Cubisme van Sonia Delaunay en de Verkenning van Kleur

Er is veel geschreven over de professionele prestaties van Sonia Delaunay. Ze was een van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw. In haar 20s leidde haar visionaire benadering van abstractie ertoe dat ze een van de eerste modernistische kunstenaars werd. In haar 30s transformeerde ze haar studio-praktijk in de manifestatie van een Gesamtkunstwerk, of totaal kunstwerk, waarmee ze het Bauhaus-ideaal twee jaar voordat het Bauhaus bestond, demonstreerde. Ze creëerde gedurende haar leven een unieke en invloedrijke verzameling schilderijen, waarbij ze continu werkte tot kort voor haar dood op 94-jarige leeftijd. En naast schilderen werkte ze ook in mode, theater, film, uitgeverij en was ze betrokken bij allerlei ontwerpprojecten. Op 79-jarige leeftijd werd ze slechts de tweede levende kunstenaar ooit die een retrospectieve tentoonstelling in het Louvre had, en de eerste vrouwelijke kunstenaar die die mijlpaal bereikte. Het zou zelfs gemakkelijk te beargumenteren zijn dat Sonia Delaunay de eerste kunstenaar was die haar persona effectief in een merk omtoverde, in de hedendaagse context van het woord. Maar om zich uitsluitend op deze externe prestaties te concentreren, zou impliceren dat het haar doel altijd al was om dergelijke dingen te bereiken. Maar in feite had Delaunay geen dergelijke bedoelingen. Haar enige doelen waren oprecht, om kleur, vorm en compositie te verkennen, en om de rest van de wereld door haar kunst de onbekende essentie te onthullen van wat het ook was dat ze in zichzelf zocht.

Sonia Delaunay Worden

Het verhaal van het vroege leven van Sonia Delaunay kan resoneren met elke ouder. Hoe gemakkelijk het is om te creëren, of een kans niet te grijpen, en hoe de kleinste verandering in omstandigheden de kansen van een kind om te slagen diepgaand kan beïnvloeden. Sonia Delaunay werd geboren als Sarah Ilinitchna Stern in een arbeidersgezin in wat nu Oekraïne is. Haar kansen in haar geboorteplaats waren ernstig beperkt, maar ze had een rijke oom en tante in St. Petersburg genaamd Henri en Anna Terk. De Terks konden zelf geen kinderen krijgen, en ze vroegen om Sarah te adopteren van haar worstelende ouders. Haar moeder verzette zich aanvankelijk. Maar toen Sarah vijf jaar oud was, gaf haar moeder uiteindelijk toe en stond haar toe om voorgoed naar St. Petersburg te verhuizen om bij haar oom en tante te wonen.

Toen ze in St. Petersburg aankwam, veranderde Sarah haar naam in Sonia Terk. Bij haar nieuwe naam kwam een nieuwe set ervaringen en veel diversere mogelijkheden. Het leven met haar tante en oom omvatte wereldreizen, het beste onderwijs en regelmatige bezoeken aan musea en bibliotheken. Ze kon thuis kunstboeken doorbladeren en deelnemen aan intellectuele discussies over verschillende onderwerpen. Op 16-jarige leeftijd had ze interesse ontwikkeld om kunstenaar te worden. De Terks moedigden haar interesse aan en op 18-jarige leeftijd stuurden ze haar naar Duitsland om kunst te studeren. Twee jaar later, in 1905, verhuisde ze opnieuw, dit keer naar Parijs, het epicentrum van avant-garde kunst in Europa.

Een boek van de modernistische dichter Blaise Cendrars, gebonden en geïllustreerd door Sonia Delaunay in 1913.

Kleur ontdekken

In Parijs bleef Sonia Delaunay kunst studeren op school, maar de ervaring die ze met haar docenten had, was te academisch en formeel voor haar aard. Ze ontdekte dat ze veel meer inspiratie kreeg in de galerieën, die werk toonden van experimentele Europese kunstenaars zoals de Post-Impressionisten. Ze was op het perfecte moment in Parijs aangekomen. Ze bevond zich in het hart van de avant-garde gemeenschap aan de dawn van Cubisme, toen geometrische vlakken voor het eerst werden aangenomen in een poging om de vierdimensionale realiteit over te brengen. En ze was daar toen het Futuristische Manifest werd afgedrukt in de Franse kranten, waardoor het idee van beweging naar de voorgrond van het artistieke gesprek werd gebracht. En de Fauviste, die op het hoogtepunt van hun invloed waren toen ze in de stad arriveerde, inspireerden haar diepgaand. Ze was viscerale geraakt door de manier waarop haar ogen waarnamen, en haar emoties de relaties tussen hun briljante en lumineuze kleuren ervoeren.

De vroege schilderijen die Sonia Delaunay maakte na haar aankomst in Parijs verkenden veel van de ideeën van deze andere bewegingen op een figuratieve manier. Maar ze zocht naar iets anders. Specifiek wilde ze een manier vinden om het element kleur op zichzelf te verkennen. Maar ze wilde ook intuïtief en vrij zijn. Ze had weinig interesse in de academische theorieën die door haar tijdgenoten werden uitgewisseld, die ze dacht: “Te verfijnd. Ik ben dichter bij de natuur en het leven,” legde ze eens uit, vlak voor het einde van haar leven. “Ik zocht naar iets binnenin mezelf en beetje bij beetje werd het abstracte schilderkunst.”

Sonia Delaunay - Gele Naakt, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Abstractie vinden

De doorbraak die Sonia Delaunay eindelijk deed besluiten om volledig non-objectieve schilderkunst te omarmen, kwam op een zeer onverwachte manier. Net als haar vertrek uit haar geboorteplaats naar St. Petersburg, kwam het voort uit een gedurfde keuze die ze maakte om haar eigen lot te creëren. Toen ze voor het eerst in Parijs aankwam, had ze vriendschap gesloten met een galeriehouder en schrijver genaamd Wilhelm Uhde, die de toonaangevende avant-garde kunstenaars toonde. Zij en hij waren zielsverwanten, zoals ze zei: “beiden op zoek naar iets abstracts.” Ze trouwden, niet uit romantische aantrekkingskracht, maar omdat de regeling praktische voordelen voor hen beiden bood. Voor Sonia bevrijdde het haar van de druk die ze van haar biologische moeder kreeg om haar carrière als kunstenaar op te geven.

Toen ontmoette Sonia op een nacht in de galerie, minder dan een jaar later, een eigenzinnige, gepassioneerde jonge kunstenaar genaamd Robert Delaunay. De twee hadden een onmiddellijke connectie en ze werden verliefd. Sonia vroeg Uhde om een scheiding, die hij vriendschappelijk toestond, en het jaar daarop trouwde ze met Robert. Toen de twee hun eerste kind kregen, maakte Sonia met de hand een deken voor de baby met technieken gebaseerd op Russische volkskunsttradities uit haar thuisland. Toen de deken af was, zag ze erin de inspiratie die ze zocht. De vormen deden haar denken aan kubistische vlakken, maar de kleurrelaties tussen de vormen brachten de hele compositie tot leven. Die deken die Sonia Delaunay uit instinct voor haar kind maakte, werd de basis van al haar toekomstige abstracte werken.

De quilt die Sonia Delaunay in 1911 voor haar baby maakte, is nu onderdeel van de collectie van het Nationaal Museum voor Moderne Kunst in Parijs, Frankrijk.

Orfisch kubisme

'In de avonden in Parijs wandelden Sonia Delaunay en haar man Robert Delaunay samen door de stad en praatten over kunst. Tijdens hun wandelingen verwonderden ze zich over de elektrische lichten die net begonnen te worden geïnstalleerd. Ze bespraken de manieren waarop de kleuren van de stad werden beïnvloed door het synthetische licht, en genoten van de vormen en patronen die het licht creëerde. Wanneer ze thuiskwamen van hun wandelingen, probeerde ieder op doek hun ervaring vast te leggen, met de taal van abstracte kleur en vorm geïnspireerd door de quilt die Sonia had gemaakt.'

Ze noemden hun unieke visuele benadering simultanéisme. Het woord was een verwijzing naar de relatie tussen kleuren en vormen, en het gelijktijdig bestaan van meerdere realiteiten in hun composities. Toen Sonia en Robert deze schilderijen tentoonstelden, noemde hun vriend, kunstcriticus Guillaume Apollinaire, hun nieuwe stijl Orphic Cubism, of Orphism. Hoewel de verwijzing nooit perfect duidelijk werd gemaakt, heeft de term betrekking op de mythische Griekse muzikant en dichter Orpheus, wiens legendarische muziek naar verluidt de kracht had om alle wezens en dingen te betoveren.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olieverf op doek. 182 x 149 cm. Nationaal Museum voor Moderne Kunst, Parijs, Frankrijk

De Poëzie van Kleuren

Hoewel de verwijzing naar Orpheus passend lijkt voor het werk van Sonia Delaunay, is de vergelijking met het Kubisme onjuist. Kubisme was net zo academisch als esthetisch. Terwijl Robert Delaunay een fervent theoreticus en analist was, gaf Sonia de voorkeur aan intuïtief werken en legde ze de nadruk op verkenning en experimentatie. Over die dichotomie zei ze ooit: “Hij sprak, maar ik realiseerde me.” Hoewel Sonia een taal van vormen gebruikte die vergelijkbaar was met die van de Kubisten, had ze geen intellectuele doelen gemeen met hen. Haar vormen waren slechts vaten voor kleur. “Als er geometrische vormen zijn,” legde ze ooit uit, sprekend aan de Sorbonne, “is het omdat deze eenvoudige en beheersbare elementen geschikt zijn gebleken voor de verdeling van kleuren waarvan de relaties het werkelijke object van onze zoektocht vormen.

Sonia vergeleek schilderen vaak met poëzie. Sonia Delaunay zag zichzelf als iemand die op zoek was naar combinaties van kleuren die een veelheid aan mogelijke interpretaties konden oproepen en gelijktijdige betekenissen konden creëren. Het was dan ook vanzelfsprekend voor haar om haar artistieke activiteiten uit te breiden naar de wereld van design, aangezien, zoals zij het ervoer, er geen scheiding was tussen kunst en leven. Of haar composities nu aan de zijkant van een auto, op een bontjas, op een kostuum voor een toneelstuk of op het oppervlak van een canvas waren, zij zag geen verschil. Ze geloofde dat, “kleuren woorden zijn, hun relaties ritmes,” en dat, in welke hoedanigheid ze ook koos om ze samen te brengen, ze door haar inspanning “een voltooide poëzie” werden.

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca. 1970. Lithografie. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 in.)

Uitgelichte afbeelding: Sonia Delaunay - Syncopated rhythm, ook wel De Zwarte Slang (detail), 1967
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio