สามอาจารย์แห่งสีน้ำเงินในศิลปะร่วมสมัย

เมื่อคุณเห็น สีน้ำเงิน คุณรู้สึกอย่างไร? คุณจะบรรยายมันแตกต่างจากความรู้สึกเมื่อได้ยินคำว่าสีน้ำเงิน หรืออ่านคำว่าสีน้ำเงินบนหน้ากระดาษหรือไม่? ข้อมูลที่สื่อผ่านเฉดสีแตกต่างจากข้อมูลที่สื่อผ่านชื่อของมันหรือเปล่า? ไม่ว่าคุณจะรู้สึกอย่างไร ความรู้นั้นอาจเป็นสากลได้หรือไม่? หรือว่าสีน้ำเงินมีความหมายแตกต่างกันในแต่ละคน? แล้วสัตว์ล่ะ? พวกมันเชื่อมโยงสีเข้ากับอารมณ์หรือใช้ตัวรับสีเพียงเพื่อการอยู่รอด? คำถามเหล่านี้ทำให้นักศึกษาสีงงงันมาหลายศตวรรษ และในบางแง่มุมเรายังไม่ใกล้คำตอบมากกว่าร้อยปีก่อน แต่หนังสือที่เพิ่งตีพิมพ์โดยสำนักพิมพ์ Phaidon Press พาเราเข้าใกล้ความเข้าใจเรื่องสีมากขึ้น โดยเฉพาะในแง่ศิลปะ เขียนโดย Stella Paul อดีตภัณฑารักษ์ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะเขตลอสแองเจลิส และอดีตผู้อำนวยการโปรแกรมที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์ก Chromaphilia: The Story of Color in Art นำเสนอผลงานศิลปะ 240 ชิ้น ไม่เพียงแต่การสำรวจสีอย่างละเอียดของเธอจะส่องสว่างวิธีการนับไม่ถ้วนที่ศิลปินใช้สีสิบประเภทตลอดประวัติศาสตร์ แต่ยังสำรวจความสัมพันธ์ของสีที่ตัดกับวิทยาศาสตร์ อารมณ์ ความงาม และวัฒนธรรมมนุษย์ด้านอื่นๆ วันนี้เราขอพิจารณาผลงานของศิลปินบางคนที่ Paul กล่าวถึงในหนังสือเพื่อแสดงให้เห็นถึงความหลากหลายและพลังของสีน้ำเงิน: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso และ Yves Klein.

การมองเห็นสี

สิ่งแปลกประหลาดอย่างหนึ่งเกี่ยวกับสีคือบ่อยครั้งที่คนสองคนมองวัตถุเดียวกันในเวลาเดียวกัน ณ สถานที่เดียวกัน แต่ยังอ้างว่าวัตถุนั้นมีสีแตกต่างกัน เราอาจสงสัยว่า “เป็นไปได้อย่างไร? สีไม่ใช่วัตถุประสงค์หรือ?” คำตอบสั้นๆ คือไม่ สีมักเป็นเรื่องส่วนตัว เหตุผลเกี่ยวข้องกับวิทยาศาสตร์เบื้องหลังการมองเห็นสีของมนุษย์ มนุษย์ (และสัตว์ส่วนใหญ่ที่มองเห็นสี) เป็น สัตว์สามสี หมายความว่าตัวรับในดวงตาของมนุษย์รับรู้ความยาวคลื่นพื้นฐานสามชนิดที่สัมพันธ์กับสี คุณอาจเคยได้ยินโมเดลสี RGB ที่ใช้โดยเครื่องพิมพ์บางชนิด ตัวอักษร RGB ย่อมาจาก แดง เขียว และน้ำเงิน โมเดลสีนี้ใกล้เคียงกับการมองเห็นของมนุษย์ที่สุด แน่นอนว่า แดง เขียว และน้ำเงินไม่ใช่สีเดียวที่มนุษย์มองเห็นได้ จริงๆ แล้วมนุษย์ส่วนใหญ่สามารถรับรู้สีได้ถึงเจ็ดล้านเฉด แต่ละเฉดสีเหล่านั้นถูกตีความในสมองหลังจากที่ดวงตารับรู้เป็นการผสมผสานของแดง เขียว และน้ำเงินก่อน

นอกจากนี้ สีที่เรารับรู้ว่าวัตถุเป็น ไม่ได้ขึ้นอยู่กับวัตถุนั้นเพียงอย่างเดียว ใช่ เราอาจวิเคราะห์วัสดุที่วัตถุทำและเข้าใจว่าวัสดุนั้นน่าจะมีสีอะไรตามองค์ประกอบทางเคมี แต่ส่วนประกอบทางเคมีไม่ใช่ปัจจัยเดียวที่กำหนดสีที่เรารับรู้ เหตุผลที่มนุษย์สามารถรับรู้สีได้เพราะแสง และแสงก็สามารถมีสีได้เช่นกัน ซึ่งสามารถเปลี่ยนสีที่ดวงตาเห็นเมื่อมองพื้นผิว นอกจากนี้ ดวงตาคู่หนึ่งอาจไวต่อแสงมากกว่าหรือไวต่างกันกับดวงตาคู่หนึ่ง ทำให้สมองสองคนตีความสีแตกต่างกัน โดยพื้นฐาน สิ่งเดียวกันที่ทำให้เราเห็นสีได้ก็สามารถเปลี่ยนการรับรู้สีของเราได้ ดังนั้น การพูดถึงสีจึงดูเหมือนเป็นเรื่องส่วนตัว และการโต้เถียงว่าสีอะไรจึงดูเหมือนเรื่องไร้สาระ

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, สีอะคริลิกบนผ้าใบ, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก

สีน้ำเงิน

อย่างไรก็ตาม ความแตกต่างที่คนต่างเห็นเมื่อมองสิ่งที่มีสีเฉพาะมักไม่แตกต่างกันมาก เช่น คนหนึ่งเห็นสีแดง อีกคนเห็นสีน้ำเงิน โดยปกติความแตกต่างจะละเอียดกว่า เช่น คนหนึ่งเห็นสีน้ำเงินฟ้า อีกคนเห็นสีฟ้าอมเขียว แต่สิ่งที่แตกต่างกันอย่างมากคือสิ่งอื่นๆ ที่สมองรับรู้เมื่อมองสีใดสีหนึ่ง นอกเหนือจากคุณสมบัติทางกายภาพ ตามประโยคเปิดบทในเรื่องสีน้ำเงินใน Chromaphilia: The Story of Color in Art กล่าวว่า “มีสีน้ำเงินหลายชนิด—ทั้งหมดเป็นเฉดเดียวกัน แต่มีความหลากหลายไม่สิ้นสุดในรูปลักษณ์ ผลกระทบ แหล่งกำเนิด และความหมาย”

รูปลักษณ์เราได้กล่าวถึงแล้ว แต่ความสนุกเริ่มเมื่อเราพิจารณา “ผลกระทบ แหล่งกำเนิด และความหมาย” สำหรับผลกระทบ คนหนึ่งอาจเห็นสีน้ำเงินแล้วรู้สึกสงบ อีกคนอาจเศร้าเมื่อเห็นสีน้ำเงิน ปฏิกิริยาต่อสีขึ้นอยู่กับประสบการณ์ที่ผ่านมา แหล่งกำเนิดเป็นเรื่องน่าสนใจเพราะสีน้ำเงินแต่ละเฉดมาจากส่วนผสมของธาตุที่แตกต่างกัน สีผสมในสีน้ำเงินอาจมาจากการผสมของสารยึดเกาะและแร่ธาตุต่างกัน แสงสีน้ำเงินอาจเกี่ยวข้องกับอนุภาคในอากาศ และความหมายคือจุดที่ซับซ้อนที่สุด แต่ละบุคคล กลุ่ม และวัฒนธรรมมีความสัมพันธ์เฉพาะกับสีน้ำเงิน ดังนั้นเมื่อใช้สีน้ำเงินในงานศิลปะ จึงไม่อาจบอกได้ว่าความหมายใดจะถูกตีความเมื่อผลงานถูกชม เพื่อสำรวจความแตกต่างของการรับรู้สีน้ำเงินในงานศิลปะ ลองพิจารณาผลงานของศิลปินสามคนที่กล่าวถึงใน Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler และ Picasso

Pablo Picasso - แม่และลูก, 1902, สีน้ำมันบนผ้าใบ

สีน้ำเงินในงานของ Yves Klein

เมื่อพูดถึงศิลปะศตวรรษที่ 20 และสีน้ำเงิน ศิลปินที่หลายคนนึกถึงทันทีคือ Yves Klein ตำนานเล่าว่าในวัยหนุ่ม Klein กำลังนั่งเล่นที่ชายหาดกับเพื่อนศิลปิน Arman และนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส Claude Pascal ทั้งสามแบ่งโลกกัน Arman เลือกโลก Pascal เลือกสัญลักษณ์ที่เขียน และ Klein เลือกท้องฟ้า จากนั้นเขายกมือขึ้นและเซ็นชื่อในอากาศ ตั้งแต่นั้นสีจึงมีความสำคัญกับ Klein นิทรรศการแรกๆ ของเขามีผ้าใบสีเดียวในสีบริสุทธิ์ต่างๆ แต่เมื่อผู้ชมไม่เข้าใจสิ่งที่เขาพยายามสื่อ เขาจึงตัดสินใจใช้สีเดียวเพื่อสื่อสาร เขาจึงเริ่มพัฒนาสีเฉพาะตัวของเขา

ตามที่ Stella Paul อธิบายใน Chromaphilia: The Story of Color in Art: “[Klein] ทำงานร่วมกับ Edouard Adam ผู้จำหน่ายสีในปารีสที่ปรึกษากับนักเคมีที่ Rhone-Poulenc เพื่อสร้างสารยึดเกาะสังเคราะห์... ผลลัพธ์คือ Rhodopas M60A ซึ่งสามารถเจือจางได้หลายระดับด้วยเอทานอลและเอทิลอะซิเตต สารยึดเกาะนี้รักษาความเรืองแสงวิเศษของเม็ดสีไว้...Klein สั่งทำสีสังเคราะห์เฉพาะตัวโดยใช้สารยึดเกาะนี้และจดสิทธิบัตรในชื่อ IKB (International Klein Blue); ตั้งแต่ปี 1957 เป็นต้นมาเขาใช้เม็ดสีนี้เกือบทั้งหมด” Klein ใช้ International Klein Blue สร้างผ้าใบสีน้ำเงินโมโนโครมที่โด่งดังและงานติดตั้งสาธารณะขนาดใหญ่หลายชิ้น เขายังใช้สีนี้สร้างผลงานที่ทรงอิทธิพลที่สุดบางชิ้น: งานแสดงสดที่นางแบบเปลือยตัวทาสี IKB แล้วกดร่างกายในท่าทางต่างๆ บนผ้าใบ

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

สีน้ำเงินในงานของ Helen Frankenthaler

จิตรกรนามธรรม Helen Frankenthaler เป็นผู้เชี่ยวชาญอีกคนในศตวรรษที่ 20 ที่ใช้สีน้ำเงินอย่างชำนาญ Frankenthaler เป็นผู้คิดค้นเทคนิคการระบายสีที่เรียกว่า soak-stain เทคนิคนี้เกี่ยวข้องกับการเทสีลงบนผ้าใบที่ยังไม่ผ่านการเตรียมและไม่ตึงผืนที่วางบนพื้น แล้วปล่อยให้สีซึมเข้าเส้นใยและกระจายไปเอง Frankenthaler เริ่มใช้เทคนิคนี้กับสีน้ำมัน แต่พบว่าสีน้ำมันทำลายผ้าใบดิบอย่างรวดเร็ว เธอจึงเป็นผู้สนับสนุนสีอะคริลิกตั้งแต่ต้น ซึ่งไม่มีผลทำลายผ้าใบ สีอะคริลิกมีคุณสมบัติสดใสและเรืองแสงเมื่อพูดถึงเฉดสี โดยการเทสีบริสุทธิ์ต่างๆ ลงบนผ้าใบ เธอสามารถควบคุมการไหลของสีเพื่อสำรวจความสัมพันธ์ของสีในรูปแบบใหม่โดยไม่ถูกรบกวนจากเส้น รูปร่าง พื้นผิว หรือรูปแบบ

ใน Chromaphilia: The Story of Color in Art Stella Paul ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับภาพ Mountains and Sea ที่ Helen Frankenthaler วาดในปี 1952 ถือเป็นผ้าใบชิ้นแรกที่เธอใช้เทคนิค soak-stain Paul กล่าวถึงผลงานนี้ว่า “หลังจากกลับมาที่สตูดิโอในนิวยอร์กจากช่วงเวลาที่โนวาสโกเชีย Frankenthaler เล่าว่าเธอได้ซึมซับภูมิทัศน์ของแคนาดา ซึ่งฝังลึกไม่เพียงแต่ในใจแต่ยังในไหล่และข้อมือของเธอ ด้วยพื้นหลังทางใจและร่างกายนี้ เธอสร้างนามธรรมที่ไพเราะและสงบเพื่อเรียกความทรงจำของสถานที่ผ่านสี” Frankenthaler มองกระบวนการเทสีเป็นการแปลสิ่งที่อยู่ภายในร่างกายออกมาเป็นสิ่งที่แสดงออกบนผ้าใบ ภาพนี้ใช้เฉดสีแดง เขียว และน้ำเงินเป็นหลัก โดยเฉดสีน้ำเงินโดดเด่นที่สุดในฐานะการแสดงออกนามธรรมของทะเล

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก

สีน้ำเงินในงานของ Picasso

สีมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อ Pablo Picasso โดยเฉพาะในช่วงต้นของอาชีพศิลปิน งานของเขาช่วงนี้มักถูกจัดประเภทตามสี เช่น ช่วงกุหลาบและช่วงน้ำเงิน การจัดประเภทนี้เกี่ยวข้องกับเม็ดสีที่เขาใช้ในภาพวาดในเวลานั้น แต่ยังสัมพันธ์กับสถานการณ์ชีวิตส่วนตัวที่ส่งผลต่อเรื่องราวที่เขาเลือกแสดง ช่วงกุหลาบของเขาประมาณปี 1904 ถึง 1906 ตรงกับช่วงเริ่มต้นความสัมพันธ์กับแฟน Fernande Olivier และย้ายไปอยู่ย่านมงมาร์ตร์ในปารีส งานในช่วงนี้มีภาพที่สดใส เช่น ตัวตลกและละครสัตว์ ช่วงท้ายของช่วงกุหลาบ Picasso วาดผลงานสำคัญ Les Demoiselles d’Avignon ที่มีสีชมพู ซึ่งมักถูกกล่าวถึงว่าเป็นบรรพบุรุษของลัทธิคิวบิสม์

ช่วงน้ำเงินของ Picasso มาก่อนช่วงกุหลาบ ประมาณปี 1901 ถึง 1904 เป็นช่วงชีวิตที่เต็มไปด้วยความรู้สึกเศร้าและซึมเศร้า Picasso เคยกล่าวว่า “ฉันเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำเงินเมื่อทราบข่าวการตายของ Casagemas” คำพูดนี้หมายถึงเพื่อนรัก Carlos Casagemas ที่ยิงตัวเองที่คาเฟ่ในปารีสขณะที่ Picasso ไม่อยู่เมือง เมื่อ Picasso กลับมาปารีส เขาอาศัยและทำงานในสตูดิโอของ Casagemas และเริ่มวาดภาพที่มีโทนสีน้ำเงินเกือบโมโนโครม ตามที่ Stella Paul ชี้ให้เห็นใน Chromaphilia: The Story of Color in Art “สีน้ำเงินที่แพร่หลายของ The Old Guitarist เป็นการแสดงออกทางวัตถุของความเศร้า ความถูกกีดกัน และความเปราะบาง อารมณ์เศร้าสลัวปกคลุมเนื้อหนังที่มีสีฟ้าผิดธรรมชาติ เสื้อผ้า และพื้นที่รอบข้าง ท่าทางที่แหลมคมและแขนขาที่ยืดยาวของนักดนตรีตาบอดที่หม่นหมองนี้เสริมความรู้สึกที่สร้างโดยสีฟ้าที่เด่นชัด” แต่จากตัวอย่างของ Yves Klein, Helen Frankenthaler และ Pablo Picasso เราเห็นว่าสีน้ำเงินไม่ได้สื่อถึงความเศร้าเสมอไป ไม่ได้หมายถึงท้องฟ้าหรือทะเลเสมอไป เฉดสีที่เราหมายถึงเมื่อพูดว่าสีน้ำเงินดูเหมือนไม่มีที่สิ้นสุด เช่นเดียวกับช่วงของอารมณ์ ความรู้สึก บริบท และความหมายที่เราสามารถดึงออกมาจากสีนี้ก็มีมากมายเท่าเทียมกัน

Pablo Picasso - อาหารเช้าของคนตาบอด, 1903, สีน้ำมันบนผ้าใบ

ภาพปก: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960, ภาพถ่าย © Yves Klein Archive
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio