ลิริคัลแอบสแตรกชัน: ศิลปะที่ไม่ยอมให้เย็นชา

โตเกียว ปี 1957 Georges Mathieu เท้าเปล่า สวมกิโมโน ร่างกายยาวของเขาม้วนเหมือนสปริงที่กำลังจะปลดปล่อย ยืนอยู่หน้าผืนผ้าใบขนาดแปดเมตร เขาได้รับเชิญโดย Jiro Yoshihara แห่งสมาคมศิลปะ Gutai กลุ่มอาวองต์การ์ดที่สอนศิลปะในฐานะการเผชิญหน้าวัสดุบริสุทธิ์ ผู้ชมเฝ้าดู Mathieu ไม่ร่างภาพ ไม่วางแผน ไม่ลังเล เขาหยิบหลอดสี บีบสีลงบนผืนผ้าใบโดยตรง แขนของเขากวาดไป วังวนลายมือพุ่งพล่าน ภายในไม่กี่นาที La Bataille de Hakata ก็เกิดขึ้น เขาจะวาดผืนผ้าใบอีกยี่สิบผืนก่อนขึ้นเครื่องบินกลับบ้าน Bienvenue à l'abstraction lyrique.

ถ้าฉากนั้นพูดกับคุณ ความเสี่ยง เหงื่อ สีที่ไม่สามารถไม่แตะต้องได้ แสดงว่าคุณอยู่ในข้อโต้แย้งของบทความนี้แล้ว สำหรับผู้อ่านที่สนใจข้อเท็จจริงสำคัญเกี่ยวกับลิริคัลแอบสแตรกชัน คำถามที่พบบ่อยของเราด้านล่างจะช่วยคุณได้

เกิดสองครั้ง เสมอในความขัดแย้ง

ลิริคัลแอบสแตรกชันไม่ได้เกิดขึ้นจากความว่างเปล่า มันเกิดจากความรังเกียจอย่างมีตัวตนต่อความเย็นชา การเกิดครั้งแรกเกิดขึ้นที่ปารีส ปี 1947 เมืองที่ยังคงเจ็บปวดจากการยึดครองของนาซี นักวิจารณ์ Jean José Marchand และจิตรกร Georges Mathieu ได้บัญญัติคำว่า Abstraction Lyrique เพื่ออธิบายผลงานที่จัดแสดงในนิทรรศการ "L'Imaginaire" ที่ Galerie du Luxembourg: ภาพวาดที่แสดงให้เห็นถึงลิริคัลลิสม์ที่แยกตัวออกจากการเป็นทาสใดๆ ไม่มีการเป็นทาสต่อเรขาคณิต ไม่มีการเป็นทาสต่อกริดที่มีเหตุผลซึ่งในรูปแบบทางการเมืองที่บิดเบี้ยวที่สุดเพิ่งพยายามฆ่ายุโรป การกระทำนี้เป็นการแสดงออกถึงการอยู่รอด: รอยแปรงเป็นหลักฐานของการมีอยู่ของมนุษย์อย่างต่อเนื่อง

การเกิดใหม่ครั้งที่สองเกิดขึ้นในนิวยอร์ก ปี 1969 และศัตรูได้เปลี่ยนไป แต่ยังคงเย็นชา นักวิจารณ์และนักสะสมชาวอเมริกัน Larry Aldrich ได้ตีพิมพ์บทความ "Young Lyrical Painters" ใน Art in America ซึ่งตั้งชื่อให้กับกลุ่มจิตรกรรุ่นหนึ่งที่รู้สึกเหนื่อยล้าจากความสมบูรณ์แบบเย็นชาของมินิมัลลิสม์และความประชดประชันที่คำนวณไว้ของป็อปอาร์ต พิพิธภัณฑ์วิทนีย์ได้กำหนดขอบเขตของขบวนการนี้ด้วยนิทรรศการเต็มรูปแบบในปี 1971 อีกครั้ง: ความอบอุ่นที่ลุกขึ้นต่อต้านระบบ ทุกครั้งที่ลิริคัลแอบสแตรกชันเกิดขึ้น มันไม่ได้เกิดขึ้นในฐานะสไตล์ แต่เป็นการปฏิเสธ: การปฏิเสธที่จะปล่อยให้ภาพวาดกลายเป็นแนวคิดที่ไร้ร่างกาย รูปแบบที่ไร้ชีพจร

สายเลือดคู่ (ปารีส 1947 / นิวยอร์ก 1969) นี้ไม่ใช่แค่เรื่องประวัติศาสตร์เล็กๆ แต่มันเผยให้เห็นโครงสร้างบางอย่างเกี่ยวกับสิ่งที่ลิริคัลแอบสแตรกชัน เป็น มันคือขบวนการที่นิยามตัวเองโดยเทียบกับสิ่งอื่น ซึ่งหมายความว่าตัวตนของมันยังคงมีชีวิตอยู่ตลอดเวลาและตอบสนองตลอดเวลา ลองพิจารณา Martin Reyna จิตรกรชาวอาร์เจนตินาที่อาศัยและทำงานในปารีสมาหลายสิบปี หมึกและอะคริลิกเจือจางของเขาถูกสร้างสรรค์และปล่อยออกไปพร้อมกัน: Reyna สร้างโครงสร้าง: ดินแดน จังหวะ และชุดของเงื่อนไข จากนั้นปล่อยให้สีเคลื่อนไหวภายในตามตรรกะของมันเอง พื้นผิวสุดท้ายจึงเป็นของทั้งการตัดสินใจของศิลปินและของสี เมื่อมองผ้าใบของ Reyna คุณจะรู้สึกถึงความต้านทาน ไม่ใช่ต่อขบวนการทางประวัติศาสตร์ใดๆ แต่เป็นต่อแนวคิดของภาพวาดในฐานะสิ่งที่ปิดและตัดสินใจแล้ว ในแง่นี้เขาคือทายาทโดยตรงของการปฏิเสธในปารีสปี 1947

Martin Reyna - L'Ile - 2023

สิ่งที่ร่างกายรู้

นี่คือสิ่งที่แยกความแตกต่างระหว่างลิริคัลแอบสแตรกชันกับรูปแบบการวาดภาพแสดงอารมณ์อื่นๆ: กระบวนการไม่ใช่แค่เครื่องมือ แต่มันคือข้อความ

Mathieu "Tubism" (การบีบสีจากหลอดโดยตรงอย่างรวดเร็ว) ไม่ใช่ทางลัดทางเทคนิค แต่มันคือคำประกาศเชิงปรัชญา: ไม่มีการแทรกแซงระหว่างแรงกระตุ้นกับพื้นผิว Jean-Paul Riopelle สมาชิกชาวแคนาดาของวง Art Informel ในปารีส ได้ยกเลิกการใช้แปรงโดยสิ้นเชิง ทำงานด้วยมีดพาเลตเท่านั้น สร้างชั้นสีหนาแน่นเหมือนโมเสกที่รู้สึกได้ถึงความหนักแน่นและมีตัวตนอย่างแท้จริง Helen Frankenthaler เดินไปในทิศทางตรงกันข้าม: เทคนิค soak-stain ของเธอเทสีลงบนผ้าใบดิบที่ไม่ได้รองพื้น ทำให้สีซึมซับแทนที่จะถูกทา ขอบเขตระหว่างภาพวาดกับพื้นผิวจึงล่มสลายอย่างสิ้นเชิง แต่ละวิธีคือการเดิมพันที่แตกต่างกันกับการควบคุม เป็นวิธีที่แตกต่างกันในการปล่อยให้ร่างกายพูดก่อนที่จิตใจจะเข้ามาแก้ไข

ตรรกะที่เน้นร่างกายนี้คือสิ่งที่คุณเห็นและรู้สึกในผลงานของ Macha Poynder จิตรกรที่อาศัยอยู่ในปารีสซึ่งสร้างผืนผ้าใบของเธอผ่านท่าทางเชิงแสดงออก การวาดอัตโนมัติ และการเลือกสีอย่างสัญชาตญาณที่เธออธิบายว่าเป็นการแสดงออกของจิตใต้สำนึกมากกว่าสติปัญญา พื้นผิวของเธอผสมผสานพื้นที่ที่ดูเหมือนสุ่มโดยที่สีถูกสาดหรือหยด กับโซนที่มีความแม่นยำโดยฝีมือที่ผ่านการฝึกฝน และความตึงเครียดระหว่างสองสถานะนี้คือภาพวาด Poynder เปรียบเทียบกระบวนการของเธอเหมือนการสร้างดนตรี: ไม่ได้แต่งไว้ล่วงหน้า แต่ค้นพบในขณะทำ ผลงานของเธอถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันถาวรของ Centre Pompidou และ Rijksmuseum ซึ่งบ่งชี้ว่าสถาบันต่างๆ ก็สามารถรับรู้ความแตกต่างระหว่างภาพวาดที่ถูกแสดงออกและภาพวาดที่ถูกสร้างขึ้นเพียงอย่างเดียวได้เช่นกัน

Macha Ponder - Far Away -  2026

Janise Yntema ที่ทำงานในบรัสเซลส์ด้วยเทคนิค encaustic wax (ขี้ผึ้งผึ้งที่ทาและหลอมด้วยไฟเป่า) อยู่ในโซนที่มีพลังระหว่างการควบคุมและการปล่อยให้เป็นไปตามธรรมชาติ ขี้ผึ้งมีพฤติกรรม: จนถึงจุดหนึ่ง จากนั้นความร้อนก็เข้ามา และสิ่งที่ถูกวางไว้ก็กลายเป็นสิ่งที่มันจะเป็น ชั้นโปร่งแสงแต่ละชั้นจับแสงแตกต่างกัน ดังนั้นการมองเข้าไปในผืนผ้าใบของ Yntema จึงเหมือนกับการมองเข้าไปในสิ่งที่ส่องสว่างจากภายใน ช่วงเวลาระหว่างการกำกับและอุบัติเหตุไม่ใช่ปัญหาที่เธอพยายามแก้ไข แต่มันคือหัวข้อทั้งหมด และในบรูคลิน Emily Berger ทำงานบนแผ่นไม้ (ดูภาพฮีโร่) ด้วยสีน้ำมันในท่าทางแนวนอนกว้างที่ใช้แขนทั้งแขน (ขูด, ถู, ลาก) เพื่อให้ทุกเครื่องหมายเป็นบันทึกที่ชัดเจนของความมุ่งมั่นทางกายภาพ พื้นผิวของเธอ Berger เคยกล่าวว่าเป็นการเฉลิมฉลองฝีมือของศิลปิน ในยุคที่มักจะชอบให้ฝีมือดูเหมือนไม่มีตัวตน นี่ไม่ใช่แค่ความชอบทางสุนทรียะ แต่มันคือจุดยืน

Paul Landauer จิตรกรชาวออสเตรียที่อาศัยอยู่ในเบลเกรด นำเสนอความหมายใหม่ในคำถามเกี่ยวกับร่างกายและกระบวนการ ผลงานของเขาเคลื่อนผ่านหลายรูปแบบ ตั้งแต่การวาดที่แม่นยำเกือบเหมือนสถาปัตยกรรมไปจนถึงสนามสีที่กว้างใหญ่และมีบรรยากาศ แต่ในทุกโหมด รอยเครื่องหมายถูกพิจารณาอย่างลึกซึ้งโดยไม่คำนวณล่วงหน้า พื้นผิวที่เกิดขึ้นมาจากการมีส่วนร่วมทางกายภาพอย่างแท้จริงมากกว่าการวางแผนล่วงหน้า Landauer อธิบายการทำงานของเขาเป็นกระบวนการขุดค้น: การย้ายไปเบลเกรดทำให้เขามีระยะห่างพอที่จะตั้งคำถามกับสิ่งที่คุ้นเคย และคำถามนั้นสะท้อนในพื้นผิวที่รู้สึกทั้งถูกสร้างขึ้นและถูกค้นพบพร้อมกัน

Paul Landauer - Movement - 2023

โลกไม่ได้รอปารีสหรือมหานครนิวยอร์ก

หนึ่งในตำนานที่ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ศิลปะคือการที่ขบวนการศิลปะเกิดขึ้นในที่หนึ่งแล้ว "แพร่กระจาย" ไปยังที่อื่น ราวกับว่าวัฒนธรรมเป็นโรคติดต่อ การแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคซับซ้อนโมเดลนี้อย่างมาก กลุ่ม Gutai ในญี่ปุ่นไม่ใช่ดาวเทียมของศิลปะฝรั่งเศส Art Informel แต่เป็นการประดิษฐ์คู่ขนานที่ขับเคลื่อนด้วยความเร่งด่วนหลังสงครามของตนเอง การเผชิญหน้ากับสสารและการแสดงออกของตนเอง Kazuo Shiraga วาดภาพด้วยเท้า แขวนอยู่บนเชือกเหนือผืนผ้าใบ เมื่อ Mathieu มาถึงโตเกียวในปี 1957 การพบกันเป็นการเผชิญหน้าระหว่างความรู้สึกที่พัฒนาเต็มที่ทั้งสองฝ่าย ไม่ใช่ครูและลูกศิษย์

Zao Wou-Ki จิตรกรชาวจีนที่ตั้งรกรากในปารีสหลังจากศึกษาที่หางโจว ผสมผสานพลังงานอันเป็นธรรมชาติของการใช้หมึกตะวันออกกับความทะเยอทะยานด้านพื้นที่ของศิลปะยุโรป Art Informel ในแบบที่ไม่มีประเพณีใดประเพณีหนึ่งสามารถสร้างขึ้นได้ ภาพวาดขนาดใหญ่ของเขาเป็นทั้งลายมือและบรรยากาศในเวลาเดียวกัน เป็นภาพวาดที่ไม่มีแบบอย่างเพราะต้องการประวัติชีวิตของเขาโดยเฉพาะ จุดตัดทางวัฒนธรรมของเขาโดยเฉพาะ ในแคนาดา Riopelle และกลุ่ม Automatistes ได้เผยแพร่แถลงการณ์ Refus Global ในปี 1948 ปฏิเสธอำนาจของศาสนจักรในท้องถิ่นเพื่อสนับสนุนวิสัยทัศน์ศิลปะที่เป็นการทดลองและไม่เกี่ยวข้องกับศาสนา เป็นการปฏิเสธระบบเย็นชาอีกครั้ง และเป็นการแสดงออกถึงความอบอุ่นอีกครั้ง

วันนี้ Yari Ostovany เกิดที่เตหะรานและปัจจุบันทำงานที่ซานฟรานซิสโก กำลังก้าวไปข้างหน้าด้วยการสังเคราะห์ระดับโลกนี้ ภาพวาดของเขาสร้างชั้นสีที่หนาแน่นและมีบรรยากาศ จากนั้นล้างออก ขูดลง ละลายและสร้างพื้นผิวใหม่จนเกิดสิ่งที่รู้สึกโบราณโดยไม่ใช่โบราณวัตถุ Ostovany พูดถึงบทกวีเปอร์เซียในฐานะอิทธิพลสำคัญ และอิทธิพลนั้นสามารถเห็นได้ในพื้นผิวที่เขาสร้าง: ความลึกที่เปิดและปิด สีที่ปรากฏและถอยกลับ พื้นผิวที่ไม่เคยนิ่ง งานของเขาไม่ใช่ American Color Field หรือภาพจิ๋วอิหร่าน หรือสิ่งใดระหว่างนั้น แต่มันคือความเป็นตัวของตัวเองอย่างแท้จริง เป็นความรู้สึกที่เกิดจากการผสมผสานระดับโลกเท่านั้นที่จะสร้างขึ้นได้

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

ความเย็นครั้งที่สาม: นามธรรมเชิงบทกวีและโลกปัจจุบัน

ในโลกศิลปะร่วมสมัยของต้นศตวรรษที่ยี่สิบเอ็ด นามธรรมเชิงบทกวีเผชิญกับความเย็นครั้งที่สาม ครั้งแรกคือกริดแบบมีเหตุผล ครั้งที่สองคือตรรกะลดรูปของมินิมัลลิสม์ ครั้งที่สามคือภาพที่สร้างโดยอัลกอริทึม ซึ่งสมบูรณ์แบบทางเทคนิค ผลิตทันที และสร้างจากการแจกแจงทางสถิติของสิ่งที่วัฒนธรรมภาพของมนุษย์ได้สร้างขึ้นแล้ว ภาพที่สร้างโดย AI คือสิ่งที่เย็นที่สุด: มันไม่มีความเสี่ยง ไม่มีความมุ่งมั่น ไม่มีร่างกาย มันไม่สามารถล้มเหลวได้ ซึ่งหมายความว่ามันไม่สามารถประสบความสำเร็จในความหมายที่แท้จริงได้

ผ้าใบโดย Poynder บันทึกการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในช่วงเวลาหนึ่ง ในสภาพร่างกายและจิตใจเฉพาะที่ไม่สามารถทำซ้ำได้ ภาพวาดโดย Landauer ถือร่องรอยชีวมิติของการเคลื่อนไหวที่นับและทำในเวลาของร่างกายเฉพาะชิ้นหนึ่ง งานโดย Jill Moser ซึ่งมีลายเส้นที่เป็นบทกวีและลายมือที่นำทางระหว่างภาพวาดและภาษาที่เขียน ระหว่างภาพและความหมายที่มาก่อนคำพูด ไม่สามารถสร้างขึ้นได้ด้วยกระบวนการที่เริ่มจากการคำนวณไปสู่การปฏิบัติ ภาพวาดเหล่านี้ไม่ใช่ผลลัพธ์ของการทำนายโดยอัลกอริทึมว่าภาพวาดควรมีลักษณะอย่างไร แต่เป็นสิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อร่างกายมนุษย์เผชิญกับวัสดุภายใต้เงื่อนไขของความไม่แน่นอนอย่างแท้จริง

Jill Moser - ภาพวาด - 2007

นั่นไม่ใช่เรื่องเล็กเลย แท้จริงแล้วมันคือทั้งหมด ลิริคัลแอบสแตรกชันไม่เคยเกี่ยวกับสไตล์หรือเทคนิคเฉพาะใดๆ มันเกี่ยวกับการยืนยันว่าการวาดภาพคือเหตุการณ์ ไม่ใช่ผลิตภัณฑ์: รอยบนพื้นผิวเป็นหลักฐานของชีวิตที่กำลังดำเนินอยู่ ความเสี่ยงที่ถูกยอมรับ ช่วงเวลาที่ไม่สามารถสร้างขึ้นใหม่จากข้อมูลสถิติได้ ต่อสู้กับความเย็นชาครั้งที่สาม การยืนยันนี้ไม่ใช่ความคิดถึงอดีต แต่มันจำเป็นต้องมี

โดย Francis Berthomier

ภาพวาดเพิ่มเติมที่ปฏิเสธความเย็นชา

ศิลปินร่วมสมัยที่ปรากฏในบทความนี้ (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, และ Jill Moser) เป็นการคัดเลือกส่วนตัวจากชุมชนศิลปินลิริคัลและท่าทางที่กว้างขึ้นซึ่งได้รับการเป็นตัวแทนโดย IdeelArt ศิลปินคนอื่นๆ อีกมากมายในคอลเลกชันนี้มีความรู้สึกแบบเดียวกัน 

สำหรับนักสะสมที่สนใจสำรวจลิริคัลแอบสแตรกชันผ่านผลงานที่มีจำหน่ายในปัจจุบัน IdeelArt รักษาคอลเลกชันพิเศษของผลงานศิลปะแอบสแตรกชันแบบท่าทางและลิริคัลมากกว่า 700 ชิ้นที่ ideelart.com/collections/artwork-style-gestural-and-lyrical.

ลิริคัลแอบสแตรกชัน: คำถามที่พบบ่อย

สำหรับผู้อ่านที่ต้องการข้อเท็จจริง และสำหรับ Google ที่ก็ต้องการเช่นกัน

1. ลิริคัลแอบสแตรกชันคืออะไร?

ลิริคัลแอบสแตรกชันเป็นรูปแบบของการวาดภาพที่ไม่ใช่ภาพเหมือน ซึ่งให้ความสำคัญกับความเป็นธรรมชาติ ความเข้มข้นทางอารมณ์ และร่องรอยที่มองเห็นได้ของท่าทางศิลปิน มากกว่ารูปทรงเรขาคณิตหรือระบบทางปัญญา มีอยู่ในสองเวอร์ชันที่แตกต่างกันทางประวัติศาสตร์แต่เกี่ยวข้องกันทางปรัชญา เวอร์ชันยุโรป Abstraction Lyrique เกิดขึ้นในปารีสหลังสงครามในช่วงปลายทศวรรษ 1940 ในฐานะกระแสรองของ Art Informel ที่เฉลิมฉลองรอยประทับโดยสัญชาตญาณในฐานะการยืนยันเสรีภาพของมนุษย์หลังจากความเจ็บปวดของการถูกยึดครองและเผด็จการ เวอร์ชันอเมริกันถูกระบุในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 โดยนักสะสม Larry Aldrich และได้รับการยืนยันในนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ Whitney ปี 1971 ครั้งนี้ในฐานะปฏิกิริยาต่อต้านความเรียบง่ายแบบคลินิกของ Minimalism และการแยกตัวแบบเสียดสีของ Pop Art ทั้งสองเวอร์ชันมีความมุ่งมั่นร่วมกันในเรื่องความลื่นไหล สีสัน และสิ่งที่อาจเรียกว่า "อุบัติเหตุที่สร้างสรรค์": ช่วงเวลาที่ภาพวาดทำสิ่งที่จิตรกรไม่ได้วางแผนไว้ทั้งหมด และสิ่งที่ไม่ได้วางแผนนั้นถูกเก็บไว้เพราะมันจริงกว่าสิ่งที่แผนจะสร้างขึ้น ในแง่ของภาพ ลิริคัลแอบสแตรกชันมักจะมุ่งไปที่พื้นที่บรรยากาศ รอยท่าทางหรือรอยพู่กัน และความรู้สึกโดยรวมของการเคลื่อนไหว แตกต่างจากขอบที่แข็ง เส้นที่ถูกวาด และความสมมาตรที่คำนวณได้ของแอบสแตรกชันเรขาคณิต

แคตตาล็อกนิทรรศการ - Whitney Museum - Lyrical Abstraction - 1971 - คลิกเพื่อเรียกดูแคตตาล็อก

2. ความแตกต่างระหว่าง lyrical abstraction กับ abstract expressionism คืออะไร?

ความสับสนเป็นเรื่องเข้าใจได้: ทั้งสองแนวทางเฉลิมฉลองการเคลื่อนไหว ร่างกาย และความตรงไปตรงมาทางอารมณ์ แต่ความแตกต่างนั้นมีอยู่จริงและสำคัญ Abstract Expressionism ซึ่งพัฒนาในนิวยอร์กตั้งแต่กลางทศวรรษ 1940 มักมีพลังที่กล้าหาญและรุนแรง: การวาดภาพแบบ Action Painting ด้วยเทคนิคหยดสีของ Pollock การเผชิญหน้าขนาดใหญ่ของรูปทรงในนามธรรมของ de Kooning ความยิ่งใหญ่ของสนามสีของ Rothko มันเกี่ยวข้องกับตำนานเฉพาะตัว (และค่อนข้างเป็นชายชาตรี) ของศิลปินในฐานะนักสู้เพื่อการดำรงอยู่ Lyrical abstraction โดยเฉพาะเวอร์ชันอเมริกันในปลายทศวรรษ 1960 เป็นการตอบโต้ต่อแนวทางนั้น มันมีความลื่นไหลกว่า มีความเป็นกวีนิพนธ์มากกว่า และให้ความสำคัญกับความงามในฐานะจุดมุ่งหมายที่ชอบธรรม ศิลปินอย่าง Helen Frankenthaler, Joan Mitchell และ Dan Christensen ทำงานในรูปแบบที่เบากว่า ซึมซับมากกว่า และถ้าใช้คำนี้อย่างแม่นยำ คือ มีความเป็น lyrical ความแตกต่างไม่ใช่เรื่องของความจริงจัง แต่เป็นเรื่องของโทนเสียง ถ้า Abstract Expressionism คือแจ๊สที่เปิดเสียงดังสุด Lyrical abstraction คือแจ๊สเดียวกันที่เล่นในห้องที่เปิดหน้าต่างไว้

Mark Rothko ที่ Fondation Louis Vuitton - ธันวาคม 2023 - ©IdeelArt

3. ใครเป็นผู้บัญญัติคำว่า "lyrical abstraction"?

คำนี้ถูกบัญญัติขึ้นในปารีสปี 1947 โดยนักวิจารณ์ศิลปะ Jean José Marchand และจิตรกร Georges Mathieu เพื่ออธิบายผลงานที่จัดแสดงในนิทรรศการ "L'Imaginaire" ที่ Galerie du Luxembourg Marchand ใช้คำนี้เพื่อสื่อถึงภาพวาดที่หลุดพ้นจาก "การเป็นทาส" ทั้งต่อการเป็นรูปธรรม ทฤษฎี และความต้องการที่เหลือจากสไตล์ก่อนสงคราม คำนี้ถูกฟื้นฟูขึ้นอีกครั้งอย่างอิสระในสหรัฐอเมริกาโดย Larry Aldrich นักสะสมและผู้ก่อตั้ง Aldrich Contemporary Art Museum ในบทความปี 1969 ของเขาใน Art in America ชื่อ "Young Lyrical Painters" แม้ว่า Aldrich อาจรู้จักการใช้คำนี้ในยุโรป แต่การนำคำนี้มาใช้ของเขามีแรงจูงใจจากบริบทวิจารณ์ที่ต่างออกไป คือความต้องการตั้งชื่อความรู้สึกหลังมินิมัลลิสม์ มากกว่าความรู้สึกหลังสงครามยุโรป

4. ศิลปินลิริคัลแอบสแตรกชันที่สำคัญที่สุดคือใคร?

ฝั่งยุโรป ตัวละครสำคัญได้แก่ Georges Mathieu, ผู้ก่อตั้งที่ประกาศตัวเอง มีชื่อเสียงจากการแสดงละครและเทคนิค Tubist, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) ที่รอยเครื่องหมายดิบๆ และการประดิษฐ์ขึ้นสะท้อนความว่างเปล่าหลังสงคราม, Hans Hartung, ที่ใช้เส้นสายรวดเร็วและมีวินัยเพื่อสำรวจเจตจำนงเสรีผ่านความเร็ว, Jean-Paul Riopelle, ชาวแคนาดาที่เกิดในปารีส ผู้สร้างโมเสกด้วยมีดพาเลตจนกลายเป็นสัญลักษณ์, Zao Wou-Ki, ที่ผสมผสานลายมือพู่กันตะวันออกกับ Art Informel อย่างเป็นเอกลักษณ์, และ Simon Hantaï, ที่เริ่มต้นในลิริคัลแอบสแตรกชันก่อนจะออกจากแนวนี้ในปี 1958 เพื่อพัฒนาเทคนิค pliage ของตัวเอง ซึ่งเป็นเส้นทางที่โดดเด่นในจิตรกรรมหลังสงคราม ฝั่งอเมริกา ชื่อสำคัญได้แก่ Helen Frankenthaler, ผู้คิดค้นเทคนิค soak-stain, Sam Francis, ที่ใช้การสาดสีแบบ tachiste สะท้อนแนวคิดพุทธเกี่ยวกับความว่าง, Joan Mitchell, ที่ผสมผสาน Action Painting กับความรู้สึกสีแบบอิมเพรสชันนิสม์, Dan Christensen, ที่ใช้ปืนสเปรย์อุตสาหกรรมสร้างวงแหวนเรืองแสง, และ Ronnie Landfield, ที่ตั้งคำว่า "new sensibility" เพื่ออธิบายสิ่งที่คนรุ่นเขากำลังทำ

Riopelle - Chevreuse -  1954 - นิทรรศการ Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, กันยายน 2023 - © IdeelArt

5. เทคนิคใดที่นิยามลิริคัลแอบสแตรกชัน?

กระบวนการและเทคนิคเป็นหัวใจสำคัญของลิริคัลแอบสแตรกชันในลักษณะที่แทบจะเป็นนิยาม: วิธีการไม่อาจแยกจากสิ่งที่ทำได้ Mathieu กับ "Tubism" (การทาสีโดยตรงจากหลอดอย่างรวดเร็วโดยไม่ร่างภาพล่วงหน้า) ทำให้เกิดความเป็นธรรมชาติและความแม่นยำแบบคาลลิกราฟีพร้อมกัน Riopelle ใช้เพียงมีดพาเลตเท่านั้น สร้างพื้นผิวหนาแน่นและมีลักษณะเป็นประติมากรรมที่คล้ายโมเสกหรือชั้นหิน Frankenthaler ราดสีที่เจือจางลงบนผ้าใบที่ไม่ได้รองพื้นเพื่อให้สีซึมเข้าไปในเนื้อผ้า ทำให้ไม่สามารถแยกแยะระหว่างพื้นผิวและพื้นหลังได้ Christensen ใช้ปืนสเปรย์อุตสาหกรรมเพื่อสร้างเส้นโค้งต่อเนื่องที่เกินขอบเขตการเอื้อมของแขน เมื่อไม่นานมานี้ ศิลปินอย่าง Macha Poynder ผสมผสานการวาดอัตโนมัติและท่าทางเชิงแสดงออกกับการวางชั้นอย่างตั้งใจ พื้นผิวของพวกเขาบันทึกทั้งโอกาสและเจตนาในเวลาเดียวกัน; Janise Yntema ใช้เทคนิค encaustic ด้วยขี้ผึ้งผึ้งที่หลอมด้วยเป่าลม สร้างชั้นโปร่งแสงกึ่งทึบที่ดักจับและส่งผ่านแสง; และ Emily Berger ใช้ร่างกายทั้งหมดในการทาท่าทางแนวนอนบนไม้ ขูดและถูจนแผ่นไม้แสดงหลักฐานของความพยายามทางกายภาพหลายครั้ง สิ่งที่เทคนิคเหล่านี้มีร่วมกันคือความยืนยันในความไม่สามารถย้อนกลับได้: รอยทำขึ้นแล้ว และการทำไม่สามารถลบล้างได้ทั้งหมด

Janise Yntema - The Whisper Of Solitude - 2017

6. ลิริคัลแอบสแตรกชันเกิดขึ้นเมื่อไหร่และที่ไหน?

ลิริคัลแอบสแตรกชันมีต้นกำเนิดทางประวัติศาสตร์สองแหล่งที่แตกต่างกันซึ่งไม่ควรสับสน แม้ว่าจะมีจิตวิญญาณที่เกี่ยวข้องกัน แหล่งแรกคือปารีส ปี 1947: นิทรรศการ "L'Imaginaire" ที่ Galerie du Luxembourg ซึ่ง Jean José Marchand และ Georges Mathieu ใช้คำว่า Abstraction Lyrique เพื่ออธิบายแนวทางใหม่ของแอบสแตรกชันโดยสิ้นเชิงที่เกิดขึ้นจากบริบทของศิลปะหลังสงคราม Art Informel ขบวนการยุโรปนี้รุ่งเรืองในช่วงทศวรรษ 1950 โดยมีศูนย์กลางที่ปารีส และมีศิลปินจากฝรั่งเศส แคนาดา ญี่ปุ่น และจีนมีส่วนร่วมอย่างสำคัญ แหล่งที่สองคือ นิวยอร์ก ปี 1969–1971: บทความใน Art in America ของ Larry Aldrich เรื่อง "Young Lyrical Painters" (1969) ได้ตั้งชื่อให้กับศิลปินอเมริกันรุ่นใหม่ที่หันเหจากมินิมัลลิสม์ และขบวนการนี้ได้รับการยืนยันโดยนิทรรศการ "Lyrical Abstraction" ของ Whitney Museum ในปี 1971 ช่วงเวลาทั้งสองนี้มีความแตกต่างทางประวัติศาสตร์: ศิลปินยุโรปส่วนใหญ่ไม่เป็นที่รู้จักหรือถูกมองข้ามโดยวงวิจารณ์นิวยอร์ก แต่พวกเขาแสดงถึงการตอบสนองคู่ขนานต่อปัญหาคู่ขนาน: ความจำเป็นในการยืนยันความเป็นมนุษย์ การแสดงออกด้วยท่าทาง และอารมณ์ต่อระบบที่เย็นชาจนเกินไป

Jean-Paul Riopelle และ Fernand Leduc ในงานนิทรรศการ "Automatisme" ที่ Galerie de Luxembourg, ปารีส, 1947

7. ความแตกต่างระหว่างลิริคัลแอบสแตรกชันกับจอร์เมตริกแอบสแตรกชันคืออะไร?

นี่คือความขัดแย้งพื้นฐานของนามธรรมในศตวรรษที่ยี่สิบ และควรได้รับการพิจารณาอย่างจริงจัง นามธรรมเรขาคณิต ตั้งแต่กริดของ Mondrian ถึงสี่เหลี่ยมของ Albers ไปจนถึงภาพวาดขอบแข็งในทศวรรษ 1960 ดำเนินไปตามแผน รูปแบบมีอยู่ก่อนที่ภาพวาดจะเกิดขึ้น การดำเนินการเป็นเรื่องของความแม่นยำ: เส้นไปยังที่ที่ตัดสินใจไว้แล้วว่าจะไป ความนามธรรมเชิงบทกวีดำเนินไปจากความเชื่อที่ตรงกันข้าม: รูปแบบเกิดขึ้นระหว่างการวาดภาพ ผ่านการพบกันระหว่างร่างกายของศิลปิน สื่อ และช่วงเวลา แผนถ้ามี จะถูกละทิ้งหรือเกินเลยทันที นามธรรมเรขาคณิตให้คุณค่ากับการควบคุม โครงสร้าง และความสามารถในการทำซ้ำ; นามธรรมเชิงบทกวีให้คุณค่ากับความเป็นธรรมชาติ อุบัติเหตุ และความเป็นเอกลักษณ์ที่ไม่อาจลดทอน ทั้งสองไม่ใช่สิ่งที่เหนือกว่า แต่เป็นตัวแทนของปรัชญาที่ตรงกันข้ามอย่างแท้จริงเกี่ยวกับสิ่งที่ภาพวาดคือและเพื่ออะไร สำหรับการสำรวจอย่างละเอียดเกี่ยวกับประเพณีเรขาคณิต โปรดดูบทความประกอบของ IdeelArt เรื่อง "Geometric Abstraction: NOT Another Heroic Tale of Malevich and Mondrian".

Piet Mondrian - Tableau iii (Composition in oval - รายละเอียด) - 1914 - Stedelijk Museum Amsterdam

8. ความนามธรรมเชิงบทกวียังเกี่ยวข้องในปัจจุบันหรือไม่?

ไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องเท่านั้น แต่ยังจำเป็นมากกว่าช่วงเวลาใด ๆ ที่ผ่านมา ในวัฒนธรรมภาพที่เต็มไปด้วยภาพที่สร้างโดยอัลกอริทึมซึ่งสมบูรณ์แบบทางเทคนิคแต่ขาดประสบการณ์ ความนามธรรมเชิงบทกวีเป็นข้อโต้แย้งที่ไม่อาจลดทอนสำหรับรอยประทับของมนุษย์: ภาพวาดที่สามารถสร้างขึ้นได้โดยร่างกายนี้เท่านั้น ในช่วงเวลานี้ ภายใต้เงื่อนไขของความไม่แน่นอนที่แท้จริง ศิลปินร่วมสมัยเช่น Yari Ostovany (ซานฟรานซิสโก เกิดที่เตหะราน) ซึ่งพื้นผิวที่อิ่มตัวด้วยเม็ดสีอ้างอิงถึงประเพณีกวีนิพนธ์เปอร์เซียและ American Color Field พร้อมกัน หรือ Paul Landauer (เบลเกรด เกิดที่เวียนนา) ซึ่งภาพวาดของเขาเคลื่อนที่ระหว่างความแม่นยำทางสถาปัตยกรรมและความกว้างขวางของบรรยากาศ โดยทั้งหมดนี้เกิดจากความมุ่งมั่นทางกายภาพมากกว่าฟอร์มูล่า หรือ Jill Moser (นิวยอร์ก) ซึ่งรอยขีดเขียนแบบลายมือของเธออาศัยอยู่ในเขตแดนระหว่างภาพวาดและภาษาที่เขียน ระหว่างท่าทางและความหมาย: ทั้งหมดนี้เป็นงานที่ AI สร้างสรรค์ไม่สามารถเลียนแบบได้อย่างแท้จริง นี่ไม่ใช่คำถามเกี่ยวกับรูปลักษณ์: อัลกอริทึมสามารถสร้างสิ่งที่ดูเหมือนความนามธรรมเชิงบทกวีได้อย่างน่าเชื่อถือ แต่การมีอยู่ของมนุษย์ที่หัวใจของการปฏิบัติไม่สามารถจำลองได้

สิ่งที่ศิลปินเหล่านี้สร้างขึ้นไม่ใช่ภาพโดยตรง แต่มันคือหลักฐานของชีวิต ความเสี่ยง ช่วงเวลาทางกายภาพที่เกิดขึ้นเพียงครั้งเดียวและไม่สามารถสร้างขึ้นใหม่จากข้อมูลสถิติได้ พื้นผิวคือบันทึก ไม่ใช่ผลลัพธ์ ความสนใจจากสถาบันใหญ่ยังคงเพิ่มขึ้น: ในปี 2025 Monnaie de Paris และ Centre Pompidou ได้ร่วมกันจัดนิทรรศการ retrospective แก่ Georges Mathieu ชื่อ "Geste, Vitesse, Mouvement" ซึ่งเป็นการสำรวจครั้งแรกในรอบกว่าห้าสิบปี 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - จากนิทรรศการ "Geste, Vitesse, Mouvement" ที่ Monnaie de Paris, 2025. ดูแคตตาล็อกที่นี่

9. ความแตกต่างระหว่าง lyrical abstraction กับ Tachisme คืออะไร — ทั้งสองเหมือนกันหรือไม่?

ไม่ใช่ทั้งหมด แม้ว่าสองขบวนการนี้จะเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิดและคำศัพท์มักใช้แทนกัน ซึ่งก่อให้เกิดความสับสนอย่างแท้จริง Tachisme (มาจากภาษาฝรั่งเศส "tache", หมายถึงคราบหรือจุด) เป็นเทคนิคเฉพาะ: การทาสีอย่างทันทีทันใดเป็นหยด เป็นหย่อม และการกระเซ็นที่เกิดขึ้นในปารีสช่วงปลายทศวรรษ 1940 และได้รับการกำหนดโดยนักวิจารณ์ Michel Tapié ในปี 1952 Lyrical abstraction เป็นความรู้สึกที่กว้างกว่าซึ่งครอบคลุม Tachisme แต่ไม่จำกัดอยู่แค่เพียงนั้น คุณสามารถคิดว่า Tachisme เป็นหนึ่งในวิธีที่ lyrical abstraction ใช้ มากกว่าจะเป็นคำพ้องความหมาย ทั้งสองอยู่ภายใต้ร่มใหญ่ของ Art Informel ซึ่งเป็นการปฏิเสธแนวทางที่มีเหตุผลและเรขาคณิตในยุโรปหลังสงคราม

10. ความแตกต่างระหว่าง lyrical abstraction กับ Color Field painting คืออะไร?

สองขบวนการนี้มีร่วมกันทั้งยุคสมัย ภูมิศาสตร์ (ทั้งคู่รุ่งเรืองในอเมริกาหลังสงคราม) และความมุ่งมั่นต่อสีในฐานะพาหะหลักของอารมณ์ ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมจึงมักสับสนกัน ความแตกต่างสำคัญอยู่ที่บทบาทของท่าทาง ศิลปิน Color Field อย่าง Mark Rothko, Barnett Newman และ Morris Louis กำลังเคลื่อนตัวออกจากรอยแปรงที่มองเห็นได้ ไปสู่สนามสีขนาดใหญ่ที่ดื่มด่ำและลบเลือนร่องรอยมือของศิลปิน ในขณะที่ Lyrical abstraction เคลื่อนตัวในทิศทางตรงกันข้าม: ท่าทาง รอยเครื่องหมาย ร่องรอยทางกายภาพของร่างกายศิลปินคือสิ่งที่งานศิลปะนั้นเกี่ยวข้อง Helen Frankenthaler เป็นกรณีที่ให้บทเรียนมากที่สุด เพราะเทคนิค soak-stain ของเธอสร้างสนามสีที่มีบรรยากาศในขณะที่ยังคงยึดมั่นในกระบวนการท่าทาง ในทางปฏิบัติ ขอบเขตระหว่างสองขบวนการนี้แท้จริงแล้วโปร่งใส และภาพวาดหลายชิ้นอยู่ในทั้งสองกลุ่มได้อย่างสบาย

Morris Louis - Pi - 1960 - North Carolina Museum of Art (นิทรรศการปี 2015) - ©IdeelArt

11. Joan Mitchell เป็นลิริคัลแอบสแตรกชันหรือแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์?

จริงๆ แล้วทั้งสอง และความกำกวมนี้เป็นส่วนหนึ่งที่ทำให้เธอเป็นบุคคลสำคัญ Mitchell ได้รับการฝึกฝนและเติบโตในวงการ Abstract Expressionist ที่นิวยอร์ก และเธอมีความมุ่งมั่นในงานจิตรกรรมขนาดใหญ่ที่ต้องใช้แรงกาย แต่ผลงานของเธอมีความไพเราะ ความสว่างไสว และความเชื่อมโยงกับภูมิทัศน์และความรู้สึกทางธรรมชาติที่สอดคล้องกับประเพณีลิริคัล เธอใช้เวลาส่วนใหญ่ในอาชีพที่ฝรั่งเศส ซึ่งเธอใกล้ชิดกับยุโรปมากกว่า Abstraction Lyrique ความรู้สึกมากกว่าความแมนแบบฮีโร่ของ New York School นักประวัติศาสตร์ศิลปะส่วนใหญ่ในปัจจุบันจัดให้เธออยู่ตรงจุดเชื่อมระหว่างสองขบวนการ ซึ่งอาจเป็นตำแหน่งที่น่าสนใจที่สุดที่ศิลปินคนใดจะครอบครองได้

12. ความแตกต่างระหว่าง "abstraction lyrique" กับ "lyrical abstraction" คืออะไร?

ทั้งสองมีดีเอ็นเอทางปรัชญาร่วมกันแต่มีประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกัน Abstraction Lyrique เป็นคำภาษาฝรั่งเศสที่ถูกสร้างขึ้นในปารีสปี 1947 โดย Jean José Marchand และ Georges Mathieu เพื่ออธิบายกระแสยุโรปหลังสงครามที่มีรากฐานจาก Art Informel ความคิดเชิงอัตถิภาวนิยม และการปฏิเสธตรรกะเรขาคณิต "Lyrical Abstraction" ในฐานะขบวนการอเมริกันถูกตั้งชื่อขึ้นอย่างอิสระในปี 1969 โดยนักสะสม Larry Aldrich เพื่อตอบโต้ Minimalism และ Pop Art Whitney Museum ได้กำหนดขบวนการอเมริกันอย่างเป็นทางการด้วยนิทรรศการเต็มรูปแบบในปี 1971 ชื่อ "Lyrical Abstraction" (ดูแคตตาล็อกที่นี่)

สองขบวนการนี้พัฒนาขึ้นในแนวทางที่ขนานกัน โดยมีการรับรู้ข้ามกันอย่างจำกัดในเวลานั้น: วงการวิจารณ์ในนิวยอร์กช่วงปี 1950 และ 60 มีท่าทีไม่ค่อยเห็นด้วยกับวงการปารีส ปัจจุบันคำเหล่านี้ถูกใช้แทนกันได้ในระดับหนึ่งเพื่ออธิบายความรู้สึกที่เหมือนกัน แต่เมื่อประวัติศาสตร์ใช้คำเหล่านี้อย่างแม่นยำ, Abstraction Lyrique หมายถึงกระแสยุโรปหลังสงครามและ "Lyrical Abstraction" คือขบวนการอเมริกันในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 70

แคตตาล็อกนิทรรศการ - Whitney Museum - "Lyrical Abstraction" (1971) - หน้า 32 และ 33

13. ฉันจะรู้จักลิริคัลแอบสแตรกชันได้อย่างไร — ควรมองหาอะไรในภาพวาด?

มีสัญญาณไม่กี่อย่าง ไม่มีอันใดอันเดียวที่ชัดเจนแต่เมื่อนำมารวมกันแล้วน่าสนใจ ประการแรก มองหาหลักฐานของกระบวนการทางกายภาพที่มองเห็นได้: รอยแปรงที่บันทึกความเร็วหรือแรงกด รอยที่ไม่สามารถทำได้ด้วยเครื่องมือที่ถือห่างจากผืนผ้าใบ ประการที่สอง มองหาความรู้สึกของบรรยากาศหรือพื้นที่ทางอารมณ์ เพราะลิริคัลแอ็บสแตรกชันมักมุ่งสู่ความลึกและการเคลื่อนไหว มากกว่าผิวเรียบแบนและชัดเจนของการวาดภาพแบบ hard-edge ประการที่สาม สังเกตว่าสีให้ความรู้สึกแสดงออกมากกว่ามีโครงสร้างหรือไม่: ในลิริคัลแอ็บสแตรกชัน สีคืออารมณ์ ไม่ใช่สถาปัตยกรรม สุดท้ายและสำคัญที่สุด ถามว่าภาพวาดนั้นรู้สึกเหมือนถูกค้นพบมากกว่าถูกออกแบบหรือไม่ ถ้าคำตอบคือใช่ ถ้างานดูเหมือนจะมาถึงตัวมันเองผ่านกระบวนการเสี่ยงและความไม่แน่นอน คุณแทบจะแน่ใจว่าคุณกำลังดูลิริคัลแอ็บสแตรกชันอยู่

14. บทบาทของความบังเอิญและอุบัติเหตุในลิริคัลแอ็บสแตรกชันคืออะไร?

เป็นสิ่งสำคัญแต่มีความละเอียดอ่อน ลิริคัลแอ็บสแตรกชันไม่ได้บูชาความบังเอิญเพียงเพราะมันเป็นความสุ่ม แต่ความสุ่มไม่เหมือนกับความเป็นธรรมชาติที่เกิดขึ้นทันที สิ่งที่ศิลปินลิริคัลแอ็บสแตรกชันให้คุณค่าคือสิ่งที่เรียกว่า “ความบังเอิญที่สร้างสรรค์”: ช่วงเวลาที่สีทำสิ่งที่ศิลปินไม่ได้ตั้งใจทั้งหมด และสิ่งที่ไม่ได้ตั้งใจนั้นถูกยอมรับว่าเป็นสิ่งที่แท้จริง มีชีวิตชีวา และแสดงออกได้มากกว่าสิ่งที่แผนการวาดภาพจะสร้างขึ้น ทักษะของศิลปินไม่ได้อยู่ที่การหลีกเลี่ยงช่วงเวลาเหล่านี้ แต่คือการรู้วิธีอ่าน ตอบสนอง และเก็บรักษาช่วงเวลาเหล่านั้น Mathieu อธิบายสิ่งนี้ว่าเป็นสภาวะ “สมาธิที่ลุ่มหลง” ที่ผสมผสานความตระหนักเต็มที่กับการระงับการควบคุมโดยเจตนา Frankenthaler พูดถึงการเรียนรู้ที่จะไว้วางใจสี Riopelle กับการใช้มีดพาเลตที่ต้องตัดสินใจเล็กๆ น้อยๆ ตลอดเวลาตอบสนองต่อสิ่งที่แปรงก่อนหน้าทำ ในแต่ละกรณี ความบังเอิญไม่ใช่ผู้สร้างงานศิลปะ—ศิลปินต่างหากที่เป็นผู้สร้าง—แต่ความบังเอิญคือผู้ร่วมงานที่ขาดไม่ได้

Georges Mathieu ที่พิพิธภัณฑ์แห่งชาติ Bezalel, เยรูซาเล็ม, 1962, Yona Fisher Archive

15. ความสัมพันธ์ระหว่างลิริคัลแอ็บสแตรกชันกับดนตรีคืออะไร?

มันฝังอยู่ในชื่อ “ลิริคัล” มาจาก lyre เครื่องดนตรีของ Orpheus รากฐานของบทกวีลิริค ความคิดของศิลปะที่ถูกขับร้องแทนที่จะพูด Kandinsky ผู้ซึ่งผลงานนามธรรมยุคแรกของเขาคาดการณ์สิ่งที่ลิริคัลแอ็บสแตรกชันจะกลายเป็น ได้พูดอย่างชัดเจนว่าการวาดภาพคือดนตรีที่มองเห็นได้: เขาเชื่อว่าสีและรูปทรงสามารถสื่ออารมณ์ได้โดยตรงเหมือนเสียง โดยไม่ต้องผ่านภาษา ศิลปินลิริคัลแอ็บสแตรกชันหลายคนพัฒนาความสัมพันธ์นี้อย่างมีสติ Mathieu แสดงภาพวาดของเขาคู่กับดนตรีแจ๊สสด และผืนผ้าใบปี 1959 ของเขา Le Massacre de la Saint-Barthélemy ถูกวาดในขณะที่มือกลอง Kenny Clarke เล่นด้นสดข้างๆ Joan Mitchell มักจะอธิบายภาพวาดของเธอในเชิงดนตรีว่าเป็นองค์ประกอบที่มีจังหวะ ความเร็ว และความเงียบ การเชื่อมโยงนี้ไม่ใช่แค่เปรียบเทียบ: ทั้งดนตรีและการแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลสร้างความหมายผ่านระยะเวลา การทำซ้ำ ความหลากหลาย และการจัดการความตึงเครียดและการปลดปล่อย มากกว่าผ่านภาพที่ตายตัวและอ่านได้ง่าย

Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - มิถุนายน 2019 - ©IdeelArt

16. ความแตกต่างระหว่างการแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลกับนีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์คืออะไร?

นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์เกิดขึ้นในปลายทศวรรษ 1970 และครองตลาดศิลปะในทศวรรษ 1980 โดยมีศิลปินอย่าง Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat และ Julian Schnabel ทั้งสองแนวทางให้คุณค่ากับการเคลื่อนไหว อารมณ์ และการปรากฏตัวทางกายภาพของสี ดังนั้นความสับสนจึงเข้าใจได้ ความแตกต่างที่สำคัญคือเนื้อหาที่เป็นรูปธรรมและอุณหภูมิทางวัฒนธรรม นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์เกือบจะรักษาภาพที่จดจำได้เสมอ: รูปคนที่บิดเบี้ยว วัตถุเชิงสัญลักษณ์ ชิ้นส่วนเรื่องเล่า การแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลเป็นแบบไม่ใช่รูปธรรมอย่างเด็ดขาด นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ยังดิบกว่า ตรงไปตรงมา และสนใจในตำนาน ประวัติศาสตร์ และบาดแผลทางวัฒนธรรมในฐานะหัวข้อที่ชัดเจน การแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลสนใจในความรู้สึกบริสุทธิ์ ความสัมพันธ์ของสี และจิตวิทยาของการรับรู้มากกว่า หากการแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลคือแจ๊สที่เล่นโดยเปิดหน้าต่าง นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์คือเครื่องดนตรีที่แตกต่าง: ดังกว่า ละครมากกว่า และสนใจเล่าเรื่องอย่างมาก

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - กุมภาพันธ์ 2023 - ภาพติดตั้ง - ©IdeelArt

17. การแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลสามารถรวมองค์ประกอบที่เป็นรูปธรรมได้หรือไม่?

ทางเทคนิคแล้วไม่ใช่ แต่ในทางปฏิบัติขอบเขตนั้นไม่ชัดเจนและน่าสนใจ การแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลโดยนิยามแล้วเป็นแบบไม่ใช่รูปธรรม หมายความว่าไม่แสดงภาพวัตถุที่จดจำได้ แต่จิตรกรหลายคนที่ทำงานในแนวลิริคัลพบว่าสัญลักษณ์การเคลื่อนไหว สีบรรยากาศ และรูปทรงอินทรีย์เริ่มบ่งบอกถึงภูมิทัศน์ ร่างกาย หรือสภาพอากาศโดยที่ศิลปินไม่ได้ตั้งใจ Joan Mitchell ภาพวาดช่วงปลายของเธอลอยอยู่บนขอบของภูมิทัศน์โดยไม่เคยแสดงภาพภูมิทัศน์จริง Riopelle โมเสกของเขาทำให้นึกถึงภาพมุมสูงของภูมิประเทศ นี่ไม่ใช่ความล้มเหลวของนามธรรม: นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อภาพวาดมีชีวิตชีวาและมีร่างกายเพียงพอ เพราะโลกภายนอกซึมกลับเข้ามา ความแตกต่างที่สำคัญคือเรื่องเจตนา: การแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคัลไม่ได้เริ่มจากรูปคนหรือสถานที่ สิ่งที่ปรากฏขึ้นโดยไม่ตั้งใจเป็นส่วนหนึ่งของความซื่อสัตย์นั้น

Paul Landauer กับ "The night: ภาพเหมือนตัวเองในวัยเด็ก" (ด้านล่าง) แสดงถึงจุดเปลี่ยนนี้อย่างชัดเจน รูปทรงหนึ่งโผล่ออกมาจากสนามที่วุ่นวายของสีแดงเข้มและสีดำ — ไม่ใช่การวาดภาพแต่เป็นการสร้างขึ้น รูปทรงนั้นรวมตัวกันจากตรรกะของสีเอง Landauer ไม่ได้เริ่มจากรูปทรงในความหมายดั้งเดิม: เขาเริ่มจากสี จากกระบวนการ จากภายในทางอารมณ์ รูปทรงนั้นจึงปรากฏขึ้น และเพราะมันปรากฏขึ้นเช่นนั้น มันจึงมีบางสิ่งที่ภาพเหมือนธรรมดาไม่สามารถมีได้: ความรู้สึกของความทรงจำที่ผุดขึ้นมาแทนที่จะถูกบรรยายออกมา

Paul Landauer - The Night (ภาพเหมือนตัวเองในวัยเด็ก) - 2025

18. นักสะสมควรมองหาอะไรเมื่อซื้อศิลปะนามธรรมเชิงบทกวี?

นอกเหนือจากการพิจารณาปกติเรื่องสภาพ แหล่งที่มา และประวัติศิลปินแล้ว ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีตั้งคำถามเฉพาะกับนักสะสมบางประการ ประการแรก: พื้นผิวทนทานต่อการมองอย่างต่อเนื่องหรือไม่? ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีเผยตัวเองอย่างช้าๆ และภาพวาดที่ดูดีจากระยะไกลควรให้รางวัลเมื่อสังเกตอย่างใกล้ชิด ซึ่งจะเห็นหลักฐานทางกายภาพของกระบวนการสร้าง ประการที่สอง: ท่าทางนั้นน่าเชื่อถือหรือไม่? มีความแตกต่างระหว่างรอยที่ทำด้วยความมุ่งมั่นทางกายภาพจริงจัง กับรอยที่แสดงความเป็นธรรมชาติแต่ไม่ได้เสี่ยงอะไรจริงๆ และด้วยประสบการณ์ตาเรียนรู้ที่จะรับรู้ความแตกต่างนั้น ประการที่สาม: งานมีความสอดคล้องภายในหรือไม่? ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีที่ดีที่สุดไม่ใช่ความวุ่นวาย: มันมีตรรกะที่รู้สึกได้มากกว่าที่จะอ่าน มีโครงสร้างที่มั่นคงแม้ไม่มีแผนล่วงหน้า สุดท้าย จงเชื่อในปฏิกิริยาตอบสนองทางร่างกายของตัวเอง ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีถูกสร้างขึ้นเพื่อให้รู้สึกก่อนจะเข้าใจ และนักสะสมที่ตอบสนองทางกายต่อผลงาน รู้สึกถึงพลังงานของมันในร่างกายก่อนที่จิตใจจะตามทัน กำลังมีประสบการณ์ตามที่จิตรกรตั้งใจไว้

ภาพทั้งหมด © ศิลปินเว้นแต่จะระบุไว้เป็นอย่างอื่น
ภาพเด่น: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (รายละเอียด)