文章： 视错艺术：感知的伏击与拒绝静止的艺术
视错艺术：感知的伏击与拒绝静止的艺术
在1960年代中期，站在一幅重要的Op Art画布前，不仅仅是看一幅画，而是体验视觉作为一种主动、不稳定的身体过程。
当现代艺术博物馆于1965年在纽约举办反应之眼展览时，这场展览以非凡的力量将视觉抽象带入公众视野。观众遇见了由振动线条、脉动对比、不稳定网格和色彩张力构成的绘画，这些作品似乎在他们眼前不断变化。艺术家如Bridget Riley、Victor Vasarely、Richard Anuszkiewicz、Jesús Rafael Soto等人的作品挑战了绘画是静态图像、等待静静欣赏的观念。媒体很快为这种视觉强度命名为：Op Art。
反应之眼，MOMA，1965 - 装置照片 - ©MOMA
Op Art的遗产常被简化为1960年代的怀旧：迷幻图案、复古纺织品、视觉技巧或装饰设计。本文则持相反观点。Op Art从未仅仅是为了炫目视觉。它源自对感知、生物学、运动、数学以及图像与观众之间不稳定关系的严肃探究。
在以下章节中，我们将探讨Op Art的科学与历史根源，它对观众角色的激进重新思考，以及它对当代艺术家在几何、色彩、摄影、数字系统和感知抽象领域持续的影响。对于寻求更直接事实指南的读者，页面底部附有详细的常见问题解答。
诞生于战争与生物学
仅将视错艺术视为一种复古美学，就会忽视其更深层的概念意义。该运动并非源于单纯想创造美丽图案的愿望，而是根植于光学科学、实验心理学和视觉不稳定性更为悠久的历史。
早在19世纪，科学家如Jan Evangelista Purkyně就帮助证明了人类视觉并非被动的记录装置。眼睛不是相机。它是一个不断调整、补偿、寻找对比、平衡与均衡的生物器官。色彩残像、视网膜疲劳、同时对比和周边不稳定性都表明，视觉不仅仅是接收信息，而是一个主动构建的过程。
“迷惑”巡逻艇 - 新泽西州巴约讷 - 1942年9月28日
视错艺术最引人注目的历史先例之一出现在远离博物馆的地方：第一次世界大战期间的海上。1917年，英国海洋艺术家Norman Wilkinson发明了后来被称为Dazzle camouflage的迷彩伪装。与试图通过融入环境来隐藏物体的传统迷彩不同，Dazzle采取了相反的策略。盟军军舰被涂上破碎的、高对比度的几何图案，旨在使敌方潜艇指挥官更难判断其速度、方向、距离和航行角度。
迷彩伪装的有效性在历史上仍有争议，后来的分析使故事更加复杂。但其概念重要性无可否认。它证明了几何不仅可以用来装饰表面，还可以干扰感知本身。眼睛可以被图案引导、迷惑、延迟或扰乱。
视错艺术家后来将这一原则应用于画廊。他们的目标不是军事欺骗，而是感知的揭示。他们展示了静态图像能够在观众自身的视觉系统中产生运动、振动、张力和不稳定性。
观众即动力
这就是视错艺术与许多其他几何抽象形式的区别：只要画作悬挂在空旷的房间里，它本质上是不完整的。
视错艺术依赖于观众。其效果通过观看、运动、距离、身体姿势和时间持续产生。画作本身可能静止不动，但观看它的行为却不是。作品在图像与眼睛的相遇中焕发生机。
这一理念在20世纪50年代末和60年代初活跃于巴黎的欧洲和南美先锋派艺术家中得到了特别深入的发展。1960年，包括Julio Le Parc、François Morellet、Francisco Sobrino、Horacio Garcia Rossi、Joël Stein和Yvaral在内的艺术家们创立了Groupe de Recherche d’Art Visuel，更广为人知的名称是GRAV。
《Assez de Mystifications》宣言译文 - 1961
GRAV的立场极为激进。在1961年小册子《Assez de mystifications》等文本中，该团体抨击了艺术的神秘化、个人天才崇拜以及将艺术品视为神圣不可触碰物的观念。他们希望用主动的视觉体验取代被动的崇拜。对他们来说，艺术不是远距离敬仰的珍贵遗物，而是一种情境、一种实验场、一种观者与视觉现象之间的直接遭遇。
通过使用光学振动、序列结构、摩尔纹效应、光线、运动和沉浸式环境，GRAV及相关艺术家迫使观众成为参与者。艺术作品不再仅仅存在于物体中，而是在观者的感知中显现。
仅仅通过在房间中移动，参观者就能激活幻觉。前景和背景可能会颠倒。线条可能看起来弯曲。平面可能似乎前进或后退。颜色可能震动。作品并非仅由艺术家完成，而是由观者的生物学完成。
算法屏幕与人类视网膜
在当代世界，视错艺术面临新的视觉景观。
我们现在生活在数十亿光滑、无摩擦的图像之中：背光屏幕、算法推送、AI生成的图片、数字滤镜和不断刷新的视觉表面。我们对图像的日常体验往往是快速、被动且易忘的。我们滚动、消费，然后继续前进。
这种背景使视错艺术的实体力量显得尤为重要。一件强有力的视错艺术作品抵制即时消费。它无法在缩略图中被完全理解。它常常需要距离、时间、侧向移动和身体调整。它以不同寻常的力量提醒我们，观看是一种身体体验。
一些当代重要艺术家正在数字领域探索相关问题。虽然他们不是历史意义上的视错艺术家，但像Refik Anadol和Felipe Pantone这样的人物展示了感知抽象如何迁移到数字和算法时代。Anadol利用数据和机器学习创造沉浸式、流动的视觉环境，似乎将信息转化为感官体验。Pantone将几何抽象、数字故障、渐变和屏幕美学融合成一种由加速和技术感知塑造的语言。
Felipe Pantone - Ultra Chrome - 2019
与数字图像的冷峻光滑相比，实体的视错艺术作品提供了不同的体验。它不仅仅展示一幅图像，而是让我们意识到观看的行为本身。
这是由Cristina Ghetti特别清晰地探索的领域，她是当代极具吸引力的画家之一，正在扩展视觉抽象的语言。她的作品利用几何节奏、色彩强度和空间振动，创造出随着观众移动而脉动和变化的场域。Ghetti 的画作不仅仅借用了历史视错艺术的代码；它们为一个被屏幕充斥的视觉文化进行了更新。它们邀请观众放慢脚步，积极观察，重新进入感知的物理体验。
Cristina Ghetti - 折叠 - 2022
扩展工具箱：摄影与雕塑画布
历史上，视错艺术常与平面画布、精确绘图、美纹纸胶带、丙烯颜料和硬边几何相关联。但视觉抽象的逻辑早已超越了单纯的绘画。当代艺术家继续提出更广泛的问题：当感知的不稳定性进入摄影、雕塑、成型画布、装置或建筑空间时，会发生什么？
荷兰艺术家Sebastiaan Knot 提供了一个引人注目的答案。Knot 不手工绘制视觉幻象，而是在工作室中构建几何排列，用彩色光照射，并拍摄结果。他的图像乍看之下似乎是数字渲染的，但实际上是通过物理排列、光线和基于相机的感知产生的。这样，Knot 挑战了摄影最持久的假设之一：相机只是记录存在的事物。他的照片表明，摄影的真实本身可以被构建、布景和视觉上不稳定化。
Sebastiaan Knot - 双联画 No. 57805 / No. 57806 - 2023
其他艺术家将感知推向矩形之外。Louise Blyton 使用成型的亚麻画布和原色颜料，将视觉问题带入三维形式。她的作品介于绘画与物体之间。观众必须在成型支撑的物理存在和色彩的视觉振动之间进行协调。结果微妙而强大：感知抽象不再局限于平面画面。
这一工具箱的扩展证明了视错艺术并非一个封闭的历史风格。它是一种探究方法。无论艺术家在哪里使用形态、色彩、光线、节奏和结构来激活感知，视错艺术的遗产依然存在。
Louise Blyton - 内外 - 2020
情感几何与潜意识
视错艺术常被描述为冷静、理性、数学化和非个人化。这种描述部分正确，但不完整。最好的视觉抽象表明，严格的逻辑和深刻的情感并非对立面。精确组织的线条、测量的间隔或重复的色彩序列能够产生情感效果，正因为它直接作用于感知。
澳大利亚艺术家Andy Harwood，其背景涵盖建筑和设计，创作的作品可被描述为情感几何。通过精心的遮罩、半透明渐变和细微的色彩变化，Harwood创造出似乎充满光芒的构图。他的Mesmerism系列明确涉及视觉机制，利用重复、节奏和象征性的数字结构，使眼睛处于感知流动状态。结果不是冷冰冰的计算，而是一种感官紧张，既冥想又不稳定，且静静地充满情感。
Andy Harwood - 光的互动 - 2026年
在Pierre Muckensturm的作品中也能找到类似的心理强度。Muckensturm运用严谨的具体语言，探索数学秩序、重复、平衡和空间和谐。他的作品不喧嚣，而是通过纪律和克制将目光引向内心。它们的力量在于静静地引导注意力，创造一个结构化的视觉场域，使感知变得更慢、更深、更有意识。
这些艺术家共同提醒我们，几何并非情感中立。一条线可以引导身体。一个网格可以扰乱思维。一个色度间隔可以制造紧张、平静、节奏或不安。视错觉艺术的心理力量正是在秩序与不稳定的结合中体现出来。
Pierre Muckenstürm - XXIV 33 212（二联画）- 2024年
未完成的幻觉
当Bridget Riley的画作在1960年代被时尚产业挪用，变成未经授权的服装和商业纺织品图案时，她强烈反对。对Riley来说，光学抽象不是一时的装饰潮流，而是对感知、感觉和主观观看体验的严肃探讨。
历史在很大程度上证明了这一立场。视错觉艺术从来不仅仅是视觉技巧。它是让观众意识到“看”的本身。
Bridget Riley - Current（艺术家被非法复制最多的图案之一 - 1963年）
今天继续这一传统的艺术家们证明了这一运动依然具有紧迫性。在一个充斥着几乎不需要我们参与的图像的文化中，视错觉艺术仍然要求观众参与。它需要观众站立、移动、调整、聚焦、失焦，并意识到眼睛背后的身体。
视错觉艺术从来不是为了欺骗眼睛，而是为了唤醒它。
更多拒绝停滞的艺术
本文中介绍的当代艺术家，从Louise Blyton和Pierre Muckensturm的物理几何，到Cristina Ghetti, Andy Harwood和Sebastiaan Knot的视觉共鸣，仅代表了更广泛国际领域的一部分。
对于有兴趣通过现有作品探索感知抽象遗产的收藏家，IdeelArt 保持着当代视错觉艺术和几何抽象的精选策展系列。该系列包括上述艺术家的作品，以及国际人才如Richard Caldicott、Brent Hallard, Bernadette Jiyong Frank, Jesus Perea和动力雕塑家Amaury Maillet的作品。（见常见问题中的图片）
这些艺术家共同表明，视错觉艺术并非1960年代的一个封闭章节。它依然是一种活跃的语言，艺术家们继续探索眼睛如何看见，身体如何反应，以及抽象艺术如何拒绝停滞。
Jesus Perea - M377 - 2018
常见问题：光学艺术的结构、理论与市场
1. 视错觉艺术和动力艺术在科学和概念上有什么区别？
视错觉艺术和动力艺术在历史上关系密切，尤其在1960年代常常一起展出。然而，它们的机制不同。
动力艺术涉及真实的物理运动。作品可能通过电机、风、水、磁铁、机械系统或观众的直接参与而运动。运动在物理空间中是可测量的。
视错觉艺术通常涉及表观或虚拟运动。作品本身保持静止，但其线条、色彩、对比和重复结构在观众的视觉系统中创造出振动、闪烁、膨胀、旋转或不稳定的感觉。运动不在物体中，而是由感知产生。
简单来说：动力艺术是物理上的运动；视错觉艺术让眼睛和大脑体验运动。
Amaury Maillet - 大厨 - 2023
2. 视错觉艺术最终不就是一系列娱乐性的视觉错觉吗？
不。这是对该运动最常见的误解之一。
传统的视觉错觉常常试图欺骗观众误读现实。例如，骗视画法可能绘制一个假的窗户、假的苍蝇或虚假的建筑空间。其成功依赖于错觉性的欺骗。
视错觉艺术不同。它通常是抽象且非具象的。它的目标不是让观众相信一个虚假的物体，而是让观众意识到视觉本身的不稳定性和复杂性。
通过使用同时对比、摩尔纹、色彩振动、视差和视网膜疲劳，视错觉艺术家揭示了视觉并非中立。观众开始意识到感知是一种主动的、身体性的过程。
所以，视错觉艺术不仅仅是娱乐。在其最强烈的表现中，它是一种对我们如何看见的现象学探究。
Richard Caldicott - 无题 #63（Tupperware 系列） - 1998
3. 光学艺术家如何将色彩理论融入他们的作品构图中？
光学艺术家继承了早期现代主义运动，尤其是包豪斯的重要色彩理论。像Josef Albers和Johannes Itten这样的教师和艺术家研究色彩，不仅作为表达或象征，而是作为关系、对比、振动和光学力量。
在光学艺术中，颜色常被用来产生感知效果。互补色、色调等价、锐利边缘和重复的色彩间隔能使表面看起来振动或移动。颜色不仅仅填充形状，而是激活观众的视觉。
例如，Carlos Cruz-Diez创作了颜色会根据观众位置变化的作品。通过平行条纹、色彩干涉和加色效果，他创造了颜色似乎在空间中出现、消失或转变的体验。
在光学艺术中，颜色不是稳定的装饰。它是一种主动的感知事件。
Bernadette Jiyong Frank - Migrant (Bordeaux-Green-Gold) - 2023
4. Bridget Riley、波普艺术和时尚产业之间的冲突是什么？
1965年The Responsive Eye成功后，Bridget Riley的黑白光学画作广泛与新兴的光学艺术公众形象联系在一起。时尚界迅速将类似图案用于连衣裙、面料和商业设计，常常未经Riley许可。
Riley强烈反对。她不认为自己的画作是装饰图案。她认为它们是严肃的抽象作品，根植于绘画史和主观视觉体验。
她也对与波普艺术的比较感到困扰。波普艺术常常直接涉及大众文化、广告、消费图像和媒体传播。相比之下，Riley的作品关注感知、感觉以及视觉体验的严谨构建。
问题不在于光学艺术影响了时尚。问题在于复杂的绘画探索几乎一夜之间被简化为一种商业风格。
1960年代杂志扫描，展示Twiggy、Sandie、Lynn和Lulu
5. 法国和巴黎在全球光学艺术发展中扮演了什么角色？
法国，尤其是巴黎，在光学艺术和动力艺术的发展中发挥了核心作用。
战后时期，巴黎吸引了许多对几何、运动、光线和感知感兴趣的欧洲和拉丁美洲艺术家。这座城市成为实验视觉艺术的实验室。
1960年GRAV在巴黎的成立尤为重要。该团体拒绝个人天才崇拜，致力于创作基于集体研究、简单视觉结构和观众积极参与的作品。在1961年的小册子Assez de mystifications中，GRAV明确批判了艺术的神秘化，呼吁艺术品与观众之间建立更直接、易接近且富有实验性的关系。
通过展览、宣言、环境和集体行动，巴黎帮助将视错觉艺术从一种视觉风格转变为更广泛的哲学和社会项目。
6. 视错觉艺术最不可能的先驱是谁？
视错觉艺术有几个意想不到的先驱。
还有视觉科学的历史。19世纪的研究者如Jan Evangelista Purkyně研究了残像、视网膜效应和视觉的不稳定性，为后来的艺术实验奠定了基础。
另一个是军事伪装。第一次世界大战期间开发的迷彩伪装表明，几何破坏可以干扰对速度、方向和形态的感知。
第三个先驱是Marcel Duchamp，他的旋转光学装置探索了运动、视觉和圆形视觉效果。Duchamp的实验帮助动摇了静态艺术品的观念，为后来的视觉运动研究铺平了道路。
Francis Picabia于1921年的Optophone I通过其圆形结构和对振动视觉节奏的兴趣，也预示了后来的视觉和动力学关注。
因此，视错觉艺术并非源自单一来源，而是科学、战争、现代主义抽象、达达主义、超现实主义和实验感知的融合产物。
Francis Picabia - Optophone 1 - 1921
7. 视错觉艺术如何影响数字艺术、控制论和生成艺术？
视错觉艺术与数字艺术的关系密切，因为两者都依赖重复、系统、序列和数学结构。
许多视错觉艺术作品几乎可以用算法来理解。它们由规则构建：重复的线条、变化的间隔、渐进的扭曲、模块化单元或色彩系统。这使得视觉抽象自然地与早期计算机艺术兼容。
在阿根廷，Arte Generativo运动与Eduardo Mac Entyre和Miguel Ángel Vidal等艺术家相关，他们探索几何形态作为动态系统。他们的作品使用重复曲线、旋转结构和视觉序列，预示了后来的计算机生成图像。
到了20世纪60年代末和70年代，对控制论和计算感兴趣的艺术家开始使用机器和编程来生成复杂的视觉结构。视错觉艺术为算法艺术的发展提供了一种形式语言。
如今，这种联系在数字抽象、生成艺术、基于人工智能的图像系统和沉浸式数据环境中得以延续。
Miguel Angel Vidal - 无题 - 1953
8. 视错觉艺术对建筑和空间设计有影响吗？
是的。视错觉艺术从未局限于画架绘画。
该运动与现代主义信念紧密相连，即艺术、建筑、设计和日常生活可以相互作用。包豪斯早已推动视觉艺术、设计、工艺和建筑的整合。视错觉和动力艺术家将这一愿景延伸至感知本身。
例如，Victor Vasarely认为几何抽象可以进入公共空间，改变视觉环境。位于普罗旺斯艾克斯的Vasarely基金会是这一愿景的重要体现。它将宏大的光学作品融入建筑环境，将感知转化为空间体验。
视错觉艺术的影响也体现在壁画、建筑立面、公共艺术、室内设计、纺织品和空间装置中，图案和光学振动改变了建筑空间的体验。
Brent Hallard - Black Only For You III - 2020
9. 视错觉艺术在当今当代艺术市场的价值如何？
历史视错觉艺术市场在近几十年显著增强，尤其是像Bridget Riley、Victor Vasarely、Jesús Rafael Soto、Carlos Cruz-Diez、Julio Le Parc和François Morellet等重要艺术家的作品。
特别是Bridget Riley在战后及当代艺术市场中占据重要地位。她的历史作品稀有，受到机构认可，并由顶级画廊代理。博物馆的关注巩固了她作为同代最重要抽象画家之一的地位。
由IdeelArt代理，Cristina Ghetti是画廊领先的当代艺术家之一，继承了视错觉艺术的传统。她的作品也曾与多位与光学、动力学和几何抽象相关的重要艺术家同台展出，使她成为对该运动当代延续感兴趣的收藏家的重要参考。
Cristina Ghetti - S/T - 2020
更广泛的市场差异很大。主要艺术家的历史作品价格坚挺，而当代视错觉艺术和几何抽象则为收藏家提供了更易入门的选择。
对于当代收藏家来说，吸引力既在于视觉冲击，也在于历史延续性。视错觉艺术依然具有辨识度，具有理性基础，并且高度适应当代室内环境。
10. 每天与一件视错觉艺术作品共处或在画廊展出它有哪些挑战？
视错觉艺术可以非常强烈，但需要精心的展示。
空间很重要。许多光学作品需要一定的距离才能发挥其全部效果。观众必须能够靠近、后退，有时还需在作品前横向移动。拥挤的悬挂会削弱观赏体验。
照明同样关键。强烈的聚光灯可能会压平色调的细微差别，产生眩光，或过度强化已经活跃的对比。柔和、中性的照明通常更佳，因为它允许作品内部的光学机制在没有不必要视觉干扰的情况下发挥作用。
规模也很重要。大型Op艺术作品可以主导一个房间，营造强烈的物理存在感。较小的作品可能更易于日常生活中接受，同时仍能产生显著的感知效果。
关键是将Op艺术视为一种主动的视觉存在，而非装饰。
Richard Caldicott - 从左至右，无题#59，1998年；无题#169，2000年；以及无题#63，1998年 -
来自展览“脆弱之美：来自Sir Elton John和David Furnish收藏的摄影作品，” V&A 博物馆，伦敦，2024年。
11. Op艺术家在没有计算机的情况下如何实现如此精确？
在数字工具出现之前，Op艺术家依赖细致的手工流程。
他们使用尺子、圆规、网格、量角器、绘图工具、建筑方法和精确的数学规划。精确性至关重要，因为即使是微小的不规则也会改变光学效果。
遮蔽胶带成为了重要工具，使艺术家能够在强烈对比的颜色之间创造干净的边缘。丙烯颜料也起到了关键作用。与油画颜料不同，丙烯干燥迅速，能产生平坦、均匀的表面，且几乎看不到笔触。
目标通常是去除表现性笔触的痕迹。表面需要显得无个人色彩、精确且几乎像机器制造的，以便光学效果能够主导观众的体验。
这也是Op艺术如此卓越的一个原因：许多作品看起来像算法生成的，但它们是通过艰苦的手工纪律完成的。
Eduardo Mac Entyre - 无题丝网印刷，源自计算机生成的绘图 - 1969年 - V&A博物馆，编号：E.170-2008
12. 什么是“地平线效应”，它如何使Dazzle伪装的历史变得复杂？
“地平线效应”指的是从远处观察一艘船时，它看起来像是在沿着地平线航行，使得判断其实际方向变得更加困难。
这使得Dazzle伪装的历史变得复杂，因为这表明Dazzle图案的成功或失败可能不仅仅取决于其醒目的几何设计。海洋、地平线、距离、光线和运动的视觉环境也起到了重要作用。
一些历史分析表明，迷彩在某些情况下可能有效，而在其他情况下效果较差。它的视觉戏剧性无可否认，但其军事效能仍有争议。
然而，对于视错觉艺术的历史来说，迷彩仍然重要，因为它展示了抽象几何可以用来大规模影响感知。
Francisco SOBRINO - 无题 - 约1960年
13. 视错觉艺术在冷战期间是否发挥了政治抵抗的作用？
在某些情况下，是的。
冷战期间，尤其是在东欧和拉丁美洲部分地区，几何抽象、动力艺术和视错觉艺术可以为主导的意识形态艺术形式提供替代方案。在社会主义现实主义或民族主义具象传统被制度性偏好的地方，抽象艺术可以作为一种微妙的独立形式。
由于视错觉艺术根植于科学、数学、感知和客观视觉结构，它有时能避免直接的政治对抗，同时仍抵制既定叙事。它将艺术家与国际先锋网络连接起来，使他们能够探索自由、实验和现代性，而不必使用明确的政治图像。
这并不意味着所有视错觉艺术都具有政治抵抗性。但在某些历史背景下，它拒绝叙事和意识形态具有政治意义。
14. 1960年代视错觉艺术兴起时，艺术评论家有何反应？
批评反应褒贬不一，且常带敌意。
《反应之眼》的公众成功巨大，但许多批评家持怀疑态度。有些人觉得视错觉艺术过于炫目、过于通俗，或过于依赖视觉效果。他们担心这会将抽象绘画简化为视觉娱乐。
Clement Greenberg，当时主导的形式主义批评家，更关注其他形式的抽象艺术，尤其是后绘画抽象。其他批评家则更直接地攻击视错觉艺术，认为它是一种时尚现象，而非严肃的艺术发展。
时尚产业对视错觉图案的快速挪用使情况变得更糟。最初作为对感知的严谨研究，很快被转变为一种商业风格。这助长了视错觉艺术只是昙花一现的错误印象。
然而，长期的历史评价更为积极。主要的视错觉和动力艺术家现在被认为是战后抽象艺术的核心人物。
Richard Anuszkiewicz - 大午夜宫，1989年（Translumina系列）
15. 视错觉艺术能融入永久性的纪念性建筑吗？
是的。最清晰的例子之一是1976年在普罗旺斯艾克斯开幕的Vasarely基金会。
Victor Vasarely设想艺术可以进入公共空间、建筑和日常生活。该基金会不仅被设计为博物馆，更是一个光学和几何艺术的建筑环境。
其宏伟的作品和六边形建筑结构表明，视错觉艺术可以超越画布运作。它可以塑造空间，改变运动，并改变观众体验建筑的方式。
这种建筑雄心与Vasarely更广泛的信念一致，即艺术不应局限于私人收藏或精英机构，而应成为现代生活视觉环境的一部分。
Felipe Pantone - Quick Tide - 伦敦
16. 为什么Victor Vasarely提倡“多重”而非独一无二的杰作？
Vasarely认为艺术应该更加民主化。
传统的独一无二杰作概念使艺术变得稀有、昂贵且社会排他。Vasarely希望挑战这一模式。通过多重作品、丝网印刷和可复制系统，他希望让高质量的视错觉艺术更广泛地被接受。
这不仅仅是一个商业理念。它与他对艺术的建构主义和社会愿景有关。因为他的作品基于程序化的几何系统，所以可以复制而不失去其本质结构。
对Vasarely来说，“多重”是一种将艺术从独一无二的崇拜中解放出来，并使其更接近建筑、设计和日常生活的方式。
17. 神经科学如何预示了视错觉艺术中使用的视觉图案？
早在视错觉艺术成为公众运动之前，科学家们已经研究了许多视错觉艺术家后来使用的现象。
视觉感知涉及视网膜、视神经、视觉皮层、周边处理、对比度检测和持续的神经解释。某些图案可能使该系统过载或不稳定，产生振动、闪烁或运动的感觉。
1957年，神经科学家Donald M. MacKay创造了现在称为MacKay射线的图案：紧密排列的放射线，可以在周边视觉中产生闪烁或幻觉般的运动。这些例子表明，特定的几何排列可以触发可预测的视觉效果。
视错觉艺术家不需要使用科学语言来利用这些效果，但他们的作品常常与已知的视觉处理原理密切对应。
视觉错觉（作者不详）
18. 视错觉艺术从包豪斯继承了什么？
视错觉艺术深受包豪斯传统的影响。
包豪斯将艺术、设计、建筑、色彩和视觉感知视为相互关联的领域。像Josef Albers和Johannes Itten这样的教师研究了颜色如何相互作用，形状如何关联，以及如何通过视觉教育构建感知。
Josef Albers 关于色彩互动的研究尤其有影响力。他展示了色彩从不孤立感知。色彩会根据周围的色彩发生变化。这一见解成为许多光学和几何艺术家的核心。
Victor Vasarely 也曾在布达佩斯的 Mühely 学院学习，该学院常被称为“布达佩斯包豪斯”。在那里，他吸收了关于几何、传播、现代设计和视觉形式社会角色的理念。
包豪斯为光学艺术后来强化的理论基础提供了重要支持。
Carlos Cruz Diez - 《Physichromie N.1977》 - 2015
19. 今天定义当代光学艺术和感知抽象的艺术家有哪些？
当代光学艺术不是严格历史意义上的单一运动，而是一个广泛的艺术家群体，探索感知、几何、色彩、运动和光学不稳定性。
一些艺术家通过绘画延续这一遗产。Cristina Ghetti 利用几何节奏和空间振动创造当代光学场。Andy Harwood 探索色彩渐变、遮蔽和感知流动。Pierre Muckensturm 以克制的具体结构和数学和谐为创作手法。
其他艺术家通过摄影、造型画布、雕塑或数字美学扩展了这一领域。Sebastiaan Knot 利用光线和物理几何构建摄影幻象。Louise Blyton 使用造型亚麻布和原色颜料创作类似物体的光学作品。Felipe Pantone 将数字屏幕、故障和技术加速的语言引入几何抽象。
该领域还包括 Brent Hallard、Bernadette Jiyong Frank、Jesus Perea、Richard Caldicott、Suzanne Song 等众多艺术家。
这些艺术家共同展示了光学艺术的遗产依然生动、灵活且极具当代性。
20. Bridget Riley 是否接受“光学艺术女王”的称号？
不。Bridget Riley 抵制“光学艺术”标签及其带来的名人形象。
Riley 一直将自己定位为关注感知、感觉、视觉节奏和观看情感体验的抽象画家。“光学艺术”标签对媒体有用，但也简化了她的作品，并将其与商业光学效果联系在一起。
未经授权在时尚中使用类似 Riley 的图案加深了她的不安。她的画作被简化为一种风格，而她真正关心的是抽象形式所产生的复杂主观体验。
Riley 对标签的抵制很重要，因为它提醒我们，光学艺术从来不仅仅是一个品牌。在其最佳状态下，它是并且仍然是对视觉行为的严肃探究。
Bridget Riley - 《方格中的运动》 - 1961
作者 Francis Berthomier
所有图片 © 艺术家
