Optische Illusie Kunst Die De 20e Eeuw Kenmerkte

De realiteit is niet altijd vast; of in ieder geval kan het zo lijken voor de menselijke geest. Wat we geloven is tot op zekere hoogte gebaseerd op wat we waarnemen, maar wat we waarnemen wordt soms ook bepaald door wat we geloven. Optische illusie kunst, of Op Kunst voor kort, is een esthetische stijl die opzettelijk gebruikmaakt van die eigenaardigheid van de menselijke waarneming die het menselijke oog in staat stelt de menselijke hersenen te misleiden. Door patronen, vormen, kleuren, materialen en vormen te manipuleren, streven Op Kunstenaars ernaar fenomenen te creëren die het oog bedriegen, kijkers verwarrend in het zien van meer dan wat er daadwerkelijk is. En aangezien geloof net zo invloedrijk kan zijn als feit, stelt Op Kunst de vraag wat belangrijker is: waarneming of waarheid.

Een Korte Geschiedenis van Optische Illusie Kunst

Op Art heeft zijn wortels in een techniek genaamd trompe-l'œil, wat Frans is voor bedrieg het oog. De vroegste verwijzingen naar dergelijke tendensen in de kunst dateren uit de oudheid, toen oude Griekse kunstenaars probeerden schilderijen zo realistisch te maken dat mensen letterlijk werden misleid om te geloven dat hun afbeeldingen echt waren. De techniek is sindsdien talloze keren in en uit de mode geweest door de eeuwen heen, en bereikte zijn hoogtepunt in de 19e eeuw met trompe-l'œil schilderijen zoals Escaping Criticism, geschilderd in 1874 door Pere Borrell del Caso, dat een hyper-realistisch beeld toont van een kind dat uit een lijst klimt.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Maar hoewel het ook bedoeld is om het oog te bedriegen, is Op Art niet hetzelfde als hyper-realisme. In feite is Op Art, zoals we het vandaag de dag kennen, vaker abstract en vertrouwt het op geometrische composities om het oog te overtuigen dat onrealistische vormen en ruimtelijke vlakken bestaan. De eerste abstracte techniek die ontworpen was om het oog te bedriegen, werd Pointillisme genoemd. In plaats van kleuren van tevoren te mengen, plaatsten pointillistische schilders ongepaste kleuren naast elkaar op een doek, waardoor de illusie van solide kleurvlakken ontstond. Wanneer deze schilderijen van een afstand worden bekeken, lijkt het alsof de kleuren gemengd zijn. Georges Seurat heeft Pointillisme uitgevonden en het effect meesterlijk toegepast in schilderijen zoals Vuurtoren bij Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Abstracte illusies

Het concept dat ten grondslag ligt aan het Pointillisme heeft uiteindelijk geleid tot vele andere technieken terwijl kunstenaars zochten naar manieren om de geest te misleiden om een afbeelding te voltooien. Het inspireerde het Divisionisme van de Italiaanse Futuristen, en de vierdimensionale vlakken van Cubisme. Maar de meest succesvolle toepassing kwam toen het werd gecombineerd met de esthetiek van geometrische abstractie, zoals met de abstracte geometrische ets Structurele Constellatie, geschilderd in 1913 door Josef Albers.

Volgens zijn eigen verklaringen was Albers niet bezig met het maken van een optische illusie met dit werk. Hij was betrokken bij eenvoudige compositie-experimenten met betrekking tot de waarneming van lijnen en vormen op een tweedimensionaal oppervlak. Desondanks ontdekte hij dat de rangschikking van lijnen, vormen en kleuren op een oppervlak inderdaad de manier kan veranderen waarop de geest waarneemt wat echt is. En hoewel hij niet opzettelijk probeerde kijkers te misleiden met zijn werken, heeft hij desondanks een leven lang deze effecten onderzocht.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebra's en Schaakborden

Victor Vasarely, een tijdgenoot van Albers, deed echter een bewuste poging om manieren te vinden om kijkers te misleiden met zijn kunst. Vasarely was net zozeer een wetenschapper als een schilder, en hij was bijzonder geïnteresseerd in de manieren waarop deze twee bezigheden samenkwamen om de waarneming te beïnvloeden. Al in de jaren 1920 had de kunstenaar geleerd dat hij door alleen het manipuleren van lijnen een tweedimensionaal oppervlak volledig kon vervormen op een manier die de geest misleidde om het als driedimensionale ruimte waar te nemen.

Een onderwerp waar Vasarely herhaaldelijk in zijn werk naar terugkeerde, was de zebra. De strepen van dit dier dienen eigenlijk om natuurlijke roofdieren te misleiden die niet kunnen zien in welke richting het dier rent vanwege de interactie van zijn zwart-witte strepen met de omgeving. Terwijl hij de geheimen van dit fenomeen ontrafelde, paste hij ze toe op complexere geometrische composities, en tegen de jaren '60 creëerde hij een kenmerkende stijl die inspireerde tot wat tegenwoordig wordt beschouwd als de Modernistische Op Art-beweging. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Zwart en wit

Een van de meest beroemde Optische Illusie Kunstenaars van de 20e eeuw was de Britse kunstenaar Bridget Riley, die rechtstreeks geïnspireerd werd door het werk van Victor Vasarely. Riley studeerde aan het Royal College of Art in de vroege jaren 50. Haar vroege werk was figuratief, maar na een baan als illustrator bij een reclamebureau raakte ze meer geïnteresseerd in het creëren van visuele illusies. Ze begon Pointillisme te onderzoeken en daarna Divisionisme en ontwikkelde uiteindelijk haar eigen kenmerkende stijl van Op Art, voornamelijk gebaseerd op zwart-witte geometrische abstractie.

Riley was zo succesvol in het creëren van optische illusies in haar werk dat kijkers soms meldden dat ze gevoelens van zeeziekte of bewegingsziekte ervoeren bij het kijken naar haar schilderijen. Dit fenomeen fascineerde Riley, die ervan overtuigd raakte dat de grens tussen perceptie en werkelijkheid inderdaad vrij fragiel is, en dat een geloof veroorzaakt door een illusie daadwerkelijk echte gevolgen in de fysieke wereld kan manifesteren. Ze zei: “Er was een tijd waarin betekenissen gefocust waren en de werkelijkheid vastgelegd kon worden; toen dat soort geloof verdween, werden dingen onzeker en open voor interpretatie.”

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

Het responsieve oog

De hoogtepunten van de Modernistische Op Art-beweging kwamen met een tentoonstelling genaamd The Responsive Eye die in 1965 door de Verenigde Staten toerde. Deze tentoonstelling bevatte meer dan 120 kunstwerken van tientallen kunstenaars die een breed scala aan esthetische posities vertegenwoordigden. De show omvatte de sterk illusionistische werken van Victor Vasarely en Bridget Riley, evenals meer ingetogen geometrische abstracties van kunstenaars zoals Frank Stella en Alexander Liberman en kinetische sculpturen van kunstenaars zoals Wen-Ying Tsai en Carlos Cruz-Diez.

Ook inbegrepen in de groep The Responsive Eye was de beeldhouwer Jesús Rafael Soto, die ongetwijfeld de Op Art het verst heeft gebracht in het rijk van driedimensionale perceptie met een oeuvre genaamd Penetrables. Deze interactieve creaties bestaan uit honderden gedeeltelijk geschilderde, hangende plastic buizen waar kijkers doorheen kunnen lopen. Wanneer ze niet worden verstoord, presenteren ze een opvallende illusie dat een concreet object in de ruimte zweeft. Maar wanneer toeschouwers fysiek interactie hebben met de sculpturen, verdwijnt de illusie, wat de perceptie geeft dat een concrete realiteit in feite kan worden vervormd en veranderd door de menselijke aanraking.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

De Op Art-erfenis

De zegen en de vloek van Op Art is de populariteit ervan. Toen de beweging op zijn hoogtepunt was in de jaren '60, verafschuwden veel critici het omdat de beelden ervan gretig werden geapproprieerd door makers van kitschartikelen zoals t-shirts, koffiemokken en posters. Maar voor kunstenaars zoals Victor Vasarely en Jesús Rafael Soto was dat precies de bedoeling.

Deze creatievelingen geloofden dat de waarde van een kunstwerk wordt bepaald door de mate waarin een kijker kan deelnemen aan de voltooiing ervan. Ze maakten esthetische fenomenen die zich aanpassen aan elke nieuwe kijker, waardoor onbeperkte interpretatieve mogelijkheden ontstaan. Het feit dat hun kunst op massale schaal werd geconsumeerd, was perfect in lijn met hun concept, namelijk dat er geen barrières zouden moeten zijn tussen mensen en kunst, en dat de barrières die lijken te bestaan, alleen in onze perceptie bestaan.

Uitgelichte afbeelding: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acryl op doek. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio