Optische Illusie Kunst Die De 20e Eeuw Kenmerkte

De werkelijkheid is niet altijd vaststaand; of het kan tenminste zo lijken voor de menselijke geest. Wat we geloven is tot op zekere hoogte gebaseerd op wat we waarnemen, maar wat we waarnemen wordt soms ook bepaald door wat we geloven. Optische illusie kunst, of kortweg Op Art, is een esthetische stijl die opzettelijk inspeelt op die eigenaardigheid van de menselijke waarneming die het menselijk oog in staat stelt de menselijke hersenen te misleiden. Door patronen, vormen, kleuren, materialen en vormen te manipuleren, streven Op Artists ernaar verschijnselen te creëren die het oog misleiden, waardoor kijkers meer zien dan er daadwerkelijk is. En aangezien geloof net zo invloedrijk kan zijn als feit, stelt Op Art de vraag wat zwaarder weegt: waarneming of waarheid.

Een korte geschiedenis van optische illusiekunst

Op Art vindt zijn oorsprong in een techniek die trompe-l'œil heet, wat Frans is voor het oog bedriegen. De vroegste verwijzingen naar dergelijke neigingen in de kunst dateren uit de oudheid, toen oude Griekse kunstenaars probeerden schilderijen zo realistisch te maken dat mensen letterlijk werden misleid om te geloven dat hun beelden echt waren. De techniek is sindsdien door de eeuwen heen meerdere keren in en uit de mode geweest, en bereikte zijn hoogtepunt in de 19e eeuw met trompe-l'œil-schilderijen zoals Escaping Criticism, geschilderd in 1874 door Pere Borrell del Caso, dat een hyperrealistisch beeld toont van een kind dat uit een schilderijlijst klimt.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Olie op doek. Collectie Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Hoewel ook bedoeld om het oog te misleiden, is Op Art niet hetzelfde als hyperrealistische kunst. In feite is Op Art zoals wij die vandaag kennen vaker abstract en steunt het op geometrische composities om het oog te overtuigen dat onwerkelijke vormen en ruimtelijke vlakken bestaan. De eerste abstracte techniek die ontworpen was om het oog te bedriegen, heette Pointillisme. In plaats van kleuren vooraf te mengen, plaatsten pointillistische schilders onvermengde kleuren naast elkaar op een doek, waardoor de illusie van egale kleurvlakken ontstond. Wanneer deze schilderijen van een afstand worden bekeken, lijkt het alsof de kleuren gemengd zijn. Georges Seurat vond het Pointillisme uit en beheerste het effect met schilderijen zoals Lighthouse at Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Olie op doek. Afmetingen: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 inch), ingelijst: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 inch). Collectie van de heer en mevrouw Paul Mellon

Abstracte illusies

Het onderliggende concept van het Pointillisme leidde uiteindelijk tot vele andere technieken, terwijl kunstenaars op zoek waren naar manieren om de geest te misleiden zodat die een beeld compleet maakt. Het inspireerde het Divisionisme van de Italiaanse futuristen en de vierdimensionale vlakken van Kubisme. Maar de meest succesvolle toepassing kwam toen het werd gecombineerd met de esthetiek van geometrische abstractie, zoals bij de abstracte geometrische ets Structural Constellation, geschilderd in 1913 door Josef Albers.

Volgens zijn eigen verklaringen probeerde Albers met dit werk geen optische illusie te maken. Hij hield zich bezig met eenvoudige compositie-experimenten over de waarneming van lijnen en vormen op een tweedimensionaal vlak. Toch ontdekte hij dat de rangschikking van lijnen, vormen en kleuren op een vlak inderdaad kan veranderen hoe de geest waarneemt wat echt is. En hoewel hij niet bewust probeerde kijkers met zijn werken te misleiden, besteedde hij toch een heel leven aan het onderzoeken van deze effecten.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. Witte lijnen geëtst in zwarte achtergrond op hout. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebra’s en schaakborden

Victor Vasarely, een tijdgenoot van Albers, deed echter wel een bewuste poging om kijkers met zijn kunst te misleiden. Vasarely was evenzeer wetenschapper als schilder, en hij was bijzonder geïnteresseerd in de manieren waarop deze twee bezigheden samenkwamen om de waarneming te beïnvloeden. Al in de jaren 1920 had de kunstenaar geleerd dat hij door alleen de lijn te manipuleren een tweedimensionaal vlak volledig kon vervormen op een manier die de geest misleidt om het als driedimensionale ruimte te zien.

Een onderwerp waar Vasarely herhaaldelijk op terugkwam in zijn werk was de zebra. De strepen van dit dier dienen er eigenlijk toe natuurlijke roofdieren te misleiden, die niet kunnen zien in welke richting het dier rent door het samenspel van zijn zwart-witte strepen met de omgeving. Toen hij de geheimen van dit fenomeen ontdekte, paste hij ze toe op complexere geometrische composities en creëerde hij in de jaren 1960 een kenmerkende stijl die de basis vormde voor wat tegenwoordig wordt beschouwd als de modernistische Op Art-beweging.

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Zwart en wit

Een van de beroemdste kunstenaars van optische illusies uit de 20e eeuw was de Britse kunstenares Bridget Riley, die direct geïnspireerd was door het werk van Victor Vasarely. Riley studeerde begin jaren 1950 aan het Royal College of Art. Haar vroege werk was figuratief, maar nadat ze een baan als illustrator bij een reclamebureau had aangenomen, raakte ze meer geïnteresseerd in het creëren van visuele illusies. Ze begon Pointillisme te onderzoeken, daarna Divisionisme, en ontwikkelde uiteindelijk haar eigen kenmerkende stijl van Op Art, die vooral gebaseerd is op zwart-witte geometrische abstractie.

Riley was zo succesvol in het creëren van optische illusies in haar werk dat kijkers soms meldden last te krijgen van zeeziekte of wagenziekte bij het bekijken van haar schilderijen. Dit fenomeen fascineerde Riley, die ervan overtuigd raakte dat de grens tussen waarneming en werkelijkheid inderdaad fragiel is, en dat een door een illusie veroorzaakt geloof daadwerkelijk echte gevolgen in de fysieke wereld kan hebben. Riley zei: “Er was een tijd waarin betekenissen gefocust waren en de werkelijkheid vast kon staan; toen dat soort geloof verdween, werden dingen onzeker en open voor interpretatie.”

Bridget Riley voor een van haar grootschalige, hypnotiserende Op Art-schilderijen, © Bridget Riley

Het reagerende oog

Het hoogtepunt van de modernistische Op Art-beweging was de tentoonstelling The Responsive Eye die in 1965 door de Verenigde Staten trok. Deze tentoonstelling toonde meer dan 120 kunstwerken van tientallen kunstenaars die een breed scala aan esthetische posities vertegenwoordigden. De show omvatte de sterk illusie-opwekkende werken van Victor Vasarely en Bridget Riley, evenals meer ingetogen geometrische abstracties van kunstenaars als Frank Stella en Alexander Liberman en kinetische beelden van kunstenaars als Wen-Ying Tsai en Carlos Cruz-Diez.

Ook onderdeel van The Responsive Eye-groep was de beeldhouwer Jesús Rafael Soto, die Op Art misschien wel het verst bracht in de richting van driedimensionale waarneming met een reeks werken genaamd Penetrables. Deze interactieve creaties bestaan uit honderden gedeeltelijk beschilderde, hangende plastic buisjes waar kijkers doorheen kunnen lopen. Wanneer ze onaangeroerd blijven, geven ze een opvallende illusie dat een concrete vorm in de ruimte zweeft. Maar wanneer toeschouwers fysiek met de beelden omgaan, verdwijnt de illusie, waardoor de waarneming ontstaat dat een concrete werkelijkheid inderdaad vervormd en veranderd kan worden door de menselijke aanraking.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

De erfenis van Op Art

De zegen en de vloek van Op Art is de populariteit ervan. Toen de beweging in de jaren 1960 op zijn hoogtepunt was, verachtten veel critici het omdat de beelden gretig werden gebruikt door makers van kitscherige voorwerpen zoals t-shirts, koffiemokken en posters. Maar voor kunstenaars als Victor Vasarely en Jesús Rafael Soto was dat juist het punt.

Deze makers geloofden dat de waarde van een kunstwerk wordt bepaald door de mate waarin een kijker kan deelnemen aan de voltooiing ervan. Ze maakten esthetische verschijnselen die zich aanpassen aan elke nieuwe kijker, waardoor onbeperkte interpretatiemogelijkheden ontstaan. Het feit dat hun kunst op grote schaal werd geconsumeerd, paste perfect bij hun idee, namelijk dat er geen barrière zou moeten zijn tussen mensen en kunst, en dat wat voor barrières er lijken te zijn, alleen in onze waarneming bestaan.

Afbeelding: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acryl op doek. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie
Door Phillip Barcio