Het combineren van het Abstracte en het Figuratieve - Kunst van Albert Oehlen

Op het eerste gezicht lijken veel schilderijen van Albert Oehlen ingewikkeld, als het visuele equivalent van lawaai. Ze combineren figuratieve elementen met elementen die puur abstract zijn. Ze bevatten een breed en voortdurend veranderend assortiment aan processen, materialen en technieken. Wanneer we ons richten op die uiteenlopende elementen, kunnen de composities soms onsamenhangend en onevenwichtig lijken. Maar wanneer ze vanuit een breder perspectief worden bekeken, niet als definitieve visuele uitspraken maar als prikkels voor een diepere esthetische reactie, ontstaat er een gevoel van harmonie in zijn schilderijen. Oehlen was leerling van Sigmar Polke, een Duitse schilder, fotograaf en hoogleraar die de grenzen tussen figuratie en abstractie uitdaagde. En hij was een voormalige huisgenoot van Martin Kippenberger, een in Duitsland geboren multimedia-kunstenaar die ook bekendstaat om het verkennen van hoe de objectieve wereld samenkomt met het abstracte. Daarnaast is hij ook een langdurige vriend van Christopher Wool, een schilder die gedurfde tekstgebaseerde boodschappen combineert met abstractie op manieren die scherpe lijnen tussen de twee creëren, terwijl ze tegelijkertijd suggereren dat ze hetzelfde zijn. In de manier waarop hij figuratie en abstractie combineert, deelt het oeuvre dat Oehlen heeft gecreëerd een duidelijke erfenis met dat van al deze drie andere kunstenaars. Maar het deelt ook nog een andere belangrijke, minder voor de hand liggende overeenkomst: het is eenvoudiger dan het lijkt.

De Ontwikkeling van Albert Oehlen

Albert Oehlen werd geboren in 1954 in Krefeld, Duitsland, ten noordwesten van Düsseldorf. Hij groeide op in een artistiek gezin. Oehlen’s vader was kunstenaar, en zijn broer Markus, twee jaar jonger, is ook een begaafd abstract popkunstenaar die werkt met schilderkunst en beeldhouwkunst. Albert heeft gezegd dat hij altijd wist dat hij kunstenaar zou worden, alsof het iets was wat hij vanzelfsprekend vond. Maar de keuze om zich te richten op schilderkunst, en vooral abstracte schilderkunst, kwam geleidelijk aan tot hem.

Oehlen rondde zijn opleiding af aan de Hochschule für bildende Künste Hamburg in 1978. Na zijn studie experimenteerde hij met verschillende vormen van expressie, waaronder muziek. Maar het was pas nadat hij van Duitsland naar Spanje verhuisde, waar hij een huis deelde met Martin Kippenberger, dat hij zijn stem vond als abstract schilder. In een interview met Interview Magazine in 2009 zegt Oehlen dat hij die kans greep om zijn benadering van kunst te veranderen. “Ik wilde iets nieuws beginnen waar ik al lang van droomde, namelijk abstract schilderen,” zei Oehlen, “en ik greep de kans om het daar [in Spanje] te beginnen, wat heel goed was omdat we erg geïsoleerd waren. Het was Martin en ik alleen in dat huis, dus je kon je mislukkingen maken en zien hoe de ander reageert.”

Albert Oehlen - Zonder titel, 1989. Olie en hars op doek. 23 4/5 × 28 9/10 inch. 60,4 × 73,5 cm. © Albert Oehlen

De Onvoorspelbaarheid van Schilderen

De vrijheid om te experimenteren en te falen bracht Oehlen het besef van het belang van onzekerheid in zijn kunst. Er is een inherente spanning in het niet weten hoe iets zal uitpakken. Er is een levende kracht die een kunstenaar drijft om het onbekende, of het onvoorstelbare, te manifesteren. Maar een mogelijk nadeel van volledige vrijheid om te experimenteren is dat het verlammend kan zijn. Waar begin je als je geen idee hebt waar je naartoe gaat? Om zichzelf voldoende structuur te geven om gefocust te blijven en tegelijkertijd te genieten van de vrijheid om te experimenteren, begon Oehlen eenvoudige regels voor zichzelf uit te vinden in het atelier.

Deze willekeurige regels hebben geen ander doel dan hem uit te dagen in zijn proces, om onvoorspelbaarheid en strijd te creëren. Soms beperkt hij zijn werken tot één enkele kleurtoon. Andere keren geeft hij zichzelf de beperking om gewoon langzamer te werken. Een van Oehlen’s favoriete willekeurige regels, die hij gebruikte om te delen met zijn studenten toen hij lesgaf aan de Kunstakademie Düsseldorf, was: “Verander het materiaal. Want veel beslissingen ben je je niet bewust van. Het begint wanneer je kunstbenodigdheden gaat kopen. Je maakt beslissingen, en die zijn altijd hetzelfde, zoals het soort penselen dat je koopt. En als je gedwongen wordt iets te veranderen, geeft dat een onzekerheid aan het werk die heel nuttig is. Het laat je ontdekken wat je echt nodig hebt.”

Albert Oehlen - Titanium Cat met laboratorium-getest dier, 1999. Olie op doek. © Albert Oehlen

Niets is Lelijk

Door decennia van experimenteren en het stellen van willekeurige grenzen aan zichzelf, is Oehlen tot een grappige ontdekking gekomen. Door de unieke fysieke eigenschappen die werken bezitten, is er weinig dat iemand kan doen om een schilderij lelijk te maken. Er was een tijd dat het idee van slechte schilderkunst veel curatoren en kunstenaars, waaronder Oehlen, bezighield. Verschillende definities van slechte schilderkunst werden overwogen. Sommigen geloofden dat het te maken had met het proces. Anderen dachten dat het fundamenteel was voor de compositie, of de esthetische kwaliteiten van een werk.

Oehlen werkte hard aan het idee om slechte schilderijen te maken, op dezelfde manier als een muzikant een lied kan maken dat onmogelijk is om naar te luisteren. Maar hij ontdekte dat iemand elk schilderij mooi kan vinden, omdat mensen simpelweg een instinctieve aantrekkingskracht hebben tot de inherente schoonheid van verf op een oppervlak. Ongeacht het onderwerp, ongeacht het vaardigheidsniveau van de kunstenaar, ongeacht de compositie en ongeacht het proces, kan men beargumenteren dat geen enkel schilderij slecht is, omdat er iets goeds in te vinden is als we maar bereid zijn te kijken.

Albert Oehlen - Zonder titel, 2005. Acryl en olie op doek. © Albert Oehlen

Visuele Prikkels

Het volwassen werk dat Albert Oehlen tegenwoordig maakt weerspiegelt de geest van een schilder die simpelweg houdt van zijn werk. Hij is veelzijdig in zijn keuze van materialen en technieken, waardoor hij kansen krijgt om te groeien en zich te ontwikkelen. Soms maakt hij collages en schildert er dan overheen, waarbij hij voor de collage materialen gebruikt die bestaan uit een mengsel van rommelige reclameborden en inkjetafdrukken. Soms gebruikt hij spuitverf, soms olieverf, soms veegt hij de verf over het oppervlak in een waas. De vreugde voor hem als kunstenaar komt duidelijk voort uit de juiste mix van experiment en regels, of met andere woorden, het proces.

Voor kijkers kan het gemakkelijk zijn om in de war te raken door de talloze lagen, stijlen en verwijzingen in Oehlen’s kunstwerken. Maar zoals we eerder al zeiden, door de manier waarop we ernaar kijken te vereenvoudigen, kunnen we dichterbij komen om hun waarde te begrijpen. De manier om ze te vereenvoudigen is om ze niet te zien als stukken die betekenis bevatten die ontrafeld moet worden, maar om ze te zien als visuele prikkels. Neem afstand en bekijk ze als de openbaring van een proces, en laat ze een emotie of een gedachte oproepen. De figuratieve beelden, de tekst, de kleuren, de markeringen, of de fysieke overblijfselen van onze cultuur vormen samen een gevoel, dat vooral aan onszelf is. Het schilderij is niet het einde van het verhaal. Als dat zo was, zou het inderdaad verwarrend zijn. Maar het is slechts het begin.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Papieren collage op doek. © Albert Oehlen

Het Lawaai Verzachten

Visueel zijn de werken van Albert Oehlen ingedeeld bij verschillende kunststromingen, zoals Neo-Expressionisme en Neue Wilde. De Neo-Expressionisten waren essentieel voor de herintroductie van figuratie na stromingen als Abstract Expressionisme, Minimalisme en Conceptuele Kunst. De Neue Wilde, of wilde jeugd, combineerden abstracte en figuratieve beelden met felle kleuren en emotionele penseelstreken. Op het eerste gezicht lijken Oehlen’s werken vaak beide elementen te bevatten. Maar Oehlen heeft ook een andere bijnaam gekregen: de vrije radicaal. Die naam dankt hij aan zijn stellige overtuiging dat hij bij geen enkele stroming hoort, en dat elk van zijn werken afzonderlijk en volgens zijn eigen esthetische voorstel moet worden beschouwd.

Wat precies Oehlen’s voorstellen inhouden is een open gesprek, een gesprek dat zelfs Oehlen niet volledig kan uitleggen. Het enige wat duidelijk is, is dat hij geleidelijk een unieke esthetische visie heeft uitgewerkt, die blijft evolueren. Hij gebruikt alle visuele middelen die hij tot zijn beschikking heeft om iets te creëren dat een gevoel oproept bij de kijkers. Het is allemaal mooi en allemaal goed, althans in sommige van onze gedachten. Mensen kunnen zeggen dat ze het mooi vinden of niet. En wat dan nog? Het kan niet worden begrepen door feitelijke analyse. Het enige wat we zeker kunnen zeggen is dat het lawaai van etiketten, oordeel en esthetische kritiek zijn werk echt alleen maar in de weg staat. Net als de talloze elementen die Oehlen in zijn werken combineert, is het allemaal lawaai. Door zijn onvoorspelbare en open geestige proces probeert Oehlen simpelweg goede schilderijen te maken. Hij neemt de ingewikkelde elementen van de visuele sfeer en maakt ze glad. Hoe meer we kunnen vereenvoudigen hoe we naar zijn werk kijken, hoe eenvoudiger het wordt, en hoe makkelijker het is om het als mooi te zien.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithografische afdruk op Somerset Epson. © Albert Oehlen

Uitgelichte afbeelding: Albert Oehlen - Zonder titel (detail), 1993. Olie op doek. © Albert Oehlen
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio