Een Interview met Ellen Priest
Ellen Priest heeft haar stempel gedrukt op de kunstwereld met haar levendige abstracte collageschilderijen gedurende meer dan dertig jaar. Beïnvloed door Cezanne vanaf het begin van haar carrière, en jazz sinds de jaren '90, heeft ze geprobeerd de bewegingen en ingewikkelde ritmes van verschillende jazzcomposities vast te leggen in levendig gekleurde penseelstreken. IdeelArt had de kans om haar werkwijze te bespreken, terwijl we inzicht kregen in haar invloeden en haar passie voor muziek onderweg.
Je noemt dat je sterk beïnvloed bent door een tentoonstelling getiteld "Cezanne: The Late Works" met zijn late aquarellen in het Museum of Modern Art. Beïnvloedt en doordringt zijn stijl nog steeds je werken?
Oh absoluut. Het is grappig; het is een van die inzichten die we hebben als we jong zijn. Deze is bij mij blijven hangen. En ik kon toen al zien dat dit iets groots was. In het Philadelphia Museum of Art hangt een laat Cezanne landschap dat, wanneer ik mijn hoofd wil leegmaken of inspiratie wil opdoen, of iets wil uitzoeken, ik ga bekijken. Ik sta voor dat landschap totdat ik het uitzoek. Zijn late werk heeft een constante invloed gehad, en dat is al meer dan dertig jaar. Ik denk dat het is omdat hij een manier heeft gevonden om met kleuren om te gaan, en wat veel mensen niet beseffen is dat je keuze van plaatsing van een bepaalde kleur in wezen tekenen is. Cezanne had een manier om te begrijpen hoe objecten in ruimtes zweven. Zijn manier van denken lijkt op de mijne. Vormen verschijnen, en dan vervagen ze. Dan verschijnen ze weer en vervagen weer, wat de illusie geeft dat het schilderij ademt. Hij is voor mij nog steeds net zo magisch als toen ik het stuk voor het eerst zag.
Ik voel me gelukkig, eerlijk gezegd. Ik denk dat het spreekt tot de kracht en briljantheid van zijn werk. Voor mij was hij net zo'n keerpunt als Giotto met perspectief en de manier waarop hij figuren in de ruimte behandelde. Mijn onderbuikgevoel is dat als ik 500 jaar vooruit zou kunnen springen, mensen nog steeds over Cezanne zouden praten als een keerpunt. Die abstracte expressionisme die me van jongs af aan fascineerde, is nu net zo sterk voor mij. Ik voel me gelukkig dat ik het vroeg ontdekte en begreep. Ik realiseerde me simpelweg wat visueel krachtig voor mij was.
Kun je ons iets vertellen over je werkproces? Welke materialen en technieken gebruik je?
Ik gebruik papier; al mijn werk is op papier. De verven die ik gebruik zijn flash en olie. Flash, als een op vinyl gebaseerde wateroplosbare verf, neemt pigmenten op de manier zoals aquarel en gouache dat doen. Het wordt niet een beetje bruin zoals acryl doet. Het is zeer compatibel met de oliën. Qua kleur is het een beetje anders, maar ze werken echt samen binnen de ruimte. Ik gebruik ook veel potlood. Het papier varieert van zeer zwaar Frans aquarelpapier tot twee gewichten Canson tekenvel. De ene is zeer zwaar en heet Opalux, de andere is dunner en beide zijn archiefbestendig. Ik heb de afgelopen vijftien jaar veel samengewerkt met een stel in Boston, Jim en Joan Wright, die beide museumconservatoren zijn, en zij hebben me in dit proces begeleid. Jim leerde me hoe ik olieverf op dit soort papier kon gebruiken zonder problemen. Ik doe dit nu al een lange tijd, en het werk lijkt goed te blijven; ik heb er geen moeilijkheden mee gehad. Ik gebruik ook MSA-gel als mijn lijm, en ik laminaat de laagstukken niet - ik lijm ze op specifieke plekken - en ik druk ze naar beneden om de gel te laten uitharden. Het duurt ongeveer een week om te drogen.
Je noemt dat je één tot vijf jaar aan een bepaalde serie besteedt. Hoe behoud je je motivatie en voorkom je dat je opgebrand raakt?
Mijn proces is vrij lang, maar het is ook behoorlijk gevarieerd. Het begint met de penseelstudies, wat mijn eerste ontmoetingen zijn met de geluiden en de beweging van de muziek. En de penseelstudies duren misschien dertig seconden en het ontwikkelt zich van daaruit naar het langzaam opbouwen van deze dikke, gelaagde stukken. Ik heb er geen moeite mee omdat het proces er een is dat in de loop der jaren is geëvolueerd en het werkt echt voor mij. Het is een taal geworden waarin ik me heel comfortabel voel, hoewel het altijd een uitdaging is. Ik denk ook dat je op een bepaald moment gewoon professioneel wordt, en het maakt niet uit hoe ik me op een bepaalde dag voel. Het is tijd om aan het werk te gaan. Ik zwem baantjes, heb een smoothie en ga aan het werk. Ik heb geleerd dat als mijn hoofd er niet bij is, er verschillende dingen zijn die ik kan doen om erin te komen. Meestal weet ik de dag ervoor wat ik de volgende dag moet doen. Wanneer ik probeer de kleurrelaties te begrijpen, moet ik gewoon daar zitten en ernaar kijken, en blijf ik de kleurstalen verwisselen zodat ik kan zien hoe ze zich in de ruimte gedragen. Ik heb ook de muziek aan. Dus het proces zelf draagt me soms mee wanneer mijn geest en mijn hart er niet noodzakelijkerwijs zijn, maar ik moet daar komen. Die discipline komt gewoon met de jaren.
Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache op papier. 106,68 x 106,68 cm.
Hoe selecteer je je inhoud en onderwerp?
Onderwerp en inhoud zijn heel verschillende dingen. Inhoud is het eindresultaat, of de gevoelens die je ervaart wanneer je naar het stuk kijkt. Het onderwerp is de jazz. Heel weinig abstracte kunstenaars hebben een bewust onderwerp. Ik ontdekte al heel vroeg dat ik mijn beelden niet fris kon houden zonder naar buitenlands onderwerp te gaan. En ik heb daar ongeveer tien jaar mee geworsteld. Het gebeurde eindelijk toen ik naar jazz luisterde. Ik was op weg naar Vermont om te gaan skiën en luisterde naar de lokale NPR-zender, en er was een stuk van Michel Camilo, een Dominicaanse jazzpianist. Opeens realiseerde ik me dat de ruimtes die ik in mijn hoofd zag, ruimtes waren die aanwezig waren in zijn muziek.
Dat was in 1990, en ik werk sindsdien met jazz. Het is bewust onderwerp. En het heeft me verschillende jaren gekost om te ontwikkelen hoe ik beelden daaruit zou ontwikkelen. De Kooning zag zichzelf nooit als een abstracte schilder; hij keek constant naar figuren en landschappen, af en toe stilleven. Joan Mitchell, die een van mijn andere iconen is, had een zeer lange carrière als abstract expressionistische schilder en dat is echt moeilijk. Ze haalde haar inspiratie uit landschap en poëzie. Ze had een aantal vrienden die dichters waren, een van hen was John Ashbury, en ze "illustreerde" zijn gedichten. De Kooning en Mitchell behoren tot de weinigen die deze gestuele expressionistische schilderstijl gedurende hun hele carrière hebben behouden.
Hoe navigeer je door de kunstwereld?
Niet erg goed. Ik ben een van die mensen die weet hoe je een zakenpersoon moet zijn en ik ben erg professioneel, maar ik voel niet dat ik op dat gebied erg succesvol ben. Het is een gebied waar ik nog steeds heel hard aan werk. De grootste hindernis voor mij is dat, voor zover ik kan zien, mensen die veel kunst bekijken altijd tegen me zeggen dat mijn werk iets is dat je in het echt moet zien. Niet alleen dat, het werk is uniek. Niemand anders kijkt op deze manier naar of gebruikt de materialen. Uniekheid is een voordeel, maar het is ook een nadeel, omdat het voor sommige mensen moeilijk is om een manier te vinden om zich te verhouden tot wat ze zien, omdat ze nog nooit iets zoals dit hebben gezien.
Je vermeldt dat je werken sterk beïnvloed zijn door de ritmes en intellectuele strengheid van jazzmuziek. Wat luister je momenteel naar dat je werk voedt?
Ik luister eigenlijk een jaar of twee vooruit voordat ik aan een nieuw project begin. Mijn projecten kunnen variëren van een jaar tot vijf jaar, dus als ik met een bepaald stuk voor die tijd ga werken, moet ik het wel leuk vinden! Anders zou ik in grote problemen komen als het me niet aanspreekt. Ik ben net deze Jazz Cubano-serie aan het afronden, en ik heb dat aangepakt omdat ik van Afro-Cubaanse jazz hou. De ritmes zijn zo complex dat ik me realiseerde dat de enige manier waarop ik ze kon begrijpen was door ze op te splitsen in de eenvoudigste stukjes—één percussiegeluid tegelijk—en dan weer op te bouwen. Dit is een echt leuke serie geweest. Ik zal dit zeker voor het einde van de herfst afmaken, en dan begin ik met een CD-lengte compositie genaamd The River van een in Chicago gevestigde pianist en componist genaamd Ryan Cohan.
Het is een prachtig stuk en het heeft acht secties die zeer zorgvuldig zijn geschreven. Tussen elke sectie is er een geïmproviseerde pianosectie - dat is symbolisch de rivier. Hij had een subsidie om naar Afrika te reizen, en Chamber Music America, die ook Edward Simon's Venezolaanse Suite heeft gefinancierd, waar ik vijf jaar aan heb gewerkt, financierde de compositie. Wat Ryan heeft gedaan, is Afrikaanse ritmes samen met alles waar hij door beïnvloed is, te nemen en het om te vormen tot iets dat echt van hem is. Dit is een prachtig verteerd en innovatief muziekstuk. Het is zeer intelligent en heeft een grote emotionele reikwijdte. Wat ik ontdek, is dat ik vaak zowel emotioneel als intellectueel aangetrokken word tot dingen. Ik kijk echt uit naar The River. Dat zal ik beginnen in de late herfst, of zeker voor het einde van het jaar.
Ellen Priest - Jazz: Edward Simonʼs Venezuelan Suite 16, 2008. Papier, olie, flashe, potlood, MSA-gel. 106,68 x 106,68 cm.
Welke van je kunstwerken ben je het meest trots op en waarom?
Ik denk dat de stukken waar ik het gelukkigst mee ben in twee verschillende groepen vallen: de ene zou de laatste paar stukken in de Venezolaanse Suite-serie zijn, omdat ik erin slaagde een niveau van complexiteit en eenvoud tegelijkertijd te bereiken waar ik erg blij mee was. Ik kon eindelijk de snelheid van de muziek vastleggen zonder dat het verloren ging. Ik heb ook enorm genoten van de tekeningen in de Jazz Cubano-serie. Ze zijn zo eenvoudig, maar ze hebben veel kracht. Dat zouden de twee groepen zijn waar ik extreem trots op ben. Wat betreft een specifiek stuk, dat zou ik echt niet kunnen zeggen.
Hoe weet je wanneer een werk af is?
Ik denk dat er een punt komt waarop ik naar een werk kijk, en op elk moment moet ik die beslissing nemen. Wanneer er niets meer is dat ik wil doen, of wanneer het voelt alsof alles wat ik nog zou doen te veel is, dan weet ik dat het compleet is. Ik wacht meestal en kijk er een tijdje naar. Soms weet ik meteen wat te doen, maar soms duurt het even. Als er een gebied is dat niet beweegt, probeer ik een manier te vinden om het in beweging te krijgen. Vaak betekent dat dat ik een ander deel van het schilderij moet aanpassen. Het hoeft niet per se de plek zelf te zijn; het kan een andere component zijn die misschien moet worden veranderd. Over het algemeen slaap ik er een tijdje over. Ik denk misschien dat het af is, maar ik wacht gewoon. Ik moet deze beslissingen nemen voordat ik ga lijmen. Wanneer ik de randen van het stuk trim, krijg ik soms een verrassing - en het is niet altijd goed. Af en toe zet ik iets in elkaar en het is niet wat ik verwachtte. Soms, na het trimmen van de stukken, kan het stuk uit balans zijn en kan ik het stuk verliezen omdat het niet langer het emotionele bereik toont dat het ooit had.
Wat betekent het om een fysieke ruimte te hebben om kunst in te maken voor jouw proces, en hoe laat je jouw ruimte voor jou werken?
Ik heb een oud huis, een drie verdiepingen tellend huis uit de jaren 1890, of wat we een tweeling noemen. Ik heb drie verdiepingen met noordelijk licht en ik zit op een hoek. Dus ik heb enorme hoeveelheden licht. Ik gebruik de hele eerste verdieping voor mijn studio, behalve mijn keuken. Op de tweede verdieping heb ik mijn kantoor en woonruimte, en op de derde verdieping zijn mijn lijm- en opslagruimte. Dus ik heb niet alleen voldoende, maar ook goede ruimte, en dat heeft een wereld van verschil gemaakt. Het hebben van permanente ruime ruimte is een godsend geweest voor mijn werk. In staat zijn om me te vestigen en het goed te laten functioneren is geweldig geweest. Soms denk ik dat ik meer ruimte zou kunnen gebruiken, maar ik heb genoeg ruimte!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo en Elio, Hardop Denken, 2016. Papier, olie, flashe, potlood, MSA-gel. 81,23 x 81,23 cm.
Wat spreekt je aan als je een abstract stuk ziet?
Voor mij heeft abstractie (wanneer het goed is) een helderheid van denken die me echt aanspreekt. Het kan kleur zijn, het kan zwart-wit zijn, het kan vol beelden zitten of het kan een enkele vorm zijn die in het veld zweeft. Maar er is gewoon een kwaliteit van denken die scherp is. Een van mijn favoriete hedendaagse kunstenaars aller tijden is beeldhouwer Martin Puryear. Ik liep ooit een retrospectief van zijn werken binnen in het MoMA, en het nam mijn adem weg. Dezelfde tentoonstelling werd gepresenteerd in Washington D.C. en ik herschikte mijn hele schema om het opnieuw te zien. Hij is briljant; zijn werk heeft zo'n puurheid van vorm en denken. Zijn werk heeft verwijzingen naar voertuigen, dieren, boten. Abstractie kan verwijzingen maken naar de echte wereld en toch abstract blijven. Je ogen gebruiken dezelfde aanwijzingen om zich in de wereld te bewegen als die ze gebruiken om naar abstracte kunst te kijken. Onze ogen ontdekken dit al vroeg in het leven. We gebruiken diezelfde hulpmiddelen om naar abstracte kunst te kijken, maar we zijn ons daar niet van bewust. Er is iets aan abstractie dat voortbouwt op ons begrip van de wereld.
Ben je betrokken bij aankomende shows of evenementen? Waar en wanneer?
"Ik ben in gesprek met de Sint-Pieterskerk in Manhattan, waar ik deze afgelopen lente heb geëxposeerd - ik hoop daar een ander project te tonen, dat over De Rivier gaat. Daarnaast heb ik misschien deze herfst een lokale tentoonstelling hier in Wilmington, Delaware, in de Jazz Cubano-serie."
Uitgelichte afbeelding: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papier, olie, flashe, potlood, MSA-gel. 81,3 x 119,4 cm.
