ลิริคัลแอบสแตรกชัน: ศิลปะที่ไม่ยอมให้เย็นชา

โตเกียว ปี 1957 Georges Mathieu เท้าเปล่า สวมกิโมโน ร่างกายยาวของเขาม้วนตัวเหมือนสปริงที่กำลังจะปลดปล่อย ยืนอยู่หน้าผืนผ้าใบยาวแปดเมตร เขาได้รับเชิญโดย Jiro Yoshihara จากสมาคมศิลปะ Gutai กลุ่มอาวองต์การ์ดที่สอนศิลปะในฐานะการเผชิญหน้าวัสดุบริสุทธิ์ ผู้ชมเฝ้าดู Mathieu ไม่ร่างภาพ ไม่วางแผน ไม่ลังเล เขาหยิบหลอดสี บีบสีลงบนผืนผ้าใบโดยตรง แขนของเขากวาดไป วังวนลายมือเขียนเกิดขึ้น ภายในไม่กี่นาที La Bataille de Hakata ก็เสร็จสมบูรณ์ เขาจะวาดผืนผ้าใบอีกยี่สิบผืนก่อนขึ้นเครื่องบินกลับบ้าน Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Georges Mathieu วาดภาพ la Bataille de Bouvines - 25 avril 1954 - ©Robert Descharnes

ถ้าฉากนั้นพูดกับคุณ ความเสี่ยง เหงื่อ สีที่ไม่สามารถไม่แตะต้องได้ แสดงว่าคุณอยู่ในข้อโต้แย้งของบทความนี้แล้ว สำหรับผู้อ่านที่สนใจข้อเท็จจริงสำคัญเกี่ยวกับลิริคัลแอบสแตรกชัน คำถามที่พบบ่อยอย่างละเอียดของเราที่ด้านล่างจะช่วยคุณได้

เกิดสองครั้ง เสมอในความขัดแย้ง

ลิริคัลแอบสแตรกชันไม่ได้เกิดขึ้นจากที่ไหนเลย มันเกิดจากความรังเกียจทางร่างกายที่เฉพาะเจาะจงต่อความเย็นชา การเกิดครั้งแรกเกิดขึ้นที่ปารีส ปี 1947 เมืองที่ยังคงเจ็บปวดจากการยึดครองของนาซี นักวิจารณ์ Jean José Marchand และจิตรกร Georges Mathieu ได้บัญญัติคำว่า Abstraction Lyrique เพื่ออธิบายผลงานที่จัดแสดงในนิทรรศการ "L'Imaginaire" ที่ Galerie du Luxembourg: ภาพวาดที่แสดงให้เห็นถึงลิริคัลลิสม์ที่แยกตัวออกจากการเป็นทาสใดๆ ไม่มีการเป็นทาสต่อเรขาคณิต ไม่มีการเป็นทาสต่อกริดที่มีเหตุผลซึ่งในรูปแบบทางการเมืองที่บิดเบี้ยวที่สุดเพิ่งพยายามฆ่ายุโรป การกระทำนี้เป็นการแสดงออกถึงการอยู่รอด: รอยแปรงเป็นหลักฐานของการมีอยู่ของมนุษย์อย่างต่อเนื่อง

การเกิดใหม่ครั้งที่สองเกิดขึ้นในนิวยอร์ก ปี 1969 และศัตรูได้เปลี่ยนไป แต่ยังคงเย็นชา นักวิจารณ์และนักสะสมชาวอเมริกัน Larry Aldrich ได้ตีพิมพ์บทความ "Young Lyrical Painters" ใน Art in America โดยตั้งชื่อให้กับกลุ่มจิตรกรรุ่นหนึ่งที่รู้สึกเหนื่อยล้าจากความสมบูรณ์แบบเย็นชาของมินิมัลลิสม์และความประชดประชันที่คำนวณไว้ของป็อปอาร์ต พิพิธภัณฑ์วิทนีย์ได้กำหนดขอบเขตของขบวนการนี้ด้วยนิทรรศการเต็มรูปแบบในปี 1971 อีกครั้ง: ความอบอุ่นที่ลุกขึ้นต่อต้านระบบ ทุกครั้งที่ลิริคัลแอบสแตรกชันเกิดขึ้น มันไม่ได้เกิดขึ้นในฐานะสไตล์ แต่เป็นการปฏิเสธ: การปฏิเสธที่จะปล่อยให้ภาพวาดกลายเป็นแนวคิดที่ไร้ร่างกาย รูปแบบที่ไร้ชีพจร

สายเลือดคู่ (ปารีส 1947 / นิวยอร์ก 1969) นี้ไม่ใช่แค่เรื่องประวัติศาสตร์เล็กๆ แต่มันเผยให้เห็นโครงสร้างบางอย่างเกี่ยวกับสิ่งที่ลิริคัลแอบสแตรกชัน เป็น มันคือขบวนการที่นิยามตัวเองโดยการต่อต้านสิ่งอื่น ซึ่งหมายความว่าตัวตนของมันยังคงมีชีวิตและตอบสนองอยู่เสมอ ลองพิจารณา Martin Reyna จิตรกรชาวอาร์เจนตินาที่อาศัยและทำงานในปารีสมาหลายสิบปี หมึกและอะคริลิกเจือจางของเขาถูกสร้างสรรค์และปล่อยออกไปพร้อมกัน: Reyna สร้างโครงสร้าง: ดินแดน จังหวะ และชุดเงื่อนไข จากนั้นปล่อยให้สีเคลื่อนไหวภายในตามตรรกะของมันเอง พื้นผิวสุดท้ายจึงเป็นของทั้งการตัดสินใจของศิลปินและของสี เมื่อมองผ้าใบของ Reyna คุณจะรู้สึกถึงความต้านทาน ไม่ใช่ต่อขบวนการทางประวัติศาสตร์ใดๆ แต่ต่อตัวแนวคิดของภาพวาดในฐานะสิ่งที่ปิดและตัดสินใจแล้ว ในแง่นี้เขาคือทายาทโดยตรงของการปฏิเสธในปารีสปี 1947

Martin Reyna - L'Ile - 2023

สิ่งที่ร่างกายรู้

นี่คือสิ่งที่แยกความแตกต่างระหว่างลิริคัลแอบสแตรกชันกับรูปแบบการวาดภาพแสดงออกอื่นๆ: กระบวนการไม่ใช่แค่เครื่องมือ แต่มันคือสาระสำคัญ

Mathieu "Tubism" (บีบสีจากหลอดโดยตรงอย่างรวดเร็ว) ไม่ใช่ทางลัดทางเทคนิค แต่มันคือคำประกาศเชิงปรัชญา: ไม่มีการแทรกกลางระหว่างแรงกระตุ้นกับพื้นผิว Jean-Paul Riopelle สมาชิกชาวแคนาดาของวง Art Informel ในปารีส เลิกใช้แปรงวาดภาพโดยสิ้นเชิง ทำงานด้วยมีดพาเลตเท่านั้น สร้างชั้นสีหนาแน่นเหมือนโมเสกที่รู้สึกหนักแน่นและมีตัวตนอย่างแท้จริง Helen Frankenthaler เดินไปในทิศทางตรงกันข้าม: เทคนิค soak-stain ของเธอเทสีลงบนผ้าใบดิบที่ไม่ได้รองพื้น ทำให้สีซึมเข้าไปแทนที่จะถูกทา ขอบเขตระหว่างภาพวาดกับพื้นผิวจึงล่มสลายอย่างสิ้นเชิง แต่ละวิธีคือการเดิมพันที่แตกต่างกันกับการควบคุม เป็นวิธีปล่อยให้ร่างกายพูดก่อนที่จิตใจจะเข้ามาแก้ไข

ตรรกะที่เน้นร่างกายนี้คือสิ่งที่คุณเห็นและรู้สึกในผลงานของ Macha Poynder จิตรกรที่อาศัยอยู่ในปารีสซึ่งสร้างผืนผ้าใบของเธอผ่านท่าทางเชิงแสดงออก การวาดอัตโนมัติ และการเลือกสีอย่างสัญชาตญาณที่เธออธิบายว่าเป็นการแสดงออกของจิตใต้สำนึกมากกว่าสติปัญญา พื้นผิวของเธอผสมผสานพื้นที่ที่ดูเหมือนสุ่มโดยที่สีถูกสาดหรือหยด กับโซนที่มีความแม่นยำโดยมือที่ผ่านการฝึกฝน และความตึงเครียดระหว่างสองสถานะนั้นคือภาพวาด Poynder เปรียบเทียบกระบวนการของเธอเหมือนการสร้างดนตรี: ไม่ได้แต่งไว้ล่วงหน้า แต่ค้นพบในขณะทำ ผลงานของเธอถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันถาวรของ Centre Pompidou และ Rijksmuseum ซึ่งบ่งชี้ว่าสถาบันต่างๆ ก็สามารถรับรู้ความแตกต่างระหว่างภาพวาดที่ถูกแสดงออกและภาพวาดที่ถูกสร้างขึ้นเพียงอย่างเดียวได้เช่นกัน

Macha Poynder - Far Away -  2026

Janise Yntema ที่ทำงานในบรัสเซลส์กับเทคนิค encaustic wax (ขี้ผึ้งผึ้งที่ทาและหลอมด้วยไฟแช็ก) อยู่ในโซนที่มีความตึงเครียดระหว่างการควบคุมและการปล่อยให้เป็นไปตามธรรมชาติ ขี้ผึ้งมีพฤติกรรม: จนถึงจุดหนึ่ง จากนั้นความร้อนก็เข้ามา และสิ่งที่ถูกวางไว้ก็กลายเป็นสิ่งที่มันจะเป็น ชั้นโปร่งแสงแต่ละชั้นจับแสงแตกต่างกัน ดังนั้นการมองเข้าไปในผืนผ้าใบของ Yntema จึงเหมือนกับการมองเข้าไปในสิ่งที่ส่องสว่างจากภายใน ช่วงเวลาระหว่างการกำกับและอุบัติเหตุไม่ใช่ปัญหาที่เธอพยายามแก้ไข แต่มันคือหัวข้อทั้งหมด และในบรูคลิน Emily Berger ทำงานบนแผ่นไม้ (ดูภาพฮีโร่) ด้วยสีน้ำมันในท่าทางแนวนอนกว้างที่ใช้แขนเต็มที่ (ขูด, ถู, ลาก) เพื่อให้ทุกเครื่องหมายเป็นบันทึกที่ชัดเจนของความมุ่งมั่นทางกายภาพ พื้นผิวของเธอ Berger เคยกล่าวว่า เฉลิมฉลองมือของศิลปิน ในยุคที่มักชอบให้มือมองไม่เห็น นี่ไม่ใช่แค่ความชอบทางสุนทรียะ แต่มันคือจุดยืน

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer จิตรกรชาวออสเตรียที่อาศัยอยู่ในเบลเกรด นำเสนอความหมายใหม่ในคำถามเกี่ยวกับร่างกายและกระบวนการ ผลงานของเขาเคลื่อนที่ผ่านหลายรูปแบบ ตั้งแต่การวาดที่แม่นยำเกือบเหมือนสถาปัตยกรรมไปจนถึงสนามสีที่กว้างและมีบรรยากาศ แต่ในทุกโหมด รอยเครื่องหมายถูกพิจารณาอย่างลึกซึ้งโดยไม่คำนวณไว้ล่วงหน้า พื้นผิวที่เกิดขึ้นมาจากการมีส่วนร่วมทางกายภาพอย่างแท้จริงมากกว่าการวางแผนล่วงหน้า Landauer อธิบายการทำงานของเขาเป็นกระบวนการขุดค้น: การย้ายไปเบลเกรดทำให้เขามีระยะห่างพอที่จะตั้งคำถามกับสิ่งที่คุ้นเคย และคำถามนั้นสะท้อนในพื้นผิวที่รู้สึกทั้งถูกสร้างและถูกค้นพบ

Paul Landauer - Movement - 2023

โลกไม่ได้รอปารีสหรือมหานครนิวยอร์ก

หนึ่งในตำนานที่ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ศิลปะคือการที่ขบวนการศิลปะเกิดขึ้นในที่หนึ่งแล้ว "แพร่กระจาย" ไปยังที่อื่น เหมือนกับว่าวัฒนธรรมเป็นโรคติดต่อ การแสดงออกเชิงนามธรรมแบบลิริคซับซ้อนโมเดลนี้อย่างมาก กลุ่ม Gutai ในญี่ปุ่นไม่ใช่ดาวเทียมของ Art Informel ฝรั่งเศส แต่มันเป็นการประดิษฐ์คู่ขนานที่ขับเคลื่อนด้วยความเร่งด่วนหลังสงครามของตัวเอง การเผชิญหน้ากับสสารและการแสดงออกของตัวเอง Kazuo Shiraga วาดภาพด้วยเท้า แขวนอยู่บนเชือกเหนือผืนผ้าใบ เมื่อ Mathieu มาถึงโตเกียวในปี 1957 การพบกันเป็นระหว่างความรู้สึกที่พัฒนาเต็มที่ทั้งสองฝ่าย ไม่ใช่ครูและลูกศิษย์

Zao Wou-Ki จิตรกรชาวจีนที่ตั้งรกรากในปารีสหลังจากศึกษาที่หางโจว ผสมผสานพลังงานอันเป็นธรรมชาติของการใช้หมึกตะวันออกกับความทะเยอทะยานด้านพื้นที่ของศิลปะยุโรป Art Informel ในแบบที่ไม่มีประเพณีใดประเพณีหนึ่งสามารถสร้างขึ้นได้ ผลงานผืนผ้าใบขนาดใหญ่ของเขาเป็นทั้งลายมือและบรรยากาศในเวลาเดียวกัน เป็นภาพวาดที่ไม่มีแบบอย่างเพราะต้องการประวัติชีวิตของเขาอย่างแท้จริง ณ จุดตัดนี้ ในแคนาดา Riopelle และกลุ่ม Automatistes ได้เผยแพร่แถลงการณ์ Refus Global ในปี 1948 ปฏิเสธอำนาจของศาสนจักรในท้องถิ่นเพื่อสนับสนุนวิสัยทัศน์ศิลปะที่เป็นการทดลองและไม่เกี่ยวกับศาสนา นี่คือการปฏิเสธระบบเย็นชาอีกครั้ง และเป็นการแสดงออกถึงความอบอุ่นอีกครั้ง

วันนี้ Yari Ostovany เกิดที่เตหะรานและปัจจุบันทำงานที่ซานฟรานซิสโก กำลังก้าวไปข้างหน้าด้วยการสังเคราะห์ระดับโลกนี้ ภาพวาดของเขาสร้างชั้นสีที่หนาแน่นและมีบรรยากาศ จากนั้นล้างออก ขูดลง ละลายและสร้างพื้นผิวใหม่จนเกิดสิ่งที่รู้สึกโบราณโดยไม่ใช่โบราณคดี Ostovany พูดถึงบทกวีเปอร์เซียในฐานะอิทธิพลสำคัญ และอิทธิพลนั้นสามารถเห็นได้ในพื้นผิวที่เขาสร้าง: ความลึกที่เปิดและปิด สีที่ปรากฏและถอยกลับ พื้นผิวที่ไม่เคยนิ่ง ผลงานของเขาไม่ใช่ American Color Field หรือภาพจิ๋วอิหร่าน หรือสิ่งใดระหว่างนั้น แต่มันคือความเป็นตัวของตัวเองอย่างแท้จริง เป็นความรู้สึกที่เกิดขึ้นได้เพียงจากการผสมผสานระดับโลกเท่านั้น

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

ความหนาวเย็นครั้งที่สาม: นามธรรมกวีและโลกปัจจุบัน

ในโลกศิลปะร่วมสมัยของต้นศตวรรษที่ยี่สิบเอ็ด นามธรรมกวีเผชิญกับความหนาวเย็นครั้งที่สาม ครั้งแรกคือกริดแบบมีเหตุผล ครั้งที่สองคือตรรกะลดรูปของมินิมัลลิสม์ ครั้งที่สามคือภาพอัลกอริทึมที่สมบูรณ์แบบทางเทคนิค ผลิตทันทีทันใด สร้างจากการแจกแจงทางสถิติของสิ่งที่วัฒนธรรมภาพของมนุษย์ได้สร้างขึ้นแล้ว ภาพที่สร้างโดย AI คือสิ่งที่เย็นชาที่สุด: มันไม่มีความเสี่ยง ไม่มีความมุ่งมั่น ไม่มีร่างกาย มันไม่สามารถล้มเหลวได้ ซึ่งหมายความว่ามันไม่สามารถประสบความสำเร็จในความหมายที่แท้จริงได้

ผืนผ้าใบโดย Poynder บันทึกการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในช่วงเวลาหนึ่ง ในสภาพร่างกายและจิตใจเฉพาะที่ไม่สามารถทำซ้ำได้ ภาพวาดโดย Landauer ถือร่องรอยไบโอเมตริกของการเคลื่อนไหวที่นับและทำในเวลาของร่างกายเฉพาะ ผลงานโดย Jill Moser ซึ่งเครื่องหมายที่มีลักษณะกวีและลายมือเขียนของเขานำทางระหว่างภาพวาดและภาษาที่เขียน ระหว่างภาพและความหมายที่มาก่อนคำพูด ไม่อาจสร้างขึ้นได้ด้วยกระบวนการใดที่เริ่มจากการคำนวณไปสู่การปฏิบัติ ภาพวาดเหล่านี้ไม่ใช่ผลผลิตของการทำนายโดยอัลกอริทึมว่าภาพวาดควรมีลักษณะอย่างไร แต่เป็นสิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อร่างกายมนุษย์เผชิญกับวัสดุภายใต้เงื่อนไขของความไม่แน่นอนอย่างแท้จริง

Jill Moser - ภาพวาด - 2007

นั่นไม่ใช่เรื่องเล็กน้อย มันคือทั้งหมด ลิริคัลแอบสแตรกชันไม่เคยเกี่ยวกับสไตล์หรือเทคนิคเฉพาะ มันเกี่ยวกับการยืนยันว่าการวาดภาพคือเหตุการณ์ ไม่ใช่ผลิตภัณฑ์: รอยบนพื้นผิวเป็นหลักฐานของชีวิตที่กำลังดำเนินอยู่ ความเสี่ยงที่ถูกยอมรับ ช่วงเวลาที่ไม่สามารถสร้างขึ้นใหม่จากข้อมูลสถิติได้ ต่อสู้กับความเย็นชาที่สาม การยืนยันนี้ไม่ใช่ความคิดถึงอดีต แต่มันจำเป็นต้องมี

โดย Francis Berthomier

ภาพวาดเพิ่มเติมที่ปฏิเสธความเย็นชา

ศิลปินร่วมสมัยที่ปรากฏในบทความนี้ (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, และ Jill Moser) เป็นการคัดเลือกส่วนตัวจากชุมชนศิลปินลิริคัลและท่าทางที่กว้างขึ้นซึ่งได้รับการเป็นตัวแทนโดย IdeelArt ศิลปินคนอื่นๆ อีกมากมายในคอลเลกชันนี้มีความรู้สึกแบบเดียวกัน 

สำหรับนักสะสมที่สนใจสำรวจลิริคัลแอบสแตรกชันผ่านผลงานที่มีจำหน่ายในปัจจุบัน IdeelArt รักษาคอลเลกชันพิเศษของผลงานศิลปะแอบสแตรกชันแบบท่าทางและลิริคัลมากกว่า 700 ชิ้น ที่สามารถค้นพบได้โดยคลิกที่นี่

ลิริคัลแอบสแตรกชัน: คำถามที่พบบ่อย

สำหรับผู้อ่านที่ต้องการข้อเท็จจริง และสำหรับ Google ที่ก็ต้องการเช่นกัน

1. ลิริคัลแอบสแตรกชันคืออะไร?

ลิริคัลแอบสแตรกชันเป็นรูปแบบของการวาดภาพที่ไม่ใช่ภาพเหมือนซึ่งให้ความสำคัญกับความเป็นธรรมชาติ ความเข้มข้นทางอารมณ์ และร่องรอยที่มองเห็นได้ของท่าทางศิลปินมากกว่ารูปทรงเรขาคณิตหรือระบบทางปัญญา มีอยู่ในสองเวอร์ชันที่แตกต่างกันทางประวัติศาสตร์แต่เกี่ยวข้องกันทางปรัชญา เวอร์ชันยุโรป Abstraction Lyrique เกิดขึ้นในปารีสหลังสงครามในปลายทศวรรษ 1940 ในฐานะกระแสรองของ Art Informel ที่เฉลิมฉลองรอยประทับโดยสัญชาตญาณในฐานะการยืนยันเสรีภาพของมนุษย์หลังจากความเจ็บปวดของการถูกยึดครองและเผด็จการ เวอร์ชันอเมริกันถูกระบุในปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 โดยนักสะสม Larry Aldrich และได้รับการยืนยันในนิทรรศการ Whitney Museum ปี 1971 ครั้งนี้ในฐานะปฏิกิริยาต่อต้านความเรียบง่ายแบบลดทอนของมินิมัลลิสม์และการแยกตัวแบบประชดประชันของป็อปอาร์ต ทั้งสองเวอร์ชันมีความมุ่งมั่นร่วมกันในเรื่องความลื่นไหล สีสัน และสิ่งที่อาจเรียกว่า "อุบัติเหตุที่สร้างสรรค์": ช่วงเวลาที่ภาพวาดทำสิ่งที่จิตรกรไม่ได้วางแผนไว้ทั้งหมด และสิ่งที่ไม่ได้วางแผนนั้นถูกเก็บไว้เพราะมันจริงกว่าสิ่งที่แผนจะสร้างขึ้น ในแง่ของภาพ ลิริคัลแอบสแตรกชันมักจะมุ่งไปที่พื้นที่บรรยากาศ รอยท่าทางหรือรอยพู่กัน และความรู้สึกโดยรวมของการเคลื่อนไหว แตกต่างจากขอบที่แข็ง เส้นที่ถูกวาด และความสมมาตรที่คำนวณได้ของแอบสแตรกชันเรขาคณิต

แคตตาล็อกนิทรรศการ - Whitney Museum - ลิริคัลแอบสแตรกชัน - 1971 - คลิกเพื่อเรียกดูแคตตาล็อก

2. ความแตกต่างระหว่างลิริคัลแอบสแตรกชันกับแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์คืออะไร?

ความสับสนเป็นเรื่องเข้าใจได้: ทั้งสองขบวนการเฉลิมฉลองการเคลื่อนไหว ร่างกาย และความตรงไปตรงมาทางอารมณ์ แต่ความแตกต่างนั้นมีจริงและสำคัญ นามธรรมแสดงออก (Abstract Expressionism) ซึ่งพัฒนาในนิวยอร์กตั้งแต่กลางทศวรรษ 1940 เป็นต้นมา มักมีพลังที่กล้าหาญและรุนแรง: การวาดภาพแบบ Action Painting ด้วยเทคนิคหยดของ Pollock, การเผชิญหน้าขนาดใหญ่ของรูปทรงในนามธรรมของ de Kooning, ความยิ่งใหญ่ของสนามสีของ Rothko มันเกี่ยวข้องกับตำนานเฉพาะตัว (และค่อนข้างเป็นชายชาตรี) ของศิลปินในฐานะนักสู้เพื่อการดำรงอยู่ นามธรรมเชิงบทกวี โดยเฉพาะเวอร์ชันอเมริกันในปลายทศวรรษ 1960 เป็นการตอบโต้ต่อหลักการนั้นบางส่วน มันมีความลื่นไหลกว่า มีความเป็นกวีนิพนธ์มากกว่า และให้ความสำคัญกับความงามในฐานะจุดมุ่งหมายที่ชอบธรรม ศิลปินอย่าง Helen Frankenthaler, Joan Mitchell และ Dan Christensen ทำงานในรูปแบบที่เบากว่า ซึมซับมากกว่า และถ้าใช้คำนี้อย่างแม่นยำ คือ มีความเป็นบทกวี ความแตกต่างไม่ใช่เรื่องของความจริงจัง แต่เป็นเรื่องของโทนเสียง หาก Abstract Expressionism คือแจ๊สที่เปิดเสียงดังสุด นามธรรมเชิงบทกวีคือแจ๊สเดียวกันที่เล่นในห้องที่เปิดหน้าต่างไว้

Mark Rothko ที่ Fondation Louis Vuitton - ธันวาคม 2023 - ©IdeelArt

3. ใครเป็นผู้บัญญัติคำว่า "lyrical abstraction"?

คำนี้ถูกบัญญัติขึ้นที่ปารีสในปี 1947 โดยนักวิจารณ์ศิลปะ Jean José Marchand และจิตรกร Georges Mathieu เพื่ออธิบายผลงานที่จัดแสดงในนิทรรศการ "L'Imaginaire" ที่ Galerie du Luxembourg Marchand ใช้คำนี้เพื่อสื่อถึงภาพวาดที่หลุดพ้นจาก "การเป็นทาส" ทั้งหมด: ต่อรูปแบบ, ต่อทฤษฎี, ต่อความต้องการที่เหลืออยู่ของสไตล์ก่อนสงคราม คำนี้ถูกฟื้นฟูขึ้นอีกครั้งอย่างอิสระในสหรัฐอเมริกาโดย Larry Aldrich นักสะสมชาวอเมริกันและผู้ก่อตั้งพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยอัลดริช ในบทความ Art in America ปี 1969 เรื่อง "Young Lyrical Painters" แม้ว่า Aldrich อาจรับรู้ถึงการใช้คำในยุโรป แต่การนำคำนี้มาใช้ของเขามีแรงจูงใจจากบริบทวิจารณ์ที่แตกต่างกัน: ความต้องการตั้งชื่อความรู้สึกหลังมินิมัลลิสม์มากกว่าความรู้สึกหลังสงครามยุโรป

สกัดจากแคตตาล็อกนิทรรศการ- ไฮไลท์ของฤดูกาลศิลปะ 1968-69 - พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่อัลดริช - เรียกดูแคตตาล็อก 

4. ศิลปินนามธรรมเชิงบทกวีที่สำคัญที่สุดคือใคร?

ฝั่งยุโรป ตัวละครสำคัญได้แก่ Georges Mathieu ผู้ก่อตั้งที่ประกาศตัวเอง มีชื่อเสียงจากการแสดงละครและเทคนิค Tubist, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) ที่รอยหยักดิบๆ สะท้อนความว่างเปล่าหลังสงคราม, Hans Hartung ที่ใช้เส้นเร็วและมีวินัยเพื่อสำรวจเจตจำนงเสรีผ่านความเร็ว, Jean-Paul Riopelle ชาวแคนาดาที่อาศัยในปารีส ผู้สร้างโมเสกด้วยมีดพาเลตที่โดดเด่น, Zao Wou-Ki ที่ผสมผสานลายมือจีนกับ Art Informel อย่างเป็นเอกลักษณ์, และ Simon Hantaï ที่เริ่มจากลิริคัลแอบสแตรกชันก่อนจะออกจากแนวนี้ในปี 1958 เพื่อพัฒนาเทคนิค pliage ซึ่งเป็นเส้นทางที่โดดเด่นในจิตรกรรมหลังสงคราม ฝั่งอเมริกา ชื่อสำคัญได้แก่ Helen Frankenthaler ผู้คิดค้นเทคนิค soak-stain, Sam Francis ที่ใช้สาดสีแบบ tachiste สะท้อนแนวคิดพุทธเรื่องความว่าง, Joan Mitchell ที่ผสมผสาน Action Painting กับความรู้สึกสีแบบอิมเพรสชันนิสม์, Dan Christensen ที่ใช้ปืนสเปรย์อุตสาหกรรมสร้างเส้นโค้งสว่างไสว, และ Ronnie Landfield ที่ตั้งคำว่า "new sensibility" เพื่ออธิบายสิ่งที่คนรุ่นเขาทำอยู่

Riopelle - Chevreuse - 1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, กันยายน 2023 - © IdeelArt

5. เทคนิคใดที่นิยามลิริคัลแอบสแตรกชัน?

กระบวนการและเทคนิคเป็นหัวใจสำคัญของลิริคัลแอบสแตรกชันในลักษณะที่แทบจะเป็นคำจำกัดความ: วิธีการไม่อาจแยกจากสิ่งที่ทำได้ Mathieu กับ "Tubism" (การทาสีโดยตรงจากหลอดอย่างรวดเร็วโดยไม่ร่างภาพล่วงหน้า) เพิ่มความเป็นธรรมชาติและความแม่นยำแบบลายมือไปพร้อมกัน Riopelle ใช้เพียงมีดพาเลตเท่านั้น สร้างพื้นผิวหนาแน่นเหมือนโมเสกหรือชั้นหิน Frankenthaler ราดสีเจือจางลงบนผ้าใบที่ไม่เคลือบเพื่อให้สีซึมเข้าไปในเนื้อผ้า ทำให้ไม่สามารถแยกพื้นผิวกับพื้นหลังได้ Christensen ใช้ปืนสเปรย์อุตสาหกรรมเพื่อสร้างเส้นโค้งต่อเนื่องที่เกินขอบเขตการเอื้อมของแขน ล่าสุด ศิลปินอย่าง Macha Poynder ผสมผสานการวาดอัตโนมัติและท่าทางแสดงออกกับการวางชั้นอย่างตั้งใจ พื้นผิวของพวกเขาบันทึกทั้งความบังเอิญและเจตนา Janise Yntema ใช้เทคนิค encaustic ด้วยขี้ผึ้งผึ้งที่หลอมด้วยเป่าลม สร้างชั้นโปร่งแสงที่กักเก็บและส่งผ่านแสง Emily Berger ใช้ร่างกายทั้งหมดวาดเส้นแนวนอนบนไม้ ขูดและถูจนแผ่นไม้บันทึกหลักฐานของความพยายามทางกายภาพหลายครั้ง เทคนิคทั้งหมดนี้มีจุดร่วมคือความไม่สามารถย้อนกลับได้: รอยถูกสร้างขึ้นและไม่สามารถลบล้างได้ทั้งหมด

Janise Yntema - เสียงกระซิบแห่งความโดดเดี่ยว - 2017

6. ลีริคัลนามธรรมเกิดขึ้นเมื่อไหร่และที่ไหน?

ลีริคัลนามธรรมมีต้นกำเนิดทางประวัติศาสตร์สองแหล่งที่แตกต่างกันซึ่งไม่ควรสับสนกัน แม้ว่าจะมีจิตวิญญาณที่เกี่ยวข้องกัน แหล่งแรกคือปารีส ปี 1947: นิทรรศการ "L'Imaginaire" ที่ Galerie du Luxembourg ซึ่ง Jean José Marchand และ Georges Mathieu ใช้คำว่า Abstraction Lyrique เพื่ออธิบายสายพันธุ์ใหม่ของนามธรรมโดยสิ้นเชิงที่เกิดขึ้นจากบริบทของศิลปะหลังสงคราม Art Informel ขบวนการยุโรปนี้รุ่งเรืองในช่วงทศวรรษ 1950 โดยมีศูนย์กลางที่ปารีส และมีศิลปินจากฝรั่งเศส แคนาดา ญี่ปุ่น และจีนมีส่วนสำคัญ แหล่งที่สองคือ นิวยอร์ก 1969–1971: บทความใน Art in America ของ Larry Aldrich เรื่อง "Young Lyrical Painters" (1969) ตั้งชื่อให้กับศิลปินอเมริกันรุ่นใหม่ที่เคลื่อนตัวออกจากมินิมัลลิสม์ และขบวนการนี้ได้รับการยืนยันโดยนิทรรศการ "Lyrical Abstraction" ของพิพิธภัณฑ์ Whitney ในปี 1971 ช่วงเวลาทั้งสองนี้แตกต่างกันทางประวัติศาสตร์: ศิลปินยุโรปส่วนใหญ่ไม่เป็นที่รู้จักหรือถูกมองข้ามโดยวงวิจารณ์นิวยอร์ก แต่พวกเขาแสดงถึงการตอบสนองคู่ขนานต่อปัญหาคู่ขนาน: ความจำเป็นในการยืนยันความเป็นมนุษย์ การเคลื่อนไหว และอารมณ์ต่อระบบที่เย็นชาจนเกินไป (ดูคำถามที่ 12 สำหรับรายละเอียดเพิ่มเติม)

Jean-Paul Riopelle และ Fernand Leduc ในงานนิทรรศการ "Automatisme" ที่ Galerie de Luxembourg, ปารีส, 1947

7. ความแตกต่างระหว่างลีริคัลนามธรรมกับนามธรรมเชิงเรขาคณิตคืออะไร?

นี่คือความขัดแย้งพื้นฐานของนามธรรมในศตวรรษที่ยี่สิบ และควรให้ความสำคัญอย่างจริงจัง นามธรรมเชิงเรขาคณิต ตั้งแต่กริดของ Mondrian ถึงสี่เหลี่ยมของ Albers ไปจนถึงภาพวาดขอบแข็งในยุค 1960 ดำเนินไปตามแผน รูปทรงมีอยู่ก่อนที่ภาพวาดจะเกิดขึ้น การดำเนินการเป็นเรื่องของความแม่นยำ: เส้นจะไปในที่ที่ตัดสินใจไว้แล้วว่าเส้นจะไป ลีริคัลนามธรรมดำเนินไปจากความเชื่อที่ตรงกันข้าม: รูปทรงเกิดขึ้นในระหว่างการวาดภาพ ผ่านการพบกันระหว่างร่างกายของศิลปิน สื่อ และช่วงเวลา แผนถ้ามี จะถูกละทิ้งหรือเกินเลยทันที นามธรรมเชิงเรขาคณิตให้คุณค่ากับการควบคุม โครงสร้าง และความสามารถในการทำซ้ำ; ลีริคัลนามธรรมให้คุณค่ากับความเป็นธรรมชาติ อุบัติเหตุ และความเป็นเอกลักษณ์ที่ไม่สามารถลดทอน ทั้งสองไม่เหนือกว่ากัน แต่แทนปรัชญาที่ตรงกันข้ามอย่างแท้จริงเกี่ยวกับสิ่งที่ภาพวาดคือและเพื่ออะไร สำหรับการสำรวจอย่างละเอียดเกี่ยวกับประเพณีเชิงเรขาคณิต ดูบทความประกอบของ IdeelArt เรื่อง "Geometric Abstraction: NOT Another Heroic Tale of Malevich and Mondrian".

Piet Mondrian - Tableau iii (Composition in oval - รายละเอียด) - 1914 - Stedelijk Museum Amsterdam

8. Lyrical Abstraction ยังเกี่ยวข้องในปัจจุบันหรือไม่?

ไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องเท่านั้น แต่ยังจำเป็นมากกว่าช่วงเวลาใดๆ ก่อนหน้านี้ ในวัฒนธรรมภาพที่เต็มไปด้วยภาพที่สร้างโดยอัลกอริทึมซึ่งสมบูรณ์แบบทางเทคนิคแต่ขาดประสบการณ์ Lyrical Abstraction เป็นข้อโต้แย้งที่ไม่สามารถลดทอนสำหรับรอยมนุษย์: ภาพวาดที่สามารถสร้างได้โดยร่างกายนี้เท่านั้น ในช่วงเวลานี้ ภายใต้เงื่อนไขของความไม่แน่นอนที่แท้จริง ศิลปินร่วมสมัยเช่น Yari Ostovany (ซานฟรานซิสโก เกิดที่เตหะราน) ที่พื้นผิวสีเข้มข้นของเขาอ้างอิงถึงประเพณีกวีนิพนธ์เปอร์เซียและ American Color Field พร้อมกัน หรือ Paul Landauer (เบลเกรด เกิดที่เวียนนา) ที่ภาพวาดของเขาเคลื่อนที่ระหว่างความแม่นยำทางสถาปัตยกรรมและความกว้างขวางของบรรยากาศ ซึ่งทั้งหมดนี้เกิดจากความมุ่งมั่นทางกายภาพไม่ใช่สูตร หรือ Jill Moser (นิวยอร์ก) ที่รอยหมึกลายมือของเธออยู่ในเขตแดนระหว่างภาพวาดและภาษาที่เขียน ระหว่างท่าทางและความหมาย: ทั้งหมดนี้เป็นงานที่ AI สร้างสรรค์ไม่สามารถเลียนแบบได้อย่างแท้จริง นี่ไม่ใช่เรื่องของรูปลักษณ์: อัลกอริทึมสามารถสร้างสิ่งที่ดูเหมือน Lyrical Abstraction ได้อย่างน่าเชื่อถือ แต่การมีอยู่ของมนุษย์ในหัวใจของงานศิลปะไม่สามารถจำลองได้

สิ่งที่จิตรกรเหล่านี้สร้างขึ้นไม่ใช่ภาพเป็นหลัก แต่มันคือหลักฐานของชีวิต ความเสี่ยง ช่วงเวลาทางกายภาพที่เกิดขึ้นเพียงครั้งเดียวและไม่สามารถสร้างขึ้นใหม่จากข้อมูลสถิติได้ พื้นผิวคือบันทึก ไม่ใช่ผลลัพธ์ ความสนใจจากสถาบันใหญ่ยังคงเพิ่มขึ้น: ในปี 2025 Monnaie de Paris และ Centre Pompidou ได้ร่วมกันจัดนิทรรศการ ย้อนหลังครั้งใหญ่ให้กับ Georges Mathieu ชื่อ "Geste, Vitesse, Mouvement" ซึ่งเป็นการสำรวจครั้งแรกในรอบกว่าห้าสิบปี 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - จาก นิทรรศการ "Geste, Vitesse, Mouvement" ที่ Monnaie de Paris, 2025. ดูแคตตาล็อกที่นี่

9. ความแตกต่างระหว่าง Lyrical Abstraction กับ Tachisme คืออะไร — ทั้งสองเหมือนกันหรือไม่?

ไม่ใช่ทั้งหมด แม้ว่าสองขบวนการนี้จะเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิดและคำศัพท์มักใช้แทนกัน ซึ่งทำให้เกิดความสับสนอย่างแท้จริง Tachisme (มาจากภาษาฝรั่งเศส "tache", หมายถึงคราบหรือจุด) เป็นเทคนิคเฉพาะ: การทาสีอย่างทันทีทันใดเป็นหยด เป็นหย่อม และการกระเซ็นที่เกิดขึ้นในปารีสช่วงปลายทศวรรษ 1940 และได้รับการกำหนดโดยนักวิจารณ์ Michel Tapié ในปี 1952 ลิริคัลแอบสแตรกชันเป็นความรู้สึกที่กว้างกว่าซึ่งครอบคลุม Tachisme แต่ไม่จำกัดอยู่แค่เทคนิคนี้ คุณสามารถคิดว่า Tachisme เป็นหนึ่งในวิธีที่ลิริคัลแอบสแตรกชันใช้ แทนที่จะเป็นคำพ้องความหมาย ทั้งสองอยู่ภายใต้ร่มใหญ่ของ Art Informel ซึ่งเป็นการปฏิเสธแนวทางที่มีเหตุผลและเรขาคณิตในยุโรปหลังสงคราม

ภาพวาด tachist แบบทั่วไป: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. ความแตกต่างระหว่างลิริคัลแอบสแตรกชันกับจิตรกรรม Color Field คืออะไร?

สองขบวนการนี้มีรุ่นเดียวกัน ภูมิศาสตร์เดียวกัน (ทั้งคู่รุ่งเรืองในอเมริกาหลังสงคราม) และมีความมุ่งมั่นในสีเป็นพาหะหลักของอารมณ์ ซึ่งเป็นเหตุผลที่มักจะสับสนกัน ความแตกต่างสำคัญอยู่ที่บทบาทของท่าทาง จิตรกร Color Field อย่าง Mark Rothko, Barnett Newman และ Morris Louis กำลังเคลื่อนตัวออกจากรอยแปรงที่มองเห็นได้ ไปสู่สนามสีขนาดใหญ่ที่ดื่มด่ำและลบล้างรอยมือของศิลปิน ลิริคัลแอบสแตรกชันเคลื่อนตัวในทิศทางตรงกันข้าม: ท่าทาง รอยเครื่องหมาย ร่องรอยทางกายภาพของร่างกายจิตรกรคือสิ่งที่งานศิลปะนั้นเกี่ยวข้อง Helen Frankenthaler เป็นกรณีที่ให้บทเรียนมากที่สุด เพราะเทคนิค soak-stain ของเธอสร้างสนามสีที่มีบรรยากาศในขณะที่ยังคงยึดมั่นในกระบวนการท่าทาง ในทางปฏิบัติ ขอบเขตระหว่างสองขบวนการนี้โปร่งใสอย่างแท้จริง และภาพวาดหลายชิ้นอยู่ในทั้งสองกลุ่มได้อย่างสบายใจ

Morris Louis - Pi - 1960 - North Carolina Museum of Art (นิทรรศการปี 2015) - ©IdeelArt

11. Joan Mitchell เป็นลิริคัลแอบสแตรกชันหรือแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์?

อย่างตรงไปตรงมา ทั้งสองอย่าง และความกำกวมนี้เป็นส่วนหนึ่งที่ทำให้เธอเป็นบุคคลสำคัญ Mitchell ได้รับการฝึกฝนและได้รับการสนับสนุนจากวงการ Abstract Expressionist ในนิวยอร์ก และเธอมีความมุ่งมั่นในงานจิตรกรรมขนาดใหญ่ที่ต้องใช้ความทุ่มเททางกายภาพ แต่ผลงานของเธอมีความไพเราะ ความสว่างไสว และการเชื่อมโยงกับภูมิทัศน์และความรู้สึกทางธรรมชาติที่สอดคล้องกับประเพณีเชิงบทกวีอย่างเท่าเทียมกัน เธอใช้เวลาส่วนใหญ่ในอาชีพของเธอที่ฝรั่งเศส ซึ่งเธอใกล้ชิดกับยุโรปมากขึ้น Abstraction Lyrique ความรู้สึกมากกว่าความแมนแบบฮีโร่ของ New York School นักประวัติศาสตร์ศิลปะส่วนใหญ่ในปัจจุบันจัดให้เธออยู่ในจุดเชื่อมระหว่างสองขบวนการ ซึ่งอาจเป็นตำแหน่งที่น่าสนใจที่สุดที่จิตรกรคนใดจะครอบครองได้

Joan Mitchell ในสตูดิโอ Vétheuil ของเธอ ปี 1983 ภาพถ่ายโดย Robert Freson, Joan Mitchell Foundation Archives. © Joan Mitchell Foundation

12. ความแตกต่างระหว่าง "abstraction lyrique" กับ "lyrical abstraction" คืออะไร?

พวกเขามีดีเอ็นเอทางปรัชญาร่วมกันแต่มีประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกัน

Abstraction Lyrique คือคำศัพท์ภาษาฝรั่งเศส ที่ถูกตั้งขึ้นในปารีสปี 1947 โดย Jean-José Marchand และ Georges Mathieu เพื่ออธิบายกระแสยุโรปหลังสงครามที่มีรากฐานมาจาก Art Informel ความคิดเชิงอัตถิภาวนิยม และการปฏิเสธ geometric rationalism

Marchand นักวิจารณ์ศิลปะ ได้ตั้งชื่อครั้งแรกเพื่ออธิบายผลงานของ Mathieu ที่จัดแสดงในเดือนพฤศจิกายน 1947 ที่งาน Salon des Surindépendants ครั้งที่สิบสี่ สี่เดือนหลังจากที่เขาได้สังเกตเห็น Mathieu ที่งาน Salon des Réalités Nouvelles:

"ผมขอเริ่มด้วยการสังเกตผลงานของศิลปินนามธรรม Georges Mathieu ชายหนุ่มคนนี้แสดงภาพวาดขนาดใหญ่สองชิ้นที่มีความไพเราะมากและเคลื่อนไหวจิตใจได้อย่างลึกซึ้ง และผมเชื่อว่าสามารถสัมผัสผู้ชมได้ แม้ว่าภาพเหล่านั้นจะไม่เป็นตัวแทนของสิ่งใดก็ตาม"

แต่เป็น Mathieu ที่ได้วางทฤษฎีของขบวนการนี้ ในงานเขียนชิ้นแรกเกี่ยวกับศิลปะของเขา ชื่อ "La liberté, c’est le vide" (เสรีภาพคือความว่างเปล่า) เขียนในปี 1947 และตีพิมพ์เมื่อวันที่ 22 เมษายน 1948 ในแคตตาล็อกนิทรรศการ H.W.P.S.M.T.B. Mathieu ได้วางรากฐานสำหรับ “อภิปรัชญาของความว่างเปล่า” ประกาศอภิปรัชญาของความเสี่ยง และเปิดทางสู่แผนที่ของ Abstraction Lyrique — คำที่เขาชื่นชอบมากกว่าคำว่า "Abstractivisme Lyrique" (Lyrical Abstractivisme) ที่ Marchand ใช้ในตอนแรก

สำหรับ Mathieu, Abstraction Lyrique ต้องการให้ “การจดจ่อแทนที่แนวคิดคลาสสิกของการประดิษฐ์ขึ้นทันที” มันส่งเสริมการเรียกร้องสู่จิตวิญญาณ พลังงาน และสัญชาตญาณ มากกว่าวิธีการและสูตรสำเร็จ ในที่สุดจึงต้องการความรู้สึกที่แท้จริงและ “การเปิดสู่จักรวาล” จากศิลปิน

"ตระหนักว่าฉันได้ทำหน้าที่ของฉันสำเร็จแล้ว โดยได้ทำทุกอย่างที่อยู่ในอำนาจของฉัน ฉันรู้ว่าเวลายืนอยู่ข้างฉัน ความจริงจะต้องเผยออกสู่แสงสว่างในที่สุด อิสระของ Abstraction นี้จะได้รับชัยชนะอย่างเด็ดขาด และฉันยังคาดเดาได้ว่ามันอาจก่อให้เกิดความสับสนอย่างยิ่ง และความสะดวกสบายอย่างยิ่ง" -Georges Mathieu

แคตตาล็อกนิทรรศการ H.W.P.S.M.T.B. (ตอนที่สกัด)

"Lyrical Abstraction" ในฐานะขบวนการอเมริกัน ถูกตั้งชื่ออย่างอิสระในปี 1969 โดยนักสะสม Larry Aldrich เพื่อตอบโต้ Minimalism และ Pop Art Whitney Museum ได้กำหนดขบวนการอเมริกันนี้อย่างเป็นทางการด้วยนิทรรศการเต็มรูปแบบในปี 1971 ชื่อ "Lyrical Abstraction" พร้อมคำชี้แจงนิทรรศการที่เขียนโดย Larry Aldrich: 

"ต้นฤดูกาลที่แล้ว มีความชัดเจนว่าภาพวาดกำลังเคลื่อนตัวออกจากรูปทรงเรขาคณิต ขอบแข็ง และความน้อยที่สุด ไปสู่แอบสแตรกชันที่ลิริคัล มีความรู้สึกนุ่มนวล โรแมนติก ในสีที่อ่อนนุ่มและสดใสขึ้น ศิลปินจำนวนมากกำลังสร้างผลงานที่ดู "สวยงาม" ซึ่งก่อนหน้านี้ในโลกศิลปะยุค 60 ถือเป็นคำที่ไม่ดี แม้ว่าพวกเขาจะไม่ย้อนกลับไปสู่สไตล์ก่อนหน้า แต่ศิลปินรุ่นใหม่นี้เชื่อมโยงกับศิลปินที่ทำงานในแนวทางที่เน้นการวาดภาพมาเป็นเวลายี่สิบปีขึ้นไป เช่น Mark Rothko, Robert Motherwell และคนอื่นๆ สัมผัสของศิลปินยังคงเห็นได้ชัดในภาพวาดประเภทนี้ แม้ว่าจะใช้ปืนสเปรย์ ฟองน้ำ หรือวัตถุอื่นๆ ในการทำผลงาน พื้นผิวไม่เคยเป็นนามธรรมเหมือนในภาพวาดน้อยที่สุด แต่มีความละเอียดอ่อนและมักชวนให้นึกถึงช่องว่างที่มีเมฆปกคลุม ภาพวาดเหล่านี้ทั้งหมดแสดงถึงการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนไปสู่ความสนใจในเชิงแสดงออก ขณะที่ผมศึกษากระแสลิริคัลนี้ ผมพบศิลปินรุ่นใหม่หลายคนที่ผลงานของพวกเขาดึงดูดใจผมมากจนผมต้องซื้อผลงานของพวกเขาหลายชิ้น ผลงานส่วนใหญ่ในนิทรรศการ Lyrical Abstraction สร้างขึ้นในปี 1969 และทั้งหมดเป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันของผมในตอนนี้" -Larry Aldrich

แคตตาล็อกนิทรรศการ - Whitney Museum - "Lyrical Abstraction" (1971) - หน้า 32 และ 33 - คลิกเพื่อเรียกดู

สองขบวนการนี้พัฒนาขึ้นในเวลาเดียวกันโดยมีการรับรู้ข้ามกันอย่างจำกัดในตอนนั้น: วงการวิจารณ์ในนิวยอร์กช่วงปี 1950 และ 60 มีท่าทีไม่ค่อยให้เกียรติฉากศิลปะในปารีส ปัจจุบันคำเหล่านี้ถูกใช้แทนกันได้เพื่ออธิบายความรู้สึกที่เหมือนกัน แต่เมื่อประวัติศาสตร์ใช้คำเหล่านี้อย่างแม่นยำ Abstraction Lyrique หมายถึงกระแสยุโรปหลังสงครามโลกครั้งที่สอง และ "Lyrical Abstraction" หมายถึงขบวนการอเมริกันในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 70

13. ฉันจะรู้จักลิริคัลแอบสแตรกชันได้อย่างไร — ควรมองหาอะไรในภาพวาด?

เครื่องหมายบางอย่างที่ไม่มีอันใดอันหนึ่งชัดเจนเพียงลำพังแต่เมื่อนำมารวมกันแล้วน่าสนใจ ประการแรก มองหาหลักฐานของกระบวนการทางกายภาพที่มองเห็นได้: รอยแปรงที่บันทึกความเร็วหรือแรงกด รอยที่ไม่สามารถทำได้โดยเครื่องมือที่ถือห่างจากผืนผ้าใบ ประการที่สอง มองหาความรู้สึกของบรรยากาศหรือพื้นที่ทางอารมณ์ เพราะลิริคัลแอ็บสแตรกชันมักมุ่งสู่ความลึกและการเคลื่อนไหว มากกว่าผิวเรียบและชัดเจนของการวาดภาพแบบฮาร์ดเอดจ์ ประการที่สาม สังเกตว่าสีให้ความรู้สึกแสดงออกมากกว่ามีโครงสร้างหรือไม่: ในลิริคัลแอ็บสแตรกชัน สีคืออารมณ์ ไม่ใช่สถาปัตยกรรม สุดท้ายและสำคัญที่สุด ถามว่าภาพวาดนั้นรู้สึกเหมือนถูกค้นพบมากกว่าถูกออกแบบหรือไม่ ถ้าคำตอบคือใช่ ถ้างานดูเหมือนจะมาถึงตัวเองผ่านกระบวนการเสี่ยงและความไม่แน่นอน คุณแทบจะแน่ใจว่ากำลังดูลิริคัลแอ็บสแตรกชันอยู่

Emily Berger - ไฟและน้ำแข็ง - 2020

14. บทบาทของความบังเอิญและอุบัติเหตุในลิริคัลแอ็บสแตรกชันคืออะไร?

เป็นสิ่งสำคัญแต่ซับซ้อน ลิริคัลแอ็บสแตรกชันไม่ได้บูชาความบังเอิญเพียงเพื่อความบังเอิญ เพราะนั่นคือความสุ่ม และความสุ่มไม่เหมือนกับความเป็นธรรมชาติที่เกิดขึ้นทันที สิ่งที่ศิลปินลิริคัลแอ็บสแตรกชันให้คุณค่าคือสิ่งที่เรียกว่า "ความบังเอิญที่สร้างสรรค์": ช่วงเวลาที่สีทำสิ่งที่ศิลปินไม่ได้ตั้งใจทั้งหมด และสิ่งที่ไม่ได้ตั้งใจนั้นถูกยอมรับว่าเป็นสิ่งที่แท้จริง มีชีวิตชีวา และแสดงออกได้มากกว่าสิ่งที่แผนการวาดภาพจะสร้างขึ้น ทักษะของศิลปินไม่ได้อยู่ที่การหลีกเลี่ยงช่วงเวลาเหล่านี้ แต่คือการรู้วิธีอ่าน ตอบสนอง และรักษาช่วงเวลาเหล่านั้นไว้ Mathieu อธิบายสิ่งนี้ว่าเป็นสภาวะของ "สมาธิที่ลุ่มหลง" ซึ่งรวมการรับรู้เต็มที่กับการระงับการควบคุมโดยเจตนา Frankenthaler พูดถึงการเรียนรู้ที่จะไว้วางใจสี Riopelle ใช้มีดพาเลตสร้างโมเสกที่ต้องตัดสินใจเล็กๆ น้อยๆ ตลอดเวลาเพื่อตอบสนองต่อสิ่งที่แปรงก่อนหน้าทำ ในแต่ละกรณี ความบังเอิญไม่ใช่ผู้สร้างงานศิลปะ - ศิลปินต่างหากที่เป็นผู้สร้าง - แต่ความบังเอิญคือผู้ร่วมงานที่ขาดไม่ได้

Georges Mathieu ที่พิพิธภัณฑ์แห่งชาติ Bezalel, เยรูซาเล็ม, 1962, Yona Fisher Archive

15. ความเชื่อมโยงระหว่างลิริคัลแอ็บสแตรกชันกับดนตรีคืออะไร?

มันฝังอยู่ในชื่อ "ลิริคัล" มาจากพิณ เครื่องดนตรีของออร์เฟอุส รากฐานของบทกวีลิริค ความคิดของศิลปะที่ถูกขับร้องแทนการพูด Kandinsky ผู้ซึ่งผลงานนามธรรมในช่วงแรกทำนายสิ่งที่ลิริคัลแอ็บสแตรกชันจะกลายเป็น ได้พูดอย่างชัดเจนว่าการวาดภาพคือดนตรีที่มองเห็นได้: เขาเชื่อว่าสีและรูปทรงสามารถสื่ออารมณ์ได้โดยตรงเหมือนเสียง โดยไม่ต้องผ่านภาษา ศิลปินลิริคัลแอ็บสแตรกชันหลายคนพัฒนาความสัมพันธ์นี้อย่างมีสติ Mathieu แสดงผลงานของเขาควบคู่กับดนตรีแจ๊สสด และผืนผ้าใบของเขาในปี 1959 การสังหารหมู่เซนต์-บาร์เทเลมี ถูกวาดในขณะที่มือกลอง Kenny Clarke เล่นด้นสดข้างๆ Joan Mitchell มักจะอธิบายภาพวาดของเธอในแง่ดนตรีว่าเป็นองค์ประกอบที่มีจังหวะ ความเร็ว และความเงียบ การเชื่อมโยงนี้ไม่ใช่แค่เปรียบเทียบ: ทั้งดนตรีและลิริคัลแอบสแตรกชันสร้างความหมายผ่านระยะเวลา การทำซ้ำ ความหลากหลาย และการจัดการความตึงเครียดและการปลดปล่อย แทนที่จะผ่านภาพที่ตายตัวและอ่านได้ชัดเจน

Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959

16. ความแตกต่างระหว่างลิริคัลแอบสแตรกชันกับนีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์คืออะไร?

นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์เกิดขึ้นในปลายทศวรรษ 1970 และครองตลาดศิลปะในทศวรรษ 1980 โดยมีศิลปินอย่าง Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat และ Julian Schnabel ทั้งสองแนวเคารพการเคลื่อนไหว อารมณ์ และการปรากฏตัวทางกายภาพของสี ดังนั้นความสับสนจึงเข้าใจได้ ความแตกต่างที่สำคัญคือเนื้อหาที่เป็นรูปคนและอุณหภูมิทางวัฒนธรรม นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์เกือบจะรักษาภาพที่จดจำได้เสมอ: รูปคนที่บิดเบี้ยว วัตถุเชิงสัญลักษณ์ ชิ้นส่วนเรื่องเล่า ลิริคัลแอบสแตรกชันยืนกรานที่จะไม่เป็นรูปคน นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ยังดิบกว่า ตรงไปตรงมา และสนใจในตำนาน ประวัติศาสตร์ และบาดแผลทางวัฒนธรรมในฐานะหัวข้อที่ชัดเจน ลิริคัลแอบสแตรกชันสนใจในความรู้สึกบริสุทธิ์ ความสัมพันธ์ของสี และจิตวิทยาของการรับรู้ หากลิริคัลแอบสแตรกชันคือแจ๊สที่เล่นโดยเปิดหน้าต่าง นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์คือเครื่องดนตรีที่ต่างออกไป: ดังกว่า ละครมากกว่า และสนใจเล่าเรื่องอย่างมาก

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - กุมภาพันธ์ 2023 - ภาพติดตั้ง - ©IdeelArt

17. ลิริคัลแอบสแตรกชันสามารถรวมองค์ประกอบที่เป็นรูปคนได้หรือไม่?

ทางเทคนิคแล้วไม่ใช่ แต่ในทางปฏิบัติขอบเขตนั้นไม่ชัดเจนและน่าสนใจ ลิริคัลแอบสแตรกชันโดยนิยามคือไม่ใช่ภาพเหมือน หมายความว่าไม่แสดงวัตถุที่จดจำได้ แต่จิตรกรหลายคนที่ทำงานในแนวลิริคัลพบว่าเครื่องหมายการเคลื่อนไหว สีบรรยากาศ และรูปทรงอินทรีย์เริ่มบ่งบอกถึงภูมิทัศน์ ร่างกาย หรือสภาพอากาศโดยที่ศิลปินไม่ได้ตั้งใจ Joan Mitchell ภาพวาดช่วงปลายของเธอลอยอยู่บนขอบของภูมิทัศน์โดยไม่เคยแสดงภาพภูมิทัศน์จริง Riopelle โมเสกของเขาทำให้นึกถึงภาพมุมสูงของภูมิประเทศ นี่ไม่ใช่ความล้มเหลวของแอบสแตรกชัน: นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อภาพวาดมีชีวิตชีวาและมีร่างกายเพียงพอ เพราะโลกภายนอกซึมกลับเข้ามา ความแตกต่างที่สำคัญคือเจตนา: ลิริคัลแอบสแตรกชันไม่ได้เริ่มจากรูปคนหรือสถานที่ สิ่งที่ปรากฏขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจเป็นส่วนหนึ่งของความซื่อสัตย์ของมัน

Joan Mitchell - แม่น้ำ - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - มิถุนายน 2019 - ©IdeelArt

Paul Landauer กับ "The night: ภาพเหมือนตัวเองในวัยเด็ก" (ด้านล่าง) แสดงถึงจุดเปลี่ยนนี้อย่างชัดเจน รูปทรงหนึ่งโผล่ออกมาจากสนามที่ปั่นป่วนด้วยสีแดงเข้มและดำ ไม่ใช่การวาดภาพแต่เป็นการสร้างขึ้น รูปทรงนั้นรวมตัวกันจากตรรกะของสีเอง Landauer ไม่ได้เริ่มจากรูปทรงในความหมายแบบดั้งเดิม: เขาเริ่มจากสี จากกระบวนการ จากภายในทางอารมณ์ รูปทรงนั้นจึงปรากฏขึ้น และเพราะมันปรากฏขึ้นแบบนั้น มันจึงมีบางสิ่งที่ภาพเหมือนธรรมดาไม่สามารถมีได้: ความรู้สึกของความทรงจำที่ผุดขึ้นมาแทนที่จะถูกบรรยาย

Paul Landauer - The Night (ภาพเหมือนตัวเองในวัยเด็ก) - 2025

18. นักสะสมควรมองหาอะไรเมื่อซื้อศิลปะนามธรรมเชิงบทกวี?

นอกเหนือจากการพิจารณาปกติเรื่องสภาพ แหล่งที่มา และประวัติศิลปินแล้ว ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวียังตั้งคำถามเฉพาะกับนักสะสมอีกหลายข้อ ข้อแรก: พื้นผิวทนทานต่อการมองอย่างต่อเนื่องหรือไม่? ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีเผยตัวช้าๆ และภาพวาดที่ดูดีจากระยะไกลควรให้รางวัลแก่การตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ซึ่งจะเห็นหลักฐานทางกายภาพของกระบวนการสร้าง ข้อที่สอง: ท่าทางนั้นน่าเชื่อถือหรือไม่? มีความแตกต่างระหว่างรอยที่ทำด้วยความมุ่งมั่นทางกายภาพจริงจัง กับรอยที่แสดงความเป็นธรรมชาติแต่ไม่ได้เสี่ยงอะไรจริงๆ และด้วยประสบการณ์ตาเรียนรู้ที่จะรับรู้ความแตกต่างนั้น ข้อที่สาม: ผลงานมีความสอดคล้องภายในหรือไม่? ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีที่ดีที่สุดไม่ใช่ความวุ่นวาย: มันมีตรรกะที่รู้สึกได้มากกว่าที่จะอ่าน มีโครงสร้างที่มั่นคงแม้ไม่มีแผนล่วงหน้า สุดท้าย จงเชื่อในปฏิกิริยาตอบสนองทางร่างกายของตัวเอง ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีถูกสร้างมาเพื่อให้รู้สึกก่อนจะเข้าใจ และนักสะสมที่ตอบสนองทางกายภาพต่อผลงาน รู้สึกถึงพลังงานของมันในร่างกายก่อนที่จิตใจจะตามทัน กำลังมีประสบการณ์ตามที่จิตรกรตั้งใจไว้ 

ภาพทั้งหมด © ศิลปินเว้นแต่จะระบุไว้เป็นอย่างอื่น
ภาพเด่น: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (รายละเอียด)

ศิลปะเชิงบทกวีจากคลังของเรา (คัดสรร)