Tre mästare av färgen blå i samtida konst

När du ser färgen blå, vad känner du då? Skulle du beskriva den som något annat än vad du känner när du hör ordet blå, eller läser ordet blå på en sida? Är informationen som förmedlas av en nyans annorlunda än den information som förmedlas av dess namn? Vad du än känner, är det möjligt att känslan är universell? Eller betyder färgen blå olika saker för olika människor? Och hur är det med djur? Förknippar de färg med känsla, eller använder de sina färgreceptorer bara för att överleva? Dessa frågor har förbryllat färgstuderande i århundraden, och på vissa sätt är vi inte närmare att besvara dem idag än vi var för hundra år sedan. Men en bok som nyligen publicerats av Phaidon Press tar oss lite längre mot en förståelse av färg, åtminstone i relation till konst. Skriven av Stella Paul, tidigare kurator vid Los Angeles County Museum of Art och tidigare programdirektör vid Metropolitan Museum of Art i New York, lyfter Chromaphilia: The Story of Color in Art fram 240 enskilda konstverk. Inte bara kastar hennes grundliga utforskning av färg nytt ljus över de otaliga sätt som tio distinkta färgkategorier har använts av konstnärer genom historien, den undersöker också hur färg korsar vetenskap, känslor, estetik och andra områden av mänsklig kultur. Idag vill vi ta en djupare titt på arbetet av några av de konstnärer Paul nämner i boken för att illustrera bredden och kraften i färgen blå: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso och Yves Klein.

Att se färg

En av de märkliga sakerna med färg är hur ofta två personer kan titta på samma föremål samtidigt på samma plats och ändå hävda att föremålet de tittar på har en annan färg. Vi undrar, ”Hur kan det vara? Är färg inte objektiv?” Men det korta svaret är nej. Färg är ofta subjektiv. Anledningen har att göra med vetenskapen bakom hur människor ser färg. Människor (och de flesta andra djur som ser färg) är trikromater. Det betyder att receptorerna i människans ögon uppfattar tre grundläggande våglängder som motsvarar färg. Du har kanske hört talas om RGB-färgmodellen som används av vissa skrivare. Initialerna RGB står för Röd, Grön och Blå. Det är den färgmodell som mest liknar människans syn. Självklart är rött, grönt och blått inte de enda färger som människans ögon kan uppfatta. Faktum är att de flesta människor kan uppfatta så många som sju miljoner distinkta nyanser. Men var och en av dessa olika nyanser tolkas i hjärnan efter att ögonen först uppfattat den som någon kombination av rött, grönt och blått.

Dessutom har färgen vi uppfattar ett föremål ha inte bara att göra med föremålet självt. Ja, vi skulle kunna analysera materialet ett föremål är gjort av och komma fram till en viss förståelse av vilken färg det materialet sannolikt har baserat på dess kemiska sammansättning. Men den kemiska sammansättningen av ett ämne är inte den enda faktorn som påverkar vilken färg vi uppfattar det som. Anledningen till att människor kan uppfatta färg alls är på grund av ljus. Och ljus kan också vara färgat, i vilket fall det kan förändra den färg våra ögon ser när de tittar på en yta. Dessutom kan ett öga vara mer känsligt, eller bara annorlunda känsligt, för ljus än ett annat öga, vilket gör att två hjärnor kan tolka färg olika. I grund och botten kan samma sak som gör att vi kan se färg också förändra vår uppfattning av färg. Därför kan det ibland verkligen verka subjektivt att tala om färg, och att argumentera om vilken färg något har kan verka rent löjligt.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, akryl på duk, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Färgen blå

Ändå varierar de skillnader olika personer ser när de tittar på något som är en viss färg vanligtvis inte så dramatiskt som till exempel att en person ser rött och en annan ser blått. Vanligtvis är variationen mer subtil, som att en person ser himmelsblått och en annan ser akvamarin. Men vad som kan variera mycket är det spektrum av andra saker våra hjärnor uppfattar när vi tittar på en viss färg, bortom dess fysiska egenskaper. Som inledningen i kapitlet om färgen blå i Chromaphilia: The Story of Color in Art konstaterar, ”Det finns många slags blått – alla samma nyans, men med outtömliga variationer i utseende, effekt, ursprung och betydelse.”

Utseendet har vi redan täckt. Men det roliga börjar verkligen när vi betraktar ”effekt, ursprung och betydelse.” När det gäller effekt kan en person se färgen blå och bli lugn. En annan kan bli ledsen vid åsynen av något blått. Mycket av hur vi reagerar på färg har att göra med våra tidigare erfarenheter av färgen. Ursprung är en annan fascinerande aspekt, eftersom varje variation av färgen blå kommer från någon grundläggande annorlunda blandning av ämnen. Variationer i blåa färgpigment kan komma från olika kombinationer av bindemedel och mineraler. Variationer i blått ljus kan ha att göra med olika partiklar i luften. Och när det gäller betydelse blir det riktigt komplicerat. Varje individ, varje grupp och varje kultur utvecklar sin egen egendomliga relation till färgen blå. Därför går det bokstavligen inte att förutsäga vilken slags betydelse som kommer att uppfattas när ett konstverk med färgen blå slutligen betraktas. För att utforska hur vilda variationerna i uppfattningen av blått kan vara i konsten, kan man betrakta arbetet av de tre konstnärer som nämns i Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler och Picasso.

Pablo Picasso - Mor och barn, 1902, olja på duk

Blått i Yves Kleins verk

När det gäller 1900-talets konst och färgen blå, är det ingen konstnär som snabbare dyker upp i de flesta människors tankar än Yves Klein. Legenden säger att när Klein var ung hängde han på stranden med sina vänner, konstnären Arman och den franske kompositören Claude Pascal. De tre delade upp världen mellan sig. Arman valde jorden. Pascal valde skrivna symboler. Och Klein valde himlen, och höjde genast sin hand och skrev sitt namn i luften. Från det ögonblicket blev färg viktig för Klein. En av hans tidigaste utställningar innehöll monokromatiska dukar målade i olika rena färger. Men när publiken inte förstod vad han försökte uttrycka insåg han att han måste förenkla och använda bara en färg för att göra sin poäng. Han påbörjade därför en process för att utveckla sin egen signaturfärg.

Som Stella Paul förklarar i Chromaphilia: The Story of Color in Art: ”[Klein] arbetade med Edouard Adam, en färghandlare i Paris som samarbetade med kemister på Rhone-Poulenc, för att skapa ett syntetiskt bindemedel... Resultatet blev Rhodopas M60A, som kunde spädas till olika viskositetsnivåer med etanol och etylacetat. Detta bindemedel bevarar pigmentets magiska ljusstyrka...Klein beställde sin egen specialanpassade syntetiska färg med detta nya bindemedel, som han patenterade som IKB (International Klein Blue); från 1957 använde han detta pigment nästan uteslutande.” Klein använde International Klein Blue för att skapa sina ikoniska monokromatiska blå dukar och flera monumentala offentliga installationer. Han använde det också för att skapa några av sina mest inflytelserika verk: performanceverk där nakna modeller täckte sig med IKB och sedan pressade sina kroppar i olika konfigurationer mot dukarna.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Blått i Helen Frankenthalers verk

Den abstrakta målaren Helen Frankenthaler var en annan mästerlig förespråkare för färgen blå under 1900-talet. Frankenthaler uppfann en målarteknik kallad soak-stain. Tekniken innebär att man häller färg direkt på ytan av en obestruken, icke uppspänd duk som ligger utbredd på golvet, och låter färgen sugas in i fibrerna och sprida sig över ytan av sig själv. Frankenthaler utförde initialt denna teknik med oljefärger, men lärde sig snart att oljefärg snabbt förstör rå duk. Hon blev därför en tidig förespråkare för akrylfärger, som inte har samma nedbrytande effekt på duken. Vad akrylfärger däremot har är livfulla, lysande egenskaper när det gäller nyans. Genom att hälla olika rena nyanser direkt på sina dukar kunde Frankenthaler styra färgens flöden på sätt som utforskade färgförhållanden på nya sätt, utan konceptuella störningar från element som linje, form, struktur eller gestalt.

I Chromaphilia: The Story of Color in Art ägnar Stella Paul särskild uppmärksamhet åt målningen Mountains and Sea, som Helen Frankenthaler målade 1952. Den anses vara den första duk Frankenthaler skapade med sin soak-stain-teknik. Paul säger om verket: ”Efter att ha återvänt till sin ateljé i New York från en vistelse i Nova Scotia, mindes Frankenthaler senare att hon hade internaliserat det kanadensiska landskapet, som inte bara hade fastnat i hennes sinne utan också i hennes axel och handled. Med den bakgrunden av sinne och kropp skapade hon en lyrisk, pastoral abstraktion för att framkalla ett minne av en plats genom färg.” Frankenthaler såg processen att hälla färg som ett sätt att översätta något som internaliserats i hennes kropp till något som blev synligt på duken. Målningen använder nästan uteslutande nyanser av rött, grönt och blått, där de olika blå nyanserna framträder mest påtagligt som en abstrakt, snarare än figurativ, gestaltning av havet.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blått i Picassos verk

Färg var av största vikt för Pablo Picasso, särskilt i de tidiga skedena av hans konstnärskap. Ofta klassificeras hans verk från denna tid efter färg, som i hans Rosaperiod och hans Blå period. Dessa klassificeringar har uppenbarligen att göra med de dominerande pigment han använde i sina målningar vid den tiden, men de relaterar också till omständigheterna i hans personliga liv, som påstås ha påverkat de motiv han valde att skildra med dessa olika nyanser. Hans Rosaperiod, till exempel, sträckte sig ungefär från 1904 till 1906. Den sammanföll med början av hans förhållande med hans älskarinna Fernande Olivier och hans flytt till Montmartre-området i Paris. Hans verk från Rosaperioden bestod av glada bilder av saker som harlekinfigurer och cirkusar. Det var i slutet av hans Rosaperiod som Picasso målade sitt banbrytande verk, den rosa nyanserade Les Demoiselles d’Avignon, som ofta nämns som föregångare till kubismen.

Picassos Blå period föregick hans Rosaperiod och sträckte sig ungefär från 1901 till 1904. Det var en tid i hans liv präglad av medvetenhet om depression och sorg. Picasso sade en gång, ”Jag började måla i blått när jag fick veta om Casagemas död.” Uttalandet syftar på hans kära vän Carlos Casagemas, som sköt sig i huvudet på ett kafé i Paris medan Picasso var bortrest. När Picasso återvände till Paris bodde och arbetade han i Casagemas ateljé, där han började måla nästan monokromatiska kompositioner i blått. Som Stella Paul påpekar i Chromaphilia: The Story of Color in Art, ”Det genomträngande blå i The Old Guitarist är det materiella uttrycket för något sorgset, utanför och marginaliserat. En skymningsstämning av lågmod kastas över motivets onaturligt blåfärgade hud, hans kläder och den omgivande rymden. De kantiga gesterna och de förlängda lemmarna och dragen hos denna nedstämda, blinda musiker förstärker intrycken som etableras av den påträngande blå färgen.” Men som vi kan se från dessa tre exempel, Yves Klein, Helen Frankenthaler och Pablo Picasso, förmedlar blått inte alltid sorg, lika lite som det alltid syftar på himlen eller havet. Det potentiella spektrum av nyanser som vi menar när vi säger blå är till synes oändligt. Likaså är det potentiella spektrum av känslor, stämningar, sammanhang och betydelser vi kan locka fram ur färgen lika stort.

Pablo Picasso - Frukost för en blind man, 1903, olja på duk

Omslagsbild: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960, foto © Yves Klein Archive
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio