Как рисование revitalизировало послевоенную Америку - в MoMA

С снятием ограничений COVID в Нью-Йорке несколько выставок музеев, чьи сроки были продлены во время пандемии, вновь открываются. Среди лучших для поклонников абстракции — Степень ноль: Рисунок в середине века в MoMA, выставка из 79 в основном абстрактных рисунков, созданных в период с 1950 по 1961 год. Что делает эту выставку необычной, так это два вопроса, которые поднимает куратор, о природе и ценности рисунка как художественного средства, а также о власти учреждений создавать и пересоздавать официальные версии истории искусства. Что касается ценности рисунка как средства, то ставки, как правило, кажутся ниже, чем у его дизиготных братьев — живописи и скульптуры. Бумага, ручки и карандаши недороги и легко доступны по сравнению с хорошими красками, холстом, металлом, глиной или камнем. Сами художники часто считают рисунки практикой для других работ. Иронично, что такие низкие ожидания иногда приводят к шедеврам, придавая рисунку ощущение свободы, которое более запланированные и целенаправленные средства сопротивляются. Степень ноль исследует это явление двумя способами. Во-первых, куратор сосредоточен на десятках рисунков, которые явно предназначались как законченные — а не подготовительные — работы, таких как захватывающий дух желтый безымянный рисунок швейцарской художницы Соньи Секулы или идеальная "Композиция с одним флагом" итало-бразильского художника Альфредо Вольпи. Во-вторых, он включает несколько предположительно подготовительных работ — наиболее примечательны рисунки Элсворта Келли "Эскиз для La Combe II" (1950) и "Эскиз для окна, Музей современного искусства, Париж" (1949) — которые во многих отношениях превосходят финальные версии, которые они предшествовали. Что касается того, что Степень ноль делает, чтобы адресовать власть таких учреждений, как MoMA, писать и переписывать историю искусства, вся выставка по сути является попыткой исправить узкий нарратив, к которому MoMA сама внесла вклад в первую очередь, что послевоенное искусство в значительной степени было американским, белым, мужским делом, доминируемым абстрактным экспрессионизмом. Полностью собранная из постоянной коллекции MoMA, Степень ноль включает художников двух полов из пяти континентов, представляет множество расовых групп и включает некоторых неподготовленных художников. Это ничего не делает для стирания старых грехов, но по крайней мере свидетельствует о желании MoMA сегодня начать исправлять сломанное прошлое.

Ящики чертежей

Возможно, самое примечательное в Нулевая степень — это то, что выставка вообще существует. Любой профессиональный художник скажет вам, что причина, по которой рисунки, как правило, стоят дешевле картин как на первичном, так и на вторичном рынках, заключается в том, что коллекционеры, как правило, не рассматривают рисунки как архивные. Многие художники на самом деле не тратят время на выбор качественной бумаги, подготовку поверхности, выбор качественных материалов или защиту работы после завершения. Когда вы покупаете рисунок, вам в конечном итоге приходится тратить много денег на оформление работы, заботясь о выборе правильного типа стекла и размещении его в месте, где оно не будет повреждено атмосферными условиями. Даже когда рисунки сделаны и защищены должным образом, они, как правило, разрушаются быстрее, чем картины. Вот почему многие рисунки в музейных коллекциях просто оказываются в плоских ящиках на десятилетия, игнорируемыми и в конечном итоге забытыми. Когда их вновь открывают, они иногда оказываются уже безнадежными.

Норман Льюис - Посланник, 1952. Уголь и чернила на бумаге. 26 x 30 3/8′′ (66.1 x 77.3 см). Музей современного искусства, Нью-Йорк. Подарок Бланшетт Хукер Рокфеллер © Наследие Нормана Льюиса; Предоставлено галереей Майкла Розенфельда LLC, Нью-Йорк, NY

Как-то так, MoMA не только удалось собрать 79 рисунков из одного десятилетия, но теперь, когда им более 60 лет, значительное количество этих рисунков все еще находится в исключительно хорошем состоянии. Один фантастический пример — «Без названия (Дымовой рисунок)» (1959) Отто Пиене. Художник создал это произведение, подвесив лист бумаги на металлическом экране над горящим пламенем, позволяя дыму обжигать круговой узор на бумаге. Как-то так, этот обожженный лист бумаги остается совершенно целым и восхитительно выразительным, спустя 62 года. Другой замечательный пример — «Посланник» (1952), угольный и чернильный рисунок на бумаге Нормана Льюиса. Это произведение сохраняет такую детальность, тонкость и нюанс, что почти через 70 лет после его создания оно, кажется, все еще содержит эхо благородного, вдумчивого, живого сердца этого необыкновенного художника. Удивительное сохранение этих работ деконтекстуализирует медиа не как нечто, обреченное на разрушение, а как нечто уникально выразительное ума и тела художника, который его создал, что стоит защищать и собирать.

Вид установки выставки "Степень ноль: Рисунок в середине века", 1 ноября 2020 – 6 февраля 2021 года в Музее современного искусства, Нью-Йорк. Цифровое изображение © 2020 Музей современного искусства, Нью-Йорк. Фото Роберта Герхардта.

Исправление истории

Сamantha Friedman, ассоциированный куратор MoMA по рисункам и графике, заслуживает дополнительной похвалы за то, как хорошо она выбрала работы, которые передают глобальную, многогранную, многорасовую и многодидактическую перспективу. Тем не менее, я также одинаково впечатлён тем, как Degree Zero повлиял на моё понимание индивидуальных произведений некоторых художников на выставке. Пара рисунков Луизы Буржуа абсолютно заворожила меня, повторяя о детстве, которое живет внутри взрослых, и предлагая восхитительный взгляд на юную душу этого художника, чьи скульптуры я нахожу ужасающе и глубоко взрослыми. "Без названия (Флоренция)" (1952) Джей Дефо — это единственный малый масштаб этого художника, который я когда-либо видел. Его шокирующая ясность и страсть запечатлели изображение в моем сознании, вероятно, навсегда. Безымянный черно-белый рисунок Жоржа Матьё 1958 года поднял планку уважения к этому художнику еще выше. Я всегда был поклонником его уникальных космических абстракций, но то, что он сделал здесь без помощи цвета и текстуры, доказало мне его мастерство.

Джоан Митчелл - Без названия, 1957. Масло на бумаге. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49.5 x 44.5 см). Музей современного искусства, Нью-Йорк. Комитет по фондам рисунков © Наследие Джоан Митчелл

Последний способ, которым я считаю, что Degree Zero «исправляет» историю, заключается в его готовности выйти за рамки того, что обычно считается рисунком. New City (1953), акварель и чернила на бумаге Дороти Дехнер, обычно считалась бы просто акварельной живописью, но ее линейный облик, безусловно, указывает на то, что она принадлежит этой выставке. Аналогично, цветная, безымянная работа пастелью Бофорда Делани обычно показывалась бы как живопись или просто работа на бумаге. То же самое можно сказать о потрясающей безымянной масляной работе на бумаге Джоан Митчелл 1957 года; о работе акрилом на бумаге Сабуро Мураками; о чернильном оттиске Сари Дьенес; и о коллаже «2Letters Ms» (1961) Веры Молнар. Классификация этих работ как рисунков размывает определения тонким, подрывным образом и добавляет к общему эффекту, который достигает эта выставка, расширяя опыт рисования и истории искусства, чтобы быть более открытым, чем это было в прошлом.

Изображение: Отто Пиене - Без названия (Рисунок дымом), 1959. Сажа на бумаге. 20 x 29 дюймов (51 x 73 см). Музей современного искусства, Нью-Йорк. Приобретено на средства, предоставленные Шелдоном Х. Солоу © 2019 Отто Пиене / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / VG. Bild-Kunst, Германия
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio