Impasto Schilderen in Abstracte Kunst

Misschien is het meest symbolische gebouw in Amerika One World Trade Center in Lower Manhattan. Als het middelpunt van de ontwikkeling die de torens verving die in 2001 werden vernietigd, is het bestaan ervan een krachtige verklaring. Twee enorme, abstracte impasto schilderijen die permanent zijn geïnstalleerd in de lobby van de zuidingang, dragen prominent bij aan de symboliek. Het gebouw wordt de Vrijheidstoren genoemd en het is het hoogste gebouw op het westelijk halfrond. Het rijst 1776 voet op: een opzettelijke verwijzing naar het jaar waarin Amerika zijn onafhankelijkheid verklaarde. De eerder genoemde impasto schilderijen die de muren van de zuidelijke lobby sieren, zijn van de Amerikaanse kunstenaar Donald Martiny. Een van de schilderijen heet Lenape, en het andere heet Unami. De titels verwijzen naar de pre-Columbiaanse geschiedenis van New York. De Lenape zijn de inheemse stam die oorspronkelijk het grondgebied bewoonde waarop de Vrijheidstoren is gebouwd. Unami is een Lenape-dialect. Bovenop de Vrijheidstoren bevindt zich een observatiedek genaamd One World Observatory. Zover het oog reikt vanaf het observatorium, ondersteunde de hele omgeving ooit de Lenape-cultuur. Wat wordt er dus gecommuniceerd door dit gebouw? Het is ontworpen om een van de ergste terreuraanvallen in de menselijke geschiedenis te herdenken. Het brengt de ideeën van één wereld, vrijheid, onafhankelijkheid en handel naar voren. Het moedigt bezoekers aan om de lange termijn te bekijken. En de meest prominente kunstwerken zijn genoemd naar degenen die onderdrukt werden om de natie te bouwen die verantwoordelijk is voor de creatie ervan. Welke conversatie vindt hier plaats? Wat is de betekenis van al deze symboliek? Misschien is er iets te leren van de kunstwerken zelf, en van de abstracte kwaliteiten die impasto schilderkunst vertegenwoordigt.

Schaduw en licht

De term impasto komt van het Italiaanse woord voor deeg. In de schilderkunst verwijst het naar de techniek van het aanbrengen van dikke lagen medium op een oppervlak om een texturale dimensie aan een kunstwerk te geven. De 16e-eeuwse Italiaanse schilder Titian was een van de eerste kunstenaars die bekend stond om het opzettelijk toepassen van impasto-technieken in zijn schilderijen. Hij begon de techniek te gebruiken in een tijd waarin schilderijen gewaardeerd werden om hun gladde oppervlakken en het gebrek aan zichtbare penseelstreken. Als meesterlijke realistische schilder besefte Titian dat hij door verf in bepaalde gebieden op een oppervlak op te hopen variaties kon creëren in hoe licht ervan weerkaatste, waardoor elementen van een schilderij een levensechte uitstraling kregen.

Elke impasto schilderij penseelstreek veroorzaakt gradaties in kleur die verschijnen uit de schaduwen die ontstaan wanneer licht de verhoogde verf raakt. Afhankelijk van de positie van de lichten en het gezichtspunt van een toeschouwer, kan een impasto schilderij op subtiele manieren verschuiven, wat variaties in diepte en een verhoogd gevoel van realisme toevoegt. In zijn eigen eeuw weerstond Titian de traditie door zijn penseelstreken zichtbaar te laten zijn en de materiële eigenschappen van zijn medium te tonen. Maar hij was zo meesterlijk in de techniek dat zijn invloed ervoor zorgde dat het snel populair werd. In de 17e eeuw incorporateerde Rembrandt beroemd impasto schilderkunst in zijn werken. En tegen de 19e eeuw was de techniek zo goed gewaardeerd dat Van Gogh het zijn handelsmerkstijl maakte.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Abstracte Expressies

Rond de eeuwwisseling van de 20e eeuw zocht een groep schilders, de Expressionisten, naar manieren om innerlijke emotionele toestanden in hun schilderijen uit te drukken in plaats van simpelweg de uiterlijke realiteit vast te leggen. Ze namen impasto schildertechniek aan als een van hun favoriete technieken. Dikke lagen verf bezitten veel inherente kwaliteiten, zoals gewicht, diepte en zwaartekracht. Hoe dikker het wordt aangebracht, hoe meer schaduw het creëert. Het abstraheert beelden en vervormt de manier waarop kijkers met het onderwerp omgaan. De Expressionisten vonden het ideaal voor het communiceren van ernst, intensiteit en drama.

Rond dezelfde tijd dat het expressionisme aan prominentie won, werd abstractie ook een groeiende zorg voor veel kunstenaars. Impasto schilderen bleek een ideale techniek te zijn voor abstracte schilders, omdat het hielp de focus van een schilderij weg te verschuiven van het onderwerp en naar de formele kwaliteiten van het werk. Een abstract impasto schilderij hoeft daarom niet over iets te gaan, behalve de verf. Hans Hofmann was een bijzonder invloedrijke abstracte kunstenaar die impasto schilderen volledig omarmde. Hofmann geloofde dat door de formele elementen van esthetiek te benadrukken in plaats van de werkelijkheid na te volgen, kunstenaars diepere waarheden konden uitdrukken. Hij gebruikte impasto schilderen om de abstracte kwaliteiten van structuur, ruimte, kleur, vorm en illusie uit te drukken.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Sculpturale Dimensies

Naast het feit dat hij een schilder was, was Hofmann ook een leraar. Veel van de studenten die hij lesgaf, zoals Helen Frankenthaler en Lee Krasner, de vrouw van Jackson Pollock, werden leidende figuren in de Abstract Expressionistische beweging. Hofmann had een diepgaande invloed op de manier waarop deze schilders zich verhouden tot hun materialen. Aangezien de focus van veel Abstract Expressionistische schilders was om hun onderbewuste gevoelens over te brengen en de emotie en intensiteit van het schilderproces op het doek vast te leggen, gaf Hofmann hen mee dat de materiële kwaliteiten van hun medium een sleutelrol in hun werk moesten spelen.

Hij leerde hen dat, “elke uitdrukkingsvorm zijn eigen ordening van bestaan heeft.” In de handen van schilders zoals Jackson Pollock en Jane Frank kreeg impasto schilderkunst een geheel nieuwe dimensie, letterlijk. Jane Frank bouwde sculpturale lagen van media op haar impasto-oppervlakken. Jackson Pollock spatte, druppelde en goot verf in zulke enorme hoeveelheden dat het pure gewicht van zijn impasto-lagen dreigde de ondersteuning van zijn werken te vernietigen. De Abstract Expressionisten breidden bovendien het concept van impasto schilderkunst uit om ook andere dingen dan verf te omvatten, zoals ongebruikelijke media en afval zoals gebroken glas, stenen, sigarettenpeuken. Door ongebruikelijke materialen en media aan hun impasto-lagen toe te voegen, drukten deze schilders zowel conceptuele als fysieke diepte uit.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Alles over de verf

In reactie op de emotionele intensiteit van het Abstract Expressionisme, raakte impasto schilderkunst in de jaren 60 en 70 uit de gratie bij veel kunstenaars, vooral bij degenen die geassocieerd werden met Minimalisme. Deze kunstenaars streefden ernaar om gladde oppervlakken te creëren die het bewijs van de individuele kunstenaar die het werk maakte, elimineerden. Om ultra gladde oppervlakken te creëren, wendden ze zich tot technieken zoals vlekken en spuiten, en gebruikten ze gemecaniseerde en industriële processen. Maar tegen de jaren 80 keerde de liefde voor impasto terug.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Een reden waarom de techniek weer in de belangstelling kwam, was een reactie tegen de waargenomen zielloosheid van het minimalisme. Een andere reden was de groeiende interesse in de formele kwaliteiten van artistieke materialen. Een bijzonder succesvolle uitdrukking van de minimalistische esthetiek was de monochrome schilderkunst. Monochromes drukken pure kleur en vlakheid uit. In de jaren '80 begonnen schilders zoals James Hayward en Alan Ebnother de monochrome opnieuw te verbeelden door middel van impasto schilderkunst. Hun impasto monochromes omarmden de expressie van kleur, maar voegden een dimensie van fysiekheid en mediumspecifiteit toe. Door de industriële anonimiteit van minimalistische monochromes te elimineren en het teken van de kunstenaar opnieuw in te voeren, herprioriteerden ze emotie en persoonlijkheid, en brachten ze vernieuwde aandacht voor de essentiële kwaliteiten van verf.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Olie op doek op bord. 30 x 28 in. © James Hayward (Links) en Asymmetrische Chromachord 38, 2009. Olie op doek op houten paneel. © James Hayward (Rechts)

Meer dan deeg

Als we terugkijken op de geschiedenis van impasto schilderkunst, is het duidelijk dat de techniek een reeks abstracte associaties met zich meebrengt. In zijn vroegste dagen nam het de ongekende stap om niet te verbergen dat een kunstwerk was gemaakt van verf. In die zin verbrak het de illusie. Het diende later om de subtiele en vaak veranderende verschillen tussen duisternis en licht te benadrukken. In het modernisme werd impasto schilderkunst een manier om de diepe emotie en de primaire gevoeligheden van de onderbewuste geest uit te drukken. En in het hedendaagse gebruik is het een uitdrukking geworden van de kracht en eenvoud van de artistieke gebaar zelf. Wat kunnen we dus afleiden over het gesprek dat plaatsvindt tussen One World Trade Center en de abstracte impasto schilderijen van Donald Martiny die zijn lobby innemen? 

Hoewel deze schilderijen lijken op massieve impasto penseelstreken, zijn ze in werkelijkheid zorgvuldig gemaakt in een arbeidsintensief proces, waarbij Martini laag na laag medium giet, druppelt en smeert, soms met zijn blote handen. Ze drukken hard werken, aanpassing, geduld, visie en de kracht uit die inherent is aan het zorgvuldig opbouwen van lagen in de loop van de tijd. Daarbovenop symboliseren, net als alle impasto schilderijen, Lenape en Unami ook de vernietiging van illusies, de evoluerende aard van duisternis en licht, de reikwijdte van emotionele en fysieke diepte, en de primaire realiteiten van de onderbewuste menselijke geest. Vanuit dit perspectief beschouwd, worden ze meer dan esthetische objecten en meer dan symbolische gebaren. Ze worden de perfecte abstracte vertegenwoordigers van hun medium, hun omgeving, hun naamgenoten, hun geschiedenis en hun tijd.

Uitgelichte afbeelding: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio