Lyrisk Abstraktion: Kunsten, der nægter at være kold

Tokyo, 1957. Georges Mathieu, barfodet, indhyllet i en kimono, hans lange krop snoet som en fjeder klar til at springe, står foran et otte meter langt lærred. Han er blevet inviteret af Jiro Yoshihara fra Gutai Art Association, avantgardegruppen der prædiker kunst som ren materiel møde. Publikum ser på. Mathieu skitserer ikke, planlægger ikke, tøver ikke. Han griber fat i malertuben. Han klemmer den direkte ud på overfladen. Hans arm svinger. En kalligrafisk hvirvel opstår. Inden for få minutter eksisterer La Bataille de Hakata. Han vil male tyve lærreder mere, før han går ombord på sin flyvning hjem. Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Hvis den scene taler til dig, risikoen, sveden, malingen der ikke kan forblive uberørt, så er du allerede inde i argumentationen i dette essay. For læsere, der er interesserede i nøglefakta om lyrisk abstraktion, har vores FAQ nederst dig dækket.

Født to gange, altid i opposition

Lyrisk abstraktion opstod ikke ud af ingenting. Den blev født af en specifik, kropslig afsky mod kulde. Den første fødsel fandt sted i Paris, 1947, en by der stadig blødte efter Nazi-okkupationen. Kritikeren Jean José Marchand og maleren Georges Mathieu skabte begrebet Abstraction Lyrique for at beskrive værkerne vist i "L'Imaginaire" på Galerie du Luxembourg: malerier, der viste, som Marchand bemærkede, en lyrik løsrevet fra al tjeneste. Ingen tjeneste for geometri. Ingen tjeneste for det rationelle gitter, som i sin mest perverse politiske inkarnation netop havde forsøgt at myrde Europa. Gestussen var en overlevelseshandling: penselstrøget som bevis på fortsat menneskelig tilstedeværelse.

Den anden fødsel fandt sted i New York, 1969, og fjenden havde ændret sig, men det var stadig koldt. Den amerikanske kritiker og samler Larry Aldrich udgav "Young Lyrical Painters" i Art in America, hvor han navngav en generation af malere, der var blevet udmattede af Minimalismens iskolde perfektionisme og Pop Arts kalkulerede ironi. Whitney Museum ville kodificere bevægelsen med en fuld udstilling i 1971. Igen: varme, der rejser sig mod et system. Hver gang lyrisk abstraktion har gjort sin entré, har det ikke været som en stil, men som en afvisning: en afvisning af at lade maleriet blive et koncept uden krop, en form uden puls.

Denne dobbelte genealogi (Paris 1947 / New York 1969) er mere end historisk trivia. Den afslører noget strukturelt om, hvad lyrisk abstraktion er. Det er en bevægelse, der definerer sig selv i opposition til noget andet, hvilket betyder, at dens identitet er evigt levende, evigt reaktiv. Overvej Martin Reyna, en argentinskfødte maler, der har boet og arbejdet i Paris i årtier. Hans encres og fortyndede akryl er samtidig komponerede og frigivne: Reyna etablerer en struktur: et territorium, en rytme, et sæt betingelser, og tillader derefter farven at bevæge sig inden for det efter sin egen logik, hvor den endelige overflade tilhører lige meget kunstnerens beslutninger som malingen. Når man ser på et lærred af Reyna, mærker man modstanden, ikke mod nogen bestemt historisk bevægelse, men mod selve ideen om maleriet som en lukket, besluttet ting. Han er i denne forstand en direkte arving til Paris' afvisning fra 1947.

Martin Reyna - L'Ile - 2023

Hvad Kroppen Ved

Her er det, der adskiller lyrisk abstraktion fra andre former for ekspressiv maleri: processen er ikke et middel, det er budskabet.

Mathieu's "Tubism" (at presse maling direkte ud af tuben i fart) var ikke en teknisk genvej. Det var en filosofisk erklæring: ingen mægling mellem impuls og overflade. Jean-Paul Riopelle, det canadiske medlem af Art Informel-kredsen i Paris, afskaffede penslen helt og arbejdede kun med paletkniven, hvor han opbyggede tykke mosaikagtige impastoer af farve, der føles stædigt, materielt til stede. Helen Frankenthaler gik i den modsatte retning: hendes soak-stain teknik hældte pigment på rå, ugrundede lærreder, så malingen blev absorberet i stedet for påført, og grænsen mellem maleri og underlag kollapsede fuldstændigt. Hver af disse er et forskelligt væddemål mod kontrol, en forskellig måde at lade kroppen tale, før sindet kan redigere.

Denne kropscentrerede logik er præcis det, du ser og føler i værkerne af Macha Poynder, den Paris-baserede maler, der opbygger sine lærreder gennem performative gestus, automatisk tegning og intuitive farvevalg, som hun beskriver som udtryk for det ubevidste snarere end intellektet. Hendes overflader blander områder af tilsyneladende tilfældighed, hvor maling er sprøjtet eller dryppet, med zoner af bevidst præcision påført af en trænet hånd, og spændingen mellem disse to tilstande er maleriet. Poynder sammenligner sin proces med skabelsen af musik: ikke komponeret på forhånd, men opdaget i handlingen. Hendes værker findes i de permanente samlinger på Centre Pompidou og Rijksmuseum, hvilket antyder, at institutioner også kan mærke forskellen mellem et maleri, der blev fremført, og et, der blot blev lavet.

Macha Ponder - Langt Væk - 2026

Janise Yntema, der arbejder i Bruxelles med encaustic voks (bivoks påført og smeltet med en blæselampe), befinder sig i en tilsvarende ladet zone mellem kontrol og frigivelse. Voksen opfører sig: op til et vist punkt. Så kommer varmen, og det, der var placeret, bliver til det, det bliver. Hvert semitransparent lag fanger lyset forskelligt, så det at kigge ind i et Yntema-lærred er som at kigge ind i noget oplyst indefra. Øjeblikket mellem styring og tilfældighed er ikke et problem, hun prøver at løse; det er hele emnet. Og i Brooklyn arbejder Emily Berger på træpaneler med oliemaling i brede horisontale bevægelser, der involverer hele hendes arm (skraber, gnider, trækker), så hvert mærke utvetydigt er et bevis på en fysisk indsats. Hendes overflader, har Berger sagt, hylder kunstnerens hånd. I en tid, der ofte foretrækker hånden usynlig, er dette ikke en æstetisk præference. Det er en holdning.

Paul Landauer, en østrigskfødte maler bosat i Beograd, tilfører endnu en nuancering til spørgsmålet om krop og proces. Hans malerier bevæger sig på tværs af registre, fra præcis, næsten arkitektonisk tegning til brede atmosfæriske farvefelter, men i alle former er mærket overvejet uden at være kalkuleret, overfladen opnået gennem ægte fysisk engagement frem for forudbestemt plan. Landauer beskriver sin praksis som en udgravningsproces: flytningen til Beograd gav ham afstand til at stille spørgsmål ved velkendte ting, og denne spørgen viser sig i overflader, der føles både konstruerede og opdagede.

Paul Landauer - Movement - 2023

Verden ventede ikke på Paris eller New York

En af de vedvarende myter i kunsthistorien er, at bevægelser opstår ét sted og "spreder sig" til andre steder, som om kultur var en slags smitte. Lyrisk abstraktion komplicerer dette model betydeligt. Gutai-gruppen i Japan var ikke en satellit af fransk Art Informel: det var en parallel opfindelse, drevet af sin egen efterkrigstidens hastværk, sit eget møde med materiale og performance. Kazuo Shiraga malede med fødderne, ophængt i reb over lærredet. Da Mathieu ankom til Tokyo i 1957, var mødet mellem to lige fuldt udviklede sensibiliteter, ikke en lærer og hans elever.

Zao Wou-Ki, den kinesiskfødte maler, der slog sig ned i Paris efter at have studeret i Hangzhou, syntetiserede den spontane energi fra orientalsk blækpraksis med de rumlige ambitioner i europæisk Art Informel på en måde, som ingen af traditionerne alene kunne have frembragt. Hans storskala lærreder er samtidig kalligrafiske og atmosfæriske, en slags maleri uden fortilfælde, fordi det krævede netop hans biografi, netop hans krydsfelt. I Canada offentliggjorde Riopelle og Automatistes deres Refus Global-manifest i 1948, hvor de afviste provinsiel kirkelig autoritet til fordel for en eksperimenterende, sekulær kunstvision, endnu et koldt system afvist, endnu en gestus af varme hævdet.

I dag fører Yari Ostovany, født i Teheran og nu bosat i San Francisco, denne globale syntese videre. Hans malerier opbygger pigmenter i tætte, atmosfæriske lag, for derefter at vaske dem tilbage, skrabe dem ned, opløse og rekonstituere overflader, indtil de bærer noget, der føles gammelt uden at være arkæologisk. Ostovany taler om persisk poesi som en formativ indflydelse, og den indflydelse kan læses i de overflader, han skaber: dybder, der åbner og lukker, farver, der dukker op og derefter trækker sig tilbage, en overflade, der aldrig helt løser sig i stilhed. Hans arbejde er hverken amerikansk Color Field eller iransk miniature eller noget midt imellem: det er præcis sig selv, en sensibilitet, som kun global konfluens kunne have frembragt.

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

Den tredje kulde: Lyrisk abstraktion og den samtidige verden

I den samtidige kunstverden i det tidlige enogtyvende århundrede står lyrisk abstraktion over for sin tredje kulde. Den første var den rationalistiske gitterstruktur. Den anden var Minimalismens reducerende logik. Den tredje er det algoritmiske billede, teknisk fejlfrit, øjeblikkeligt produceret, genereret ud fra statistiske fordelinger af, hvad menneskelig visuel kultur allerede har skabt. Det AI-genererede billede er det koldeste til dato: det bærer ingen risiko, ingen forpligtelse, ingen krop. Det kan ikke fejle. Hvilket betyder, at det ikke på nogen meningsfuld måde kan lykkes.

Et lærred af Poynder bærer optegnelsen af en gestus udført på et bestemt tidspunkt, i en bestemt tilstand af krop og sind, som ikke kan gentages. Et Landauer-maleri indeholder det biometriske spor af gestus, der er talt og udført i en bestemt krops særlige tid. Et værk af Jill Moser, hvis lyriske, kalligrafiske mærker navigerer i rummet mellem maleri og skrevet sprog, mellem billede og den mening, der går forud for ord, kunne ikke være lavet af nogen proces, der går fra beregning til udførelse. Disse malerier er ikke produktet af en algoritmes forudsigelse af, hvordan et maleri skal se ud. De er, hvad der skete, da en menneskelig krop mødte materialer under betingelser af ægte usikkerhed.

Det er ikke en lille ting. Det er faktisk hele sagen. Lyrisk abstraktion har aldrig handlet om en bestemt stil eller en bestemt teknik. Det har altid handlet om insisteren på, at maleri er en begivenhed, ikke et produkt: mærket på overfladen er bevis på et liv, der leves, en risiko, der tages, et øjeblik, der ikke kan rekonstrueres ud fra statistiske data. Mod den tredje kulde er denne insisteren ikke nostalgisk. Den er nødvendig.

Af Francis Berthomier
Alle billeder (ovenfor og nedenfor) © kunstnerne, repræsenteret af IdeelArt
Fremhævet billede: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (detalje)

Jill Moser - Maling - 2007

Mere maleri, der nægter at være koldt

De kunstnere, der er fremhævet i dette essay (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer og Jill Moser), er et personligt udvalg fra det bredere fællesskab af lyriske og gestiske malere repræsenteret af IdeelArt. Mange andre kunstnere i samlingen deler denne følsomhed. 

For samlere, der er interesserede i at udforske lyrisk abstraktion gennem værker tilgængelige i dag, vedligeholder IdeelArt en eksklusiv samling på over 700 gestuelle og lyriske abstrakte kunstværker på ideelart.com/collections/artwork-style-gestural-and-lyrical.

Lyrisk Abstraktion: Ofte stillede spørgsmål

For læsere, der vil have fakta, og for Google, som også vil have dem.

1. Hvad er lyrisk abstraktion?

Lyrisk abstraktion er en form for non-figurativ maleri, der prioriterer spontanitet, følelsesmæssig intensitet og den synlige spor af kunstnerens gestus frem for geometrisk struktur eller intellektuelt system. Den findes i to historisk adskilte, men filosofisk beslægtede versioner. Den europæiske version, Abstraction Lyrique, opstod i efterkrigstidens Paris i slutningen af 1940’erne som en understrøm af Art Informel, der hyldede det instinktive mærke som en erklæring om menneskelig frihed efter traumet ved besættelse og totalitarisme. Den amerikanske version blev identificeret i slutningen af 1960’erne og begyndelsen af 1970’erne af samleren Larry Aldrich og blev krystalliseret i Whitney Museum-udstillingen i 1971, denne gang som en reaktion mod Minimalismens kliniske reduktionisme og Pop Arts ironiske distance. Begge versioner deler en forpligtelse til flydende former, farve og det, man kunne kalde "produktivt tilfælde": øjeblikket hvor maleriet gør noget, som maleren ikke helt havde planlagt, og som bevares, fordi det er mere sandt end noget, planen ville have frembragt. Visuelt har lyrisk abstraktion en tendens til atmosfærisk rum, gestuelle eller maleriske mærker og en overordnet følelse af bevægelse, i modsætning til de hårde kanter, linjer og kalkulerede symmetrier i geometrisk abstraktion.

2. Hvad er forskellen mellem lyrisk abstraktion og abstrakt ekspressionisme?

Forvirringen er forståelig: begge bevægelser hylder gestussen, kroppen og følelsesmæssig direktehed, men forskellene er reelle og vigtige. Abstract Expressionism, som udviklede sig i New York fra midten af 1940’erne og frem, var ofte præget af en heroisk, endda voldsom energi: Action Painting med Pollock's drypmetode, den monumentale konfrontation i de Kooning's figur-i-abstraktion, sublimiteten i Rothko's farvefelter. Den var forbundet med en særlig (og ret macho) mytologi om kunstneren som eksistentiel kriger. Lyrisk abstraktion, især den amerikanske version fra slutningen af 1960’erne, var delvist en reaktion mod denne ortodoksi. Den var mere flydende, mere poetisk, mere optaget af skønhed som et legitimt mål i sig selv. Kunstnere som Helen Frankenthaler, Joan Mitchell og Dan Christensen arbejdede i registre, der var lettere, mere gennemtrængte, mere, for at bruge begrebet præcist, lyriske. Forskellen er ikke et spørgsmål om alvor; det er et spørgsmål om tone. Hvis Abstract Expressionism er jazz på fuld volumen, er lyrisk abstraktion den samme jazz spillet i et rum med åbne vinduer.

3. Hvem opfandt begrebet "lyrisk abstraktion"?

Begrebet blev opfundet i Paris i 1947 af kunstkritikeren Jean José Marchand og maleren Georges Mathieu for at beskrive værkerne vist på udstillingen "L'Imaginaire" på Galerie du Luxembourg. Marchand brugte det til at formidle en følelse af maleri, der havde brudt fri af al "tjeneste": til figurativ kunst, til teori, til de resterende krav fra førkrigstidens stilarter. Begrebet blev senere uafhængigt genoplivet i USA af Larry Aldrich, den amerikanske samler og grundlægger af Aldrich Contemporary Art Museum, i hans 1969 Art in America-artikel "Young Lyrical Painters." Selvom Aldrich sandsynligvis var opmærksom på den europæiske brug, var hans anvendelse af begrebet motiveret af en anden kritisk kontekst: ønsket om at navngive en post-minimalistisk sensibilitet snarere end en efterkrigstidens europæisk.

4. Hvem er de vigtigste kunstnere inden for lyrisk abstraktion?

På den europæiske side inkluderer de grundlæggende skikkelser Georges Mathieu, den selvudnævnte grundlægger, berømt for sine teatralske optrædener og Tubist-teknik, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), hvis rå, improviserede mærker afspejlede efterkrigstidens nihilisme, Hans Hartung, hvis hurtige, disciplinerede strøg udforskede fri vilje gennem fart, Jean-Paul Riopelle, den canadiskfødte pariser, hvis paletkniv-mosaikker blev ikoniske, Zao Wou-Ki, hvis syntese af orientalsk kalligrafi og Art Informel var sui generis, og Simon Hantaï, der begyndte inden for lyrisk abstraktion, før han helt forlod den i 1958 for at udvikle sin egen teknik, pliage, en af de mest unikke baner i efterkrigstidens maleri. På den amerikanske side inkluderer de centrale navne Helen Frankenthaler, opfinderen af soak-stain-teknikken, Sam Francis, hvis tachiste-sprøjt engagerede sig med buddhistiske forestillinger om tomhed, Joan Mitchell, der fusionerede Action Painting med impressionistisk farvesans, Dan Christensen, der brugte industrielle sprøjtepistoler til at skabe lysende løkker, og Ronnie Landfield, der myntede udtrykket "new sensibility" for at beskrive, hvad hans generation lavede.

5. Hvilke teknikker definerer lyrisk abstraktion?

Proces og teknik er centrale for lyrisk abstraktion på en måde, der næsten er definerende: hvordan er uløseligt forbundet med hvad. Mathieu's "Tubisme" (at påføre maling direkte fra tuben i høj fart uden forudgående skitse) maksimerede spontanitet og kalligrafisk præcision samtidig. Riopelle arbejdede udelukkende med paletkniv og byggede tætte, skulpturelle impasto-overflader, der minder om mosaik eller geologiske lag. Frankenthaler hældte tynd maling på ugrundet lærred, så det blev suget ind i vævet og eliminerede skellet mellem overflade og grund. Christensen brugte en industriel sprøjtepistol til at opnå kontinuerlige, loopende linjer, der gik ud over armens fysiske rækkevidde. Mere nyligt blander kunstnere som Macha Poynder automatisk tegning og performativ gestus med bevidst lagdeling, deres overflader indeholder samtidig spor af tilfældighed og intention; Janise Yntema arbejder med encaustic bivoks, der smeltes sammen med blæselampe, og bygger halvgennemsigtige lag, der fanger og transmitterer lys; og Emily Berger engagerer hele sin krop i horisontale gestuelle strøg på træ, skraber og gnider, indtil panelet bærer bevis på flere fysiske engagementer. Det alle disse teknikker har til fælles, er en insisteren på uigenkaldelighed: mærket er sat, og processen kan ikke helt gøres om.

Janise Yntema - The Whisper Of Solitude - 2017

6. Hvornår og hvor opstod lyrisk abstraktion?

Lyrisk abstraktion har to distinkte historiske oprindelser, som ikke bør forveksles, selvom de er beslægtede i ånden. Den første er Paris, 1947: udstillingen "L'Imaginaire" på Galerie du Luxembourg, hvor Jean José Marchand og Georges Mathieu brugte udtrykket Abstraction Lyrique til at beskrive en ny form for total abstraktion, der opstod i konteksten af efterkrigstidens Art Informel. Denne europæiske bevægelse blomstrede gennem 1950'erne, centreret i Paris, med betydelige bidrag fra kunstnere fra hele Frankrig, Canada, Japan og Kina. Den anden oprindelse er New York, 1969–1971: Larry Aldrich's artikel i Art in America "Young Lyrical Painters" (1969) navngav en ny generation af amerikanske kunstnere, der bevægede sig væk fra minimalismen, og bevægelsen blev konsolideret af Whitney Museum's udstilling "Lyrical Abstraction" i 1971. Disse to øjeblikke er historisk adskilte: de europæiske kunstnere var stort set ukendte for eller afviste af New Yorks kritiske establishment, men de repræsenterer parallelle svar på parallelle problemer: behovet for at genbekræfte det menneskelige, det gestiske og det følelsesmæssige mod systemer, der var blevet for kolde.

7. Hvad er forskellen mellem lyrisk abstraktion og geometrisk abstraktion?

Dette er den grundlæggende antagonisme i det tyvende århundredes abstraktion, og det er værd at tage alvorligt. Geometrisk abstraktion, fra Mondrian's gitter til Albers's firkanter til hard-edge maleriet fra 1960'erne, udgår fra en plan. Formen eksisterer før maleriet gør. Udførelsen handler om præcision: linjen går, hvor det blev besluttet, at linjen skulle gå. Lyrisk abstraktion udgår fra den modsatte overbevisning: formen opstår under selve maleriet, gennem mødet mellem kunstnerens krop, mediet og øjeblikket. Planen, hvis der er en, opgives eller overskrides straks. Geometrisk abstraktion værdsætter kontrol, struktur og gentagelighed; lyrisk abstraktion værdsætter spontanitet, tilfældighed og uigenkaldelig singularitet. Ingen af dem er overlegen, men de repræsenterer ægte modsatte filosofier om, hvad et maleri er, og hvad det er til. For en detaljeret udforskning af den geometriske tradition, se IdeelArt's ledsagende essay "Geometrisk Abstraktion: IKKE Endnu en Heroisk Fortælling om Malevich og Mondrian".

8. Er lyrisk abstraktion stadig relevant i dag?

Ikke kun relevant, og måske mere nødvendigt end nogensinde før. I en visuel kultur, der i stigende grad er mættet med algoritmisk genererede billeder, som er teknisk fejlfri og oplevelsesmæssigt tomme, repræsenterer lyrisk abstraktion det uomgængelige argument for det menneskelige præg: maleriet, der kun kunne være lavet af denne krop, i dette øjeblik, under disse betingelser af ægte usikkerhed. Samtidskunstnere som Yari Ostovany (San Francisco, født i Teheran), hvis pigmentmættede overflader refererer til både persisk poetisk tradition og amerikansk Color Field samtidig, eller Paul Landauer (Beograd, født i Wien), hvis malerier bevæger sig mellem arkitektonisk præcision og atmosfærisk bredde, altid opnået gennem fysisk engagement snarere end formel, eller Jill Moser (New York), hvis kalligrafiske mærker befinder sig i grænselandet mellem maleri og skriftligt sprog, mellem gestus og mening: alle laver de værker, som en generativ AI ikke kan efterligne ægte. Dette handler ikke om visuel fremtoning: en algoritme kan bestemt producere noget, der ligner lyrisk abstraktion, og overbevisende endda. Men den menneskelige tilstedeværelse i hjertet af praksissen kan ikke simuleres. Det, disse malere producerer, er ikke primært et billede: det er bevis på et liv, en risiko, et fysisk øjeblik, der skete én gang og ikke kan rekonstrueres ud fra statistiske data. Overfladen er optegnelsen, ikke resultatet. Den store institutionelle interesse fortsætter med at vokse: i 2025 dedikerede Monnaie de Paris og Centre Pompidou i fællesskab en omfattende retrospektiv til Georges Mathieu, "Geste, Vitesse, Mouvement", den første sådan undersøgelse i over halvtreds år. 

9. Hvad er forskellen mellem lyrisk abstraktion og Tachisme — er de det samme?

Ikke helt, selvom de to er tæt forbundne, og termerne ofte bruges i flæng, hvilket skaber ægte forvirring. Tachisme (fra det franske tache, hvilket betyder plet eller skjolder) er en specifik teknik: den spontane påføring af maling i klatter, dryp og sprøjt, som opstod i Paris i slutningen af 1940'erne og blev kodificeret af kritikeren Michel Tapié i 1952. Lyrisk abstraktion er en bredere sensibilitet, der omfatter Tachisme, men ikke er begrænset til det. Du kan tænke på Tachisme som en af de metoder, lyrisk abstraktion bruger, snarere end som et synonym. Begge falder ind under den større paraply af Art Informel, den europæiske efterkrigstidens afvisning af rationelle, geometriske tilgange til maleri.

10. Hvad er forskellen mellem lyrisk abstraktion og Color Field-maling?

Disse to bevægelser deler en generation, en geografi (begge blomstrede i efterkrigstidens Amerika) og et engagement i farve som den primære bærer af følelser, hvilket er grunden til, at de ofte forveksles. Den væsentlige forskel ligger i gestusens rolle. Color Field-malere som Mark Rothko, Barnett Newman og Morris Louis bevægede sig væk fra den synlige penselstrøg mod store, omsluttende farvefelter, der udviskede kunstnerens hånd. Lyrisk abstraktion bevægede sig i den modsatte retning: gestussen, mærket, den fysiske aftryk af malerens krop er netop det, værket handler om. Helen Frankenthaler er det mest illustrative eksempel, fordi hendes soak-stain-teknik skabte atmosfæriske farvefelter, samtidig med at den forblev dybt forankret i den gestuelle proces. I praksis er grænsen mellem de to virkelig porøs, og mange malerier befinder sig trygt i begge lejre.

11. Er Joan Mitchell lyrisk abstraktion eller abstrakt ekspressionisme?

Ærligt talt begge dele, og den tvetydighed er en del af, hvad der gør hende til en så vigtig skikkelse. Mitchell blev uddannet i og fostret af Abstract Expressionist-kredsen i New York, og hun delte dens engagement i storskalamalerier med fysisk involvering. Men hendes arbejde har en lyrik, en lysstyrke og en forbindelse til landskab og naturlig sansning, som lige så meget knytter det til den lyriske tradition. Hun tilbragte det meste af sin karriere i Frankrig, hvor hun var tættere på den europæiske Abstraction Lyrique sensibilitet end til den heroiske machismo i New York-skolen. De fleste kunsthistorikere placerer hende i dag i overgangen mellem de to bevægelser, hvilket måske er den mest interessante position, en maler kan indtage.

12. Hvad er forskellen mellem "abstraction lyrique" og "lyrical abstraction"?

De deler et filosofisk DNA, men er historisk adskilte. Abstraction Lyrique er det franske udtryk, opfundet i Paris i 1947 af Jean José Marchand og Georges Mathieu, for at beskrive en europæisk strømning efter krigen, der er forankret i Art Informel, eksistentialistisk tænkning og afvisningen af geometrisk rationalisme. "Lyrical Abstraction" som en amerikansk bevægelse blev navngivet uafhængigt i 1969 af samleren Larry Aldrich som reaktion på Minimalisme og Pop Art. De to bevægelser udviklede sig stort set parallelt med begrænset gensidig opmærksomhed på det tidspunkt: det kritiske miljø i New York i 1950'erne og 60'erne var berygtet for at afvise den parisiske scene. I dag bruges termerne mere eller mindre synonymt til at beskrive den fælles sensibilitet, men når historikere bruger dem præcist, Abstraction Lyrique henviser til den europæiske efterkrigstidstrend og "Lyrical Abstraction" til den amerikanske bevægelse i slutningen af 1960'erne og 70'erne.

13. Hvordan genkender jeg lyrisk abstraktion — hvad skal jeg kigge efter i et maleri?

Nogle få kendetegn, ingen af dem afgørende alene, men overbevisende i kombination. For det første, kig efter det synlige spor af fysisk proces: penselstrøg, der registrerer hastighed eller tryk, mærker der ikke kunne være lavet med et værktøj holdt i armens længde fra lærredet, overflader der viser tegn på at være bearbejdet og genbearbejdet. For det andet, kig efter en følelse af atmosfærisk eller følelsesmæssigt rum, da lyrisk abstraktion har tendens til dybde og bevægelse frem for den flade, deklarative overflade i hard-edge maleri. For det tredje, bemærk om farven føles udtryksfuld snarere end strukturel: i lyrisk abstraktion er farve stemning, ikke arkitektur. Endelig, og mest sigende, spørg om maleriet føles som om det blev opdaget snarere end designet. Hvis svaret er ja, hvis værket synes at være kommet til sig selv gennem en proces af risiko og tilfældighed, kigger du næsten helt sikkert på lyrisk abstraktion.

14. Hvad er tilfældighedens og uheldets rolle i lyrisk abstraktion?

Central, men nuanceret. Lyrisk abstraktion tilbeder ikke tilfældigheder for deres egen skyld, for det ville blot være tilfældighed, og tilfældighed er ikke det samme som spontanitet. Det, lyriske abstraktionister værdsætter, kan kaldes "produktiv tilfældighed": øjeblikket hvor malingen gør noget, som maleren ikke helt havde til hensigt, og den utilsigtede ting genkendes som mere sand, mere levende, mere udtryksfuld end noget, planen ville have frembragt. Malerens dygtighed ligger ikke i at undgå disse øjeblikke, men i at vide, hvordan man læser dem, reagerer på dem og bevarer dem. Mathieu beskrev dette som en tilstand af "ekstatisk koncentration", der kombinerer fuld bevidsthed med ophævelse af bevidst kontrol. Frankenthaler talte om at lære at stole på malingen. Riopelle's paletkniv-mosaikker krævede konstante mikrobeslutninger som reaktion på, hvad det forrige penselstrøg havde gjort. I hvert tilfælde er tilfældighed ikke værkets ophavsmand - det er kunstneren - men tilfældighed er en uundværlig samarbejdspartner.

15. Hvad er forbindelsen mellem lyrisk abstraktion og musik?

Det ligger i navnet. "Lyrisk" kommer fra lyren, Orfeus’ instrument, roden til lyrisk poesi, idéen om kunst som sunget frem for talt. Kandinsky, hvis tidlige abstrakte værker forudså meget af, hvad lyrisk abstraktion ville blive, talte eksplicit om maleri som visuel musik: han mente, at farve og form kunne kommunikere følelser med samme direktehed som lyd og helt omgå sproget. Mange lyriske abstraktionister udviklede denne parallel bevidst. Mathieu opførte sine malerier til live jazz, og hans lærred fra 1959 Le Massacre de la Saint-Barthélemy blev malet, mens trommeslager Kenny Clarke improviserede ved siden af ham. Joan Mitchell beskrev ofte sine malerier i musikalske termer som kompositioner med rytme, tempo og stilhed. Forbindelsen er ikke blot metaforisk: både musik og lyrisk abstraktion skaber mening gennem varighed, gentagelse, variation og håndtering af spænding og frigivelse, snarere end gennem faste, læsbare billeder.

16. Hvad er forskellen mellem lyrisk abstraktion og neo-ekspressionisme?

Neo-ekspressionismen opstod i slutningen af 1970’erne og dominerede kunstmarkedet i 1980’erne med kunstnere som Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat og Julian Schnabel. Begge bevægelser værdsætter gestus, følelse og malingens fysiske tilstedeværelse, så forvirringen er forståelig. De væsentligste forskelle er figurativt indhold og kulturel temperatur. Neo-ekspressionismen bevarer næsten altid genkendelige billeder: forvrængede figurer, symbolske objekter, narrative fragmenter. Lyrisk abstraktion er konsekvent non-figurativ. Neo-ekspressionismen er også råere, mere konfronterende og mere optaget af myter, historie og kulturel traume som eksplicit emne. Lyrisk abstraktion handler mere om ren sansning, farveforhold og perceptionens psykologi. Hvis lyrisk abstraktion er jazz spillet med åbne vinduer, er neo-ekspressionismen et helt andet instrument: højere, mere teatralsk og meget interesseret i at fortælle en historie.

17. Kan lyrisk abstraktion inkludere figurative elementer?

Teknisk set nej, men i praksis er grænsen uklar og interessant. Lyrisk abstraktion er per definition non-figurativ, hvilket betyder, at den ikke skildrer genkendelige motiver. Men mange malere, der arbejder i den lyriske tradition, oplever, at gestuelle mærker, atmosfærisk farve og organiske former begynder at antyde landskab, krop eller vejr uden at kunstneren har haft det til hensigt. Joan Mitchells sene malerier svæver evigt på kanten af landskab uden nogensinde at skildre et. Riopelles mosaikker fremkalder luftbilleder af terræn. Dette er ikke en fejl ved abstraktionen: det er, hvad der sker, når maleriet er tilstrækkeligt levende og kropsligt, fordi verden siver tilbage ind. Den væsentlige skelnen er intentionen: lyrisk abstraktion starter ikke fra en figur eller et sted. Det, der dukker op uopfordret, er en del af dens ærlighed.

18. Hvad skal en samler kigge efter, når han køber lyrisk abstraktion?

Ud over de sædvanlige overvejelser om tilstand, proveniens og kunstnerens track record stiller lyrisk abstraktion nogle specifikke spørgsmål til samleren. For det første: holder overfladen til vedvarende betragning? Lyrisk abstraktion afslører sig langsomt, og et maleri, der fungerer godt på afstand, bør også belønne nærmere inspektion, hvor de fysiske spor af processen bliver synlige. For det andet: er gestussen overbevisende? Der er en forskel på et mærke lavet med ægte fysisk engagement og et, der blot optræder spontant uden egentlig at risikere noget, og med erfaring lærer øjet at mærke den forskel. For det tredje: har værket intern sammenhæng? Den bedste lyriske abstraktion er ikke kaotisk: den har en logik, der fornemmes snarere end læses, en struktur, der holder, selvom der ikke var en plan forud. Endelig, stol på din egen kropslige reaktion. Lyrisk abstraktion er skabt til at blive følt, før den forstås, og en samler, der reagerer fysisk på et værk, som mærker dets energi i kroppen, før sindet har indhentet det, oplever præcis det, maleren havde til hensigt.