Georg Herold en Het Luminous West in Kunstmuseum Bonn

De meeste mensen zouden Georg Herold waarschijnlijk categoriseren als een lid van de zogenaamde "oudere generatie." Hij is tenslotte 70 jaar oud. En feitelijk heeft het Kunstmuseum Bonn zeven jaar geleden Herold officieel met dat ongelukkige en enigszins betekenisloze label opgezadeld toen ze hem opnamen in een ambitieuze groepstentoonstelling genaamd The Luminous West. Die tentoonstelling toonde het werk van 33 kunstenaars, die allemaal uit de Rijnland / Noordrijn-Westfalen regio van Duitsland kwamen. Het doel van de tentoonstelling was om een samenhangende visie te vestigen op het esthetische erfgoed van dit deel van Duitsland, en om het te koppelen aan een voorspellende verkenning van wat de toekomst van de regio zou kunnen inhouden. Om deze monumentale taak te volbrengen, hanteerde het museum een unieke curatorial aanpak. Eerst belastten ze hun vijfkoppige academische team met de taak om 19 kunstenaars te selecteren die, in hun woorden, "de oudere generatie" vertegenwoordigden. Het team begon met wat ze de "historische kern" van de regio noemden, die bestond uit vijf kunstenaars: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter en Blinky Palermo. Vervolgens selecteerden ze nog 14 "oudere" kunstenaars, waaronder Georg Herold. Daarna nodigde het museum deze zogenaamde "oudere" kunstenaars, of in ieder geval degenen die nog leefden, uit om kunstenaars uit de "jongere generatie" aan te bevelen wiens werk zij geloofden dat het opname in de tentoonstelling verdiende. Aangezien hij op dat moment 63 was, lijkt het misschien geen belediging dat Georg Herold werd geselecteerd als vertegenwoordiger van de oudere generatie. Maar desondanks lijkt er iets mis met die aanduiding. Het is nog niet zo lang geleden dat Herold gloednieuw op de scene was. En tot op de dag van vandaag blijft zijn werk fascinerend, fris, geestig, onbeschaamd en provocerend— in veel gevallen veel meer dan dat van de chronologisch jongere kunstenaars die zogenaamd de toekomst vertegenwoordigden in The Luminous West. Dat feit wordt scherp in het oog springend door de nieuwe monografische Georg Herold tentoonstelling die momenteel in dezelfde ruimte, het Kunstmuseum Bonn, te zien is. Het werk blijft dynamisch en blijft de voorhoede vertegenwoordigen. Het doet me afvragen of biologische leeftijd misschien niet de enige maatstaf voor "oudheid" in de kunsten zou moeten zijn. Zoals Herold aantoont, is het soms met de passage van de tijd dat de beste ideeën en meest krachtige werken uit een kunstenaar naar voren komen, en de volledige betekenis en potentieel van eerder werk eindelijk wordt onthuld.

Een late inzending

Georg Herold werd geboren in 1947 in Jena, Duitsland, een universiteitsstad met ongeveer 100.000 inwoners. Zijn vroege opleiding was als smid in opleiding, waarna hij naar de universiteit ging en serieus begon te studeren om kunstenaar te worden. Hij studeerde eerst aan de Universiteit voor Kunst en Design Halle, in de stad Halle, dichtbij waar hij opgroeide. Daarna verhuisde hij naar het zuiden van het land, naar München, waar hij van 1974 tot 1976 de Academie voor Beeldende Kunsten bezocht. Vervolgens ging hij naar het noorden, naar Hamburg, waar hij van 1977 tot 1981 studeerde aan de Universiteit voor Beeldende Kunsten onder Sigmar Polke. Terwijl hij in Hamburg was, maakte Herold kennis met verschillende andere student-kunstenaars, onder wie vooral Martin Kippenberger en Albert Oehlen, die al een naam voor zichzelf aan het maken waren met hun punkbenadering van kunst maken.

Samen met deze nieuwe wilde jongens werd Herold aangeduid als een van de opkomende "bad boys" van de Duitse kunstscene in de jaren '80. Tegen de tijd dat hij afstudeerde aan de universiteit, was Herold 34. Desondanks werd hij beschouwd als onderdeel van de nieuwe, jonge en brutale generatie. Een van de "bad boys" overleefde niet lang. Kippenberger stierf in 1997 op 44-jarige leeftijd, maar groeide in zijn korte carrière uit tot een enorme invloed op de kunstwereld en herdefinieerde bijna in zijn eentje wat het betekende om een hedendaagse kunstenaar te zijn. Oehlen is vandaag de dag nog steeds actief als kunstenaar en docent. Zijn abstracte schilderijen zijn geliefd, en zijn onderzoeken naar proces hebben zich bewezen als enorm invloedrijk voor opkomende generaties kunstenaars. En dan is er Herold, de oudste van de "bad boys." Hij had het langst nodig om volwassen te worden, en in sommige opzichten heeft hij het langst weerstand geboden aan categorisering. Zoals hij ooit zei: "Ik ben van plan een staat te bereiken die ambigu is en allerlei interpretaties toelaat." Getrouw aan dat doel, weerstaat zijn oeuvre elke en alle categorisering, en geen enkel werk binnenin is tot nu toe succesvol gediagnosticeerd.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

Ermee doorgaan

Het eerste kunstwerk waarvoor Georg Herold herinnerd wordt, was een dunne lat hout, het type dat in de bouw wordt gebruikt, vastgeschroefd aan de muur. Hij noemde het stuk Präsentation der ersten Latte, of Presentatie van de eerste Plank. Het werk werd geproduceerd in 1977, terwijl hij nog op school zat, voor een opdracht in een klas gegeven door Sigmar Polke. Het werk was, in strikte formele termen, onbetwistbaar. Het vertegenwoordigde lijn en vorm. Als een driedimensionaal object dat aan de muur hing, daagde het de rollen van schilderkunst en sculptuur uit. Het was zowel minimaal als conceptueel. De titel impliceerde iets ceremonieel. De geschiedenis als materiaal impliceerde dat het een component was van iets groters dat zou komen. De status als gevonden object riep Marcel Duchamp en Robert Rauschenberg in gedachten. Maar er was ook iets speels aan, en misschien iets absurder.

Maar in de loop van de tijd zou de titel van dat eerste stuk blijken profetisch te zijn. Herold is keer op keer teruggekeerd naar het materiaal van constructieplanken. Hij heeft ze gebruikt in grotere sculpturen, hij heeft ze op de muur gehangen in verschillende configuraties, hij heeft ze gebruikt als ondersteuning voor schilderijen en andere werken, en hij heeft ze gebruikt als grondstoffen voor de constructie van een serie spookachtige, figuratieve sculpturen. Om deze vormen te construeren, bindt Herold constructieplanken samen met draad en schroeven. Vervolgens spant hij canvas over de gebonden stokken om een soort cocon te creëren over de vorm van een menselijk lichaam. Hij laat het canvas drogen en krimpen in de loop van de tijd, daarna schildert en vernis hij de vorm. In sommige gevallen maakt hij dan gelimiteerde bronzen afgietsels van de vormen. Gezien in de context van zijn vroege werk in die klas met Sigmar Polke, zijn deze figuratieve vormen poëtisch in hun diepte van potentiële betekenissen. Maar zelfs zonder kennis van hun materiële essentie, roept hun aanwezigheid een scala aan emoties op, van lijden tot sensualiteit. Ze zijn zowel humaniserend als dehumaniserend, en roepen talloze interpretaties op, van beelden van dans tot beelden van de dood.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

Kaviaar en bakstenen

Een ander werk waarvoor Herold bekend is geworden, is een serie schilderijen waarin viskuit als het primaire medium wordt gebruikt. Deze abstracte kaviaar schilderijen bezitten een rustige, natuurlijke kwaliteit in de geest van Koreaanse dansaekhwa schilderijen. Ze zijn bijna monochroom, licht getextureerd en mooi. Maar het is hun medium dat vragen oproept. De miljoenen, misschien miljarden vis-eieren die in hun creatie zijn gegaan, betekenen dat ze letterlijke slachtvelden zijn. Ze vertegenwoordigen mogelijk letterlijk verspild potentieel. Aan de andere kant is kaviaar gewoon voedsel, en niet precies noodzakelijk voedsel. Het is een dure luxe. Er valt mogelijk veel te bespreken over welke boodschap deze schilderijen uitzenden over commercie, kunst en uitbuiting. Aan de andere kant, misschien is er niets te zeggen. Misschien zijn het gewoon mooie schilderijen.

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

Een ander materiaal waar Herold vaak op terugkomt, is baksteen. Hij bevestigt bakstenen direct aan de uitgerekte canvasoppervlakken van zijn schilderijen. Het gewicht van de bakstenen trekt vaak naar beneden op het oppervlak, waardoor het uitgerekt wordt en er rimpels en golven in de stof ontstaan. Het uiterlijk is vaak dat van een gedeeltelijk verwoest kunstwerk. Er is spanning inherent aan het stuk terwijl kijkers toekijken en zich afvragen of de bakstenen uiteindelijk zullen vallen. Deze stukken lijken op rampen die wachten om te gebeuren. Ze zijn ook fascinerende onderzoeken van materialiteit, textuur, dimensionaliteit en ruimte. Ze zijn grappig, en op een bepaalde manier hebben ze zelfs een spottende manier over zich. Ze zijn ook subliem ambigu. Er is een grote kloof tussen wat ze ons tonen en wat ze ons vertellen. Aan de andere kant zijn ze gewoon een constructie, een volgende stap vooruit vanaf de presentatie van de eerste plank. Het meest opvallend is dat ze fris zijn. Ze zijn een voortzetting van het bewijs dat Georg Herold geen kunstenaar is die gelabeld moet worden als onderdeel van een oudere generatie. Eerlijk gezegd, geen enkele levende kunstenaar is dat.

Georg Herold in het Kunstmuseum Bonn is te zien tot 7 januari 2018.

Uitgelichte afbeelding: Georg Herold - Herrenperspektive (Mannenperspectief), 2002, Sculptuur van daklatten, glas en touw, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alle afbeeldingen zijn alleen voor illustratieve doeleinden gebruikt.

Door Phillip Barcio