ภูมิทัศน์และภาพเหมือนของแฟรงค์ ออเรบัคในนิวยอร์ก
นิทรรศการภาพวาดที่กระชับและสง่างามโดยจิตรกรชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ Frank Auerbach กำลังจัดแสดงอยู่ที่ Timothy Taylor New York. Frank Auerbach: Landsacapes and Portraits สำรวจหลายทศวรรษของอาชีพที่ยาวนานของหนึ่งในจิตรกรที่มีอิทธิพลมากที่สุดในอังกฤษในปัจจุบัน Auerbach ได้ทำการวาดภาพมากว่า 60 ปี แต่สิ่งที่น่าทึ่งเกี่ยวกับนิทรรศการนี้คือความสม่ำเสมอที่มันสื่อสาร—เป็นเครื่องพิสูจน์ถึงศิลปินพิเศษคนนี้ ซึ่งสไตล์การมองเห็นของเขาได้พัฒนาและคงที่ในเวลาเดียวกัน ขณะนี้ในวัย 80 ต้นๆ Auerbach ได้ทำงานในสตูดิโอเดียวกันใน North London มานานกว่าครึ่งศตวรรษ ในช่วงเวลานั้น เขาได้มุ่งเน้นไปที่การวาดภาพสองประเภททั่วไป: ทิวทัศน์ท้องถิ่นและผู้ที่นั่งแบบเลือกสรร คำบรรยายเกี่ยวกับการนั่งแบบให้ Auerbach ที่ได้รับจากผู้ที่มีความสุขในการทำเช่นนั้นไม่ใช่เรื่องที่หรูหรา บางคนบรรยายว่ามันคล้ายกับกระบวนการทางการแพทย์ที่ยาวนาน; คนอื่นบรรยายสภาพแวดล้อมที่ Auerbach ทำงานว่าเป็นสิ่งที่คล้ายกับห้องทดลองดึกดำบรรพ์ ที่เต็มไปด้วยสีที่มีความมัน อย่างไรก็ตาม การนั่งแบบให้ Auerbach ผู้ยิ่งใหญ่ถือเป็นเกียรติ สิ่งนี้เกี่ยวข้องกับธรรมชาติของสิ่งที่จิตรกรคนนี้สามารถทำได้ตลอดอาชีพที่ยาวนานของเขา เขาทำงานเต็มวัน ทุกวัน สัปดาห์ละเจ็ดวันในสตูดิโอของเขา ความทุ่มเทและความมุ่งมั่นของเขาได้นำเขาไปสู่สิ่งที่สำคัญเกี่ยวกับตัวเขาเอง สไตล์ส่วนตัวของเขาชัดเจนและเป็นที่จดจำมากจนเมื่อคุณเห็นภาพวาด Auerbach เพียงหนึ่งชิ้น คุณจะสามารถจดจำภาพวาดอื่นๆ ได้ทันทีตลอดไป และในขณะเดียวกัน ภาพวาดแต่ละชิ้นของ Auerbach ก็ไม่สามารถปฏิเสธได้ว่าเป็นเอกลักษณ์ อย่างไรก็ตาม ในการสร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว ศิลปินคนนี้ยังได้พัฒนาสัญชาตญาณที่มีความเห็นอกเห็นใจ ซึ่งช่วยให้เขาสามารถสกัดสาระสำคัญของวัตถุของเขา ซึ่งทำให้เขาสามารถสื่อสารสิ่งที่เป็นจริงอย่างน้อยหนึ่งอย่างเกี่ยวกับว่าใครหรือสิ่งใดที่พวกเขาเป็น.
ความรักที่ลึกซึ้งต่อสี
สิ่งแรกที่ฉันสังเกตเห็นเมื่อมองไปที่ภาพวาดของ Auerbach คือความหนาของสี ผิวสัมผัสแบบ impasto ของเขาดูเหมือนจะท้าทายขีดจำกัดของปริมาณสื่อที่สามารถทาได้ก่อนที่ภาพวาดจะกลายเป็นสิ่งอื่น จากระยะใกล้ กลิ่นของวัสดุจะกลายเป็นส่วนหนึ่งของประสบการณ์ ขณะที่เงาที่เกิดจากรอยย่นของสีบิดเบือนการอ่านรายละเอียดของภาพ จากระยะไกล สื่อจะลดความสำคัญลง และจิตวิญญาณของวัตถุก็จะเผยตัวออกมา Auerbach ตั้งใจให้คุณมีปฏิสัมพันธ์กับภาพวาดของเขาในลักษณะนี้ ไม่ว่าจะเป็นสี เนื้อสัมผัส หรือการเล่นของสีและแสงที่ดึงดูดคุณ เขาต้องการให้คุณเชื่อมต่อกับงานในระดับสัญชาตญาณ ดังที่เขาเคยกล่าวไว้ว่า "ฉันรู้สึกอย่างยิ่งว่าหากภาพวาดจะทำงานได้ มันต้องทำงานก่อนที่คุณจะมีโอกาสอ่านมัน."
แฟรงค์ ออเรบัค: ทิวทัศน์และภาพเหมือน, การจัดแสดงที่ทิโมธี เทย์เลอร์ นิวยอร์ก, 2018. ภาพถ่ายโดยความอนุเคราะห์จากทิโมธี เทย์เลอร์ นิวยอร์ก
กระบวนการที่ Auerbach สร้างภาพที่เสร็จสมบูรณ์ของเขานั้นใช้เวลาและต้องใช้ความพยายามอย่างมาก ภูมิทัศน์ของเขาไม่ได้ถูกวาดจากชีวิตจริง—เขาจะร่างภาพของฉากและจากนั้นทำงานจากร่างนั้น หลังจากที่ดูเหมือนจะเสร็จสิ้นการวาดภาพ เขาจะกลับไปที่มันในวันถัดไปและแทบจะไม่เคยพอใจ ดังนั้นเขาจึงขูดชั้นสีด้านบนออกและเริ่มใหม่ ผืนผ้าใบที่ถูกขูดจะยังคงมีบางสิ่งที่สะท้อนถึงองค์ประกอบ—ความทรงจำที่สำคัญและนามธรรมของสิ่งที่เกิดขึ้นก่อนหน้านี้ ทุกวันเขาจะสร้างสรรค์จากความทรงจำนี้ โดยการเพิ่มความประทับใจใหม่ๆ ลงไป สุดท้ายแล้ว ภาพวาดที่เสร็จสมบูรณ์จะมีน้ำหนัก มีความเป็นจริงทางกายภาพ มันแสดงถึงประวัติศาสตร์ของมัน ขณะที่ชั้นสีในอดีตโผล่ขึ้นมา ทำให้เกิดความรู้สึกของสิ่งที่ดูเหมือนจะมีจิตวิญญาณของมันเอง นี่คือกระบวนการของคนที่มีความอยากรู้อยากเห็นเกี่ยวกับผู้คนและสถานที่ และที่รักและเข้าใจสี.
แฟรงค์ ออเรบัค: ทิวทัศน์และภาพเหมือน, การจัดแสดงที่ทิโมธี เทย์เลอร์ นิวยอร์ก, 2018. ภาพถ่ายโดยความอนุเคราะห์จากทิโมธี เทย์เลอร์ นิวยอร์ก
การเพิ่มและการลบ
ในแง่ภาพ พิพิธภัณฑ์ผลงานของ Auerbach ที่จัดแสดงที่ Timothy Taylor แสดงให้เห็นอีกด้านหนึ่งของสิ่งที่ทำให้ Auerbach มีเอกลักษณ์—ด้านการเพิ่มและการลดของวิธีการทำงานของศิลปิน ลองพิจารณาภาพวาดสองภาพของผู้ที่นั่งเดียวกัน: “Head of JYM” (1984) และ “J.Y.M Seated in the Studio III” (1988) ภาพทั้งสองนี้มีสีที่หนาแน่นซ้อนกันอยู่สูง ภาพเหล่านี้แสดงให้เห็นถึงความขัดแย้งที่ว่า ยิ่ง Auerbach เพิ่มสีมากเท่าไหร่ ภาพก็ยิ่งลดลงจนแทบไม่มีรายละเอียดเลย เมื่อมองแวบแรก รูปทรงในภาพวาดทั้งสองนี้ถูกตัดทอนจนแทบจะละลายไปสู่การนามธรรมโดยสิ้นเชิง แต่ยิ่งคุณชื่นชมภาพเหล่านี้นานเท่าไหร่ คุณก็ยิ่งรับรู้รายละเอียดทางอารมณ์มากขึ้นเท่านั้น คุณเริ่มตระหนักว่า พลังของรูปทรงในแต่ละภาพวาดนั้นเหมือนกัน แม้ว่ารูปลักษณ์จะไม่ค่อยคล้ายกันเลย นี่คือพลังการเพิ่มที่ลับของการลดที่ Auerbach เชี่ยวชาญ—โดยการทำให้การมองเห็นเรียบง่าย เขาจึงเพิ่มความรู้สึกเข้าไป ยิ่งเขาแสดงรายละเอียดน้อยเท่าไหร่ เขาก็ยิ่งเปิดเผยชีวิตภายในมากขึ้นเท่านั้น.
แฟรงค์ ออเรบัค: ทิวทัศน์และภาพเหมือน, การจัดแสดงที่ทิโมธี เทย์เลอร์ นิวยอร์ก, 2018. ภาพถ่ายโดยความอนุเคราะห์จากทิโมธี เทย์เลอร์ นิวยอร์ก
ผลลัพธ์เดียวกันนี้สามารถมองเห็นได้ในหลาย ๆ ภาพทิวทัศน์ในนิทรรศการนี้ เช่น “Koko, Mornington Crescent, เช้าฤดูร้อน” (2006) ซึ่งลดลงเหลือเพียงเส้นสายและการแปรงสีที่เป็นลักษณะคล้ายคลึงกัน ภาพวาดนี้ดูเหมือนจะเป็นนามธรรมอย่างแท้จริง แต่เมื่อคุณจ้องมองที่ชั้นสีแบบ impasto นานขึ้น สีสันที่ดึงดูดและผลักดันจะสร้างเวทมนตร์ และการสร้างสรรค์ของพื้นที่จะชัดเจนขึ้นเรื่อย ๆ ค่อย ๆ สภาพแวดล้อมในเมืองจะเผยให้เห็น แต่ไม่ใช่เพียงแค่เมือง ธรรมชาติยังมีอยู่ด้วย พร้อมกับความรู้สึกของแสงแดดที่ทำให้รู้สึกเหมือนสวนสาธารณะ ภาพวาดเหล่านี้ทำให้ฉันนึกถึงคำแนะนำของเออร์เนสต์ เฮมิงเวย์ที่เคยบอกนักเขียนว่า สิ่งที่พวกเขาต้องทำจริง ๆ คือ “เขียนประโยคที่เป็นจริงหนึ่งประโยค” ออเรบาคเป็นตัวแทนของเวอร์ชันการวาดภาพของคำแนะนำนี้ ทุกภาพที่เขาสร้างขึ้นแสดงให้เห็นถึงสิ่งที่สำคัญเกี่ยวกับหัวข้อ—สิ่งที่เป็นจริงหนึ่งอย่าง และตามที่นิทรรศการนี้ยังชี้ให้เห็น ทุกภาพยังเป็นการมองแวบหนึ่งที่ออเรบาคเอง ในการรวมกันนี้มีบางสิ่งที่มหัศจรรย์เกิดขึ้น—ออเรบาคกลายเป็นหนึ่งเดียวกับหัวข้อของเขา การร่วมกันนี้จะปรากฏชัดในสีสันเสมอ แฟรงค์ ออเรบาค: ทิวทัศน์และภาพเหมือน จัดแสดงที่ Timothy Taylor New York จนถึงวันที่ 23 มิถุนายน 2018.
ภาพเด่น: Frank Auerbach: ทิวทัศน์และภาพเหมือน, การจัดแสดงที่ Timothy Taylor New York, 2018. ภาพถ่ายโดยความอนุเคราะห์จาก Timothy Taylor New York
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
