Waarom de Raster Schilderijen van Stanley Whitney Ertoe Doen

De recente schilderijen van de Amerikaanse abstracte schilder Stanley Whitney hebben een duidelijke rasterachtige kwaliteit. Het zijn architectonische stapelingen van kleuren, die doen denken aan Neo-Plasticistische televisiekleurbalken. En zijn recente tekeningen leggen zijn aantrekkingskracht tot het raster nog duidelijker bloot, bestaande uit eenvoudige composities van dikke zwarte lijnen die lijken op een rudimentair dambord of visnet. Maar Whitney was niet altijd een raster-schilder. Het raster was iets waar hij decennia over deed om naartoe te groeien. Sterker nog, wanneer men terugkijkt op de afgelopen vijf decennia van zijn schilderijen, kan men niet anders dan een soort voortschrijdend verhaal aan het werk verbinden, een verhaal dat ver voorbij zijn oorsprong reikt en onderweg zowel eenvoudiger als dieper is geworden. Dit is ironisch omdat Whitney ooit zei in de Modern Art News Podcast dat de reden dat hij een abstracte beeldtaal aannam was omdat, “ik eigenlijk geen verteller wilde zijn.” Maar zijn esthetische ontwikkeling vertelt wel degelijk een verhaal. Het is geen typisch, heldhaftig verhaal met een begin-midden-eind. Het is meer een chronologie, of een reeks nieuwsberichten vanaf de frontlinie van een voortdurende strijd. Die strijd, die Stanley Whitney voert sinds nog vóór hij zich in de late jaren 60 aan abstractie wijdde, is met de middelen van schilderen en tekenen, en hun rol in de uitdrukking van kleur en ruimte.

Een kleurrijke jeugd

Het is geen verrassing dat Stanley Whitney bekend is geworden door zijn onderzoek naar kleur. Nu hij in de zeventig is, vertelt hij een mooi verhaal over hoe hij als tienjarige zijn eerste schilderles volgde op een buurtschool in zijn geboorteplaats Bryn Mawr, Pennsylvania. De leraar gaf de kinderen in de klas de opdracht zelfportretten te schilderen. Terwijl de andere leerlingen pogingen deden om hun verschillende realistische gelaatstrekken vast te leggen, voelde Whitney zich meer aangetrokken tot kleur dan tot representatieve onderwerpen.

In plaats van te proberen een kleurenpalet te mengen dat overeenkwam met zijn werkelijke uiterlijk, maakte hij een zelfportret met alle kleuren die hij maar kon bedenken. Whitney zegt dat de leraar het schilderij mooi vond, maar zijn ouders begrepen het niet. Ze stuurden hem nooit meer terug naar de les. Maar dat weerhield Whitney er niet van zich te blijven aangetrokken voelen tot de mogelijkheden van schilderen en kleur. Sterker nog, het is niet overdreven om te zeggen dat Stanley Whitney sinds die dag als tienjarige in zijn eerste schilderles zich heeft toegewijd aan het zoeken naar de ideale manier om kleur tot zijn onderwerp te maken.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, fotocredits van Galerie Nordenhake

Ruimte vinden

Naast zijn aantrekkingskracht tot kleur voelde Stanley Whitney zich als jongere ook aangetrokken tot het proces van tekenen. Zijn zwart-witte tekeningen leken aanvankelijk los te staan van zijn liefde voor kleur, maar er was een subtiele verbinding tussen de twee die hij pas na vele jaren ontdekte. Die verbinding heeft te maken met ruimte. Bij het maken van zijn zwart-witte tekeningen ontdekte hij dat de verdeling van ruimte op ontelbare manieren kon plaatsvinden, terwijl de lijnen hun relatie tot de witte ruimte in de compositie aangingen. Naarmate hij beter werd in schilderen, raakte hij echter in de war over hoe hij diezelfde onderhandeling van ruimte met kleur kon bereiken.

In zijn vroege figuratieve werken voelen de kleuren benauwend en krap aan. In zijn eerste pogingen tot abstractie, die variaties waren op Color Field Painting met toegevoegde gebaren, voelen de kleuren juist te los aan. Hij zei: “Ik wil veel lucht in het werk. Ik wil veel ruimte in het werk.” Maar hij leek vast te lopen in hoe hij luchtigheid bovenop de ruimte van het doek kon creëren. Zijn openbaring kwam in de jaren 70 tijdens een reis naar de Middellandse Zee. Tijdens een bezoek aan Egypte en Rome zag hij het antwoord in architectuur en licht. De oude architectuur drukte structuur, beheersing en het democratische potentieel van gestapelde elementen uit. De Middellandse Zee-schaduwen en het licht toonden hem dat kleur en licht hetzelfde zijn, en dat koele en warme kleuren, net als koel en warm licht, ruimte uitdrukken. Dat ontsloot een mysterie van het schilderen dat, zoals hij zegt, “De lucht en de ruimte konden in de kleur zitten, niet dat de kleur op de ruimte zat.”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, grafiet op papier, fotocredits van Galerie Nordenhake

Een methodisch proces

“Dat was het begin van het samenkomen van dingen,” zegt Whitney. Vanaf dat moment is hij langzaam geëvolueerd naar de raster-schilderijen die hij nu maakt. Hij heeft geëxperimenteerd met graffiti-achtige gebaren om te bepalen hoe kleur door lijn kan worden uitgedrukt, vergelijkbaar met het werk van Mondriaan. Hij heeft manieren onderzocht om het raster te benaderen, van gestapelde vormen tot rijen stippen en banden van kleuren. Hij wist dat hij een skeletachtig raamwerk wilde om zijn kleuren op een rechtvaardige manier te bevatten, maar hij wilde ook niet dat de regel van het raster zijn werken in een bepaalde richting dwong. Hij wilde de perfecte mix van structuur en vrijheid vinden, zoals bij jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, olie op linnen, fotocredits van Galerie Nordenhake

De volwassen rasterwerken die Stanley Whitney nu maakt zijn puur en stabiel. Ze lijken zelfs aanvankelijk wat te ontbreken aan de korreligheid en onrust die zijn eerdere pogingen zo levendig maakten. Maar bij nadere beschouwing zijn de schilderachtige sporen van de menselijke hand duidelijk zichtbaar, en onthult de complexiteit van de composities de diepte waarmee Whitney nog steeds worstelt met zijn raadsel. Hij heeft een manier gevonden om kleur tot zijn onderwerp te maken. Hij heeft het geheim ontdekt dat kleur en licht hetzelfde zijn, en beide manifestaties van ruimte. En door deze ontdekkingen heeft hij een oeuvre gemaakt dat rijk en onmiskenbaar vol betekenis is. Maar ondanks zijn ontdekkingen is hij altijd op het scherp van de snede gebleven, nooit onthullend, of misschien nooit wetend of zich bekommerend om te weten, wat die betekenis precies is.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, olie op doek, fotocredits van Galerie Nordenhake

Uitgelichte afbeelding: Stanley Whitney - Untitled, 2016, olie op linnen, fotocredits van Galerie Nordenhake
Alle afbeeldingen © de kunstenaar en Galerie Nordenhake;
Alle afbeeldingen uitsluitend gebruikt ter illustratie
Door Phillip Barcio