Innehållet och känslan i Grace Hartigans konst

Grace Hartigan (1922 – 2008) har inte behandlats väl av de självutnämnda konsthistorikerna. Under hela sin karriär blev hon missförstådd och felaktigt etiketterad, utesluten från den rörelse hon älskade och hopslagen med en hon avskydde. Trots allt detta, eller kanske på grund av det, är Hartigan en underbar förebild – en konstnär som höll fast vid sin personliga vision istället för att anpassa sig efter kulturens trender och förväntningar. Betraktad som en ”Andra generationens abstrakta expressionist” blev Hartigan nyligen odödliggjord i boken 9th Street Women, av Mary Gabriel, som berättar historien om fem kvinnor – Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell och Helen Frankenthaler – som stod i centrum för New York-skolan på 1950-talet. Var och en av dessa fem kvinnor utvecklade ett särpräglat bildspråk som bidrog betydligt till utvecklingen och avgränsningen av abstrakt expressionism. Ändå var Hartigan unik även bland dessa pionjärer. Tidigt i sin karriär erkändes hennes rent abstrakta målningar som extraordinära av museikuratorer som Alfred Barr och Dorothy Miller, som inkluderade Hartigan i flera stora utställningar. Hartigan började ändå känna att något saknades i hennes abstrakta kompositioner. Precis när hennes karriär tog fart och den berömde konstkritikern Clement Greenberg började framhålla henne som en av de mest begåvade abstraktionisterna i Amerika, rörde sig Hartigan en aning bort från ren abstraktion. Hon började måla studier av gamla mästares verk och infoga figurativa inslag från samtida liv i sina abstrakta kompositioner. För Hartigan representerade blandningen av figur och abstraktion en mer fulländad förening av innehåll och känsla. ”Jag har funnit mitt ämne,” förkunnade hon, ”det handlar om det vulgära och livsviktiga i det amerikanska moderna livet, och möjligheterna till dess förvandling till det vackra.” Det som var ett genombrott för Hartigan blev dock en besvikelse för Greenberg och de andra som tidigare prisat hennes abstrakta verk, och de övergav genast sitt stöd. Hartigan insisterade ändå på sin egen visions överordning. I processen kan hon ha brutit med berömmelse, kändisskap och patriarkal konsthistoria; men hon bevisade att sanning och skönhet kan finnas i motstånd.

Den utomstående insidern

Född i en fattig arbetarklassfamilj i Newark, New Jersey, 1922, började Hartigan inte med avsikt att bli konstnär. Faktum är att hon vid 19 års ålder försökte fly med sin första make till Alaska för att bli nybyggare. Även efter att hon blivit en framgångsrik konstnär hävdade hon att hon aldrig haft någon naturlig talang. ”Jag hade bara genialitet,” skämtade hon. Hennes första professionella konstnärliga erfarenhet kom under andra världskriget, då hon försörjde sig som mekanisk illustratör medan hennes första make kämpade i kriget. År 1945, efter att ha blivit introducerad till Henri Matisses verk, blev hon inspirerad att satsa på en karriär som bildkonstnär och flyttade till Lower East Side i New York City. Där blev Hartigan en del av en professionell och social krets som inkluderade pionjärer inom abstrakt expressionism såsom Mark Rothko, Lee Krasner och Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Korrektur för Untitled från Folder, Vol. I, Nr. I, 1953. Serigrafi. Komposition (oregelbunden): 7 1/2 × 10 9/16" (19,1 × 26,8 cm); ark: 8 11/16 × 11 5/16" (22 × 28,7 cm). Korrektur utanför upplagan på 500. MoMA Collection. Gåva från Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

De intensiva, råa penseldragen och biomorfa formerna i hennes tidiga målningar speglar det intresse hon delade med dessa målare för både abstraktion och surrealistisk teknik med automatisk teckning. Men Hartigan passade aldrig helt in bland sina samtida. Estetiskt oroade hon sig för att hon lånade för mycket från andras idéer. Ekonomiskt var hon tvungen att samla dukar som andra konstnärer kastat bort och bygga ramar av spillvirke. Socialt kände sig Hartigan som en utomstående bland mestadels manliga konstnärer. Hon signerade många av sina tidiga målningar med namnet George Hartigan – en nickning till 1800-talets kvinnliga författare Mary Ann Evans, som skrev under pseudonymen George Eliot, och Amantine Lucile Aurore Dupin, som använde pseudonymen George Sand, vilket speglar att hon inte helt kände sig accepterad av den mansdominerade New York-skolan.

Grace Hartigan - Förberedande teckning för Till minne av mina känslor, 1967. Bläck på acetat. 13 15/16 x 11" (35,4 x 28 cm). MoMA Collection. Gåva från konstnären. © 2019 Grace Hartigan

Ett isolerat ljus

Kanske hjälpte hennes känsla av att vara en utomstående Hartigan att våga ignorera kritikerna när de avvisade henne för att hon införde personligt berättande innehåll i sina målningar. Men det råder ingen tvekan om att deras missförstånd av hennes utveckling fick Hartigan att lida. Hon beskrev en gång sitt mogna arbete som ”känslomässig smärta ihågkommen i lugn.” I slutändan avvisade hon New York i gengäld och flyttade till Baltimore där hon tillbringade fyra decennier med att leda Hoffberger School of Painting, forskarutbildningen vid Maryland Institute College of Art – ett program grundat för henne och byggt kring hennes undervisning. I efterhand verkar det absurt att kritiker skulle tro att tillägget av figurativa inslag i hennes verk uteslöt Hartigan från arvet efter abstrakt expressionism. Den energi, intuition och kroppsliga materialitet som är så väsentlig för den rörelsen upphörde aldrig att vara tydlig i hennes verk. Det var heller inte så att hon helt övergav abstraktionen; hon blev bara övertygad om att hennes rent abstrakta målningar saknade något om de inte innehöll någon igenkännbar referens till hennes verkliga liv.

Grace Hartigan - Den persiska jackan, 1952. Olja på duk. 57 1/2 x 48" (146 x 121,9 cm). MoMA Collection. Gåva från George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

Den största förolämpningen mot Hartigan kom sent i hennes liv, när en helt ny generation av självutnämnda konsthistoriker tvivelaktigt omtolkade hennes omfamning av figuration som en milstolpe på vägen mot Popkonsten, som om hon på något sätt hade inspirerat framväxten av den rörelsen. Hartigan fördömde denna koppling; för henne representerade Popkonsten bara en dyrkan av ytan, medan hennes verk handlade om att förmedla den underliggande sanningen och känslan bakom livet. Det vore mycket mer korrekt att kalla Hartigan en pionjär inom neoexpressionismen, med dess råa, måleriska attityd; eller feministisk konst, med tanke på det auktoritativa självförtroende med vilket hon bemötte den patriarkala kvinnoföraktet inom konstfältet. Men jag tror att det bästa sättet att minnas hennes arv är att inte belasta henne med några etiketter alls. Hartigan var unik. Hennes exempel visar att det bästa sättet att främja ett inkluderande, framåtskridande och kreativt konstfält inte är att fastna i rörelser, utan att omfamna experiment och välkomna estetiska avvikelser.

Framträdande bild: Grace Hartigan - Untitled från Folder vol. I, nr. I, 1953. Serigrafi från en tidskrift med tre serigrafier. Komposition (oregelbunden): 7 1/16 x 10 1/16" (17,9 x 25,5 cm); ark: 7 7/16 x 10 7/16" (18,9 x 26,5 cm). Upplaga 500. MoMA Collection. © 2019 Grace Hartigan
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio