Intervju med Claude Viallat

Den franska konsthistorien under andra halvan av 1900-talet skulle vara ofullständig utan att nämna en stor figur på den franska och internationella konstscenen – Claude Viallat. Denna anmärkningsvärda skapare är en av de största franska abstrakta konstnärerna under de senaste decennierna. Även om det fanns perioder då han experimenterade med olika stilar och tillvägagångssätt, förblev Claude Viallat trogen sitt eget visuella språk, ofta genom att bryta de konventionella reglerna och traditionella måleriteknikerna. Viallat är särskilt hyllad för sin berömda metod som involverar en enda form fäst på duk utan några spännramar. Inför den kommande separatutställningen med Claude Viallat på Galerie Daniel Templon i Paris fick IdeelArt, i samarbete med Art Media Agency, möjlighet att tillbringa en eftermiddag i konstnärens studio i Nîmes, Frankrike, där han bor och arbetar, och göra en exklusiv intervju.

Claude Viallat - Essens och Negation

Det som är framstående i Viallats karriär är det faktum att han alltid har förblivit trogen sina egna regler och normer, oavsett hur andra uppfattade dem. Tidigt i sin karriär var Viallat medlem i Supports/Surfaces-rörelsen, där han tillsammans med andra konstnärer fokuserade på material och kreativa gester, och satte subjektet i bakgrunden. Hans experiment med färg och textur ledde till skapandet av ett antal verk han är mest känd för. Dessutom målade Viallat på en mängd olika ytor, inklusive återvunna material, paraplyer, olika tyger, vävt eller knutet rep. Claude Viallat, den stora figuren inom samtida abstrakt konst, är fortfarande aktiv med en karriär som sträcker sig över 50 år. Parisbaserade Galerie Templon organiserar en utställning som presenterar ett nytt historiskt perspektiv på verk av denna stora franska konstnär. Utställningen öppnar den 4 juni och visas till den 23 juli 2016.

Ditt arbete spelar mycket på paret upprepning-olika. Upprepning av gester, procedurer; skillnad i material, färger…

Jag skulle säga att mitt arbete först och främst handlar om tingens vardagliga natur. Vi är alla människor som ständigt upprepar samma gester och vi får alltid olika situationer från dessa gester. Varje dag är en upprepning av detsamma som resulterar i olika saker.

Det här är principen bakom mitt arbete: om du utför samma gester på liknande material och ännu mer på olika material—, kommer du varje dag att få mycket olika resultat. Jag försöker inte uppfinna något nytt: jag låter saker komma på ett sådant sätt att nyheten uppfinns av sig själv.

Varje dag lever jag, underkastar mig, samlar, reflekterar, räddar saker – intryck, känslor, visioner. Jag låter allt detta näras av mig. När jag arbetar på dukar som varken är belagda eller klistrade är materialen betydelsefulla. Beroende på en färgs fethet kommer materialet att ta emot den olika: det kan absorbera den, motstå den, låta den stå utan att suga in den, eller å andra sidan suga in och sprida den. Jag utforskar hur material, tyger som kan vara sammet, presenning, lakan skapar en helt annan effekt när det gäller färg.

Du’är ofta beskriven som en stor kolorist.

Jag accepterar hur färgen visar sig, det är allt. En målare söker toner på ett sätt som matchar dem. Jag placerar toner på ett tyg, ett material, och jag accepterar

Genom dessa begrepp om acceptans, resignation, upprepning av gest kan vi göra några paralleller med asiatiska filosofier. Är detta en påverkan för ditt arbete??

Det som intresserar mig i filosofi är ansträngningen att acceptera att inte ingripa när något händer. Att acceptera vad som händer, memorera det, analysera det efteråt – också se möjligheterna om man hade arbetat annorlunda, skillnaderna uttryckta av samma material. Jag strävar efter att lägga allt detta på minnet, glömma det, och sedan börja om.

Claude Viallat i sin studio

 Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, akryl på omslag, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Om målningsstil

Skulle detta vara din definition av målning?

Det finns något av detta i det. Jag tillhör en generation som tänkte på målningens slut. På 1950-talet hörde vi ofta om begreppet "den sista målningen". Kort sagt, det var nödvändigt att uppfinna ett annat sätt att

Enligt min åsikt handlar det om att måla annorlunda genom att ifrågasätta mitt yrke. Vad består det av? Att ta dukar, sätta dem på ramar, klistra fast dem, klä dem och sedan lägga till ett spektrum av färger för att hitta rätt toner. Jag har försökt att spänna en rå duk över en ram och att arbeta med färger gjorda av varm gelé med universell färgning. Jag har också använt träfärgning, försökt att späda pigment med vatten, alkohol; jag har använt flyktiga färgningar som inte erbjuder någon säkerhet, eller akrylfärger.

De första monokroma visade fortfarande en önskan att spänna duk över en ram. Men om att spänna duk över en ram gjorde en målning, då var det nödvändigt att demontera denna mekanism genom att lägga ramen åt sidan, duken åt andra hållet med spänningen mellan dessa två element som skapade en ny typ av målning.

Vi hittade detta med Supports/Surfaces. Dezeuze arbetade på ramen utan duk; Saytour representerade rutnät på råa dukar, det vill säga han satte bilden av ramen på duken; och jag arbetade på duk utan ramar, därav målningens dekonstruktion.

I efterhand, hur ser du på denna dekonstruktion av målning som medium?

Det var nödvändigt. Unga amerikaner undrar fortfarande över dekonstruktionen av målning men för alltid ramen tillbaka till förgrunden. Det är som om att ta duken från ramen gick emot konsthistorien. För mig är det en parallell historia som har befriat målningen, åtminstone i en riktning. Om vi tittar på den internationella scenen är konstnärer som arbetar på ospända dukar sällsynta. Amerikaner har svårt att göra sig av med ramen.

Ditt arbete ansluter sig till idén, som Matisse tog upp, att ge intresse åt målningen’s grundläggande objekt.

När Matisse målade, syntes ibland duken vit på målningen — vilket traditionellt ansågs vara en hädelse. I mitt arbete blir tyget självt det mediala Supports/Surfaces, och samtidigt den genomsnittliga färgen, med andra ord standarden enligt vilken färgfördelningen organiseras, dess material. Allt reagerar i förhållande till denna standard. Beroende på kvaliteten på detta mediala Supports/Surfaces får vi saker som kommer att bilda en relation till det.

Hur placerar du dig i förhållande till abstraktion?

Min målning handlar inte så mycket om abstraktion eller figurativ konst som om ett system bestående av upprepning av samma form. Om jag ändrar former men inte system, ändrar jag ingenting. Jag blir medveten om den frihet jag har genom att insistera på samma former och genom att känna paradoxen i den dagliga rutinen som förkroppsligas av återkomsten av samma form. Varje dag skapar jag oändligt olika dukar, och detta ger mig en extremt stor frihet.

Generellt väljer jag inte mina tyger, folk tar med dem till mig. Jag försöker arbeta med osannolika material. Det är framför allt materialet och dess kvalitet som utgör huvuddelen av mitt arbete.

Du reste till USA på 1970-talet och du blev berörd av Amerindian-konst.

Vad som när min konst? Historien om västerländsk målning, förstås, men också historien om all målning: östlig, fjärranöstlig, australiensisk, amerikansk — och med amerikansk menar jag ”indigenous”. Alla indianska etniciteter som har målat på tält eller sköldar inspirerar mig. Sköldmålning gjordes vanligtvis på runda Supports/Surfaces, och var fylld med totemdjur och frukten av bedrifter — räv- eller vargstjärtar, skalper…. Kort sagt, allt som berättar krigarens historia. Den indianska skölden är inte bara defensiv, den är också en symbolisk bild av krigaren. Skölden är rund, vanligtvis gjord av en pilgren böjd till en ring och bunden. Med andra ord, den primära cirkeln. Detta är den primära bilden av den runda ramen; precis som bågen är den mest extrema bilden av duken spänd på en ram — en sträng spänd på trä. Dessa två objekt är grundläggande.

På samma sätt var förhistorien eran för de första bildliga representationerna. Och vad var den första bildliga representationen? Ett människotryck; med andra ord halkade någon, föll i lera, och satte sedan sin hand på en grottvägg. Handlingen att halka och doppa en hand i lera resulterade i en laddad hand som sedan tömde sig på väggen… När leran torkade skapades bilden av handen: detta var det första porträttet. Den Andra representerades av en del av sig själv, ett spår, ett tryck. Efter denna första bild blev representationen mer komplex genom att människan skapade en motbild av sin hand genom att spotta färg från munnen över handen. Höger hand var en vänd vänster hand. Handlingen att spotta över handen både vidgade och begränsade perspektivet. Redan då låg oändliga möjligheter bakom representationen.

Ditt arbete verkar vara relaterat till reflektion över essens, över ursprung.

Det är vad jag försöker göra. Cirkeln, ringen, skölden och bågen är primära element. I historien finns kunskap om ett visst antal gester eller system som är både elementära och primära. Till exempel kilen som lyfter upp saker eller blockerar dem, för att stoppa något från att rulla runt. Lodlinan är ett rep och en sten, samtidigt som det är en bullroarer – ett musikinstrument – ett sätt att väga något, att bestämma vertikalen. Alla dessa element finns i detta rep och denna sten. Det finns också garrotten eller steelyard-vågen... Dessa är universella, primära system. Det som intresserar mig, nämligen i skulptur, är återanvändning eller ifrågasättande av alla dessa enkla, universella system.

Utgör dina skulpturer en universell grammatik?

De är objekt som är osäkra, ofasta, som lämnas i sin osäkerhet och erbjuder ingen trygghet. Men konsthistorien är också historien om konstmarknaden, och detta är inte egenskaper som traditionellt värderas av marknaden. De ger ingen trygghet.

Studion för Claude Viallat

 

Claude Viallats studio

Om konstmarknaden och Supports/Surfaces

Eftersom du är så produktiv går ditt arbete emot marknaden. Vad är din relation till marknaden?

All min konst syftar till att avmytologisera konst. Vissa element kännetecknar traditionellt marknaden, såsom konstnärens signatur eller sällsynthet. Jag går emot dem. Min konst är produktiv och jag lägger lika stor vikt vid en målad tråd som vid en målad duk. Alla målningsdelar utgör måleri. En tråd från en målning är en målning med samma rätt som målningen. Jag kan signera en duk men inte en tråd, så varför skulle jag signera duken om jag inte kan signera tråden?

Sedan finns statusen för vackra material, ett vackert yrke, liksom säkerheten i materialen och sakraliseringen av duken. Allt mitt arbete går emot detta också. Jag njuter av att arbeta och jag ser inte varför jag skulle beröva mig denna njutning — och framför allt i vems namn. Kanske lider mina dukar av det, men inte jag. Resten är en fråga för handlaren, det angår inte mig.

Kanske är jag pretentiös. Jag gör aldrig misstag eftersom jag inte söker något. Jag skapar, och jag accepterar det jag skapar. För mig har alla dukar samma betydelse.

Har du övergett alla intentioner att kontrollera?

Det svåraste är att acceptera att inte behärska det vi gör från dag till dag. Det är en form av självbehärskning att acceptera att inte behärska det vi gör. Det bästa sättet att förändra mitt arbete är att inte veta vad jag ska göra, att tvinga mig själv att upptäcka, analysera vad jag just gjort och förutsäga vad jag kan komma att göra. För mig betyder detta att vara medveten om alla möjligheter jag har föreställt mig och sedan inte behöva dem eftersom arbetet ger sitt resultat av sig självt.

Supports/Surfaces har exhumeras i USA. Hur känner du inför detta?

Att arbetet med Supports/Surfaces har nått USA och att amerikanska målare ställer samma frågor som vi gjorde då — men på sitt eget sätt — verkar helt normalt för mig.

Så här fungerar det. I början av 1970-talet visade jag ett nät på Parisbiennalen. Det råkade vara så att en amerikansk målare och en japansk målare gjorde samma sak, samtidigt, även om vi inte kände varandra. Genom sina egna kulturer kom de fram till denna bild utifrån olika logiker. Jag tycker det är fascinerande.

Men om målning förändras påverkar detta inte i första hand bilden — konstnärer ser bara bilden, detta är vår eras blinda fläck. Modifiering av bilden berör inte målning eftersom det är målningen själv som är intressant. Den grundläggande frågan är: ”Vad är målning?”

Utvald bild: Claude Viallat i sin studio

Art Media Agency (AMA) deltog i genomförandet av denna intervju. AMA är en internationell nyhetsbyrå med fokus på konstmarknaden. AMA producerar över 300 artiklar varje vecka som täcker alla aspekter av konstvärlden inklusive gallerier, auktionshus, mässor, stiftelser, museer, konstnärer, försäkringar, frakt och kulturpolitik.

Bilder från Claude Viallats studio ©IdeelArt