Georg Herold en Het Luminous West in Kunstmuseum Bonn

De meeste mensen zouden Georg Herold waarschijnlijk tot de zogenaamde “oudere generatie” rekenen. Hij is tenslotte 70 jaar oud. En feitelijk kreeg Herold zeven jaar geleden die ongelukkige en enigszins betekenisloze aanduiding officieel opgeplakt door het Kunstmuseum Bonn, toen ze hem opnamen in een ambitieuze groepstentoonstelling genaamd The Luminous West. Die tentoonstelling toonde het werk van 33 kunstenaars, allen afkomstig uit de Rijnland / Noordrijn-Westfalen regio van Duitsland. Het doel van de tentoonstelling was een samenhangende visie te scheppen op het esthetische erfgoed van dit deel van Duitsland, en dit te verbinden met een voorspellend onderzoek naar wat de toekomst van de regio zou kunnen brengen. Om deze monumentale taak te volbrengen, hanteerde het museum een unieke curatoriële aanpak. Eerst gaf men hun vijfkoppige academische team de opdracht 19 kunstenaars te selecteren die, in hun woorden, “de oudere generatie” vertegenwoordigden. Het team begon met wat zij noemden de “historische kern” van de regio, bestaande uit vijf kunstenaars: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter en Blinky Palermo. Vervolgens selecteerden ze 14 andere “oudere” kunstenaars, waaronder Georg Herold. Daarna nodigde het museum deze zogenaamde “oudere” kunstenaars, of althans degenen die nog leefden, uit om kunstenaars van de “jongere generatie” aan te bevelen waarvan zij vonden dat hun werk in de tentoonstelling thuishoorde. Omdat hij destijds 63 was, lijkt het misschien geen belediging dat Georg Herold werd gekozen als vertegenwoordiger van de oudere generatie. Toch voelt die aanduiding niet helemaal juist. Het is nog niet zo lang geleden dat Herold nieuw was op het toneel. En tot op de dag van vandaag blijft zijn werk fascinerend, fris, geestig, onverschillig en prikkelend – in veel gevallen veel meer dan dat van de chronologisch jongere kunstenaars die zogenaamd de toekomst vertegenwoordigden in The Luminous West. Dat wordt scherp zichtbaar door de nieuwe monografische Georg Herold-tentoonstelling die momenteel te zien is in diezelfde ruimte, het Kunstmuseum Bonn. Het werk blijft dynamisch en vertegenwoordigt nog steeds de voorhoede. Het doet me afvragen of biologische leeftijd misschien niet de enige maatstaf zou moeten zijn voor “ouderdom” in de kunsten. Zoals Herold aantoont, is het soms juist met het verstrijken van de tijd dat de beste ideeën en krachtigste werken van een kunstenaar naar voren komen, en de volledige betekenis en potentie van eerder werk eindelijk wordt onthuld.

Een Late Toetreding

Georg Herold werd geboren in 1947 in Jena, Duitsland, een universiteitsstad met ongeveer 100.000 inwoners. Zijn vroege opleiding was als smidsleerling, waarna hij naar de universiteit ging en serieus begon te studeren om kunstenaar te worden. Hij studeerde eerst aan de Universiteit voor Kunst en Vormgeving Halle, in de stad Halle, vlakbij waar hij opgroeide. Daarna verhuisde hij naar het zuiden van het land, naar München, waar hij van 1974 tot 1976 de Academie voor Schone Kunsten bezocht. Vervolgens ging hij naar het noorden, naar Hamburg, waar hij van 1977 tot 1981 studeerde aan de Universiteit voor Schone Kunsten onder Sigmar Polke. Tijdens zijn tijd in Hamburg maakte Herold kennis met verschillende andere student-kunstenaars, met name Martin Kippenberger en Albert Oehlen, die al naam maakten met hun punkachtige benadering van kunst maken.

Samen met deze nieuwe wilden werd Herold bestempeld als een van de opkomende “bad boys” van de Duitse kunstscene in de jaren tachtig. Toen hij afstudeerde was Herold 34. Toch werd hij beschouwd als onderdeel van de nieuwe, jonge en brutale generatie. Een van de “bad boys” overleefde het niet lang. Kippenberger stierf in 1997 op 44-jarige leeftijd, maar in zijn korte carrière oefende hij enorme invloed uit op de kunstwereld en herdefinieerde bijna in zijn eentje wat het betekende om een hedendaagse kunstenaar te zijn. Oehlen is nog steeds actief als kunstenaar en docent. Zijn abstracte schilderijen zijn geliefd, en zijn onderzoek naar het proces heeft een enorme invloed gehad op opkomende generaties kunstenaars. En dan is er Herold, de oudste van de “bad boys.” Hij deed er het langst over om volwassen te worden, en heeft zich op sommige manieren het langst aan categorisering onttrokken. Zoals hij ooit zei: “Ik ben van plan een staat te bereiken die dubbelzinnig is en allerlei interpretaties toelaat.” Getrouw aan dat streven tart zijn oeuvre elke categorisering, en geen enkel werk binnen zijn oeuvre is tot nu toe met succes gediagnosticeerd.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, kaviaar, lak, inkt op doek, 80 × 109,9 cm, foto credits Magenta Plains, New York

Volhouden

Het eerste kunstwerk waarvoor Georg Herold herinnerd wordt, was een dunne lat hout, het type dat in de bouw wordt gebruikt, vastgeschroefd aan de muur. Hij noemde het werk Präsentation der ersten Latte, ofwel Presentatie van de eerste lat. Het werk werd gemaakt in 1977, terwijl hij nog op school zat, voor een opdracht in een klas van Sigmar Polke. Het werk was, in strikte formele zin, onmiskenbaar. Het vertegenwoordigde lijn en vorm. Als driedimensionaal object aan de muur daagde het de rollen van schilderkunst en beeldhouwkunst uit. Het was zowel minimalistisch als conceptueel. De titel suggereerde iets ceremonieels. De geschiedenis als materiaal verwees naar iets dat onderdeel was van iets groters dat nog zou komen. De status als gevonden voorwerp verwees naar Marcel Duchamp en Robert Rauschenberg. Maar er zat ook iets speels in, en misschien iets absurds.

Maar na verloop van tijd zou de titel van dat eerste werk profetisch blijken. Herold keerde keer op keer terug naar het materiaal van bouwlatten. Hij gebruikte ze in grotere beelden, hing ze in verschillende configuraties aan de muur, gebruikte ze als dragers voor schilderijen en andere werken, en gebruikte ze als grondstof voor het maken van een reeks indringende, figuratieve beelden. Om deze vormen te maken bindt Herold bouwlatten samen met draad en schroeven. Vervolgens spant hij doek over de gebonden latten om een soort cocon te creëren rond de vorm van een menselijk lichaam. Hij laat het doek drogen en krimpen, waarna hij de vorm beschildert en lakt. In sommige gevallen maakt hij daarna gelimiteerde bronzen afgietsels van de vormen. Gezien in de context van zijn vroege werk in die klas bij Sigmar Polke zijn deze figuratieve vormen poëtisch in hun diepte aan mogelijke betekenissen. Maar zelfs zonder kennis van hun materiële essentie roepen ze een scala aan emoties op, van lijden tot sensualiteit. Ze zijn zowel menselijk makend als ontmenselijkend, en roepen talloze interpretaties op, van beelden van dans tot beelden van de dood.

Georg Herold - Untitled, 2011, latten, doek, lak, draad en schroeven, 115 x 510 x 65 cm, afbeelding © Saatchi Gallery, alle rechten voorbehouden

Kaviaar en Bakstenen

Een andere reeks werken waarvoor Herold bekend is geworden, is een serie schilderijen waarin viskuit het belangrijkste materiaal is. Deze abstracte kaviaarschilderijen bezitten een rustige, natuurlijke kwaliteit in de trant van Koreaanse dansaekhwa-schilderijen. Ze zijn bijna monochroom, licht getextureerd en mooi. Maar het is hun materiaal dat vragen oproept. De miljoenen, misschien miljarden viskuitjes die erin verwerkt zijn, maken ze tot letterlijke slagvelden. Ze vertegenwoordigen mogelijk letterlijk verspild potentieel. Aan de andere kant is kaviaar gewoon voedsel, en niet eens noodzakelijk voedsel. Het is een dure luxe. Er valt waarschijnlijk veel te bespreken over welke boodschap deze schilderijen uitzenden over handel, kunst en uitbuiting. Maar misschien is er ook niets te zeggen. Misschien zijn het gewoon mooie schilderijen.

Georg Herold - Untitled, 2011, kaviaar (genummerd), acryl, lak op doek, 2 delen, elk 350 x 203 cm, afbeelding met dank aan Galerie Bärbel Grässlin

Een ander materiaal waar Herold vaak op terugkomt, zijn bakstenen. Hij bevestigt bakstenen direct aan het opgespannen doek van zijn schilderijen. Het gewicht van de bakstenen trekt vaak aan het doek, waardoor het uitrekt en er plooien en rimpels in het weefsel ontstaan. Het lijkt vaak op een gedeeltelijk verwoest kunstwerk. Er zit spanning in het werk terwijl toeschouwers toekijken en zich afvragen of de bakstenen uiteindelijk zullen vallen. Deze werken lijken rampen die op het punt staan te gebeuren. Ze zijn ook fascinerende onderzoeken naar materialiteit, textuur, ruimtelijkheid en ruimte. Ze zijn grappig, en op een bepaalde manier zelfs spottend. Ze zijn ook subliem dubbelzinnig. Er is een grote kloof tussen wat ze ons tonen en wat ze ons vertellen. Maar het zijn ook gewoon constructies, een volgende stap na de presentatie van de eerste lat. Vooral zijn ze fris. Ze zijn blijvend bewijs dat Georg Herold geen kunstenaar is die het verdient om tot een oudere generatie te worden gerekend. Respectvol gezegd, eigenlijk geen enkele levende kunstenaar.

Georg Herold in het Kunstmuseum Bonn is te zien tot en met 7 januari 2018.

Afbeelding bij het artikel: Georg Herold - Herrenperspektive (Mannenperspectief), 2002, beeld van daklatten, glas en touw, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alle afbeeldingen zijn uitsluitend ter illustratie gebruikt

Door Phillip Barcio