Tre mestre i farven blå i nutidig kunst

Når du ser farven blå, hvad føler du så? Vil du beskrive det som noget andet end det, du føler, når du hører ordet blå, eller læser ordet blå på en side? Er den information, der formidles af en farvetone, anderledes end den information, der formidles af dens navn? Uanset hvad du føler, er det muligt, at følelsen er universel? Eller betyder farven blå forskellige ting for forskellige mennesker? Og hvad med dyr? Forbinder de farve med følelser, eller bruger de kun deres farvereceptorer til overlevelse? Disse spørgsmål har forundret farvestuderende i århundreder, og på nogle måder er vi i dag ikke nærmere at besvare dem end for hundrede år siden. Men en bog, der for nylig er udgivet af Phaidon Press, bringer os lidt tættere på en forståelse af farve, i det mindste i forhold til kunst. Skrevet af Stella Paul, tidligere kurator ved Los Angeles County Museum of Art og tidligere programleder ved Metropolitan Museum of Art i New York, fremhæver Chromaphilia: The Story of Color in Art 240 individuelle kunstværker. Ikke alene kaster hendes udtømmende udforskning af farve nyt lys over de utallige måder, hvorpå ti forskellige farvekategorier er blevet brugt af kunstnere gennem historien, den undersøger også de mange måder, hvorpå farve krydser med videnskab, følelser, æstetik og andre områder af menneskelig kultur. I dag vil vi gerne tage et dybere kig på arbejdet fra nogle af de kunstnere, Paul nævner i bogen, for at illustrere bredden og kraften i farven blå: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso og Yves Klein.

At se farve

En af de mærkelige ting ved farve er, hvor ofte to mennesker kan se på det samme objekt på samme tid og sted og alligevel hævde, at det objekt, de ser på, har en anden farve. Vi undrer os: “Hvordan kan det være? Er farve ikke objektiv?” Men det korte svar er nej. Farve er ofte subjektiv. Årsagen har noget at gøre med videnskaben bag, hvordan mennesker ser farve. Mennesker (og de fleste andre dyr, der ser farve) er trikromater. Det betyder, at receptorerne i menneskets øjne opfatter tre grundlæggende bølgelængder, der svarer til farve. Du har måske hørt om RGB-farvemodellen, som nogle printere bruger. Initialerne RGB står for Rød, Grøn og Blå. Det er den farvemodel, der bedst svarer til menneskets syn. Selvfølgelig er rød, grøn og blå ikke de eneste farver, menneskets øjne kan opfatte. Faktisk kan de fleste mennesker opfatte op til syv millioner forskellige nuancer. Men hver af disse forskellige nuancer fortolkes i hjernen, efter at øjnene først har opfattet den som en kombination af rød, grøn og blå.

Derudover har den farve, vi opfatter et objekt som, ikke kun at gøre med objektet selv. Ja, vi kunne analysere det materiale, et objekt er lavet af, og nå til en forståelse af, hvilken farve det materiale sandsynligvis har baseret på dets kemiske sammensætning. Men den kemiske sammensætning af et stof er ikke den eneste faktor, der spiller ind på, hvilken farve vi opfatter det som. Årsagen til, at mennesker overhovedet kan opfatte farve, er lys. Og lys kan også være farvet, hvilket kan ændre den farve, vores øjne ser, når de kigger på en overflade. Desuden kan et sæt øjne også være mere følsomt, eller bare anderledes følsomt, over for lys end et andet sæt øjne, hvilket får to hjerner til at fortolke farve forskelligt. Grundlæggende kan det samme, der gør det muligt for os at se farve, også ændre vores opfattelse af farve. Derfor kan det nogle gange virke subjektivt at tale om farve, og at diskutere, hvilken farve noget har, kan virke direkte tåbeligt.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, akryl på lærred, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Farven blå

Ikke desto mindre varierer de forskelle, folk ser, når de kigger på noget, der har en bestemt farve, normalt ikke så dramatisk som for eksempel, at én person ser rød og en anden ser blå. Normalt er variationen mere subtil, som at én person ser himmelblå og en anden ser akvamarin. Men det, der kan variere meget, er det spektrum af andre ting, vores hjerner opfatter, når vi ser på en bestemt farve, ud over dens fysiske egenskaber. Som åbningssætningen i kapitlet om farven blå i Chromaphilia: The Story of Color in Art bemærker: “Der findes mange slags blå – alle samme nuance, men med uendelige variationer i udseende, virkning, oprindelse og betydning.”

Udseendet har vi allerede dækket. Men det sjove begynder virkelig, når vi overvejer “virkning, oprindelse og betydning.” Hvad angår virkning, kan én person se farven blå og blive rolig. En anden kan blive trist ved synet af noget blåt. Meget af, hvordan vi reagerer på farve, har at gøre med vores tidligere erfaringer med farven. Oprindelse er en anden fascinerende betragtning, da hver variation af farven blå stammer fra en grundlæggende forskellig blanding af elementer. Variationer i blå malingspigmenter kan komme fra forskellige kombinationer af bindemidler og mineraler. Variationer i blåt lys kan have at gøre med forskellige partikler i luften. Og hvad angår betydning, bliver det virkelig kompliceret. Hver enkelt person, hver gruppe og hver kultur udvikler sit eget særprægede forhold til farven blå. Derfor er der bogstaveligt talt ingen måde at forudsige, hvilken slags betydning der vil blive opfattet, når et kunstværk med farven blå endelig ses. For at udforske, hvor vilde variationerne i opfattelsen af blå kan være i kunsten, kan man overveje arbejdet fra de tre kunstnere, der nævnes i Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler og Picasso.

Pablo Picasso - Mor og barn, 1902, olie på lærred

Blå i Yves Kleins værker

Når det gælder 1900-tallets kunst og farven blå, er der ingen kunstner, der springer hurtigere til de flestes tanker end Yves Klein. Legenden siger, at da Klein var ung, hængte han ud på stranden med sine venner, kunstneren Arman og den franske komponist Claude Pascal. De tre delte verden imellem sig. Arman valgte jorden. Pascal valgte skrevne symboler. Og Klein valgte himlen, hvorefter han straks rakte hånden op og skrev sit navn i luften. Fra det øjeblik blev farve vigtig for Klein. En af hans tidligste udstillinger viste monokromatiske lærreder malet i forskellige rene farver. Men da publikum ikke forstod, hvad han prøvede at udtrykke, indså han, at han måtte forenkle og kun bruge én farve for at få sit budskab igennem. Han gik derfor i gang med at udvikle sin egen signaturfarve.

Som Stella Paul forklarer i Chromaphilia: The Story of Color in Art: “[Klein] arbejdede sammen med Edouard Adam, en farvehandler i Paris, som konsulterede kemikere hos Rhone-Poulenc, for at skabe et syntetisk bindemiddel... Resultatet var Rhodopas M60A, som kunne fortyndes til forskellige viskositetsniveauer med ethanol og ethylacetat. Dette bindemiddel bevarer pigmentets magiske glød...Klein bestilte sin egen specialfremstillede syntetiske maling med dette nye bindemiddel, som han patenterede som IKB (International Klein Blue); fra 1957 brugte han næsten udelukkende dette pigment.” Klein brugte International Klein Blue til at skabe sine ikoniske monokromatiske blå lærreder og flere monumentale offentlige installationer. Han brugte det også til at skabe nogle af sine mest indflydelsesrige værker: performance-stykker, hvor nøgne modeller dækkede sig selv i IKB og derefter pressede deres kroppe i forskellige konfigurationer mod lærreder.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Blå i Helen Frankenthalers værker

Den abstrakte maler Helen Frankenthaler var en anden mesterlig fortaler for farven blå i det 20. århundrede. Frankenthaler opfandt en maleteknik kaldet soak-stain. Teknikken går ud på at hælde maling direkte på overfladen af ugrundet, ikke-opspændt lærred, der ligger på gulvet, og lade malingen trænge ind i fibrene og sprede sig over overfladen af sig selv. Frankenthaler udførte oprindeligt denne teknik med oliemaling, men lærte hurtigt, at oliemaling nedbryder råt lærred. Hun blev derfor en tidlig fortaler for akrylmaling, som ikke har samme nedbrydende effekt på lærred. Hvad akrylmaling dog har, er levende, lysende egenskaber, når det gælder farvetone. Ved at hælde forskellige rene nuancer direkte på sine lærreder kunne Frankenthaler styre malingens strømme på måder, der udforskede farveforhold på nye måder, uden konceptuel indblanding fra elementer som linje, form, struktur eller skikkelse.

I Chromaphilia: The Story of Color in Art giver Stella Paul særlig opmærksomhed til maleriet Mountains and Sea, som Helen Frankenthaler malede i 1952. Det anses for at være det første lærred, Frankenthaler skabte med sin soak-stain teknik. Paul siger om værket: “Efter at være vendt tilbage til sit studie i New York fra et ophold i Nova Scotia, mindedes Frankenthaler senere, at hun havde internaliseret det canadiske landskab, som ikke kun var indlejret i hendes sind, men også i hendes skulder og håndled. Med denne baggrund af sind og krop skabte hun en lyrisk, pastoral abstraktion for at fremkalde et minde om et sted gennem farve.” Frankenthaler opfattede processen med at hælde malingen som en måde at oversætte noget, der var internaliseret i hendes krop, til noget, der blev eksternt på lærredet. Maleriet bruger næsten udelukkende nuancer af rød, grøn og blå, hvor de forskellige blå nuancer står mest frem som en abstrakt, snarere end figurativ, fremstilling af havet.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blå i Picassos værker

Farve var af allerstørste betydning for Pablo Picasso, især i de tidlige faser af hans karriere som kunstner. Ofte klassificeres hans arbejde fra denne tid efter farve, som i hans Rosetid og hans Blåtidsperiode. Disse klassifikationer har selvfølgelig noget at gøre med de dominerende pigmenter, han brugte i sine malerier på det tidspunkt, men de relaterer sig også til omstændighederne i hans personlige liv, som angiveligt påvirkede det motiv, han valgte at skildre med disse forskellige nuancer. Hans Rosetid, for eksempel, strakte sig omtrent fra 1904 til 1906. Den faldt sammen med begyndelsen på hans forhold til hans elskerinde Fernande Olivier og hans flytning til Montmartre-området i Paris. Hans arbejde fra Rosetiden bestod af glade billeder af ting som harlekinere og cirkus. Det var i slutningen af hans Rosetid, at Picasso malede sit banebrydende værk, det rosa-tonede Les Demoiselles d’Avignon, som ofte nævnes som forløberen for kubismen.

Picassos Blåtidsperiode gik forud for hans Rosetid og strakte sig omtrent fra 1901 til 1904. Det var en tid i hans liv præget af bevidsthed om depression og sorg. Picasso sagde engang: “Jeg begyndte at male i blå, da jeg fik kendskab til Casagemas’ død.” Bemærkningen henviser til hans kære ven Carlos Casagemas, som skød sig selv i hovedet på en café i Paris, mens Picasso var ude af byen. Da Picasso vendte tilbage til Paris, boede og arbejdede han i Casagemas’ atelier, hvor han begyndte at male næsten monokromatiske kompositioner i blå. Som Stella Paul påpeger i Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Den gennemtrængende blå i The Old Guitarist er den materielle udtryk for noget trist, marginaliseret og udstødt. En skumringsstemning af nedtrykthed kastes over motivets unaturligt blåfarvede hud, hans klæder og det omgivende rum. De kantede bevægelser og udstrakte lemmer og træk hos denne nedtrykte, blinde musiker forstærker de indtryk, som den insisterende blå farve skaber.” Men som vi kan se ud fra disse tre eksempler, Yves Klein, Helen Frankenthaler og Pablo Picasso, kommunikerer blå ikke altid sorg, ligesom den ikke altid henviser til himlen eller havet. Det potentielle spektrum af nuancer, vi mener, når vi siger blå, synes uendeligt. Ligeledes er det potentielle spektrum af følelser, stemninger, sammenhænge og betydninger, vi kan fremkalde fra farven, lige så stort.

Pablo Picasso - Morgenmad for en blind mand, 1903, olie på lærred

Forsidebillede: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960, foto © Yves Klein Archive
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio