Bridget Riley en de Filosofie van Strepen

Onze zintuiglijke ervaringen verbinden ons met een wereld van emotie. Wanneer we iets zien, is die zintuiglijke waarneming op zich al een soort gevoel. Maar dan voelen we ook dingen op basis van wat we zien. Die gevoelens zijn wat de Britse kunstenaar Bridget Riley de afgelopen zes decennia heeft onderzocht. In de jaren zestig werd Riley beroemd om haar bijdragen aan een artistieke beweging die bekend staat als Op Art, zo genoemd vanwege de optische illusies die kijkers vaak in het werk waarnemen. Op Art kreeg wereldwijde bekendheid na het succes van een tentoonstelling genaamd The Responsive Eye in het Museum of Modern Art in New York in 1965. Verschillende schilderijen van Bridget Riley waren opgenomen in die tentoonstelling. Ze hadden een spaarzaam zwart-wit palet en herhalende patronen die een gevoel van dynamiek creëerden dat kijkers een onvast of uit balans gevoel gaf. De patronen in haar schilderijen leken te bewegen. Maar het werk van Bridget Riley gaat over veel meer dan alleen het bedriegen van het oog met een optische illusie. Het gaat over perceptie. Het gaat over hoe zorgvuldig we kijken, hoe kostbaar we onze gave van visie geloven te zijn, en hoe onze emoties beïnvloed kunnen worden door de manier waarop we onze wereld zien.

De Jonge Bridget Riley

Als jonge kunstenaar was Bridget Riley vaak gefrustreerd. Ze had er altijd van genoten om vrijelijk de omgeving rondom haar verschillende kindertijdhuizen in Londen, Lincolnshire en Cornwall te verkennen. Ze had een aangeboren nieuwsgierigheid en een verlangen om te experimenteren. Maar in haar 20s, terwijl ze studeerde aan de Royal Academy of Art, merkte ze dat haar nieuwsgierigheid en experimentele geest ontmoedigd werden door haar professoren. Ze studeerde af zonder zelfvertrouwen. En haar gebrek aan richting werd snel verergerd toen haar vader kort daarna na een auto-ongeluk in het ziekenhuis werd opgenomen, en zij verantwoordelijk werd voor zijn zorg. De gecombineerde stress leidde ertoe dat ze een volledige inzinking kreeg.

Het keerpunt naar herstel voor Riley kwam toen ze in 1956 een tentoonstelling van de Abstract Expressionisten in de Tate in Londen bezocht. Hun werk valideerde haar verlangen om te experimenteren en haar ware visie te verkennen, en al snel begon ze weer te schilderen. Ze vond werk als kunstlerares voor jonge meisjes en nam een baan als commercieel illustrator. Toen schreef ze zich in voor een zomercursus bij Harry Thubron, die bekend stond om het bevorderen van de kracht van elementen zoals ruimtelijke relaties, vormen en patronen.

Bridget Riley - Beweging in Vierkanten, 1961. Tempera op hardboard. 123,2 x 121,2 cm. Arts Council Collection, Southbank Centre, Londen. © 2019 Bridget Riley (Links) / Bridget Riley - Inname, 1964. Acryl op canvas. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Rechts)

Optische realiteiten

In haar studie met Harry Thubron over de formele elementen van esthetiek, vooral in hoe het oog vormen in de ruimte waarneemt, werd Riley opnieuw toegewijd aan het vinden van haar authentieke stem. Ze verhuisde in 1960 naar Italië en bestudeerde de werken van de Futuristen. Geïnspireerd door hun verkenning van beweging ging ze de ideeën van de Divisionisten bestuderen, vooral die van Georges Seurat. De som van deze studies leidde haar tot het ontwikkelen van een unieke benadering van schilderen: een waarin ze manieren verkende om een tweedimensionaal oppervlak te transformeren om de visuele waarneming te beïnvloeden.

Ze wist dat ze om de manier waarop kijkers naar een schilderij keken uit te dagen, al het representatieve materiaal moest elimineren. Representatieve beelden zouden alleen maar afleiden van haar primaire ideeën. Dus vereenvoudigde ze haar visuele taal om alleen zwart en wit en de elementen lijn, vorm en structuur te gebruiken. In de catalogus voor The Responsive Eye noemde curator William C. Seitz werk zoals dat van Riley "de nieuwe perceptuele kunst." Seitz verhoogde de verwachtingen van wat deze kunst kon bereiken, ver voorbij het rijk van iets puur esthetisch. Hij vroeg: "Kunnen zulke werken, die naar niets buiten zichzelf verwijzen, met psychische effectiviteit de inhoud vervangen die is verlaten? Kan een geavanceerd begrip en toepassing van functionele beelden een nieuw pad openen van retinale excitatie naar emoties en ideeën?" Dit waren precies de soorten vragen die Riley zichzelf stelde.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsie op canvas, 70 x 68 1/4 in. © 2019 Bridget Riley (Links) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acryl op linnen. Ongelijst: 6 voet 4 3/4 inches x 6 voet 3 inches (194,95 x 190,5 cm). Gelijk ingelijst: 6 voet 7 3/8 inches x 6 voet 5 3/4 inches x 2 3/4 inches (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). De Nelson Atkins Museum of Art Collectie. Verkregen door de vrijgevigheid van de William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, Trustee. © Bridget Riley. Alle rechten voorbehouden, met dank aan Karsten Schubert, Londen (Rechts)

Het Responsieve Publiek

De publieke reactie op The Responsive Eye was enthousiast. De betoverende, illusoire effecten van de beelden in de tentoonstelling maakten de kijkers wild. Ontwerpers maakten snel gebruik van de zwart-wit patronen en gebruikten ze op elk denkbaar product, van jurken tot brillen tot lunchtrommels tot auto's. Maar die wow-factor had weinig aantrekkingskracht voor Riley, die meer geïnteresseerd was in de diepere betekenissen van haar werk. Ja, het zag er cool uit. Maar ze wilde de mentale processen ontdekken die onder de oppervlakte aan het werk waren.

In 1966, net toen haar zwart-wit stijl internationale aantrekkingskracht had gekregen, begon Riley aan een poging om dieper in haar visie te graven door kleur aan haar werk toe te voegen. Ze bracht twee jaar door met het bestuderen en herhaaldelijk kopiëren van het Pointillistische schilderij Bridge of Courbevoie. Daarin zag ze een meesterlijkheid in lineaire structuren en patronen. Ze zag ook een meesterlijkheid in kleurcombinaties, een demonstratie van hoe verschillende kleuren die op doordachte manieren naast elkaar worden geplaatst een gevoel van beweging creëren wanneer ze door het menselijk oog worden waargenomen.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acryl op canvas. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Strepen voor altijd

Terwijl ze het kleurenpalet dat ze gebruikte compliceerde, vereenvoudigde Riley tegelijkertijd haar taal van vormen. Ze elimineerde bijna vierkanten, driehoeken en cirkels, en concentreerde zich grotendeels op strepen gedurende de jaren 1970 en 1980. Strepen lenen zich gemakkelijk voor een studie van herhaling, wat Riley als essentieel beschouwde om mensen echt met opzet naar een afbeelding te laten kijken. De vorm van een streep is ook fundamenteel stabiel. Die stabiliteit, ontdekte ze, is van vitaal belang voor de studie van kleur omdat kleur fundamenteel onstabiel is, aangezien de waarneming ervan afhangt van andere factoren zoals licht en omringende kleuren.

Riley gebruikte een combinatie van rechte en golvende horizontale en verticale strepen. Ze begon elk stuk op kleine stroken papier, waarbij ze kleurcombinaties en patronen testte. Zodra ze een kleurcombinatie en streep patroon had gevonden dat leek te bewegen, droeg ze het over op een groot canvas dat ze vervolgens met de hand schilderde. Elke streep in haar kleurrijke streep schilderijen bevat een evolutie van verschillende kleuren die op precieze manieren in elkaar overgaan, zodat het oog, wanneer het naar elke streep kijkt, een hint van de volgende kleur waarneemt. Die evolutie creëert het gevoel van beweging terwijl het oog over het oppervlak reist.

Het zicht op muziek

Hoewel de stabiliteit van strepen van vitaal belang was voor haar ontdekking van kleur, was het uiteindelijk de kleur die haar hielp haar esthetische visie te bereiken. Ze zei: “De muziek van kleur, dat is wat ik wil.” Zoals zoveel andere kunstenaars, van Seurat tot Giacomo Balla tot Sonia Delaunay tot Josef Albers, had gerealiseerd dat elke kleur in staat is een emotionele reactie op te roepen. En wanneer ze samen worden gebruikt, lijken verschillende kleuren te vibreren, wat onvoorspelbare emotionele reacties bij kijkers creëert. Die onvoorspelbaarheid hielp Riley haar ideale doel voor een schilderij te bereiken, dat volgens haar moet “een ervaring bieden; een mogelijkheid bieden.”

De esthetische ontdekkingen die Riley heeft gedaan met haar gekleurde, gestreepte schilderijen zijn ontstaan omdat ze een nauwkeurige experimentator is. Ze houdt strikte aantekeningen bij van elke kleurcombinatie en elk patroon dat ze probeert, zodat het indien nodig kan worden herhaald. Maar hoewel haar experimenten met kleuren en strepen wetenschappelijk lijken, zijn ze dat niet, althans niet in de zin dat ze een hypothese probeerden te bewijzen. Ze zijn eerder artistiek, in de zin dat ze proberen een onbekende te ontdekken en deze te manifesteren.

Bridget Riley - Carnaval, 2000. Zeefdruk in kleuren, op wove papier, met volle marges. 28 3/5 × 35 9/10 in. 72,7 × 91,1 cm. Editie 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Primaire doelstellingen

Vandaag, in haar midden tachtig, blijft Riley schilderen. Ze verkent nu een mengeling van geometrische vormen, golvende vormen en diagonalen. De patronen van haar nieuwere schilderijen zijn veel breder, wat een heel andere indruk creëert en veel andere gevoelens oproept. Haar gestreepte schilderijen van decennia geleden staan als krachtige manifestaties van haar levenslange onderzoek naar perceptie. Ze gaan veel verder dan alleen het bedriegen van het oog in een rijk van diepe, subjectieve perceptie.

Wat belangrijk is aan deze werken, is dat ze niet alleen onze manier van kijken naar hen uitdagen, maar ook onze manier van kijken naar alles. De strepen die Riley gebruikt zijn misschien zo eenvoudig als vormen maar kunnen zijn. Toch lijken de metamorfoses die zichtbaar worden bij het onderzoeken ervan grenzeloos. Riley zei ooit: “Herhaling fungeert als een soort versterker van visuele gebeurtenissen die, wanneer ze afzonderlijk worden gezien, nauwelijks zichtbaar zouden zijn.” Haar strepen demonstreren die filosofie: dat complexiteit schuilgaat onder de schijnbare eenvoud van onze visuele wereld, als we maar de tijd nemen om echt op te merken. Ze dringen er bij ons op aan om zorgvuldig en nauwkeurig te kijken, en om het kostbare geschenk van het zien volledig te waarderen.

Uitgelichte afbeelding: Bridget Riley - Gesprek (detail), 1992. Olie op linnen. 92 x 126 cm. Abbot Hall Kunstcollectie. Aangekocht in 1996. © Bridget Riley
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio