Het combineren van het Abstracte en het Figuratieve - Kunst van Albert Oehlen

Op het eerste gezicht lijken veel van de schilderijen van Albert Oehlen ingewikkeld, als het visuele equivalent van ruis. Ze combineren figuratieve elementen met elementen die puur abstract zijn. Ze bevatten een breed scala aan steeds evoluerende processen, materialen en technieken. Wanneer we ons richten op die uiteenlopende elementen, kunnen de composities soms onsamenhangend en onharmonisch lijken. Maar wanneer we ze vanuit een breder perspectief beschouwen, niet als definitieve visuele uitspraken maar als triggers voor een diepere esthetische reactie, komt er een gevoel van harmonie in zijn schilderijen naar voren. Oehlen was een student van Sigmar Polke, een Duitse schilder, fotograaf en professor die de grenzen tussen figuration en abstractie uitdaagde. En hij is een voormalige huisgenoot van Martin Kippenberger, een in Duitsland geboren multi-media kunstenaar die ook bekend staat om het verkennen van hoe de objectieve wereld zich verhoudt tot het abstracte. En hij is ook een lange tijd vriend van Christopher Wool, een schilder die gedurfde tekstgebaseerde boodschappen combineert met abstractie op manieren die scherpe lijnen tussen de twee creëren, terwijl ze tegelijkertijd suggereren dat ze hetzelfde zijn. In de manier waarop het figuration en abstractie combineert, deelt het oeuvre dat Oehlen heeft gecreëerd een duidelijke erfenis met dat van al deze drie andere kunstenaars. Maar het deelt ook nog een andere belangrijke, minder voor de hand liggende overeenkomst: het is eenvoudiger dan het lijkt.

De Evolutie van Albert Oehlen

Albert Oehlen werd in 1954 geboren in Krefeld, Duitsland, ten noordwesten van Düsseldorf. Hij groeide op in een artistiek gezin. Oehlen's vader was een kunstenaar, en zijn broer Markus, twee jaar jonger, is een bekwame abstracte popartiest geworden die ook werkt in de media van schilderkunst en beeldhouwkunst. Albert heeft gezegd dat hij altijd wist dat hij kunstenaar zou worden, alsof het gewoon iets was dat hij als vanzelfsprekend beschouwde. Maar de keuze om zich te concentreren op schilderen, en vooral op abstracte schilderkunst, was iets dat geleidelijk aan in de loop van de tijd tot hem kwam.

Oehlen voltooide zijn studie aan de Universiteit voor Schone Kunsten in Hamburg in 1978. Na school experimenteerde hij met verschillende vormen van expressie, waaronder muziek. Maar het was pas na zijn verhuizing van Duitsland naar Spanje, waar hij een huis deelde met Martin Kippenberger, dat hij zijn stem vond als abstracte schilder. In een interview met Interview Magazine in 2009 zegt Oehlen dat hij die kans greep om zijn benadering van kunst te transformeren. “Ik wilde iets nieuws beginnen waar ik al lange tijd van droomde, namelijk abstracte schilderkunst,” zei Oehlen, “en ik greep de kans om het daar [in Spanje] te beginnen, wat heel goed was omdat we erg geïsoleerd waren. Het was Martin en ik alleen in dat huis, dus je kon je mislukkingen doen en zien hoe de ander reageert.”

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

De Onvoorspelbaarheid van Schilderen

Het hebben van vrije hand om te experimenteren en te falen heeft Oehlen het belang van onzekerheid in zijn kunst bijgebracht. Er is een inherente opwinding in het niet weten hoe iets zal uitpakken. Er is een levenskracht die een kunstenaar drijft om het onbekende of het onvoorstelbare te manifesteren. Maar een potentieel nadeel van de volledige vrijheid om te experimenteren is dat het verlammend kan zijn. Waar begin je als je geen idee hebt waar je naartoe gaat? Om zichzelf voldoende structuur te geven om gefocust te blijven terwijl hij ook geniet van de vrijheid om te experimenteren, begon Oehlen eenvoudige regels voor zichzelf uit te vinden in de studio.

Deze willekeurige regels hebben geen ander doel dan hem uit te dagen in zijn proces, om onvoorspelbaarheid en strijd te creëren. Soms beperkt hij zijn werken tot een enkele tint. Andere keren geeft hij zichzelf de beperking om gewoon langzamer te gaan. Een van Ohlen's favoriete willekeurige regels, die hij vaak deelde met zijn studenten tijdens het lesgeven aan de Kunstakademie Düsseldorf, was: “Verander het materiaal. Omdat er veel beslissingen zijn waar je je niet van bewust bent. Het begint wanneer je kunstbenodigdheden gaat kopen. Je maakt beslissingen, en ze zijn altijd hetzelfde, zoals het soort penselen dat je koopt. En als je gedwongen wordt om iets te veranderen, geeft dat een onzekerheid aan het werk die heel nuttig is. Het laat je ontdekken wat je echt nodig hebt."

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

Niets is lelijk

Gedurende tientallen jaren van experimenteren en het stellen van willekeurige grenzen aan zichzelf, is Oehlen tot een grappige realisatie gekomen. Vanwege de unieke fysieke kwaliteiten die werken bezitten, is er weinig dat iemand kan doen om een schilderij lelijk te maken. Er was een tijd dat het idee van slecht schilderen in het hoofd van veel curatoren en kunstenaars, waaronder Oehlen, zat. Verschillende definities van slecht schilderen werden overwogen. Sommigen geloofden dat het met het proces te maken had. Anderen geloofden dat het fundamenteel was voor de compositie, of de esthetische kwaliteiten van een werk.

Oehlen werkte hard aan het idee om slechte schilderijen te maken op dezelfde manier als een muzikant een nummer zou maken dat onmogelijk te beluisteren is. Maar hij ontdekte dat iemand elk schilderij mooi kan vinden, omdat mensen simpelweg een viscerale aantrekkingskracht hebben tot de inherente schoonheid van verf op een oppervlak. Ongeacht het onderwerp, ongeacht het vaardigheidsniveau van de kunstenaar, ongeacht de compositie en ongeacht het proces, kan worden betoogd dat geen enkel schilderij slecht is, omdat er iets goeds in te vinden is als we gewoon bereid zijn om te kijken.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

Visuele triggers

Het volwassen werk dat Albert Oehlen vandaag de dag creëert, weerspiegelt de mindset van een schilder die simpelweg houdt van het bezig zijn met zijn werk. Hij is divers in zijn selectie van materialen en technieken, waardoor hij zichzelf kansen biedt om te groeien en zich te ontwikkelen. Soms maakt hij collages en schildert daar dan overheen, waarbij hij voor de collage materialen gebruikt die een mengsel zijn van goedkope reclameborden en inkjetafdrukken. Soms gebruikt hij spuitverf, soms olieverf, soms vegen de verf over het oppervlak in een vage waas. De vreugde voor hem als kunstenaar komt duidelijk voort uit de juiste mix van experimentatie en regels, of met andere woorden, het proces.

Voor kijkers kan het gemakkelijk zijn om in de war te raken door de ontelbare lagen, stijlen en verwijzingen in Oehlen's kunstwerken. Maar zoals we eerder hebben vermeld, kunnen we door de manier waarop we ernaar kijken te vereenvoudigen dichter bij het begrijpen van hun waarde komen. De manier om ze te vereenvoudigen is om ze niet te zien als stukken die betekenis bevatten die ontrafeld moet worden, maar om ze in plaats daarvan te beschouwen als visuele triggers. Stap terug en kijk naar hen als de onthulling van een proces, en laat ze een emotie of een gedachte oproepen. De figuratieve beelden, de tekst, de kleuren, de markeringen, of de fysieke resten van onze cultuur dragen samen bij aan een gevoel, een gevoel dat grotendeels aan ons is. Het beeld is niet het einde van het verhaal. Als dat zo was, zou het inderdaad verwarrend zijn. Maar het is slechts het begin.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

Verzacht het Geluid

Visueel zijn de werken van Albert Oehlen samengevoegd met verschillende kunststromingen, zoals Neo-Expressionisme en Neue Wilde. De Neo-Expressionisten waren essentieel voor de herintroductie van figuur in de nasleep van stromingen zoals Abstract Expressionisme, Minimalisme en Conceptuele Kunst. De Neue Wilde, of wilde jeugd, combineerde abstracte en figuratieve beelden met levendige kleuren en emotionele penseelstreken. Bij een eerste blik lijken de werken van Oehlen vaak beide elementen te bevatten. Maar Oehlen heeft ook een andere bijnaam gekregen: de vrije radicaal. Die naam is te danken aan Oehlen's volharding dat hij tot geen enkele beweging behoort, en dat elk van zijn werken afzonderlijk en volgens zijn eigen esthetische voorstel moet worden beschouwd.

Wat Oehlen's proposities precies inhouden, is een open gesprek, eentje dat zelfs Oehlen niet volledig kan uitleggen. Wat duidelijk is, is dat hij geleidelijk een unieke esthetische visie heeft uitgewerkt, eentje die blijft evolueren. Hij gebruikt alle visuele middelen die hij tot zijn beschikking heeft om iets te creëren dat een gevoel bij de kijkers oproept. Het is allemaal mooi en allemaal goed, althans in sommige van onze gedachten. Mensen kunnen zeggen dat ze het leuk vinden of dat ze het niet leuk vinden. En wat dan? Het kan niet worden begrepen door feitelijke analyse. Het enige wat we met zekerheid kunnen zeggen, is dat het lawaai van labels en oordelen en esthetische kritiek echt in de weg staat van zijn werk. Net als de talloze elementen die Oehlen in zijn werken combineert, is het allemaal lawaai. Door zijn onvoorspelbare en open-minded proces probeert Oehlen simpelweg goede schilderijen te creëren. Hij neemt de ingewikkelde elementen van de visuele atmosfeer en maakt ze glad. Hoe meer we kunnen vereenvoudigen hoe we naar zijn werk kijken, hoe eenvoudiger het wordt, en hoe gemakkelijker het is om het als mooi te zien.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

Uitgelichte afbeelding: Albert Oehlen - Untitled (detail), 1993. Olieverf op doek. © Albert Oehlen
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio