Waarom de Raster Schilderijen van Stanley Whitney Ertoe Doen

De recente schilderijen van de Amerikaanse abstracte schilder Stanley Whitney hebben een duidelijke rasterachtige kwaliteit. Het zijn architectonische stapels kleuren, evocatief van Neo-Plasticistische televisiekleurstaven. En zijn recente tekeningen leggen nog duidelijker zijn aantrekkingskracht tot het raster bloot, bestaande uit eenvoudige composities van dikke zwarte lijnen die lijken op een rudimentair dambord of visnet. Maar Whitney was niet altijd een raster schilder. Het raster was iets waar hij decennia over deed om naartoe te gravitateren. In feite, wanneer men kijkt naar de afgelopen vijf decennia van zijn schilderijen, kan men niet anders dan een soort progressief verhaal aan het werk te hechten, een verhaal dat ver voorbij zijn oorsprongen is gegaan en onderweg zowel eenvoudiger als diepgaander is geworden. Dit is ironisch omdat Whitney ooit zei in de Modern Art News Podcast dat de reden waarom hij een abstracte visuele taal aannam was omdat, “ik wilde eigenlijk geen verhalenverteller zijn.” Maar zijn esthetische evolutie vertelt wel een verhaal. Het is geen typisch, heroïsch, begin-midden-eind verhaal. Het is eerder meer als een chronologie, of een reeks nieuwsberichten van de frontlinies van een voortdurende strijd. Die strijd, die Stanley Whitney al voert sinds hij zelfs voor de abstractie in de late jaren 1960, is met de media van schilderen en tekenen, en hun rol in de expressie van kleur en ruimte.

Een kleurrijke jeugd

Het is geen verrassing dat Stanley Whitney bekend is geworden om zijn onderzoek naar kleur. Nu hij in de 70 is, vertelt hij een prachtig verhaal over het feit dat hij als tienjarig kind zijn eerste schilderles volgde op een buurt school in zijn geboorteplaats Bryn Mawr, Pennsylvania. De leraar instrueerde de kinderen in de klas om zelfportretten te schilderen. Terwijl de andere studenten pogingen deden om hun verschillende realistische gezichten vast te leggen, voelde Whitney zich meer aangetrokken tot kleur dan tot representatieve onderwerpen.

In plaats van te proberen een kleurenpalet te mengen dat verband hield met zijn werkelijke uiterlijk, maakte hij een zelfportret dat elke kleur bevatte die hij kon bedenken. Whitney zegt dat de leraar het schilderij leuk vond, maar zijn ouders begrepen het niet. Ze hebben hem nooit teruggestuurd naar de les. Maar dat weerhield Whitney er niet van om zich aangetrokken te voelen tot de mogelijkheden van schilderen en kleur. Sterker nog, het is geen overdrijving om te zeggen dat Stanley Whitney, sinds die dag als tienjarige in zijn eerste schilderles, zich heeft ingezet om de ideale manier te vinden om kleur zijn onderwerp te maken.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

Ruimte vinden

Naast zijn aantrekkingskracht tot kleur, werd Stanley Whitney als jongeman ook aangetrokken door het proces van tekenen. Zijn zwart-wit tekeningen leken aanvankelijk niet gerelateerd aan zijn liefde voor kleur, maar er was een subtiele verbinding tussen de twee die het hem vele jaren kostte om te realiseren. De verbinding heeft iets te maken met ruimte. Bij het maken van zijn zwart-wit tekeningen ontdekte hij dat de verdeling van ruimte op ontelbare manieren kon plaatsvinden terwijl de lijnen hun relatie tot de witte ruimte in de compositie onderhandelen. Toen hij echter beter werd in schilderen, was hij in de war over hoe hij diezelfde onderhandeling van ruimte met kleur kon bereiken.

In zijn vroege figuratieve werken voelen de kleuren claustrofobisch en strak aan. In zijn eerste verkenningen van abstractie, die variaties waren op Color Field Painting met toegevoegde gebarenmarkeringen, voelen de kleuren te los aan. Hij zei: “Ik wil veel lucht in het werk. Ik wil veel ruimte in het werk.” Maar hij leek vast te zitten in hoe hij luchtigheid bovenop de ruimte van het canvas kon creëren. Zijn openbaring kwam in de jaren '70 tijdens een reis naar de Middellandse Zee. Tijdens een bezoek aan Egypte en Rome zag hij het antwoord in architectuur en licht. De oude architectuur drukte structuur, controle en het democratische potentieel van gestapelde elementen uit. De Middellandse schaduwen en het licht toonden hem dat kleur en licht hetzelfde zijn, en dat koele en warme kleuren, zoals koele en warme lichten, ruimte uitdrukken. Dat ontsloot een mysterie van schilderkunst dat, zoals hij zegt, “De lucht en de ruimte kunnen in de kleur zijn, niet dat de kleur op de ruimte was."

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

Een Methodisch Proces

“Dat was het begin van dingen die samenkwamen,” zegt Whitney. Vanaf dat moment is hij langzaam geëvolueerd naar de rasterdoeken die hij vandaag de dag maakt. Hij heeft geëxploreerd met graffiti-achtige gebaren om te bepalen hoe kleur door lijn kan worden uitgedrukt, vergelijkbaar met het werk van Mondrian. Hij heeft manieren onderzocht om het raster te benaderen, van gestapelde vormen tot rijen stippen en banden van kleuren. Hij wist dat hij een skeletstructuur wilde om zijn kleuren op een eerlijke manier te bevatten, maar dat hij ook niet wilde dat de regel van het raster zijn stukken in een bepaalde richting zou dwingen. Hij wilde de perfecte mix van structuur en vrijheid vinden, zoals Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

De volwassen gridwerken die Stanley Whitney nu maakt, zijn puur en stabiel. Ze lijken zelfs aanvankelijk te ontbreken aan de grit en angst die zijn eerdere inspanningen zo levendig maakten. Maar bij nader inzien zijn de schilderachtige sporen van de menselijke hand duidelijk, en de complexiteit van de composities onthult de diepte waarmee Whitney nog steeds worstelt met zijn raadsel. Hij heeft een manier gevonden om kleur zijn onderwerp te maken. Hij heeft het geheim ontdekt dat kleur en licht hetzelfde zijn, en beide manifestaties van ruimte zijn. En door deze ontdekkingen heeft hij een oeuvre gecreëerd dat rijk en onmiskenbaar vol betekenis is. Maar ondanks zijn ontdekkingen is hij op de rand van het mes gebleven, nooit onthullend, of misschien nooit wetend of zich bekommerend om te weten, precies wat die betekenis is.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

Uitgelichte afbeelding: Stanley Whitney - Untitled, 2016, olie op linnen, foto credits van Galerie Nordenhake
Alle afbeeldingen © de kunstenaar en Galerie Nordenhake;
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio