Как рисование revitalизировало послевоенную Америку - в MoMA
С отменой ограничений, связанных с COVID, в Нью-Йорке, несколько музейных выставок, сроки проведения которых были продлены во время пандемии, вновь привлекают внимание. Одной из лучших для поклонников абстракции является Нулевой уровень: Рисунок середины века в MoMA — выставка 79 преимущественно абстрактных рисунков, созданных в период с 1950 по 1961 год. Особенность этой выставки — в двух вопросах, которые ставит кураторская работа: о природе и значении рисунка как художественного средства и о силе институтов создавать и пересоздавать официальные версии истории искусства. Что касается значения рисунка как средства, то обычно оно воспринимается ниже, чем у его двуяйцевых близнецов — живописи и скульптуры. Бумага, ручки и карандаши дешевле и доступнее по сравнению с хорошими красками, холстом, металлом, глиной или камнем. Сами художники часто считают рисунки лишь подготовкой к другим работам. Ирония в том, что такие низкие ожидания иногда приводят к шедеврам, поскольку рисунок дарит ощущение свободы, противостоящее более продуманным и целенаправленным средствам. Нулевой уровень исследует это явление двумя способами. Во-первых, кураторская работа сосредотачивается на десятках рисунков, которые явно задумывались как законченные, а не подготовительные работы, например, потрясающий, жёлтый, безымянный рисунок швейцарской художницы Соньи Секулы или идеальная «Композиция с одним флагом» итальянско-бразильского художника Альфредо Вольпи. Во-вторых, выставка включает несколько предположительно подготовительных работ — особенно рисунки Эллсворта Келли «Эскиз для La Combe II» (1950) и «Эскиз для окна, Музей современного искусства, Париж» (1949), которые во многих отношениях превосходят последующие окончательные версии. Что касается того, как Нулевой уровень отражает влияние таких институтов, как MoMA, на написание и переписывание истории искусства, вся выставка по сути является попыткой исправить узкий нарратив, к которому MoMA изначально приложил руку: что послевоенное искусство было в основном американским, белым, мужским делом, доминируемым абстрактным экспрессионизмом. Вся экспозиция собрана из постоянной коллекции MoMA и включает художников двух полов с пяти континентов, представляет множество расовых групп и включает некоторых самоучек. Это не стирает старые ошибки, но по крайней мере свидетельствует о желании MoMA сегодня начать исправлять сломанное прошлое.
Рисовальщики рисунков
Возможно, самое заметное в Нулевом уровне — это сам факт существования этой выставки. Любой профессиональный рисовальщик скажет вам, что причина, по которой рисунки обычно стоят дешевле живописи как на первичном, так и на вторичном рынке, заключается в том, что коллекционеры не считают рисунки долговечными. Многие рисовальщики на самом деле не тратят время на выбор качественной бумаги, подготовку поверхности, подбор качественных материалов и защиту работы после её завершения. Когда вы покупаете рисунок, вам приходится тратить много денег на оформление в раму, тщательно выбирая правильный тип стекла, и вешать его в месте, где он не пострадает от атмосферных условий. Даже при правильном изготовлении и защите рисунки обычно портятся быстрее, чем живопись. Вот почему многие рисунки в музейных коллекциях десятилетиями лежат в плоских ящиках, игнорируемые и в конечном итоге забытые. Когда их вновь обнаруживают, они иногда уже безнадёжны.
Норман Льюис — Посланник, 1952. Уголь и тушь на бумаге. 66,1 x 77,3 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк. Подарок Бланшетт Хукер Рокфеллер © Наследие Нормана Льюиса; предоставлено Michael Rosenfeld Gallery LLC, Нью-Йорк, NY
Как ни странно, MoMA не только собрал 79 рисунков из одного десятилетия, но и спустя более 60 лет многие из них находятся в исключительно хорошем состоянии. Один из фантастических примеров — «Без названия (Рисунок дымом)» (1959) Отто Пине. Художник создал эту работу, подвесив лист бумаги на металлической сетке над горящим пламенем, позволяя дыму оставить ожог в виде кругового узора на бумаге. Как ни странно, этот обожжённый лист бумаги остаётся полностью целым и удивительно выразительным спустя 62 года. Другой замечательный пример — «Посланник» (1952), рисунок углём и тушью на бумаге Нормана Льюиса. Эта работа сохраняет такую детализацию, тонкость и нюанс, что почти через 70 лет после создания кажется, что в ней всё ещё звучит отзвук благородного, вдумчивого, живого сердца этого выдающегося художника. Великолепное сохранение этих работ выводит рисунок из контекста обречённого на разрушение средства в нечто уникально выразительное, отражающее ум и тело рисовальщика, что заслуживает защиты и коллекционирования.
Вид инсталляции Нулевой уровень: Рисунок середины века, 1 ноября 2020 — 6 февраля 2021 в Музее современного искусства, Нью-Йорк. Цифровое изображение © 2020 Музей современного искусства, Нью-Йорк. Фото Роберта Герхардта
Исправление истории
Саманте Фридман, помощнику куратора MoMA по рисункам и гравюрам, следует отдать дополнительную честь за то, как хорошо она подобрала работы, передающие глобальную, многообразную по полу, расе и образованию перспективу. Однако меня не меньше впечатлил эффект, который Нулевой уровень оказал на моё понимание отдельных творений некоторых художников выставки. Пара рисунков Луизы Буржуа полностью захватила меня, напоминая о ребёнке, живущем в каждом взрослом, и предлагая восхитительный взгляд на юную душу этой художницы, чьи скульптуры я нахожу пугающе и глубоко взрослыми. «Без названия (Флоренция)» (1952) Джей ДеФео — единственная небольшая работа этого художника, которую я когда-либо видел. Её поразительная ясность и страсть навсегда отпечатались в моей памяти. Безымянный чёрно-белый рисунок Жоржа Матьё 1958 года поднял моё уважение к этому живописцу ещё выше. Я всегда был поклонником его уникальных космических абстракций, но увидев, что он создал здесь без помощи цвета и текстуры, я убедился в его мастерстве.
Джоан Митчелл — Без названия, 1957. Масло на бумаге. 49,5 x 44,5 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк. Фонд по рисункам © Наследие Джоан Митчелл
Последний способ, которым я считаю, что Нулевой уровень «исправляет» историю, — это его готовность выйти за рамки того, что обычно считается рисунком. «Новый город» (1953), акварель и тушь на бумаге Дороти Дехнер, обычно считался бы просто акварельной живописью, но его линейный облик явно указывает на принадлежность к этой выставке. Аналогично, цветная безымянная пастельная работа Бофорда Делани обычно показывалась бы как живопись или просто работа на бумаге. То же можно сказать о потрясающей безымянной масляной работе на бумаге Джоан Митчелл 1957 года; акриловой работе с брошенным мячом Сабуро Мураками; оттиске тушью Сари Диенес; и коллаже «2Letters Ms» (1961) Веры Молнар. Отнесение этих работ к рисункам тонко и подрывно размывает определения, усиливая общий эффект выставки — расширение восприятия рисунка и истории искусства, делая их более открытыми, чем раньше.
Изображение на обложке: Отто Пине — Без названия (Рисунок дымом), 1959. Сажа на бумаге. 51 x 73 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк. Приобретено на средства, предоставленные Шелдоном Х. Соловым © 2019 Отто Пине / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк / VG. Bild-Kunst, Германия
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Barcio
