaardiging ervan zijn gebruikt, maken er letterlijk slagvelden van. Ze vertegenwoordigen mogelijk letterlijk verspild potentieel. Aan de andere kant is kaviaar gewoon voedsel, en niet bepaald noodzakelijk voedsel bovendien. Het is een dure luxe. Er valt mogelijk veel te bespreken over de boodschap die deze schilderijen over handel, kunst en uitbuiting uitdragen. Aan de andere kant valt er misschien niets te zeggen. Misschien zijn het simpelweg mooie schilderijen.

Georg Herold - Untitled, 2011, kaviaar (genummerd), acrylverf, lak op doek, 2 delen, elk 350 x 203 cm, afbeelding met dank aan Galerie Bärbel Grässlin

Een ander materiaal waar Herold vaak naar terugkeert, zijn bakstenen. Hij bevestigt bakstenen rechtstreeks aan de opgespannen oppervlakken van zijn schilderijen. Het gewicht van de bakstenen trekt het oppervlak vaak naar beneden, waardoor het uitrekt en er rimpels en golven in de stof ontstaan. Het resultaat doet vaak denken aan een gedeeltelijk verwoest kunstwerk. Er zit een inherente spanning in het werk terwijl kijkers toekijken en zich afvragen of de bakstenen uiteindelijk zullen vallen. Deze werken lijken op rampen die staan te gebeuren. Tegelijkertijd zijn het fascinerende onderzoeken naar materialiteit, textuur, dimensionaliteit en ruimte. Ze zijn grappig en hebben op een bepaalde manier zelfs iets spottends. Ze zijn ook subliem ambigu. Er gaapt een enorme kloof tussen wat ze ons tonen en wat ze ons vertellen. Aan de andere kant zijn het gewoon constructies, een volgende stap na de presentatie van de eerste plank. Het opvallendste is dat ze fris zijn. Ze vormen opnieuw het bewijs dat Georg Herold geen kunstenaar is die het verdient om tot een oudere generatie te worden gerekend. Met alle respect: geen enkele nog levende kunstenaar verdient dat.

Georg Herold in het Kunstmuseum Bonn is te zien tot en met 7 januari 2018.

Uitgelicht beeld: Georg Herold - Herrenperspektive (Perspectief van mannen), 2002, sculptuur van daklatten, glas en touw, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alle afbeeldingen uitsluitend ter illustratie

Door Phillip Barcio