Intervju med Claude Viallat

Den franska konsthistorien under andra hälften av 1900-talet skulle vara ofullständig utan att nämna en storgestalt i den franska och internationella konstscenen – Claude Viallat. Denna anmärkningsvärda skapare är en av de största franska abstrakta konstnärerna under de senaste decennierna. Även om det fanns perioder då han experimenterade med olika stilar och tillvägagångssätt, förblev Claude Viallat trogen sitt eget visuella språk, ofta brytande mot de konventionella reglerna och traditionella måleritekniker. Viallat hyllas särskilt för sin berömda metod som involverar en enda form fäst på duk utan några stretcher. Inför den kommande separatutställningen av Claude Viallat på Galerie Daniel Templon i Paris, hade IdeelArt, i samarbete med Art Media Agency, möjlighet att tillbringa en eftermiddag i konstnärens studio i Nîmes, Frankrike, där han bor och arbetar, och få en exklusiv intervju.

Claude Viallat - Essens och Negation

Det som är anmärkningsvärt i Viallat’s karriär är att han alltid har förblivit trogen sina egna regler och normer, oavsett hur andra uppfattade dem. Tidigt i sin karriär var Viallat medlem av Supports/Surfaces-rörelsen, där han tillsammans med andra konstnärer fokuserade på material och kreativa gester, och satte själva ämnet i bakgrunden. Hans experiment med färg och textur ledde till skapandet av ett antal verk som han är mest känd för. Dessutom målade Viallat på en mängd olika ytor, inklusive återvunna material, paraplyer, olika tyger, vävd eller knuten rep. Claude Viallat, den stora figuren inom samtida abstrakt konst, är fortfarande aktiv, med en karriär som sträcker sig över 50 år. Den parisiska galleriet Templon organiserar en utställning som presenterar ett nytt historiskt perspektiv på verk av denna stora franska konstnär. Utställningen öppnar den 4 juni och kommer att vara öppen till den 23 juli 2016.

Ditt arbete bygger mycket på upprepning-skillnadsparet. Upprepning av gester, procedurer; skillnad i material, färger…

Jag skulle säga att mitt arbete först och främst handlar om det vardagliga i saker. Vi är alla människor som ständigt upprepar samma gester och vi får alltid olika situationer från dessa gester. Varje dag är en upprepning av det samma som resulterar i olika saker.

Detta är principen bakom mitt arbete: om du utför samma gester på liknande material och ännu mer på olika material—, varje dag kommer du att få mycket olika resultat. Jag strävar inte efter att uppfinna något nytt: jag låter saker komma på ett sådant sätt att nyheten uppfinns av sig själv.

Varje dag lever jag, jag lämnar in, jag samlar, jag reflekterar, jag räddar intryck, känslor, visioner. Jag låter allt detta närma mig. När jag arbetar med dukar som varken är belagda eller klistrade, är materialen betydelsefulla. Beroende på färgens fetthet kommer materialet att reagera olika: det kan absorbera det, motstå det, låta det stå utan att suga in det, eller å sin sida, suga in det och sprida det. Jag utforskar hur material, tyger som kan vara sammet, presenningar, lakan skapar en helt annan effekt när de hanterar färg.

Du’beskrivs ofta som en stor färgkonstnär.

Jag accepterar det sätt på vilket färg visar sig, det är allt. En målare söker toner på ett sätt som matchar dem. Jag placerar toner på ett tyg, ett material, och jag accepterar det

Genom dessa begrepp av acceptans, resignation, upprepning av gest, kan vi dra några paralleller till asiatiska filosofier. Är detta en påverkan för ditt arbete??

Det som intresserar mig inom filosofin är ansträngningen att acceptera att inte ingripa när något händer. Att acceptera det som händer, memorera det, analysera det efteråt – att också se möjligheterna om man hade arbetat annorlunda, skillnaderna som uttrycks av samma material. Jag syftar till att förpliktiga allt detta till minnet, att glömma det, och sedan börja om.

Claude Viallat i sin studio

 Claude Viallat -  Utan titel nr 39, 1985, Akryl på omslag, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 tum

Om målarstil

Skulle detta vara din definition av målning?

Det finns något av detta i det. Jag tillhör en generation som tänkte på målandets slut. På 1950-talet hörde vi ofta talas om konceptet "den sista målningen". Kort sagt, det var nödvändigt att uppfinna ett annat sätt att

Enligt mig är det att måla annorlunda en fråga om att ifrågasätta mitt yrke. Vad består det av? Att ta dukar, sätta dem på ramar, klistra dem på, klä dem och sedan lägga till en rad färger för att hitta de rätta tonerna. Jag har försökt att sträcka en rå duk över en ram och att arbeta med färger gjorda av varm gelé med universell färgning. Jag har också använt träfärg, försökt att späda ut pigment med vatten, alkohol; jag har använt flyktiga färgningar som inte erbjuder någon säkerhet, eller akrylfärger.

De första monokromerna visade fortfarande en önskan att sträcka duk över en ram. Men om att sträcka duk över en ram gjorde en målning, då var det nödvändigt att demontera denna mekanism genom att sätta ramen åt sidan, duken på den andra sidan med spänningen mellan dessa två element som skapade en ny typ av målning.

Vi fann detta med Supports/Surfaces. Dezeuze arbetade med ramen utan duk; Saytour representerade galler på råa dukar, det vill säga han satte bilden av ramen på duken; och jag arbetade på duk utan ramar, därav målningens dekonstruktion.

I efterhand, hur ser du på denna dekonstruktion av måleri som medium?

Det var nödvändigt. Unga amerikaner undrar fortfarande över dekonstrueringen av måleri men tar alltid tillbaka ramen till förgrunden. Det är som om att ta duken från ramen gick emot konsthistorien. För mig är det en parallell historia som har befriat måleriet, åtminstone i en riktning. Om vi ser på den internationella scenen är konstnärer som arbetar med ouppspänd duk sällsynta. Amerikaner har svårt att bli av med ramen.

Ditt arbete kopplar samman med idén, som Matisse tog upp, om att betala intresse till målningen.’s grundläggande objekt.

"När Matisse målade, ibland framträdde vit färg från duken i målningen – vilket traditionellt ansågs vara en hädelse. I mitt arbete blir tyget själva medelstödet, och samtidigt den genomsnittliga färgen, med andra ord, standarden enligt vilken färgfördelningen organiseras, dess material. Allt reagerar i förhållande till denna standard. Beroende på kvaliteten på detta medelstöd, får vi saker som kommer att bilda en relation med det."

Hur placerar du dig i förhållande till abstraktion?

Min målning handlar inte så mycket om abstraktion eller figurativitet som om ett system som består av upprepning av samma form. Om jag ändrar former men inte system, då förändrar jag ingenting. Jag blir medveten om den frihet jag har genom att insistera på samma former och genom att känna paradoxen av den dagliga rutinen som förkroppsligas av upprepningen av samma form. Varje dag konstruerar jag oändligt olika dukar, och detta ger mig extremt stor frihet.

I allmänhet väljer jag inte mina tyger, folk tar med dem till mig. Jag försöker arbeta med osannolika material. Det är framför allt materialet och dess kvalitet som utgör huvuddelen av mitt arbete.

Du reste till USA på 1970-talet och du blev berörd av amerikansk indian konst.

Vad föder mitt arbete? Historien om västerländsk målning, förstås, men också historien om all målning: österländsk, långt österländsk, australiensisk, amerikansk – och med amerikansk menar jag "urfolk". Alla indiska etniciteter som har målat på tält eller sköldar inspirerar mig. Sköldmålning gjordes vanligtvis på runda stöd och var fylld med totemdjur och frukten av bedrifter – räv- eller vargsvansar, skalper…. Kort sagt, allt som berättar krigarens historia. Den indiska skölden är inte bara defensiv, den är också en symbolisk bild av krigaren. Skölden är rund, vanligtvis gjord av en pilträdgren böjd till en ring och bunden. Med andra ord, den primära cirkeln. Detta är den primära bilden av den runda ramen; precis som valvet är den mest extrema bilden av duken som sträcks över en ram – en sträng spänd på trä. Dessa två objekt är grundläggande.

På samma sätt var förhistorien eran av de första bildliga representationerna. Och vad var den första bildliga representationen? Ett människospår; med andra ord, någon halkade, föll i leran, och satte sedan sin hand på väggen i en grotta. Handlingen att halka och doppa en hand i lera resulterade i en lastad hand som sedan avlastade sig på väggen… När leran torkade skapades bilden av handen: detta var det första porträttet. Den Andre representerades av en del av sig själv, ett spår, ett avtryck. Efter denna första bild blev representationen mer komplex i och med att människan skapade en mottyp av sin hand genom att spotta färg från sin mun över handen. Den högra handen var en omvänd vänsterhand. Handlingen att spotta över handen både vidgade och smalnade perspektivet. Redan fanns oändliga möjligheter under representationen.

Ditt arbete verkar vara relaterat till reflektion över essens, över ursprung.

Det är vad jag försöker göra. Cirkeln, hjulet, skölden och valvet är primära element. I historien finns det kunskap om ett visst antal gester eller system som både är elementära och primära. Till exempel kilen som lyfter upp saker eller blockerar dem, för att stoppa något från att rulla runt. Lodlinan är ett rep och en sten, samtidigt som det är en bullroarer – ett musikinstrument – ett sätt att väga något, för att bestämma vertikalen. Alla dessa element finns i detta rep och denna sten. Det finns också garrotten eller steelyard-balansen... Dessa är universella, primära system. Det som intresserar mig, nämligen inom skulptur, är återanvändning eller ifrågasättande av alla dessa enkla, universella system.

Utgör dina skulpturer en universell grammatik?

De är objekt som är osäkra, ofasta, som lämnas i sin osäkerhet och erbjuder ingen säkerhet. Men konsthistorien är också konstmarknadens historia, och dessa är inte egenskaper som traditionellt värderas av marknaden. De ger ingen säkerhet.

Claude Viallats ateljé

 

Claude Viallat studio

Om konstmarknaden och stöd/ytor

Att vara så produktiv går emot marknaden. Vad är din relation till marknaden?

Allt mitt arbete syftar till att avmytologisera konsten. Vissa element kännetecknar traditionellt marknaden, såsom konstnärens signatur eller sällsynthet. Jag går emot dem. Mitt arbete är produktivt och jag lägger lika stor vikt vid en målad tråd som vid en målad duk. Alla målningselement utgör måleri. En tråd från en målning är en målning av samma värde som målningen. Jag kan signera en duk men inte en tråd, så varför skulle jag signera duken om jag inte kan signera tråden?

Då finns det statusen av vackra material, ett vackert yrke, samt säkerheten av material och sakraliseringen av duken. Allt mitt arbete går emot detta också. Jag finner nöje i att arbeta och jag ser inte varför jag skulle beröva mig detta nöje – och framför allt i namnet av vad. Kanske lider mina dukar av det, men inte jag. Resten är en fråga för handlaren, det angår inte mig.

Kanske är jag pretentiös. Jag gör aldrig misstag eftersom jag inte söker något. Jag skapar, och jag accepterar det jag skapar. För mig har alla dukar samma betydelse.

Har du avsagt dig alla avsikter att kontrollera?

Det svåraste är att acceptera att vi inte behärskar det vi gör från dag till dag. Det är en form av självbehärskning att acceptera att vi inte behärskar det vi gör. Det bästa sättet att förändra mitt arbete är att inte veta vad jag ska göra, att tvinga mig själv att upptäcka, att analysera vad jag just har gjort och att förutsäga vad jag kan göra. För mig betyder detta att vara medveten om alla möjligheter som jag har föreställt mig och sedan inte behöva dem eftersom arbetet ger sitt resultat av sig självt.

"Supports/Surfaces har exhumats i USA. Hur känner du för detta?"

Att arbetet med Supports/Surfaces har anlänt till USA och att amerikanska målare ställer samma frågor som vi gjorde då – men på sitt eget sätt – verkar helt normalt för mig.

Så här fungerar saker. I början av 1970-talet visade jag ett nät på Paris Biennale. Det så hände sig att en amerikansk målare och en japansk målare gjorde samma sak, samtidigt, även om vi inte kände varandra. Genom sina egna kulturer kom de fram till denna bild utifrån olika logiker. Jag tycker att detta är fascinerande.

Men om måleriet förändras, påverkar detta främst inte bilden – konstnärer ser bara bilden, detta är vår tids blinda fläck. Modifiering av bilden berör inte måleriet eftersom det är måleriet i sig som är intressant. Den grundläggande frågan är: "Vad är måleri?"

Utvald bild: Claude Viallat i sin studio

Art Media Agency (AMA) deltog i genomförandet av denna intervju. AMA är en internationell nyhetsbyrå som fokuserar på konstmarknaden. AMA producerar över 300 artiklar varje vecka, som täcker alla aspekter av konstvärlden inklusive gallerier, auktionshus, mässor, stiftelser, museer, konstnärer, försäkring, frakt och kulturpolitik.

Bilder från Claude Viallat studio ©IdeelArt