Een Interview met Ellen Priest

Ellen Priest heeft al meer dan dertig jaar haar stempel gedrukt op de kunstwereld met haar levendige abstracte collageschilderijen. Vanaf het begin van haar carrière beïnvloed door Cezanne, en sinds de jaren 90 door jazz, heeft ze geprobeerd de bewegingen en ingewikkelde ritmes van verschillende jazzcomposities vast te leggen in felgekleurde penseelstreken. IdeelArt kreeg de kans om haar werkproces te bespreken, terwijl we inzicht kregen in haar invloeden en haar passie voor muziek.

Je noemt dat je sterk beïnvloed bent door een tentoonstelling getiteld “Cezanne: The Late Works” met zijn late aquarellen in het Museum of Modern Art. Beïnvloedt zijn stijl je werk nog steeds en dringt die er nog in door?

Oh absoluut. Het is grappig; het is zo’n inzicht dat je hebt als je jong bent. Dit bleef bij mij hangen. En ik kon toen al aanvoelen dat dit iets groots was. In het Philadelphia Museum of Art hangt een laat landschap van Cezanne waar ik naartoe ga als ik mijn hoofd wil leegmaken, inspiratie nodig heb of iets wil uitzoeken. Ik blijf voor dat landschap staan totdat ik het begrijp. Zijn late werk is een constante invloed geweest, en dat al meer dan dertig jaar. Ik denk dat hij een manier vond om met kleuren om te gaan, en wat veel mensen niet beseffen is dat de keuze en plaatsing van een bepaalde kleur eigenlijk tekenen is. Cezanne begreep hoe objecten in ruimtes zweven. Zijn manier van denken lijkt op de mijne. Vormen verschijnen, lossen dan weer op. Ze verschijnen opnieuw en vervagen weer, wat de illusie geeft dat het schilderij ademt. Voor mij is hij nog net zo magisch als toen ik het werk voor het eerst zag.

Ik voel me eerlijk gezegd gelukkig. Ik denk dat het getuigt van de kracht en genialiteit van zijn werk. Voor mij was hij net zo’n keerpunt als Giotto met perspectief en de manier waarop hij figuren in ruimte plaatste. Mijn vermoeden is dat als ik vijfhonderd jaar vooruit kon springen, mensen nog steeds over Cezanne zouden spreken als een keerpunt. Die abstracte expressie die mij van jongs af aan fascineerde, is voor mij nu nog net zo sterk. Ik voel me gelukkig dat ik het vroeg begreep en raakte. Ik realiseerde me gewoon wat visueel krachtig voor mij was.

Kun je ons iets vertellen over je werkproces? Welke materialen en technieken gebruik je?

Ik werk op papier; al mijn werk is op papier. De verf die ik gebruik is flashe en olieverf. Flashe, een vinyl-gebaseerde wateroplosbare verf, neemt pigmenten op zoals aquarel en gouache doen. Het maakt kleuren niet een beetje bruin zoals acrylverf dat doet. Het is heel goed te combineren met olieverf. Qua kleur is het iets anders, maar ze werken echt samen in de ruimte. Ik gebruik ook veel potlood. De papiersoorten variëren van zwaar Frans aquarelpapier tot twee diktes Canson kalkpapier. Eén is heel zwaar en heet Opalux, de ander is dunner en beide zijn archiefbestendig. De afgelopen vijftien jaar heb ik veel samengewerkt met een paar in Boston, Jim en Joan Wright, beiden museumconservatoren, die mij begeleidden in dit proces. Jim leerde me hoe ik olieverf op dit soort papier kon gebruiken zonder problemen. Ik doe dit al lang en het werk houdt het goed uit; ik heb er geen problemen mee gehad. Ik gebruik ook MSA-gel als lijm, en ik lamineer de lagen niet – ik lijm ze op enkele plekken vast – en ik leg er gewicht op om de gel te laten uitharden. Het duurt ongeveer een week om te drogen.

Je zegt dat je één tot vijf jaar aan een serie werkt. Hoe houd je je motivatie vast en voorkom je dat je opgebrand raakt?

Mijn proces is vrij lang, maar ook gevarieerd. Het begint met penseelstudies, mijn eerste ontmoetingen met de klanken en beweging van de muziek. Die penseelstudies duren misschien dertig seconden en het bouwt zich langzaam op tot dikke, gelaagde stukken. Ik heb er geen moeite mee omdat het proces zich over vele jaren heeft ontwikkeld en echt voor mij werkt. Het is een taal geworden waarin ik me heel comfortabel voel, hoewel het altijd een uitdaging blijft. Ik denk ook dat je op een gegeven moment gewoon professioneel wordt, en het niet uitmaakt hoe ik me voel op een bepaalde dag. Het is tijd om te werken. Ik zwem baantjes, drink een smoothie en ga aan de slag. Ik heb geleerd dat als mijn hoofd er niet bij is, ik verschillende dingen kan doen om erin te komen. Meestal weet ik de dag ervoor al wat ik de volgende dag moet doen. Als ik de kleurrelaties probeer uit te zoeken, moet ik gewoon zitten en kijken, en steeds de kleurstalen wisselen om te zien hoe ze zich in de ruimte gedragen. Ik zet ook muziek aan. Het proces zelf draagt me soms als mijn hoofd en hart er niet helemaal zijn, maar ik moet er wel komen. Die discipline komt met de jaren.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache op papier. 106,68 x 106,68 cm.

Hoe kies je je inhoud en onderwerp?

Onderwerp en inhoud zijn heel verschillende dingen. Inhoud is het eindresultaat, of de gevoelens die je ervaart als je naar het werk kijkt. Het onderwerp is de jazz. Heel weinig abstracte kunstenaars hebben bewust een onderwerp. Ik ontdekte al vroeg dat ik mijn beelden niet fris kon houden zonder buitenstaanders als onderwerp te nemen. Daar worstelde ik ongeveer tien jaar mee. Het gebeurde uiteindelijk toen ik naar jazz luisterde. Ik was op weg naar Vermont om te skiën en luisterde naar de lokale NPR-zender, en er was een stuk van Michel Camilo, een Dominicaanse jazzpianist. Plotseling realiseerde ik me dat de ruimtes die ik in mijn hoofd zag, ook aanwezig waren in zijn muziek.

Dat was in 1990, en sindsdien werk ik met jazz. Het is bewust onderwerp. Het kostte me enkele jaren om te ontwikkelen hoe ik er beelden uit zou halen. De Kooning zag zichzelf nooit als abstracte schilder; hij keek voortdurend naar figuren en landschappen, af en toe stillevens. Joan Mitchell, een van mijn andere iconen, had een lange carrière als abstract expressionistisch schilder en dat is echt zwaar. Ze haalde haar inspiratie uit landschap en poëzie. Ze had een aantal vrienden die dichters waren, onder wie John Ashbury, en ze “illustreerde” zijn gedichten. De Kooning en Mitchell zijn onder de weinigen die deze gestuele expressionistische schilderstijl hun hele carrière hebben volgehouden.

Hoe navigeer je door de kunstwereld?

Niet zo goed. Ik ben zo iemand die weet hoe je een zakenmens moet zijn en ik ben erg professioneel, maar ik voel me niet erg succesvol op dat vlak. Het is een gebied waar ik nog hard aan werk. De grootste hindernis voor mij is dat mensen die veel kunst bekijken altijd zeggen dat mijn werk iets is dat je in het echt moet zien. Niet alleen dat, het werk is uniek. Niemand anders kijkt op deze manier naar of gebruikt de materialen zo. Uniekheid is een troef, maar ook een last, want het is voor sommige mensen moeilijk om zich te verbinden met wat ze zien omdat ze zoiets nog nooit hebben gezien.

Je zegt dat je werk sterk beïnvloed is door de ritmes en intellectuele strengheid van jazzmuziek. Waar luister je momenteel naar dat je werk voedt?

Ik luister eigenlijk al een jaar of twee vooruit voordat ik aan een nieuw project begin. Mijn projecten kunnen van een jaar tot vijf jaar duren, dus als ik zo lang met een stuk ga werken, moet ik het wel leuk vinden! Anders zou ik in grote problemen komen als het me niet blijft boeien. Ik ben net klaar met deze Jazz Cubano-serie, en ik pakte die aan omdat ik van Afro-Cubaanse jazz hou. De ritmes zijn zo complex dat ik besefte dat de enige manier om ze te begrijpen was door ze op te splitsen in de eenvoudigste stukjes – één percussiegeluid tegelijk – en dan weer op te bouwen. Dit is een erg leuke serie geweest. Ik maak die zeker af voor het einde van de herfst, en dan begin ik aan een compositie van cd-lengte genaamd The River van een pianist en componist uit Chicago, Ryan Cohan.

Het is een prachtig stuk met acht zorgvuldig geschreven delen. Tussen elk deel is er een geïmproviseerd pianostuk – dat is symbolisch de rivier. Hij kreeg een beurs om naar Afrika te reizen, en Chamber Music America, die ook Edward Simon’s Venezuelan Suite financierde, waar ik vijf jaar aan werkte, financierde deze compositie. Wat Ryan heeft gedaan is Afrikaanse ritmes samen met alles wat hem verder beïnvloedde te nemen en er iets van zichzelf van te maken. Dit is een prachtig doordacht en vernieuwend muziekstuk. Het is erg intelligent en heeft een grote emotionele breedte. Wat ik merk is dat ik vaak aangetrokken word tot dingen zowel emotioneel als intellectueel. Ik kijk erg uit naar The River. Die begin ik eind herfst, of zeker voor het einde van het jaar.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008. Papieren, olie, flashe, potlood, MSA-gel. 106,68 x 106,68 cm.

Op welke van je kunstwerken ben je het meest trots en waarom?

Ik denk dat de stukken waar ik het gelukkigst mee ben in twee groepen vallen: de laatste paar stukken uit de Venezuelan Suite-serie, omdat ik een niveau van complexiteit en eenvoud tegelijk wist te bereiken waar ik erg blij mee was. Ik kon eindelijk de snelheid van de muziek vastleggen zonder dat het verloren ging. Ook heb ik erg genoten van de tekeningen in de Jazz Cubano-serie. Ze zijn zo uitgekleed, maar hebben veel kracht. Dat zijn de twee groepen waar ik erg trots op ben. Wat een specifiek stuk betreft, kan ik dat eigenlijk niet zeggen.

Hoe weet je wanneer een werk af is?

Ik denk dat er een moment komt waarop ik naar een werk kijk en bij elke fase die beslissing moet nemen. Als er niets meer is dat ik wil doen, of als het voelt alsof alles wat ik nog zou doen te veel is, dan weet ik dat het klaar is. Meestal wacht ik en kijk ik er een tijdje naar. Soms weet ik meteen wat ik moet doen, maar soms duurt het even. Als er een plek is die niet vooruitgaat, probeer ik een manier te vinden om het in beweging te krijgen. Vaak betekent dat dat ik een ander deel van het schilderij moet aanpassen. Het hoeft niet per se die plek zelf te zijn; het kan een ander onderdeel zijn dat veranderd moet worden. Over het algemeen slaap ik er een nachtje over. Soms denk ik dat het klaar is, maar ik wacht gewoon. Ik moet deze beslissingen nemen voordat ik ga lijmen. Als ik de randen van het werk bijsnijd, krijg ik soms een verrassing – en dat is niet altijd goed. Af en toe zet ik iets in elkaar en is het niet wat ik verwachtte. Soms raakt het werk uit balans na het bijsnijden en kan ik het stuk verliezen omdat het niet langer de emotionele breedte toont die het eerst had.

Wat betekent het voor je proces om een fysieke ruimte te hebben om kunst te maken, en hoe zorg je dat die ruimte voor je werkt?

Ik heb een oud huis, een drie verdiepingen tellend pand uit de jaren 1890, wat wij een tweeling noemen. Ik heb drie verdiepingen met noorderlicht en ik zit op een hoek. Dus ik heb enorme hoeveelheden licht. Ik gebruik de hele begane grond als atelier, behalve mijn keuken. Op de tweede verdieping heb ik mijn kantoor en woonkamer, en op de derde verdieping is mijn lijm- en opslagruimte. Dus ik heb niet alleen voldoende, maar ook goede ruimte, en dat heeft het verschil gemaakt. Een vaste ruime plek hebben is een zegen voor mijn werk. Meestal kan ik me er goed settelen en het goed laten werken. Soms denk ik dat ik meer ruimte zou kunnen gebruiken, maar ik heb genoeg ruimte!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo and Elio, Thinking Out Loud, 2016. Papieren, olie, flashe, potlood, MSA-gel. 81,23 x 81,23 cm.

Wat spreekt je aan als je een abstract werk ziet?

Voor mij heeft abstractie (als het goed is) een helderheid van denken die me erg aanspreekt. Het kan kleur zijn, zwart-wit, het kan vol beelden zijn of een enkele vorm die in het veld zweeft. Maar er is gewoon een kwaliteit van denken die scherp is. Een van mijn favoriete hedendaagse kunstenaars aller tijden is beeldhouwer Martin Puryear. Ik liep ooit een overzichtstentoonstelling van zijn werk binnen in het MoMA, en het benam me de adem. Dezelfde tentoonstelling was in Washington D.C. en ik herschikte mijn hele schema om hem nog eens te zien. Hij is briljant; zijn werk heeft zo’n puurheid van vorm en denken. Zijn werk verwijst naar voertuigen, dieren, boten. Abstractie kan verwijzingen naar de echte wereld maken en toch abstract blijven. Je ogen gebruiken dezelfde aanwijzingen om zich in de wereld te oriënteren als om naar abstracte kunst te kijken. Onze ogen leren dat al vroeg in het leven. We gebruiken diezelfde hulpmiddelen om naar abstracte kunst te kijken, maar we zijn ons daar niet van bewust. Er is iets aan abstractie dat voortbouwt op ons begrip van de wereld.

Ben je betrokken bij komende tentoonstellingen of evenementen? Waar en wanneer?

Ik ben in gesprek met Saint Peter’s Church in Manhattan, waar ik afgelopen voorjaar exposeerde – ik hoop daar een nieuw project te tonen, dat over The River gaat. Verder heb ik misschien een lokale tentoonstelling hier in Wilmington, Delaware deze herfst over de Jazz Cubano-serie.


Uitgelichte afbeelding: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papieren, olie, flashe, potlood, MSA-gel. 81,3 x 119,4 cm.