10 sydamerikanske abstrakte kunstnere at holde øje med i 2025

Sydamerikansk abstrakt kunst oplever en bemærkelsesværdig renæssance, drevet af en hidtil uset markedsvalidering og global institutionel anerkendelse.

Denne genopblussen er ikke blot en kuratorisk trend; den måles på de stigende auktionspriser for midten af århundredets mestre som Lygia Pape og Hélio Oiticica og cementeres af repræsentationen af historiske boer og samtidskunstnere hos elitegallerier som Hauser & Wirth, Pace og David Zwirner.

Samtidig har museer fra Getty til Museum of Modern Art foretaget seriøse videnskabelige genvurderinger af bevægelser som Neo-Konkretisme og Kinetisk Kunst, og flyttet dem fra periferien til centrum af den globale kunsthistorie.

De ti kunstnere, der fremhæves her, er arvinger og innovatører af denne revitaliserede tradition, som udnytter dens stærke visuelle sprog til at udforske samtidige spørgsmål om identitet, materialitet og sted.

Ad Minoliti (Argentina)

Ad Minoliti (f. 1980) er fremstået som en af de mest innovative stemmer inden for samtidskunst i sydamerikansk abstraktion og skaber det, de kalder "post-geometriske" værker, der bruger "geometri og farve til at bygge non-binære spekulative fortællinger." Deres store udstilling "Manifestación pluriversal" på Contemporary Art Museum St. Louis (september 2024-februar 2025) har introduceret amerikanske publikum til deres karakteristiske tilgang til abstraktion som social praksis.

Minolitis arbejde trækker på Argentinas rige tradition for geometrisk abstraktion, samtidig med at det fuldstændigt genopfinder dens muligheder. Deres "candy palettes" og legende formelle undersøgelser skaber det, The Guardian beskrev som "non-binær geometri": abstrakte værker, der udfordrer traditionel binær tænkning gennem rent visuelle midler. Seneste projekter har udforsket temaer som queerness, feminisme og spekulative fremtider, hvilket viser, hvordan abstrakt kunst kan engagere sig i samtidige sociale spørgsmål.

Deres udstilling "Nature is Queer" (2024) og deltagelse i "The Feminist School of Painting" på Galerie Crèvecoeur demonstrerer deres voksende internationale anerkendelse. Minolitis arbejde repræsenterer en ny generation af sydamerikanske kunstnere, der bruger abstraktion til at forestille sig alternative fremtider og udfordre etablerede sociale strukturer.

Bruno Dunley (Brasilien)

Bruno Dunley (f. 1984, Petrópolis) har etableret sig som det kritikere kalder en "malers maler": en kunstner, hvis værker viser en dyb forståelse for maleriets grundlæggende egenskaber, samtidig med at han skubber mediet ind i nye territorier. Hans seneste soloudstilling "Pequenas Alegrias" (Små Glæder) på Nara Roesler Rio de Janeiro (april-juni 2024) viste hans modne tilgang til abstraktion som en proces med konstant revision og forfining.

Dunleys malerier afslører sig langsomt, opbygget gennem lag af påføring, redigering og udviskning. Hans tilbageholdte gestus skaber værker, der synes at svæve mellem repræsentation og ren abstraktion, med former, der antyder landskab, arkitektur eller ren følelse afhængigt af beskuerens perspektiv. Kritikere har bemærket hans værkers relation til både Alfredo Volpis geometriske undersøgelser og de mere maleriske tilgange hos samtidige europæiske kunstnere som Luc Tuymans.

Hans udstilling "Clouds" i 2023 på Nara Roesler New York undersøgte abstraktion som "en abstrakt begivenhed" og undersøgte, hvordan naturfænomener kan omsættes til rent formelle undersøgelser.

I øjeblikket repræsenteret af Nara Roesler, fortsætter Dunley med at udvikle en unikt brasiliansk tilgang til samtidsmaleri, der ærer landets modernistiske arv, samtidig med at den forbliver fuldstændig nutidig.

Cristina Ghetti (Argentina/Spanien)

Den argentinskfødte Cristina Ghetti (f. 1969) arbejder fra Valencia, Spanien, hvor hun har udviklet en karakteristisk tilgang til geometrisk abstraktion, der forbinder Op Art, geometrisk abstraktion og kinetisk kunst. Med en kandidatgrad i visuel kunst og multimedier og en afsluttet doktorafhandling med titlen "Post Medial Geometry" fra Polytechnic University of Valencia, bringer Ghetti både kunstnerisk intuition og akademisk stringens til sin praksis.

Hendes malerier anvender strenge geometriske systemer, der skaber subtile perceptuelle skift, hvilket får statiske kompositioner til at synes at pulsere og ånde. Arbejdende inden for Op Art-traditionen skaber Ghettis serielle farvestrukturer det, hun beskriver som "visuel musik": mønstre, der tilsyneladende genererer deres egne akustiske egenskaber gennem rent visuelle midler. Hendes teknik involverer at skabe digitale kompositioner, der narre sindet til at opfatte bevægelse og dybde, som hun derefter omsætter til akrylmaling på lærred.

Ghettis værker har været udstillet bredt, blandt andet på MACBA Buenos Aires, den argentinske ambassade i Washington DC og Frost Art Museum i Miami. Hendes værker indgår i permanente samlinger, herunder National Museum of Contemporary Art and Design i San José, Costa Rica, og det kommunale museum for plastisk kunst Eduardo Sívori i Buenos Aires, hvilket viser hendes fortsatte forbindelse til den sydamerikanske kunstscene trods hendes base i Spanien.

Daniela Marin (Venezuela/Peru)

Den venezuelanskfødte Daniela Marin (f. 1977) har etableret sig som en af de mest overbevisende stemmer inden for samtidsabstraktion i Sydamerika fra sin base i Lima, Peru. Uddannet fra den prestigefyldte Altos de Chavón School of Design skaber Marin værker, der pulserer med arkitektonisk præcision, samtidig med at de bevarer en næsten musikalsk rytme i deres farverelationer.

Hendes malerier demonstrerer det, man kunne kalde "konstruktiv lyrik": hvert lærred opbygget gennem metodisk lagdeling af geometriske former, der på en eller anden måde overskrider deres matematiske oprindelse for at opnå noget dybt følelsesmæssigt. Den lysstyrke, hun opnår gennem sin omhyggelige farveorkestrering, har ført til sammenligninger med de store venezuelanske kinetiske kunstnere, men hendes arbejde forbliver tydeligt nutidigt i sin konceptuelle stringens.

Aktuelt repræsenteret af IdeelArt, afspejler Marins arbejde den tværkulturelle dialog mellem hendes venezuelanske arv og hendes adopterede peruvianske hjem, og skaber abstraktioner, der taler til den bredere latinamerikanske oplevelse af migration og kulturel syntese.

Francisca Aninat (Chile)

Den chilenske kunstner Francisca Aninat har udviklet en af de mest karakteristiske tilgange til abstrakt maleri i samtidskunsten i Sydamerika. Hendes proces, hvor hun bogstaveligt talt river malede lærreder fra hinanden og samler dem igen ved syning, skaber værker, der fungerer både som malerier og tekstilobjekter og udfordrer traditionelle grænser mellem medier.

Hendes seneste soloudstilling "Hills in the Distance" hos Bendana-Pinel i Paris (indtil juli 2024) viste, hvordan hendes revne og sammenhæftede lærreder skaber det, hun kalder "taktil abstraktion." Hvert værk bliver en meditation over hukommelse, traume og heling, hvor den fysiske handling med reparation bliver central for værkets betydning.

Aninats proces fremhæver maleriets grundlæggende materialitet, samtidig med at hun skaber værker, der taler til bredere temaer om fragmentering og rekonstruktion—temaer, der resonerer stærkt i konteksten af Chiles komplekse politiske historie. Hendes arbejde findes i samlinger, herunder Cambridge Universitys Women's Art Collection, og hun fortsætter med at udvikle sin unikke tilgang til abstraktion som både en visuel og fysisk oplevelse.

Jaime Gili (Venezuela/Storbritannien)

Den London-baserede venezuelanske kunstner Jaime Gili har brugt årtier på at udvikle en karakteristisk tilgang til geometrisk abstraktion, der hylder "kinetismen og optimismen i midten af det 20. århundredes modernistiske kunst, arkitektur og design", samtidig med at den forbliver fuldstændig nutidig i sine bekymringer. Hans høj-kroma hard-edge malerier skaber det, en kritiker beskrev som "elektrisk geometri i bevægelse."

Gilis arbejde trækker eksplicit på Venezuelas rige tradition for kinetisk og geometrisk kunst, men genoplader disse historiske referencer for nutidige publikum. Hans malerier, tryk og offentlige værker demonstrerer, hvordan latinamerikanske modernistiske traditioner kan revitaliseres uden blot at blive nostalgiske. Senere arbejde har i stigende grad engageret sig i den politiske situation i hans hjemland ved at bruge abstrakte midler til at adressere konkrete sociale realiteter.

Efter at have boet og arbejdet i Storbritannien siden 1996 repræsenterer Gili den globale rækkevidde af sydamerikansk abstrakt kunst. Hans arbejde findes i store samlinger og fortsætter med at påvirke yngre kunstnere, der udforsker krydsfeltet mellem geometrisk abstraktion og politisk engagement.

Johanna Unzueta (Chile)

Johanna Unzueta (f. 1974, Santiago) skaber det, man kunne kalde "varm minimalisme"—geometriske abstraktioner, der bruger naturlige materialer og håndlavede processer til at skabe værker, der føles både systematiske og dybt menneskelige. Arbejdende mellem New York og Berlin har Unzueta udviklet en karakteristisk praksis, der kombinerer filt, træ og tegning til sammenhængende systemer.

Hendes seneste udstilling "Naturalist" hos Casey Kaplan (2024) viste hendes modne tilgang til abstraktion som en måde at udforske forholdet mellem naturlige og konstruerede miljøer. Især hendes filtede værker demonstrerer, hvordan traditionelle håndværksteknikker kan anvendes til at skabe sofistikerede abstrakte kompositioner, der taler til både oprindelige tekstiltraditioner og nutidig minimal kunst.

Unzuetas arbejde behandler "begreber om arbejde, produktivitet og fremskridt" gennem håndlavede processer, der bevidst sænker den kunstneriske produktion. Hendes geometriske kompositioner, skabt gennem intuitiv udtryk frem for matematiske systemer, resulterer i værker, der føles både nutidige og tidløse. Hun er også aktiv inden for redaktionelt design og kunstnerpublikationer, hvilket afspejler hendes brede engagement i visuel kultur.

Marina Perez Simão (Brasilien)

Marina Perez Simão (f. 1980, Vitória) står som en af Brasiliens mest anerkendte samtidsabstrakte malere, hvor 2025 markerer et vendepunkt for hendes internationale anerkendelse. Hendes store institutionelle udstilling "Tuning Fork" på Instituto Tomie Ohtake (august-oktober 2025) repræsenterer hendes første store museumsudstilling i Brasilien, mens hendes deltagelse i "Horizontes - Peintures brésiliennes" på Fondation Cartier i Paris (april-oktober 2023), har introduceret hendes arbejde til europæiske publikum.

Repræsenteret af både Pace Gallery og Mendes Wood DM skaber Simão malerier, der svæver på kanten af landskab uden nogensinde helt at blive repræsentative. Hendes mættede farvezoner synes at opløses i ren atmosfære og skaber værker, der fungerer lige så meget som følelsesmæssige oplevelser som visuelle. Hendes proces, baseret på akkumulering og sammenstilling af minder og billeder, resulterer i malerier, der føles både dybt personlige og universelt genklangfulde.

Nylige udstillinger inkluderer "Diffusion" på Mendes Wood DM Paris (2024) og "ZWIELICHT" på G2 Kunsthalle i Leipzig, hvilket demonstrerer hendes voksende internationale tilstedeværelse. Hendes arbejde repræsenterer en tydeligt brasiliansk tilgang til abstraktion, som omfavner både landets rige modernistiske arv og dets nutidige globale position.

Marina Weffort (Brasilien)

Marina Weffort (f. 1980, São Paulo) repræsenterer spidsen af brasiliansk tekstilabstraktion og skaber værker, der eksisterer i krydsfeltet mellem maleri, skulptur og håndværk. Repræsenteret af Galeria Luisa Strina, et af Brasiliens mest prestigefyldte samtidskunstgallerier, arbejder Weffort med maleri, tegning, objekter og installationer for at undersøge forholdet mellem materiale, proces og mening.

Hendes minimalistiske tekstile abstraktioner anvender klippet og vævet stof til at skabe gitterlignende strukturer, der synes at ånde med lys. Disse værker udfordrer traditionelle hierarkier mellem billedkunst og håndværk og viser, hvordan tekstilteknikker kan bruges til at skabe sofistikerede abstrakte kompositioner, der taler til både brasilianske kulturelle traditioner og nutidig international kunstdebat.

Wefforts praksis afspejler en bredere tendens i samtidskunsten i Brasilien mod materialeeksperimenter og procesbaseret arbejde. Hendes undersøgelser af forholdet mellem forskellige medier resulterer i værker, der føles både konceptuelt stringente og sanseligt tiltalende, og repræsenterer en ny generation af brasilianske kunstnere, der udvider mulighederne for abstrakt kunst.

Martin Reyna (Argentina)

Martin Reyna er fremstået som en mester i det, man kunne kalde "flydende geometri." Arbejdende primært i akvarel, et medium ofte afvist i seriøs abstrakt diskurs, skaber Reyna storskala værker, hvor tyngdekraften bliver hans primære kompositoriske værktøj. Hans vertikale vasker strømmer ned ad papiret med kontrolleret spontanitet og skaber atmosfæriske effekter, der antyder både naturlige fænomener og ren kromatisk oplevelse.

Med base mellem Buenos Aires og Paris bygger Reynas arbejde bro mellem den gestiske frihed i Abstract Expressionism og farvefeltundersøgelserne hos kunstnere som Helen Frankenthaler, men med en tydeligt sydamerikansk sensibilitet. Hans malerier fremkalder ofte de vidtstrakte landskaber i de argentinske pampas, men forbliver resolut non-repræsentative.

Kunstnerens seneste værker har tiltrukket opmærksomhed for deres sofistikerede forståelse af, hvordan akvarellens iboende uforudsigelighed kan udnyttes til at skabe værker med overraskende strukturel integritet. Hvert stykke læses som en visuel partitur, med farverelationer, der synes at generere deres egen interne musik.

Hans arbejde var for nylig genstand for en museumsudstilling, "The Sound of Color," på Venezuelas MACA-Zulia, hvilket bekræfter hans plads inden for den bredere kontekst af latinamerikansk abstraktion.

Reyna, der i øjeblikket er repræsenteret af IdeelArt, fortsætter med at udvikle sin unikke tilgang til abstraktion gennem flydende medier. 

+   +   +

Disse ti kunstnere repræsenterer mangfoldigheden og vitaliteten i nutidig sydamerikansk abstrakt kunst, hvor hver af dem bringer et unikt perspektiv til den igangværende dialog mellem abstraktion og identitet, tradition og innovation.

Det, der forener dem, er ikke en fælles stil eller tilgang, men snarere en forpligtelse til at skubbe abstrakt kunst ind i nye territorier, mens de forbliver forbundet med regionens rige kulturelle traditioner. Efterhånden som sydamerikansk kunst fortsætter med at opnå international anerkendelse, er disse kunstnere positioneret til at spille afgørende roller i at definere, hvad abstraktion betyder i det 21. århundrede.

Deres arbejde viser, at sydamerikansk abstrakt kunst ikke blot følger internationale trends, men aktivt former dem og skaber nye muligheder for, hvordan abstrakt kunst kan engagere sig med nutidige sociale, politiske og kulturelle realiteter, samtidig med at den bevarer sit essentielle engagement i formel innovation og æstetisk oplevelse.

Af Francis Berthomier

Fremhævet billede: Double Wave af Cristina Ghetti (2017, detalje). Alle billeder er venligst udlånt af kunstnerne.

Køb kunstværker fra sydamerikanske kunstnere på IdeelArt