Tre mästare av färgen blå i samtida konst

När du ser färgen blå, vad känner du? Skulle du beskriva det som något annat än vad du känner när du hör ordet blå, eller läser ordet blå på en sida? Är informationen som kommuniceras av en nyans annorlunda än informationen som kommuniceras av dess namn? Oavsett vad du känner, är det möjligt att känslan är universell? Eller betyder färgen blå olika saker för olika människor? Och vad sägs om djur? Kopplar de färg till känslor, eller använder de sina färgreceptorer endast för överlevnad? Dessa frågor har mystifierat färgstudenter i århundraden, och på vissa sätt är vi inte närmare att besvara dem idag än vi var för hundra år sedan. Men en bok som nyligen publicerats av Phaidon Press tar oss lite längre mot en förståelse av färg, åtminstone när det gäller konst. Skriven av Stella Paul, en tidigare kurator vid Los Angeles County Museum of Art och tidigare programdirektör vid Metropolitan Museum of Art i New York, Chromaphilia: The Story of Color in Art lyfter fram 240 individuella konstverk. Inte bara lyser hennes uttömmande utforskning av färg nytt ljus på de otaliga sätt som tio distinkta färgkategorier har använts av konstnärer genom historien, utan den utforskar också de olika sätt som färg korsar vetenskap, känslor, estetik och andra områden av mänsklig kultur. Idag skulle vi vilja ta en djupare titt på verken av några av de konstnärer som Paul nämner i boken för att illustrera bredden och kraften i färgen blå: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso och Yves Klein.

Att se färg

En av de märkliga sakerna med färg är hur ofta två personer kan titta på samma objekt samtidigt på samma plats och ändå påstå att objektet de tittar på har en annan färg. Vi undrar, “Hur kan det vara? Är färg inte objektiv?” Men det korta svaret är nej. Färg är ofta subjektiv. Anledningen har något att göra med vetenskapen bakom hur människor ser färg. Människor (och de flesta andra djur som ser färg) är trikromater. Det betyder att receptorerna i människans ögon uppfattar tre grundläggande våglängder som motsvarar färg. Du kanske har hört talas om RGB-färgsystemet som används av vissa skrivare. Initialerna RGB står för Röd, Grön och Blå. Det är det färgsystem som mest nära motsvarar människans syn. Uppenbarligen är röd, grön och blå inte de enda färger som människans ögon kan uppfatta. Faktum är att de flesta människor kan uppfatta så många som sju miljoner distinkta nyanser. Men varje av dessa olika nyanser tolkas i hjärnan efter att ögonen först uppfattar den som en kombination av röd, grön och blå.

Dessutom har den färg vi uppfattar ett objekt att vara inte bara att göra med objektet självt. Ja, vi skulle kunna analysera det material som ett objekt är gjort av och komma fram till en viss förståelse av vilken färg det materialet sannolikt har baserat på dess kemiska sammansättning. Men den kemiska sammansättningen av ett ämne är inte den enda faktorn som påverkar vilken färg vi uppfattar det att vara. Anledningen till att människor överhuvudtaget kan uppfatta färg är på grund av ljus. Och ljus kan också vara färgat, i vilket fall det kan förändra den färg våra ögon ser när de tittar på en yta. Vidare kan en uppsättning ögon också vara mer känsliga, eller bara olika känsliga, för ljus än en annan uppsättning ögon, vilket gör att sättet två hjärnor tolkar färg också kan vara olika. I grund och botten är det samma sak som gör att vi kan se färg som också kan förändra vår uppfattning av färg. Därför kan det ibland verka subjektivt att prata om färg, och att argumentera om vilken färg något är kan verka rent löjligt.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, akryl på duk, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Färgen Blå

Ändå varierar de variationer som olika människor ser när de tittar på något som har en viss färg vanligtvis inte så dramatiskt som, till exempel, att en person ser röd och en annan ser blå. Normalt är variationen mer subtil, som att en person ser himmelsblå och en annan ser akvamarin. Men det som kan variera mycket är det spektrum av andra saker våra hjärnor uppfattar när vi tittar på en viss färg, bortom dess fysiska egenskaper. Som den inledande meningen i kapitlet om färgen blå i Chromaphilia: The Story of Color in Art observerar: “Det finns många typer av blått - alla samma nyans, men med oändliga permutationer av utseende, effekt, ursprung och betydelse.”

Utseende har vi redan täckt. Men det roliga börjar verkligen när vi överväger "effekt, ursprung och betydelse." När det gäller effekt kan en person se färgen blå och bli lugn. En annan kan bli ledsen vid åsynen av något blått. Så mycket av hur vi reagerar på färg har att göra med våra tidigare erfarenheter av färgen. Ursprung är en annan fascinerande övervägning, eftersom varje variation av färgen blå kommer från en fundamentalt annorlunda blandning av element. Variationer i blå färgpigment kan komma från olika kombinationer av bindemedel och mineraler. Variationer i blått ljus kan ha att göra med olika partiklar i luften. Och när det gäller betydelse, det är där saker verkligen blir komplicerade. Varje individ, varje grupp och varje kultur utvecklar sin egen idiosynkratiska relation till färgen blå. Därför, när man använder färgen blå i ett konstverk, finns det bokstavligen ingen aning om vilken typ av betydelse som kommer att uppfattas när konstverket slutligen ses. För att utforska hur vilda variationerna mellan uppfattningen av blått kan vara i konsten, överväg verken av de tre konstnärerna som nämns i Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler och Picasso.

Pablo Picasso - Mor och barn, 1902, olja på duk

Blått i Yves Kleins verk

När det kommer till 1900-talets konst och färgen blå, är det ingen konstnär som snabbare dyker upp i de flestas tankar än Yves Klein. Legenden säger att när Klein var ung hängde han på stranden med sina vänner, konstnären Arman och den franske kompositören Claude Pascal. De tre delade världen mellan sig. Arman valde jorden. Pascal valde skrivna symboler. Och Klein valde himlen, och lyfte genast sin hand och signerade sitt namn i luften. Från det ögonblicket blev färg viktig för Klein. En av hans tidigaste utställningar innehöll monokromatiska dukar målade i olika rena färger. Men när publiken misslyckades med att förstå vad han försökte uttrycka, insåg han att han skulle behöva förenkla och använda endast en färg för att göra sin poäng. Han inledde därmed en process för att utveckla sin egen signaturnyans.

Som Stella Paul förklarar i Chromaphiliaa: The Story of Color in Art: “[Klein] arbetade med Edouard Adam, en parisisk färgleverantör som konsulterade med kemister på Rhone-Poulenc, för att skapa en syntetisk bindemedel... Resultatet blev Rhodopas M60A, som kunde spädas till olika viskositetsnivåer med etanol och etylacetat. Detta bindemedel bevarar den magiska luminescensen hos pigmentet...Klein beställde sin egen anpassade syntetiska färg med detta nya bindemedel, som han patenterade som IKB (International Klein Blue); från 1957 och framåt använde han detta pigment nästan uteslutande.” Klein använde International Klein Blue för att skapa sina ikoniska monokromatiska blå dukar och flera monumentala offentliga installationer. Han använde det också för att skapa vad som blev några av hans mest inflytelserika verk: performanceverk där nakna modeller täckte sig själva med IKB och sedan pressade sina kroppar i olika konfigurationer mot dukarna.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Arkiv

Blått i Helen Frankenthalers verk

Den abstrakta målaren Helen Frankenthaler var en annan mästerlig, 1900-talsförespråkare av färgen blå. Frankenthaler var uppfinnaren av en målarteknik som kallas soak-stain. Tekniken innebär att man häller färg direkt på ytan av obearbetad, osträckt duk som ligger utbredd på golvet och sedan låter färgen suga in i fibrerna och sprida sig över ytan av sig själv. Frankenthaler utförde först denna teknik med oljefärger, men lärde snart att oljefärg snabbt försämrar rå duk. Hon blev därmed en tidig förespråkare av akrylfärger, som inte har samma nedbrytande effekt på duken. Vad akrylfärger däremot har, är livfulla, lysande egenskaper när det kommer till nyans. Genom att hälla olika rena nyanser direkt på sina dukar kunde Frankenthaler styra färgflödena på sätt som utforskade färgrelationer på nya sätt, utan konceptuellt störande element som linje, form, textur eller form.

I Chromaphilia: The Story of Color in Art lägger Stella Paul särskild vikt vid målningen Mountains and Sea, som Helen Frankenthaler målade 1952. Den anses vara den första duken Frankenthaler skapade med sin soak-stain-teknik. Paul säger om verket: “Efter att ha återvänt till sin New York-studio från en interlude i Nova Scotia, mindes Frankenthaler senare att hon hade internaliserat det kanadensiska landskapet, som hade blivit inbäddat inte bara i hennes sinne utan också i hennes axel och handled. Med den bakgrunden av sinne och kropp skapade hon en lyrisk, pastoral abstraktion för att kalla fram ett minne av en plats genom färg.” Frankenthaler konceptualiserade processen att hälla färgen som ett sätt att översätta något som internaliserats inom hennes kropp till något som externaliserats på duken. Målningen använder nästan helt och hållet nyanser av röd, grön och blå, där de olika nyanserna av blått framträder mest påtagligt som en abstrakt, snarare än figurativ, manifestation av havet.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blått i Picassos verk

Färg var av största vikt för Pablo Picasso, särskilt under de tidiga faserna av hans karriär som konstnär. Ofta klassificeras hans verk från denna tid enligt färg, som i hans Rosaperiod och hans Blå period. Dessa klassificeringar har uppenbarligen något att göra med de dominerande pigment han använde i sina målningar vid den tiden, men de relaterar också till omständigheterna i hans privatliv, som påstås ha påverkat ämnet han valde att skildra med dessa olika nyanser. Hans Rosaperiod, till exempel, sträckte sig ungefär från 1904 till 1906. Den sammanföll med början av hans förhållande med sin älskare Fernande Olivier, och hans flytt till Montmartre-området i Paris. Hans verk från Rosaperioden bestod av glädjefyllda bilder av saker som harlequiner och cirkusar. Det var i slutet av hans Rosaperiod som Picasso målade sitt banbrytande verk, det rosa Les Demoiselles d’Avignon, som ofta nämns som föregångaren till kubismen.

Den blå perioden för Picasso föregick hans rosa period och sträckte sig från ungefär 1901 till 1904. Det var en tid i hans liv som dominerades av en medvetenhet om depression och sorg. Picasso sade en gång: "Jag började måla i blått när jag fick veta om Casagemas död." Kommentaren hänvisar till hans kära vän Carlos Casagemas, som sköt sig själv i huvudet på ett café i Paris medan Picasso var bortrest. När Picasso återvände till Paris bodde och arbetade han i Casagemas studio, där han började måla nästan monokromatiska kompositioner i blått. Som Stella Paul påpekar i Chromaphilia: The Story of Color in Art, "The pervasive blue of The Old Guitarist is the material expression of something sad, disenfranchised, and marginal. A twilight mood of low spirits is cast over the subject's unnatural blue-tinted flesh, his garments, and the ambient encompassing space. The angular gestures and attenuated limbs and features of this downcast, blind musician reinforce impressions established by the insistent blue color.” Men som vi kan se från dessa tre exempel, av Yves Klein, Helen Frankenthaler och Pablo Picasso, kommunicerar blått inte alltid sorg, inte mer än det alltid hänvisar till himlen eller havet. Det potentiella spektrum av nyanser som vi hänvisar till när vi säger blått är till synes oändligt. Likaså är det potentiella spektrum av känslor, känslor, sammanhang och betydelser vi kan locka fram från färgen lika stort.

Pablo Picasso - Frukost för en blind man, 1903, olja på duk

Utvald bild: Yves Klein - Utan titel Blå Monokrom, 1960, foto © Yves Klein Arkiv
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio