Intervju med Claude Viallat

Den franska konsthistorien under andra hälften av 1900-talet skulle vara ofullständig utan att nämna en central gestalt på den franska och internationella konstscenen – Claude Viallat. Denna anmärkningsvärda skapare är en av de största franska abstrakta konstnärerna under de senaste decennierna. Även om det fanns perioder då han experimenterade med olika stilar och förhållningssätt förblev Claude Viallat trogen sitt eget visuella språk och bröt ofta mot konventionella regler och traditionella målningstekniker. Viallat hyllas i synnerhet för sin berömda metod, som innebär att en enda form fästs på en duk utan någon spännram. Inför Claude Viallats kommande separatutställning på Galerie Daniel Templon i Paris fick IdeelArt, i samarbete med Art Media Agency, möjlighet att tillbringa en eftermiddag i konstnärens ateljé i Nîmes i Frankrike, där han bor och arbetar, och göra en exklusiv intervju.

Claude Viallat - Väsen och negation

Det som utmärker Viallats karriär är att han alltid har förblivit trogen sina egna regler och normer, oavsett hur andra uppfattade dem. Tidigt i sin karriär var Viallat medlem i rörelsen Supports/Surfaces, där han tillsammans med andra konstnärer fokuserade på material och skapande gester och satte själva motivet i bakgrunden. Hans experiment med färg och textur ledde till skapandet av ett antal verk som han är mest känd för. Dessutom målade Viallat på en mängd olika underlag, bland annat återvunna material, paraplyer, olika tyger samt vävda eller knutna rep. Claude Viallat, den samtida abstrakta konstens stora gestalt, är fortfarande aktiv efter en karriär som sträckt sig över 50 år. Det parisiska Galerie Templon anordnar en utställning som presenterar ett nytt historiskt perspektiv på verk av denna betydande franska konstnär. Utställningen öppnar den 4 juni och visas till och med den 23 juli 2016.

Ditt arbete bygger i hög grad på paret upprepning-skillnad. Upprepning av gester och procedurer; skillnad i material, färger …

Jag skulle säga att mitt arbete först och främst handlar om tingen i vardagen. Vi är alla människor som ständigt upprepar samma gester, och ändå får vi alltid olika situationer ur dessa gester. Varje dag är en upprepning av detsamma som resulterar i olika saker

Detta är principen bakom mitt arbete: om du utför samma gester på liknande material, och i ännu högre grad på olika material, kommer du varje dag att uppnå mycket olika resultat. Jag försöker inte uppfinna något nytt: jag låter saker komma på ett sådant sätt att det nya uppfinns av sig självt.

Varje dag lever jag, underordnar mig, samlar, reflekterar och tar till vara intryck, känslor och syner. Jag låter allt detta ge näring åt mig. När jag arbetar på dukar som varken är grundade eller klistrade är materialen betydelsefulla. Beroende på en färgs trögflytande egenskaper tar materialet emot den på olika sätt: det kan absorbera den, stå emot den, låta den ligga kvar utan att suga upp den eller tvärtom suga upp och sprida ut den. Jag utforskar hur material och tyger, som kan vara sammet, presenning eller lakan, skapar en helt annan effekt i mötet med färg.

Du’du beskrivs ofta som en stor kolorist.

Jag accepterar det sätt på vilket färgen visar sig, det är allt. En målare söker toner på ett sådant sätt att de passar ihop. Jag placerar toner på ett tyg, ett material, och accepterar

Genom dessa föreställningar om acceptans, resignation och upprepning av gesten kan man dra vissa paralleller till asiatiska filosofier. Är detta ett inflytande på ditt arbete?

Det som intresserar mig inom filosofin är ansträngningen som krävs för att acceptera att inte ingripa när något händer. Att acceptera det som sker, minnas det och analysera det efteråt – och även se möjligheterna om man hade arbetat annorlunda, skillnaderna som uttrycks av samma material. Jag strävar efter att bevara allt detta i minnet, glömma det och sedan börja om.

Claude Viallat i sin ateljé

Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, akryl på överdrag, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 tum

Om måleristil

Skulle detta vara din definition av måleri?

Det finns något av detta i det. Jag tillhör en generation som funderade över måleriets slut. På 1950-talet hörde man ofta talas om begreppet ”den sista målningen”. Kort sagt var det nödvändigt att uppfinna ett annat sätt att

Enligt min mening handlar det att måla annorlunda om att ifrågasätta mitt yrke. Vad består det av? Att ta dukar, spänna upp dem på ramar, fästa dem, klä dem och sedan tillsätta en färgskala för att hitta rätt toner. Jag har försökt spänna en obehandlad duk över en ram och arbeta med färger gjorda av varm gelatin med universalfärg. Jag har också använt träfärg, försökt späda ut pigment med vatten och alkohol; jag har använt flyktiga färger som inte erbjuder någon trygghet, eller akrylfärger.

De första monokroma målningarna visade fortfarande en önskan att spänna upp duk över en ram. Men om det var det som skapade en målning att spänna upp duk över en ram, så var det nödvändigt att montera isär denna mekanism genom att lägga ramen åt sidan och duken åt andra hållet, så att spänningen mellan dessa två element skapade en ny typ av måleri.

Vi fann detta hos Supports/Surfaces. Dezeuze arbetade med ramen utan duk; Saytour avbildade galler på obestrukna dukar, det vill säga, han placerade bilden av ramen på duken; och jag arbetade på duk utan ramar, därav måleriets dekonstruktion.

Hur ser du i efterhand på denna dekonstruktion av måleriet som medium?

Det var nödvändigt. Unga amerikaner funderar fortfarande över måleriets dekonstruktion, men för alltid tillbaka ramen till förgrunden. Det är som om det att ta av duken från ramen gick emot konsthistorien. För mig är det en parallell historia som har befriat måleriet, åtminstone i en riktning. Om vi ser på den internationella scenen är konstnärer som arbetar på ospända dukar sällsynta. Amerikaner har svårt att göra sig av med ramen.

Ditt arbete knyter an till idén, som Matisse lyfte fram, om att ägna målningen intresse’Dess grundläggande objekt.

När Matisse målade syntes ibland dukens vita yta i målningen - något som traditionellt betraktades som en hädelse. I mitt arbete blir tyget självt det mediala underlaget och samtidigt den genomsnittliga färgen, med andra ord den standard enligt vilken färgfördelningen organiseras, dess material. Allt reagerar i förhållande till denna standard. Beroende på kvaliteten hos detta mediala underlag får vi fram saker som kommer att bilda en relation till det.

Hur förhåller du dig till abstraktionen?

Mitt måleri handlar inte så mycket om abstraktion eller figurativ konst som om ett system som består i att samma form upprepas. Om jag ändrar formerna men inte systemen, ändrar jag ingenting. Jag blir medveten om min frihet genom att insistera på samma former och känna paradoxen i den dagliga rutinen som förkroppsligas av att samma form återkommer. Varje dag konstruerar jag oändligt många olika dukar, och detta ger mig en ytterst stor frihet.

I allmänhet väljer jag inte mina tyger, utan folk kommer med dem till mig. Jag försöker arbeta med osannolika material. Det är framför allt materialet och dess kvalitet som utgör huvuddelen av mitt arbete.

Du reste till USA på 1970-talet och berördes av ursprungsbefolkningarnas konst.

Vad ger näring åt mitt arbete? Den västerländska målerikonstens historia, naturligtvis, men också hela måleriets historia: österländsk, fjärranöstlig, australisk och amerikansk - och med amerikansk menar jag ”ursprungsbefolkningarnas”. Alla indianska folkgrupper som har målat på tält eller sköldar inspirerar mig. Sköldmålning utfördes vanligtvis på runda underlag, täckta av totemdjur och resultatet av bedrifter - räv- eller vargsvansar, skalper ... Kort sagt, allt som berättar krigarens historia. Den indianska skölden är inte enbart defensiv, den är också en symbolisk bild av krigaren. Skölden är rund och vanligtvis tillverkad av en pilgren som böjts till en ring och bundits samman. Med andra ord: den grundläggande cirkeln. Detta är den runda ramens ursprungliga bild, precis som bågen är den mest extrema bilden av duken som spänts på en ram - ett snöre spänt över trä. Dessa två föremål är grundläggande.

På samma sätt var förhistorien den epok då de första bildliga framställningarna skapades. Och vad var den första bildliga framställningen? Ett mänskligt avtryck; med andra ord: någon halkade, föll i lera och satte sedan sin hand mot väggen i en grotta. Handlingen att halka och doppa en hand i lera resulterade i en laddad hand som sedan avlastade sig mot väggen ... När leran torkade skapade den bilden av handen: detta var det första porträttet. Den Andre framställdes genom en del av sig själv, ett spår, ett avtryck. Efter denna första bild blev framställningen mer komplex genom att människan skapade en motbild av sin hand genom att spotta färg ur munnen över handen. Högerhanden blev en omvänd vänsterhand. Att spotta över handen både vidgade och begränsade perspektivet. Redan då låg oändliga möjligheter till grund för framställningen.

Ditt arbete verkar vara kopplat till en reflektion över essensen, över ursprunget.

Det är det jag försöker göra. Cirkeln, ringen, skölden och bågen är grundläggande element. I historien finns kunskap om ett visst antal gester eller system som både är elementära och grundläggande. Till exempel kilen som lyfter saker eller blockerar dem, för att hindra något från att rulla omkring. Lodlinan är ett rep och en sten, samtidigt som den är en bullroarer - ett musikinstrument -, ett sätt att väga något och att fastställa lodlinjen. Alla dessa element ryms i detta rep och denna sten. Det finns också garrotten eller besmanen ... Det här är universella, grundläggande system. Det som intresserar mig, särskilt inom skulpturen, är att återanvända eller ifrågasätta alla dessa enkla, universella system.

Utgör dina skulpturer en universell grammatik?

Det är föremål som är sköra och obundna, som lämnas i sin skörhet och inte erbjuder någon trygghet. Men konsthistorien är också konstmarknadens historia, och detta är inte egenskaper som marknaden traditionellt värdesätter. De erbjuder ingen trygghet.

Claude Viallats ateljé

Claude Viallats ateljé

Om konstmarknaden och Supports/Surfaces

Eftersom ditt arbete är så produktivt går det emot marknaden. Vilken relation har du till marknaden?

Hela mitt arbete syftar till att avmystifiera konsten. Vissa element kännetecknar traditionellt marknaden, såsom konstnärens signatur eller sällsynthet. Jag går emot dem. Mitt arbete är produktivt och jag fäster lika stor vikt vid en målad tråd som vid en målad duk. Alla måleriets element utgör måleri. En tråd från en målning är en målning i samma bemärkelse som målningen. Jag kan signera en duk men inte en tråd, så varför skulle jag signera duken om jag inte kan signera tråden?

Sedan finns den vackra materialens status, ett vackert yrke, liksom materialens trygghet och dukens sakralisering. Allt mitt arbete går också emot detta. Jag tycker om att arbeta och ser inte varför jag skulle beröva mig själv detta nöje - och framför allt i vems namn. Kanske lider mina dukar av det, men inte jag. Resten är en fråga för galleristen, det angår inte mig.

Kanske är jag pretentiös. Jag gör aldrig misstag, eftersom jag inte söker något. Jag skapar, och jag accepterar det jag skapar. För mig har alla dukar samma betydelse.

Har du avstått från alla avsikter att kontrollera?

Det svåraste är att acceptera att inte behärska det vi gör från dag till dag. Det är en form av självbehärskning att acceptera att inte behärska det vi gör. Det bästa sättet att förändra mitt arbete är att inte veta vad jag ska göra, att tvinga mig själv att upptäcka, att analysera det jag just har gjort och att förutse vad jag kanske kommer att göra. För mig innebär det att förbli medveten om alla möjligheter jag har föreställt mig och sedan inte behöva dem, eftersom verket ger sitt resultat av sig självt.

Supports/Surfaces har grävts fram i USA. Vad tycker du om det?

Att Supports/Surfaces verk har nått USA och att amerikanska målare ställer samma frågor som vi gjorde då - men på sitt eget sätt - förefaller helt normalt för mig.

Så här fungerar det. I början av 1970-talet visade jag ett nät på Parisbiennalen. Det råkade vara så att en amerikansk målare och en japansk målare gjorde samma sak, samtidigt, trots att vi inte kände varandra. Genom sina egna kulturer kom de fram till denna bild utifrån olika logiker. Jag tycker att detta är fascinerande.

Men om måleriet förändras påverkar det inte i första hand bilden - konstnärer ser bara bilden, och detta är vår tids blinda fläck. En förändring av bilden berör inte måleriet, eftersom det är själva måleriet som är intressant. Den grundläggande frågan är: ”Vad är måleri?”

Utvald bild: Claude Viallat i sin ateljé

Art Media Agency (AMA) medverkade i genomförandet av denna intervju. AMA är en internationell nyhetsbyrå med fokus på konstmarknaden. AMA producerar över 300 artiklar varje vecka och bevakar alla delar av konstvärlden, inklusive gallerier, auktionshus, mässor, stiftelser, museer, konstnärer, försäkringar, frakt och kulturpolitik.

Bilder från Claude Viallats ateljé ©IdeelArt

Av IdeelArts redaktion

Källor

• Claude Viallat: 1980-talet, utställningsdokument (Galerie Daniel Templon): galleriets egen presentation av separatutställningen i Paris, 4 juni till 23 juli 2016, med vernissage den 4 juni.
• Claude Viallat, biografiskt dokument (Centre Pompidou): institutionell biografi som styrker hans födelse i Nîmes, hans plats inom Supports/Surfaces och hans ospända dukar med en upprepad form.
• Claude Viallat på Hôtel des Arts i Toulon (Artprice News): oberoende reportage om hans system med upprepade former på återvunna textilier och om hans fortsatta verksamhet 2025.