Artikel: Geometrisk Abstraktion: INTE En Annan Heroisk Berättelse om Malevich och Mondrian
Geometrisk Abstraktion: INTE En Annan Heroisk Berättelse om Malevich och Mondrian
Varför raka linjer fortfarande är viktiga
Geometrisk abstraktion är en av de där konsthistorierna som alla tror att de känner till. Några kvadrater av Malevich, en Mondrian i primärfärger, lite Op Art som gör att dina ögon värker, och sedan slutar historien förmodligen där. I de flesta museietiketter och allmänna böcker framstår den som en linjär, heroisk och något stram berättelse: en liten grupp pionjärer gör en serie genombrott, där varje genombrott snyggt leder till nästa, tills kapitlet avslutas.
Ändå antyder beständigheten av raka linjer, rutnät och kodade strukturer i samtida måleri, skulptur och digitalt arbete något annat. Geometri är inte ett avslutat kapitel; det är ett levande språk som konstnärer fortsätter att lära om, ifrågasätta och böja för nya syften. Istället för att återberätta den linjära heroiska berättelsen följer denna artikel en uppsättning spänningar som löper genom geometrisk abstraktion från tidigt 1900-tal till idag: andligt vs. rationellt, utopiskt vs. ironiskt, hand vs. kod.
(Och för er som strikt är här för den grundläggande, och låt oss vara ärliga, något tråkiga historien om Geometrisk Abstraktion, känn er fria att scrolla direkt till FAQ längst ner på denna sida: den täcker läroboksversionen perfekt!)
Andliga kvadrater och icke-objektiv tro
I början av 1900-talet var geometri inte det rena, sekulära designverktyg vi tänker på idag. Det var djupt märkligt. För konstnärer som Wassily Kandinsky och Kazimir Malevich var geometri ett fordon för det ockulta. Stark påverkad av Teosofi och idén att "tankebilder" kunde vara synliga, såg de triangeln och cirkeln inte som former, utan som kondenserade dramer av krafter.
När Malevich målade sin Svarta Kvadrat var det inte en formalistisk övning; han kallade den en "bar, ramlös ikon" för en ny religion. Engagemanget var totalt: när han dog 1935 monterades en Svart Kvadrat på motorhuven på lastbilen som bar hans kista, som en regementsflagga. Denna linje, där den hårda kanten tjänar den mjuka anden, består. Det handlar inte om matematik; det handlar om andetag.
C63 av Elizabeth Gourlay (2022)
Vi ser detta arv i arbetet av den avlidna Elizabeth Gourlay (1961–2024). Hennes praktik handlade aldrig om linjens stelhet utan om dess resonans. Precis som de tidiga pionjärerna som sökte en visuell musik fungerade Gourlays kompositioner som partitur. Men där Malevich sökte en radikal nollpunkt fann Gourlay en meditativ ackumulering, med subtila skiftningar i färg och ton för att skapa en geometri som kändes växt snarare än byggd, en "graf över ett sinnestillstånd" snarare än en ritning.
Utopier i primärfärger och Concrete Art
En annan tro växte fram med De Stijl och konstruktivismen, och senare med Concrete Art. Här var rutnätet inte ett fönster in i själen, utan en modell för ett bättre samhälle. Det avgörande ögonblicket kom när Theo van Doesburg publicerade sitt Manifest för Concrete Art 1930 och förklarade att "inget är mer verkligt än en linje, en färg, en yta." Idén var radikal: en abstrakt målning abstraherar från verkligheten (som ett förenklat träd), men en konkret målning är sin egen verklighet. Den ljuger inte.
Denna strävan efter en konst av absolut klarhet, fri från känslornas rörighet, skapade en särskild form av tyst intensitet. Denna atmosfär är påtaglig på Musée d’Art Concret i Mouans-Sartoux, en plats som vi på IdeelArt ofta besöker. Den påminner oss om att denna specifika form av abstraktion erbjuder en fysisk upplevelse av frid, en tillflyktsort för logik i en kaotisk värld.
XXIV 33 212 (Diptyk) av Pierre Muckenstürm (2024)
Den där känslan av "konkret" stabilitet är central för Pierre Muckensturm. Han försöker inte uttrycka en flyktig känsla; han konstruerar ett objekt. Genom att organisera sina dukar kring noggrant kalibrerade intervaller och vikter skapar han en stillhet som känns oundviklig. Det är en samtida fortsättning på det konkreta löftet: att en perfekt balanserad bild kanske kan framkalla ett balanserat sinne.
Rutnätet, staden och tecknet
När seklet fortskred migrerade rutnätet från en utopisk ritning till något mer ambivalent. Det började likna fängelsegaller eller layouten av ett kalkylblad. På 1980-talet omtolkade Neo-Geo-rörelsen, ledd av konstnärer som Peter Halley, kvadraten inte som ett andligt tomrum, utan som en "cell" – med referenser både till biologiska celler och fängelseceller, kopplade av "ledningar" i modern infrastruktur.
Large Test Pattern 3 av Tom McGlynn (2002)
Den geometriska konstnären idag fungerar ofta som en avkodare av detta urbana landskap. Vi är omgivna av instruktionsgrafik, tunnelbanekartor och varningsskyltar. Tom McGlynn verkar i detta vardagsspråk. Han behandlar stadens visuella brus – butiksfönster, skyltar, logotyper – som rådata, och tar bort det kommersiella budskapet för att lämna kvar endast den skelettlika syntaxen i den urbana miljön.
Enchantment Hurdu av Philippe Halaburda (2020)
På liknande sätt kartlägger Philippe Halaburda en annan typ av territorium. Hans "psychogeographies" ser ut som hektiska tunnelbanekartor eller exploderade kretskort, och fångar de osynliga flödena av data och rörelse som definierar våra liv. Där Mondrian målade boogie-woogie i New Yorks rutnät, målar samtida konstnärer överbelastningen i serverhallen.
Perception: När ögat glitchar
Om tidig abstraktion var allvarlig, så kom mitten av seklet med en "hack" för det mänskliga operativsystemet: Op Art. När MoMA öppnade utställningen "The Responsive Eye" 1965 var reaktionen visceral: vissa besökare svimmade faktiskt eller rapporterade illamående! Konstverket satt inte bara där; det gjorde saker med dig. Konstnärer som Bridget Riley bevisade att en statisk yta kunde skapa rörelse, inte genom magi, utan genom synens fysiologi.
Mareas av Christina Ghetti (2024)
Samtida konstnärer har gått bort från den aggressiva "attacken" mot näthinnan mot mer subtila vibrationer. Cristina Ghetti använder moaré-effekten, interferensmönstren som skapas av överlappande rutnät, men saktar ner den. Istället för 60-talets yrsel erbjuder hennes verk ett taktilt surr, en visuell frekvens som inbjuder betraktaren att justera sitt fokus. Det handlar mindre om att lura ögat än att testa dess gränser, och skapa ett utrymme där digitala glitchar möter den målade duken.
Geometriska Harmonier: Algoritmen Före Datorn
Långt innan generativ AI använde geometriska konstnärer algoritmer. Sol LeWitt skrev berömt, "Idén blir en maskin som skapar konsten." Konstnärens uppgift var att skriva koden (reglerna); utförandet var sekundärt. Detta kopplar till Oulipo-gruppen inom litteraturen: författare som trodde att strikta begränsningar (som att skriva en roman utan bokstaven 'e') tvingade fram större kreativitet.
Dawn Light Skew 2 av Debra Ramsay (2023)
Idag är detta "algoritmiska" tillvägagångssätt standard, oavsett om datorn är inblandad eller inte. Debra Ramsay fungerar som en mänsklig datalogger. Hon följer förändringar i naturliga miljöer – de skiftande färgerna på ett specifikt träd under ett år – och översätter dessa data till rigorösa system av linjer. Resultatet är en målning som ser abstrakt ut men som faktiskt är en specifik dataset av tid och ljus.
Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) av Jasper van der Graaf (2023)
Vi ser en liknande strikthet i Jasper van der Graaf, vars verk dekonstruerar själva begreppet mönster. Genom att förskjuta och kombinera geometriska moduler skapar han en visuell rytm som känns som ett språk vi nästan förstår. Det är systemets skönhet: tillfredsställelsen i att se matematiken gå ihop, även om ekvationen förblir dold.
Strikthet och Bus: Att Bryta Rutnätet
Det finns en missuppfattning att geometrisk konst är humorlös. Men det finns en lång tradition av "excentrisk abstraktion." Tänk på François Morellet, som bestämde kurvorna i sina målningar med hjälp av siffrorna i Pi, eller Heimo Zobernig, som använder rutnätet med en avsiktlig, ironisk slarvighet. Geometri kan vara ett spel, ett sätt att sätta upp en regel bara för nöjet att bryta den.
12 Shapes av Dana Gordon (2024)
Dana Gordon Dana Gordon verkar i denna zon av organiserad överflöd. Hans målningar är byggda av täta, rytmiska kluster av former som antyder ett rutnät utan att vara fångade av det. Det är en form av geometrisk improvisation—mycket som jazz—där strukturen ger en takt, men färgen och markeringarna är fria att improvisera och vandra. Resultatet är en "lös geometri" som känns levande och konsekvent lekfull snarare än kalkylerad.
Red Frames av Daniel Göttin (2019, Amsterdam, Permanent Installation)
I den tredimensionella världen tar Daniel Göttin detta lekfulla in i den verkliga världen. Han använder industriella material, tejp, trä, metall, för att ingripa i arkitektoniska utrymmen. Han följer strikta regler, men resultatet bestäms av rummets oregelbundenheter: en ventil, ett hörn, ett fönster. Det är en dialog mellan den platonska idealen av kvadraten och den röriga verkligheten av utställningsväggen.
Bortom den plana ytan: Våldsam geometri
"Det du ser är vad du ser," sade Frank Stella och insisterade på att en målning bara är ett objekt, inte ett fönster. Detta ledde konstnärer till att helt bryta rektangeln. Den samtida konstnären Angela de la Cruz tar berömt den geometriska monokromen och bryter stretcher-ramarna, och skrynklar målningen till ett skulpturalt vrak.
Bulge av Holly Miller (2007)
Även om det är mindre våldsamt är många konstnärer idag lika engagerade i idén att geometri måste undkomma det plana planet. Holly Miller ersätter den målade linjen med fysisk tråd, och syr direkt genom duken. "Linjen" är inte längre en representation; det är en fysisk spänning som kastar en verklig skugga.
Brand New Day av Tom Henderson (2018)
På samma sätt rör sig Tom Henderson in i området för industriell finish, med användning av Plexiglas och olja för att skapa väggskulpturer som fångar ljus och reflektion, och förändras när betraktaren rör sig. Och Louise Blyton utmanar de vanliga fyra hörnen av målning med sina formade dukar och rå linne, och mjukar upp den hårda kanten genom texturen av naturligt material. De påminner oss om att geometri inte bara är ett mentalt koncept; det är en sak i världen, med vikt, textur och konsekvens.
Inside and Outside av Louise Blyton (2020)
Slutsats: Att leva med system
Vi lever omgivna av geometrier vi inte valt: stadsplaner, gränssnitt, logistiska nätverk. Geometrisk abstraktion speglar inte bara dessa system; den erbjuder ett utrymme för att undersöka dem, sakta ner dem eller föreställa sig alternativ.
Oavsett om det är genom de meditativa partitur av Elizabeth Gourlay eller den urbana avkodningen av Tom McGlynn, bevisar dessa konstnärer att geometri inte är ett fängelse. Det är ett språk. Och utmaningen nu är inte att upprepa kanon, utan att se hur dessa former fortfarande kan tala i en värld där geometri har blivit både vår livsmiljö och vår begränsning.
