Cubisme van Sonia Delaunay en de Verkenning van Kleur

Er is veel geschreven over de professionele prestaties van Sonia Delaunay. Zij was een van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw. In haar twintiger jaren leidde haar visionaire benadering van abstractie ertoe dat ze een van de eerste modernistische kunstenaars werd. In haar dertiger jaren transformeerde ze haar atelierpraktijk tot de manifestatie van een Gesamtkunstwerk, of totaal kunstwerk, waarmee ze het Bauhaus-ideaal aantoonde twee jaar voordat het Bauhaus bestond. Ze creëerde een uniek en invloedrijk oeuvre van schilderijen gedurende haar hele leven, waarbij ze onafgebroken werkte tot kort voor haar overlijden op 94-jarige leeftijd. Naast schilderen werkte ze ook in mode, theater, film, uitgeverij en hield zich bezig met allerlei ontwerpactiviteiten. Op 79-jarige leeftijd werd ze pas de tweede levende kunstenaar ooit die een retrospectieve tentoonstelling in het Louvre kreeg, en de eerste vrouwelijke kunstenaar die die mijlpaal bereikte. Het valt zelfs gemakkelijk te betogen dat Sonia Delaunay de eerste kunstenaar was die haar persoonlijkheid effectief omzette in een merk, in de hedendaagse betekenis van het woord. Maar om uitsluitend op deze uiterlijke prestaties te focussen zou impliceren dat het haar doel was om zulke dingen te bereiken. In werkelijkheid had Delaunay dat helemaal niet voor ogen. Haar enige doelen waren oprecht: het verkennen van kleur, vorm en compositie, en door middel van haar kunst de onbekende essentie te onthullen van wat zij in zichzelf zocht.

Het worden van Sonia Delaunay

Het verhaal van het vroege leven van Sonia Delaunay zal bij elke ouder herkenning oproepen. Hoe gemakkelijk het is om een kans te creëren, of juist te missen, en hoe de kleinste verandering in omstandigheden de kansen van een kind om te slagen diepgaand kan beïnvloeden. Sonia Delaunay werd geboren als Sarah Ilinitchna Stern in een arbeidersgezin in wat nu Oekraïne is. Haar kansen in haar geboorteplaats waren zeer beperkt, maar ze had een rijke oom en tante in Sint-Petersburg, Henri en Anna Terk. De Terks konden zelf geen kinderen krijgen en vroegen of ze Sarah mochten adopteren van haar worstelende ouders. Haar moeder verzette zich aanvankelijk. Maar toen Sarah vijf jaar oud was, gaf haar moeder uiteindelijk toe en stond ze toe dat ze voorgoed naar Sint-Petersburg verhuisde om bij haar oom en tante te wonen.

Eenmaal aangekomen in Sint-Petersburg veranderde Sarah haar naam in Sonia Terk. Met haar nieuwe naam kwamen nieuwe ervaringen en veel meer diverse mogelijkheden. Het leven bij haar oom en tante omvatte wereldreizen, de beste opleiding en regelmatige bezoeken aan musea en bibliotheken. Ze kon thuis kunstboeken doorbladeren en deelnemen aan intellectuele discussies over allerlei onderwerpen. Op haar zestiende ontwikkelde ze een interesse om kunstenaar te worden. De Terks moedigden haar belangstelling aan en stuurden haar op haar achttiende naar Duitsland om kunst te studeren. Twee jaar later, in 1905, verhuisde ze opnieuw, ditmaal naar Parijs, het epicentrum van avant-garde kunst in Europa.

Een boek van de modernistische dichter Blaise Cendrars, ingebonden en geïllustreerd door Sonia Delaunay in 1913

Ontdekking van kleur

In Parijs vervolgde Sonia Delaunay haar kunststudie op school, maar de ervaring met haar leraren was te academisch en formeel voor haar aard. Ze merkte dat ze veel meer inspiratie kreeg in de galerieën, waar werk werd getoond van experimentele Europese kunstenaars zoals de postimpressionisten. Ze was op het perfecte moment in Parijs aangekomen. Ze bevond zich in het hart van de avant-garde gemeenschap aan het begin van kubisme, toen geometrische vlakken voor het eerst werden gebruikt om een vierdimensionale werkelijkheid uit te drukken. En ze was erbij toen het futuristisch manifest voor het eerst in de Franse kranten werd afgedrukt, waarmee het idee van beweging centraal kwam te staan in het artistieke gesprek. De fauvisten, die op het hoogtepunt van hun invloed waren toen zij in de stad arriveerde, inspireerden haar diep. Ze werd intens geraakt door de manier waarop haar ogen de relaties tussen hun briljante en heldere kleuren waarnamen en haar emoties die ervoeren.

De vroege schilderijen die Sonia Delaunay maakte na haar aankomst in Parijs onderzochten veel van de ideeën van deze andere stromingen op een figuratieve wijze. Maar ze zocht iets anders. Specifiek wilde ze een manier vinden om het element kleur op zichzelf te verkennen. Maar ze wilde ook intuïtief en vrij zijn. Ze had weinig interesse in de academische theorieën die haar tijdgenoten uitwisselden, die ze “te verfijnd. Ik sta dichter bij de natuur en het leven,” noemde, zoals ze eens uitlegde, vlak voor het einde van haar leven. “Ik zocht iets in mezelf en beetje bij beetje werd het abstract schilderen.”

Sonia Delaunay - Gele Naakt, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Het vinden van abstractie

De doorbraak die er uiteindelijk toe leidde dat Sonia Delaunay volledig niet-figuratief ging schilderen, kwam op een onverwachte manier. Net als haar vertrek uit haar geboorteplaats naar Sint-Petersburg, ontstond het uit een moedige keuze die ze maakte om haar eigen lot te bepalen. Toen ze voor het eerst in Parijs aankwam, had ze een galeriehouder en schrijver leren kennen, Wilhelm Uhde, die de leidende avant-garde kunstenaars exposeerde. Zij en hij waren zielsverwanten, zoals ze zei, “beiden op zoek naar iets abstracts.” Ze trouwden niet uit romantische aantrekkingskracht, maar omdat de regeling praktische voordelen bood voor beiden. Voor Sonia betekende het dat ze werd bevrijd van de druk die haar biologische moeder op haar uitoefende om haar carrière als kunstenaar op te geven.

Toen ontmoette Sonia minder dan een jaar later op een avond in de galerie een uitgesproken, gepassioneerde jonge kunstenaar genaamd Robert Delaunay. De twee voelden meteen een klik en werden verliefd. Sonia vroeg Uhde om een scheiding, die hij vriendelijk toestond, en het jaar daarop trouwde ze met Robert. Toen ze hun eerste kind kregen, maakte Sonia met de hand een quilt voor de baby, gebruikmakend van technieken gebaseerd op Russische volkskunsttradities uit haar geboorteland. Toen de quilt klaar was, zag ze erin de inspiratie die ze zocht. De vormen deden haar denken aan kubistische vlakken, maar de kleurrelaties tussen de vormen brachten de hele compositie tot leven. Die quilt die Sonia Delaunay instinctief voor haar kind maakte, werd de basis van al haar toekomstige abstracte werk.

De quilt die Sonia Delaunay in 1911 voor haar baby maakte, nu onderdeel van de collectie van het Nationaal Museum voor Moderne Kunst in Parijs, Frankrijk

Orfisch kubisme

’s Avonds wandelden Sonia Delaunay en haar man Robert Delaunay samen door de stad en spraken over kunst. Tijdens hun wandelingen verwonderden ze zich over de elektrische lichten die toen net werden geïnstalleerd. Ze bespraken hoe de kleuren van de stad werden beïnvloed door het kunstlicht en genoten van de vormen en patronen die het licht creëerde. Thuis probeerden ze elk hun ervaring op doek vast te leggen, gebruikmakend van de taal van abstracte kleur en vorm, geïnspireerd door de quilt die Sonia had gemaakt.

Ze noemden hun unieke visuele benadering simultanisme. Het woord verwees naar de relatie tussen kleuren en vormen, en het gelijktijdig bestaan van meerdere werkelijkheden in hun composities. Toen Sonia en Robert deze schilderijen tentoonstelden, doopte hun vriend, kunstcriticus Guillaume Apollinaire, hun nieuwe stijl Orfisch kubisme, of orfisme. Hoewel de verwijzing nooit helemaal duidelijk werd gemaakt, heeft de term betrekking op de mythische Griekse muzikant en dichter Orpheus, wiens legendarische muziek de kracht zou hebben gehad om alle wezens en dingen te betoveren.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olie op doek. 182 x 149 cm. Nationaal Museum voor Moderne Kunst, Parijs, Frankrijk

De poëzie van kleuren

Hoewel de verwijzing naar Orpheus passend lijkt bij het werk van Sonia Delaunay, is de vergelijking met het kubisme misplaatst. Kubisme was net zo academisch als esthetisch. Terwijl Robert Delaunay een fervent theoreticus en analist was, werkte Sonia liever intuïtief en legde ze de nadruk op verkenning en experiment. Over die tegenstelling zei ze eens: “Hij sprak, maar ik realiseerde me.” Hoewel Sonia een vormentaal gebruikte die leek op die van de kubisten, had ze geen intellectuele doelen gemeen met hen. Haar vormen waren slechts dragers van kleur. “Als er geometrische vormen zijn,” legde ze eens uit tijdens een lezing aan de Sorbonne, “is dat omdat deze eenvoudige en hanteerbare elementen geschikt zijn gebleken voor de verdeling van kleuren waarvan de relaties het werkelijke onderwerp van onze zoektocht vormen.”

Sonia vergeleek schilderen vaak met poëzie. Zij zag zichzelf als iemand die combinaties van kleuren zocht die een veelheid aan mogelijke interpretaties konden oproepen en gelijktijdige betekenissen konden creëren. Het was dan ook vanzelfsprekend dat ze haar artistieke activiteiten uitbreidde naar de wereld van het ontwerp, omdat er volgens haar geen scheiding was tussen kunst en leven. Of haar composities nu op de zijkant van een auto, op een bontjas, op een kostuum voor een toneelstuk of op het oppervlak van een doek stonden, ze zag geen verschil. Ze geloofde dat “kleuren woorden zijn, hun relaties ritmes,” en dat ze, in welke hoedanigheid ze ze ook samenbracht, door haar inspanning “een voltooid gedicht” werden.

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca. 1970. Lithografie. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 inch)

Afbeelding uitgelicht: Sonia Delaunay - Syncopated rhythm, zogenaamde De Zwarte Slang (detail), 1967
Alle afbeeldingen uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio