สามอาจารย์แห่งสีน้ำเงินในศิลปะร่วมสมัย
เมื่อคุณเห็น สีฟ้า คุณรู้สึกอย่างไร? คุณจะอธิบายมันว่าแตกต่างจากสิ่งที่คุณรู้สึกเมื่อได้ยินคำว่า "ฟ้า" หรืออ่านคำว่า "ฟ้า" บนหน้าไหม? ข้อมูลที่สื่อสารโดยเฉดสีแตกต่างจากข้อมูลที่สื่อสารโดยชื่อของมันหรือไม่? ไม่ว่าคุณจะรู้สึกอย่างไร มันเป็นไปได้ไหมว่าความรู้สึกนั้นเป็นสากล? หรือว่าสีฟ้ามีความหมายที่แตกต่างกันสำหรับผู้คนที่แตกต่างกัน? แล้วสัตว์ล่ะ? พวกมันเชื่อมโยงสีเข้ากับอารมณ์หรือใช้ตัวรับสีของพวกมันเพียงเพื่อการอยู่รอด? คำถามเหล่านี้ทำให้ผู้ศึกษาสีสับสนมานานหลายศตวรรษ และในบางวิธีเราก็ยังไม่ใกล้เคียงกับการตอบคำถามเหล่านี้ในวันนี้มากกว่าที่เราเคยเป็นเมื่อร้อยปีที่แล้ว แต่หนังสือที่เพิ่งตีพิมพ์โดย Phaidon Press ได้พาเราไปสู่ความเข้าใจเกี่ยวกับสีได้มากขึ้นเล็กน้อย อย่างน้อยก็ในแง่ที่เกี่ยวข้องกับศิลปะ เขียนโดย Stella Paul อดีตผู้ดูแลที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะเคาน์ตี้ลอสแองเจลิสและอดีตผู้อำนวยการโปรแกรมที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์ก Chromaphilia: The Story of Color in Art เน้นผลงานศิลปะ 240 ชิ้น ไม่เพียงแต่การสำรวจสีอย่างละเอียดของเธอจะส่องสว่างให้เห็นถึงวิธีการที่ไม่สามารถนับได้สิบหมวดหมู่สีที่ถูกใช้โดยศิลปินตลอดประวัติศาสตร์ แต่ยังสำรวจช่วงของวิธีที่สีตัดกันกับวิทยาศาสตร์ อารมณ์ สุนทรียศาสตร์ และด้านอื่น ๆ ของวัฒนธรรมมนุษย์ วันนี้เราต้องการที่จะมองลึกลงไปในผลงานของศิลปินบางคนที่ Paul กล่าวถึงในหนังสือเพื่อแสดงให้เห็นถึงช่วงและพลังของสีฟ้า: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso และ Yves Klein.
การมองเห็นสี
หนึ่งในสิ่งแปลกเกี่ยวกับสีคือบ่อยครั้งที่คนสองคนสามารถมองวัตถุเดียวกันในเวลาเดียวกันในสถานที่เดียวกันและยังคงอ้างว่าวัตถุที่พวกเขากำลังมองอยู่นั้นมีสีที่แตกต่างกัน เราจึงสงสัยว่า “มันเป็นไปได้อย่างไร? สีไม่ใช่สิ่งที่เป็นวัตถุใช่ไหม?” แต่คำตอบสั้น ๆ คือไม่ สีมักจะเป็นเรื่องที่ขึ้นอยู่กับมุมมอง สาเหตุมีบางอย่างเกี่ยวข้องกับวิทยาศาสตร์ที่อยู่เบื้องหลังวิธีที่มนุษย์มองเห็นสี มนุษย์ (และสัตว์อื่น ๆ ส่วนใหญ่ที่มองเห็นสี) เป็น trichromats นั่นหมายความว่าตัวรับในดวงตามนุษย์รับรู้ความยาวคลื่นพื้นฐานสามความยาวที่สอดคล้องกับสี คุณอาจเคยได้ยินเกี่ยวกับโมเดลสี RGB ที่ใช้โดยเครื่องพิมพ์บางตัว ตัวอักษร RGB ย่อมาจาก Red, Green และ Blue นั่นคือโมเดลสีที่สอดคล้องกับการมองเห็นของมนุษย์มากที่สุด ชัดเจนว่า แดง เขียว และน้ำเงินไม่ใช่สีเดียวที่ดวงตามนุษย์สามารถรับรู้ได้ ในความเป็นจริง มนุษย์ส่วนใหญ่สามารถรับรู้สีที่แตกต่างกันได้มากถึงเจ็ดล้านเฉดสี แต่ละเฉดสีที่แตกต่างกันเหล่านั้นจะถูกตีความในสมองหลังจากที่ดวงตาได้มองเห็นมันเป็นการรวมกันของแดง เขียว และน้ำเงิน.
นอกจากนี้ สีที่เรารับรู้ว่าเป็นของวัตถุไม่ได้เกี่ยวข้องกับวัตถุเพียงอย่างเดียว ใช่ เราสามารถวิเคราะห์วัสดุที่วัตถุทำขึ้นและเข้าใจว่าสีของวัสดุนั้นน่าจะเป็นอย่างไรตามองค์ประกอบทางเคมีของมัน แต่การประกอบทางเคมีของสารไม่ใช่ปัจจัยเดียวที่มีผลต่อสีที่เรารับรู้ ว่าทำไมมนุษย์ถึงสามารถรับรู้สีได้เลยก็เพราะแสง และแสงก็สามารถมีสีได้เช่นกัน ในกรณีนี้มันสามารถเปลี่ยนแปลงสีที่ตามองเห็นเมื่อมองไปที่พื้นผิว นอกจากนี้ ชุดของตาก็สามารถไวต่อแสงมากกว่า หรือไวต่อแสงแตกต่างจากชุดตาอื่น ๆ ทำให้วิธีที่สมองสองข้างตีความสีแตกต่างกันไปด้วย โดยพื้นฐานแล้ว สิ่งเดียวกันที่ทำให้เราเห็นสีสามารถเปลี่ยนแปลงการรับรู้สีของเราได้ ดังนั้น การพูดคุยเกี่ยวกับสีอาจดูเหมือนเป็นเรื่องที่มีความเห็นส่วนตัว และการโต้เถียงเกี่ยวกับว่าสีของสิ่งใดสิ่งหนึ่งคือสีอะไรอาจดูไร้สาระอย่างยิ่ง.
เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ - มูฟเบิล บลู, 1973, อะคริลิคบนผ้าใบ, © 2014 มูลนิธิเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์, Inc, สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก
สีฟ้า
อย่างไรก็ตาม ความแตกต่างที่คนต่างๆ เห็นเมื่อพวกเขามองสิ่งที่มีสีเฉพาะนั้นมักจะไม่แตกต่างกันอย่างมากนัก เช่น คนหนึ่งเห็นสีแดงและอีกคนเห็นสีน้ำเงิน โดยปกติแล้ว ความแตกต่างจะละเอียดอ่อนมากกว่า เช่น คนหนึ่งเห็นสีน้ำเงินฟ้าและอีกคนเห็นสีเขียวมรกต แต่สิ่งที่สามารถแตกต่างกันได้มากคือช่วงของสิ่งอื่นๆ ที่สมองของเรารับรู้เมื่อเรามองสีเฉพาะ นอกเหนือจากคุณสมบัติทางกายภาพของมัน ตามที่ประโยคเปิดของบทเกี่ยวกับสีฟ้าใน Chromaphilia: The Story of Color in Art สังเกตว่า "มีสีน้ำเงินหลายประเภท - ทั้งหมดมีเฉดเดียวกัน แต่มีการจัดเรียงที่ไม่มีที่สิ้นสุดของลักษณะ ผลกระทบ แหล่งที่มา และความหมาย"
เราพูดถึงลักษณะภายนอกไปแล้ว แต่ความสนุกจริง ๆ เริ่มต้นเมื่อเราพิจารณา "ผลกระทบ, แหล่งที่มา, และความหมาย." สำหรับผลกระทบ คนหนึ่งอาจเห็นสีฟ้าแล้วรู้สึกสงบ ขณะที่อีกคนอาจรู้สึกเศร้าเมื่อเห็นสิ่งที่เป็นสีฟ้า ดังนั้นวิธีที่เราตอบสนองต่อสีจึงเกี่ยวข้องกับประสบการณ์ในอดีตของเรากับสีนี้ แหล่งที่มาเป็นอีกหนึ่งการพิจารณาที่น่าสนใจ เนื่องจากความหลากหลายของสีฟ้าทุกเฉดมาจากการผสมผสานขององค์ประกอบที่แตกต่างกันอย่างพื้นฐาน ความแตกต่างในสีฟ้าของสีทินเนอร์อาจมาจากการรวมกันที่แตกต่างกันของสารยึดเกาะและแร่ธาตุ ความแตกต่างในแสงสีฟ้าอาจเกี่ยวข้องกับอนุภาคที่แตกต่างกันในอากาศ และสำหรับความหมาย นั่นคือจุดที่ทุกอย่างเริ่มซับซ้อน ทุกคน ทุกกลุ่ม และทุกวัฒนธรรมพัฒนาความสัมพันธ์ที่เป็นเอกลักษณ์กับสีฟ้า ดังนั้นเมื่อใช้สีฟ้าในงานศิลปะ จึงไม่มีทางบอกได้เลยว่าความหมายใดจะถูกรับรู้เมื่อผลงานศิลปะนั้นถูกมองในที่สุด เพื่อสำรวจว่าความแตกต่างระหว่างการรับรู้สีฟ้าในศิลปะนั้นสามารถหลากหลายเพียงใด ให้พิจารณาผลงานของศิลปินสามคนที่กล่าวถึงใน Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler และ Picasso.
ปาโบล ปิกัสโซ - แม่และลูก, 1902, สีน้ำมันบนผ้าใบ
สีน้ำเงินในงานของอีฟส์ ไคล์น
เมื่อพูดถึงศิลปะในศตวรรษที่ 20 และสีฟ้า ไม่มีศิลปินคนไหนที่กระโดดเข้ามาในใจของผู้คนได้เร็วกว่า อีฟส์ ไคลิน ตำนานเล่าว่าเมื่อเขายังเป็นหนุ่ม ไคลินได้ไปเที่ยวชายหาดกับเพื่อน ๆ ของเขา ศิลปิน อาร์มาน และนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส โคลด ปาสกาล ทั้งสามคนแบ่งโลกออกเป็นส่วน ๆ อาร์มานเลือกโลกใบนี้ ปาสกาลเลือกสัญลักษณ์ที่เขียนขึ้น และไคลินเลือกท้องฟ้า จากนั้นเขาก็ยกมือขึ้นและเซ็นชื่อของเขาในอากาศ ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา สีจึงมีความสำคัญต่อไคลิน หนึ่งในนิทรรศการแรก ๆ ของเขามีผืนผ้าใบโมโนโครมที่ทาสีด้วยสีบริสุทธิ์หลากหลายสี แต่เมื่อผู้ชมไม่เข้าใจสิ่งที่เขาพยายามจะสื่อ เขาจึงตระหนักว่าเขาจะต้องทำให้มันง่ายขึ้น และใช้เพียงสีเดียวเพื่อสื่อสารความคิดของเขา ดังนั้นเขาจึงเริ่มกระบวนการพัฒนาสีที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเอง.
ตามที่ Stella Paul อธิบายใน Chromaphiliaa: The Story of Color in Art: “[Klein] ทำงานร่วมกับ Edouard Adam ผู้ขายสีชาวปารีสที่ปรึกษากับนักเคมีที่ Rhone-Poulenc เพื่อสร้างสารยึดเกาะสังเคราะห์...ผลลัพธ์คือ Rhodopas M60A ซึ่งสามารถเจือจางให้มีความหนืดในระดับต่างๆ ด้วยเอทานอลและเอทิลอะซิเตต สารยึดเกาะนี้รักษาความเรืองแสงอันมหัศจรรย์ของสีเม็ด...Klein สั่งทำสีสังเคราะห์ที่ปรับแต่งเองโดยใช้สารยึดเกาะใหม่นี้ ซึ่งเขาได้จดสิทธิบัตรในชื่อ IKB (International Klein Blue); ตั้งแต่ปี 1957 เป็นต้นมาเขาใช้สีเม็ดนี้เกือบจะโดยเฉพาะ.” Klein ใช้ International Klein Blue เพื่อสร้างผืนผ้าใบสีน้ำเงินโมโนโครมที่มีชื่อเสียงและการติดตั้งสาธารณะขนาดใหญ่หลายแห่ง เขายังใช้มันเพื่อสร้างผลงานที่มีอิทธิพลมากที่สุดบางชิ้น: ชิ้นงานการแสดงที่โมเดลเปลือยกายปกคลุมตัวเองด้วย IKB แล้วกดร่างกายของพวกเขาในรูปแบบต่างๆ กับผืนผ้าใบ.
อีฟส์ ไคล์น - แอนโธรโพเมตรี เดอ ล์ อีโปค บลู, 1960, © อีฟส์ ไคล์น อาร์คิฟส์
สีน้ำเงินในงานของเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์
จิตรกรนามธรรม เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ เป็นอีกหนึ่งผู้สนับสนุนที่มีฝีมือในศตวรรษที่ 20 ของสีฟ้า แฟรงเคนธาเลอร์เป็นผู้คิดค้นเทคนิคการวาดภาพที่เรียกว่า soak-stain เทคนิคนี้เกี่ยวข้องกับการเทสีลงบนพื้นผิวของผ้าใบที่ยังไม่ได้เคลือบและยังไม่ได้ยืดออกซึ่งถูกวางอยู่บนพื้น จากนั้นปล่อยให้สีซึมเข้าไปในเส้นใยและกระจายไปทั่วพื้นผิวตามธรรมชาติ แฟรงเคนธาเลอร์เริ่มใช้เทคนิคนี้กับสีมัน แต่ไม่นานก็เรียนรู้ว่าสีมันจะทำลายผ้าใบดิบอย่างรวดเร็ว ดังนั้นเธอจึงกลายเป็นผู้สนับสนุนสีอะคริลิกในช่วงแรก ซึ่งไม่มีผลทำลายเหมือนกับผ้าใบ อย่างไรก็ตาม สีอะคริลิกมีคุณสมบัติที่สดใสและเปล่งประกายเมื่อพูดถึงเฉดสี โดยการเทเฉดสีบริสุทธิ์ที่แตกต่างกันลงบนผ้าใบของเธอ แฟรงเคนธาเลอร์สามารถควบคุมการไหลของสีในวิธีที่สำรวจความสัมพันธ์ของสีในรูปแบบใหม่ โดยไม่มีการแทรกแซงทางแนวคิดจากองค์ประกอบต่างๆ เช่น เส้น รูปร่าง เนื้อสัมผัส หรือรูปทรง.
ใน Chromaphilia: The Story of Color in Art สเตลล่า พอลให้ความสนใจกับภาพวาด "Mountains and Sea" ซึ่งเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์วาดในปี 1952 มันถูกพิจารณาว่าเป็นผืนผ้าใบแรกที่แฟรงเคนธาเลอร์สร้างขึ้นโดยใช้เทคนิค soak-stain ของเธอ พอลกล่าวถึงงานนี้ว่า: “หลังจากกลับมาที่สตูดิโอในนิวยอร์กจากการพักผ่อนในโนวาสโกเชีย แฟรงเคนธาเลอร์ได้ระลึกถึงว่าตนได้ซึมซับภูมิทัศน์ของแคนาดา ซึ่งได้ฝังอยู่ในใจของเธอไม่เพียงแต่ในใจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในไหล่และข้อมือของเธอ ด้วยพื้นหลังของจิตใจและร่างกายนี้ เธอได้สร้างนามธรรมที่มีความไพเราะและเป็นชนบทเพื่อเรียกความทรงจำของสถานที่ผ่านสี.” แฟรงเคนธาเลอร์ได้คิดค้นกระบวนการเทสีว่าเป็นวิธีการแปลสิ่งที่ซึมซับอยู่ภายในร่างกายของเธอออกมาเป็นสิ่งที่แสดงออกบนผืนผ้าใบ ภาพวาดนี้ใช้เฉดสีแดง เขียว และน้ำเงินเกือบทั้งหมด โดยเฉดสีต่างๆ ของน้ำเงินโดดเด่นที่สุดในฐานะการแสดงออกที่เป็นนามธรรม แทนที่จะเป็นการแสดงออกที่เป็นรูปธรรมของทะเล.
เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ - บลู เคอร์เรนต์ (แฮร์ริสัน 134), 1987, © 2014 มูลนิธิเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์, Inc, สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก
สีน้ำเงินในงานของปิกัสโซ
สีมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อ ปาโบล ปิกัสโซ โดยเฉพาะในช่วงต้นของอาชีพของเขาในฐานะศิลปิน ผลงานของเขาจากช่วงเวลานี้มักถูกจัดประเภทตามสี เช่นในช่วงโรสและช่วงน้ำเงินของเขา การจัดประเภทเหล่านี้ชัดเจนว่ามีความเกี่ยวข้องกับสีที่เขาใช้ในภาพวาดในขณะนั้น แต่ยังเกี่ยวข้องกับสถานการณ์ในชีวิตส่วนตัวของเขาซึ่งถูกกล่าวหาว่าได้ส่งผลต่อเนื้อหาที่เขาเลือกที่จะนำเสนอด้วยเฉดสีที่แตกต่างกัน ช่วงโรสของเขา ตัวอย่างเช่น ยาวตั้งแต่ประมาณปี 1904 ถึง 1906 มันตรงกับการเริ่มต้นความสัมพันธ์ของเขากับแฟนสาว เฟอร์นันด์ โอลิเวียร์ และการย้ายไปยังพื้นที่มงมาร์ตของปารีส ผลงานของเขาจากช่วงโรสประกอบด้วยภาพที่มีความสุขของสิ่งต่าง ๆ เช่น ตัวตลกและละครสัตว์ มันเป็นช่วงท้ายของช่วงโรสที่ปิกัสโซได้วาดผลงานที่สำคัญของเขา Les Demoiselles d’Avignon ซึ่งมักถูกอ้างถึงว่าเป็นบรรพบุรุษของคิวบิซึม.
ช่วงสีน้ำเงินของปิกัสโซเกิดขึ้นก่อนช่วงสีชมพูของเขา ตั้งแต่ประมาณปี 1901 ถึง 1904 มันเป็นช่วงเวลาหนึ่งในชีวิตของเขาที่เต็มไปด้วยการรับรู้ถึงภาวะซึมเศร้าและความเศร้าโศก ปิกัสโซเคยกล่าวว่า "ฉันเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำเงินเมื่อฉันได้รู้เกี่ยวกับการตายของคาซาเฆมาส" คำพูดนี้หมายถึงเพื่อนรักของเขา คาร์ลอส คาซาเฆมาส ซึ่งยิงตัวเองที่ศีรษะที่คาเฟ่ในปารีสในขณะที่ปิกัสโซออกไปนอกเมือง เมื่อปิกัสโซกลับมาที่ปารีส เขาอาศัยและทำงานในสตูดิโอของคาซาเฆมาส ซึ่งเขาเริ่มวาดภาพที่มีองค์ประกอบเกือบจะเป็นสีเดียวในสีน้ำเงิน ตามที่สเตลล่า พอลชี้ให้เห็นใน Chromaphilia: The Story of Color in Art "สีน้ำเงินที่แพร่หลายของ The Old Guitarist เป็นการแสดงออกทางวัสดุของสิ่งที่เศร้าโศก ถูกกีดกัน และอยู่ในขอบเขตที่ไม่เป็นที่ยอมรับ อารมณ์ที่มืดมนของจิตใจต่ำถูกสะท้อนในผิวหนังที่มีสีฟ้าไม่เป็นธรรมชาติของตัวแบบ เสื้อผ้าของเขา และพื้นที่โดยรอบที่ล้อมรอบ อาการท่าทางที่มีมุมและอวัยวะที่ยาวเหยียดของนักดนตรีที่หดหู่และตาบอดนี้เสริมสร้างความประทับใจที่สร้างขึ้นโดยสีฟ้าที่ดื้อรั้น" แต่ตามที่เราเห็นจากตัวอย่างทั้งสามนี้ของอีฟส์ คลายน์, เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ และปาโบล ปิกัสโซ สีน้ำเงินไม่ได้สื่อถึงความเศร้าเสมอไป ไม่มากไปกว่าที่มันจะหมายถึงท้องฟ้าหรือทะเล ช่วงของเฉดสีที่เราพูดถึงเมื่อเราพูดว่าสีน้ำเงินนั้นดูเหมือนจะไม่มีที่สิ้นสุด เช่นเดียวกับช่วงของอารมณ์ ความรู้สึก บริบท และความหมายที่เราสามารถดึงออกมาจากสีนี้ก็มีความกว้างใหญ่เช่นกัน.
ปาโบล ปิกัสโซ - อาหารเช้าของคนตาบอด, 1903, สีน้ำมันบนผ้าใบ
ภาพเด่น: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960, ถ่ายภาพ © Yves Klein Archive
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
