Artikel: Geometrisk Abstraktion: IKKE Endnu en Heroisk Fortælling om Malevich og Mondrian
Geometrisk Abstraktion: IKKE Endnu en Heroisk Fortælling om Malevich og Mondrian
Hvorfor lige linjer stadig betyder noget
Geometrisk abstraktion er en af de kunsthistorier, alle tror, de kender. Et par firkanter af Malevich, en Mondrian i primærfarver, noget Op Art, der gør ondt i øjnene, og så slutter historien angiveligt. I de fleste museumsforklaringer og generelle bøger fremstår den som en lineær, heroisk og noget streng fortælling: en lille gruppe pionerer laver en række gennembrud, hvor hvert enkelt fører pænt til det næste, indtil kapitlet lukkes.
Alligevel antyder vedholdenheden af lige linjer, gitterstrukturer og kodede strukturer i samtidsmaleri, skulptur og digitalt arbejde noget andet. Geometri er ikke et lukket kapitel; det er et levende sprog, som kunstnere bliver ved med at genlære, udfordre og bøje til nye formål. I stedet for at genfortælle den lineære heroiske fortælling følger denne artikel et sæt spændinger, der løber gennem geometrisk abstraktion fra det tidlige 20. århundrede til i dag: åndeligt vs. rationelt, utopisk vs. ironisk, hånd vs. kode.
(Og for jer, der udelukkende er her for den grundlæggende, og lad os være ærlige, noget kedelige historie om Geometrisk Abstraktion, er I velkomne til at scrolle direkte til FAQ'en nederst på denne side: den dækker lærebogsudgaven perfekt!)
Åndelige firkanter og ikke-objektiv tro
I begyndelsen af det 20. århundrede var geometri ikke det rene, sekulære designværktøj, vi tænker på i dag. Det var dybt mærkeligt. For kunstnere som Wassily Kandinsky og Kazimir Malevich var geometri et redskab for det okkulte. Stærkt påvirket af Teosofi og idéen om, at "tankeformer" kunne være synlige, så de trekanten og cirklen ikke som former, men som kondenserede dramaer af kræfter.
Da Malevich malede sit Black Square, var det ikke en formalistisk øvelse; han kaldte det en "bar, rammeløs ikon" for en ny religion. Engagementet var totalt: da han døde i 1935, blev et Black Square monteret på motorhjelmen af lastbilen, der bar hans kiste, som et regimentflag. Denne linje, hvor den hårde kant tjener den bløde ånd, fortsætter. Det handler ikke om matematik; det handler om åndedræt.
C63 af Elizabeth Gourlay (2022)
Vi ser denne arv i værkerne af den afdøde Elizabeth Gourlay (1961–2024). Hendes praksis handlede aldrig om linjens stivhed, men om dens resonans. Ligesom de tidlige pionerer, der søgte en visuel musik, fungerede Gourlays kompositioner som partiturer. Men hvor Malevich søgte et radikalt nulpunkt, fandt Gourlay en meditativ akkumulering, hvor hun brugte subtile farve- og toneforskydninger til at skabe en geometri, der føltes vokset snarere end bygget, en "graf over en sindstilstand" snarere end en blueprint.
Utopier i primærfarver og Concrete Art
En anden tro opstod med De Stijl og konstruktivismen, og senere med Concrete Art. Her var gitteret ikke et vindue til sjælen, men en model for et bedre samfund. Det afgørende øjeblik kom, da Theo van Doesburg udgav sit Manifest for Concrete Art i 1930, hvor han erklærede, at "intet er mere virkeligt end en linje, en farve, en flade." Ideen var radikal: et abstrakt maleri abstraherer fra virkeligheden (som et forenklet træ), men et konkret maleri er sin egen virkelighed. Det lyver ikke.
Denne søgen efter en kunst af absolut klarhed, fri for følelsers rod, skabte en særlig form for stille intensitet. Denne atmosfære er håndgribelig på Musée d’Art Concret i Mouans-Sartoux, et sted som vi hos IdeelArt ofte besøger. Det minder os om, at denne specifikke form for abstraktion tilbyder en fysisk oplevelse af fred, et tilflugtssted for logik i en kaotisk verden.
XXIV 33 212 (Diptych) by Pierre Muckenstürm (2024)
Den følelse af "konkret" stabilitet er central for Pierre Muckensturm. Han forsøger ikke at udtrykke en flygtig følelse; han konstruerer et objekt. Ved at organisere sine lærreder omkring omhyggeligt kalibrerede intervaller og vægte skaber han en stilhed, der føles uundgåelig. Det er en moderne fortsættelse af det Konkrete løfte: at et perfekt afbalanceret billede måske kan fremkalde et afbalanceret sind.
Gitteret, byen og tegnet
Som århundredet skred frem, gik gitteret fra en utopisk plan til noget mere ambivalent. Det begyndte at ligne tremmerne i et fængsel eller layoutet af et regneark. I 1980'erne genfortolkede Neo-Geo-bevægelsen, ledet af kunstnere som Peter Halley, firkanten ikke som et spirituelt tomrum, men som en "celle" — med reference til både biologiske celler og fængselsceller, forbundet af "ledningerne" i moderne infrastruktur.
Large Test Pattern 3 af Tom McGlynn (2002)
Den geometriske kunstner i dag fungerer ofte som en afkoder af dette urbane landskab. Vi er omgivet af instruktionsgrafik, metro-kort og advarselsskilte. Tom McGlynn opererer i dette sprog. Han behandler byens visuelle støj - butiksvinduer, skilte, logoer - som rådata og fjerner den kommercielle besked for kun at efterlade den skeletale syntaks i det urbane miljø.
Enchantment Hurdu af Philippe Halaburda (2020)
På samme måde kortlægger Philippe Halaburda en anden slags territorium. Hans "psychogeographies" ligner febrilske transitkort eller eksploderede kredsløbskort, der fanger de usynlige strømme af data og bevægelse, som definerer vores liv. Hvor Mondrian malede boogie-woogie på New Yorks gitter, maler samtidskunstnere overbelastningen af serverfarme.
Perception: Når øjet fejler
Hvis tidlig abstraktion var seriøs, bragte midten af århundredet et "hack" til det menneskelige operativsystem: Op Art. Da MoMA åbnede udstillingen "The Responsive Eye" i 1965, var reaktionen kropslig: nogle besøgende besvimede faktisk eller rapporterede kvalme! Kunstværket sad ikke bare der; det gjorde noget ved dig. Kunstnere som Bridget Riley beviste, at en statisk overflade kunne skabe bevægelse, ikke gennem magi, men gennem synets fysiologi.
Mareas af Christina Ghetti (2024)
Samtidskunstnere er bevæget sig væk fra det aggressive "angreb" på nethinden mod mere subtile vibrationer. Cristina Ghetti bruger moiré-effekten, interferensmønstrene skabt af overlappende gitter, men sænker tempoet. I stedet for 60'ernes svimmelhed tilbyder hendes værk en taktil summen, en visuel frekvens, der inviterer beskueren til at justere deres fokus. Det handler mindre om at narre øjet end om at teste dets grænser og skabe et rum, hvor den digitale fejl møder det malede lærred.
Geometriske Harmonier: Algoritmen Før Computeren
Længe før generativ AI brugte geometriske kunstnere algoritmer. Sol LeWitt skrev berømt: "Idéen bliver en maskine, der laver kunsten." Kunstnerens opgave var at skrive koden (reglerne); udførelsen var sekundær. Dette forbinder til Oulipo-gruppen i litteraturen: forfattere, der mente, at strenge begrænsninger (som at skrive en roman uden bogstavet 'e') tvang til større kreativitet.
Dawn Light Skew 2 af Debra Ramsay (2023)
I dag er denne "algoritmiske" tilgang standard, uanset om computeren er involveret eller ej. Debra Ramsay fungerer som en menneskelig dataregistrator. Hun følger ændringer i naturlige miljøer - de skiftende farver på et bestemt træ over et år - og oversætter disse data til strenge systemer af linjer. Resultatet er et maleri, der ser abstrakt ud, men faktisk er et specifikt datasæt af tid og lys.
Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) af Jasper van der Graaf (2023)
Vi ser en lignende strenghed i Jasper van der Graaf, hvis værk dekonstruerer selve begrebet mønster. Ved at flytte og genkombinere geometriske moduler skaber han en visuel rytme, der føles som et sprog, vi næsten forstår. Det er systemets skønhed: tilfredsstillelsen ved at se matematikken gå op, selvom ligningen forbliver skjult.
Strenghed og Drilleri: At Bryde Gitteret
Der er en misforståelse om, at geometrisk kunst er humorforladt. Men der er en lang tradition for "eksentrisk abstraktion." Tænk på François Morellet, som bestemte kurverne i sine malerier ved hjælp af cifrene i Pi, eller Heimo Zobernig, som bruger gitteret med en bevidst, ironisk sjuskethed. Geometri kan være et spil, en måde at opstille en regel blot for fornøjelsens skyld at bryde den.
12 Shapes af Dana Gordon (2024)
Dana Gordon Dana Gordon opererer i denne zone af organiseret overflod. Hans malerier er opbygget af tætte, rytmiske klynger af former, der antyder et gitter uden at være fanget af det. Det er en form for geometrisk improvisation—meget lig jazz—hvor strukturen giver en takt, men farven og mærkningen er fri til at improvisere og vandre. Resultatet er en "løs geometri", der føles levende og konsekvent legesyg frem for kalkuleret.
Red Frames af Daniel Göttin (2019, Amsterdam, Permanent Installation)
I det tredimensionelle rige tager Daniel Göttin denne legende tilgang ind i den virkelige verden. Han bruger industrielle materialer, tape, træ, metal til at intervenere i arkitektoniske rum. Han følger strenge regler, men resultatet bestemmes af rummets uregelmæssigheder: en ventil, et hjørne, et vindue. Det er en dialog mellem det platoniske ideal af kvadratet og den rodede virkelighed af udstillingsvæggen.
Udover Den Flade Overflade: Voldsom Geometri
"Det du ser, er hvad du ser," sagde Frank Stella og insisterede på, at et maleri bare er et objekt, ikke et vindue. Dette fik kunstnere til helt at bryde rektanglet. Den samtidskunstner Angela de la Cruz tager berømt den geometriske monokrom og bryder strammerstængerne, krøller maleriet til et skulpturelt vrag.
Bulge af Holly Miller (2007)
Selvom mindre voldelige, er mange kunstnere i dag lige så engagerede i ideen om, at geometri må undslippe det flade plan. Holly Miller erstatter den malede linje med fysisk tråd, der sys direkte gennem lærredet. "Linjen" er ikke længere en repræsentation; det er en fysisk spænding, der kaster en rigtig skygge.
Brand New Day af Tom Henderson (2018)
På samme måde bevæger Tom Henderson sig ind i det industrielle finish-rige ved at bruge Plexiglas og olie til at skabe vægskulpturer, der fanger lys og refleksion, og som ændrer sig, når beskueren bevæger sig. Og Louise Blyton udfordrer de standard fire hjørner i maleriet med sine formede lærreder og rå hør, og blødgør den hårde kant gennem teksturen af naturligt materiale. De minder os om, at geometri ikke bare er et mentalt koncept; det er en ting i verden med vægt, tekstur og konsekvens.
Inside and Outside af Louise Blyton (2020)
Konklusion: At Leve Med Systemer
Vi lever omgivet af geometrier, vi ikke har valgt: byplaner, grænseflader, logistiske netværk. Geometrisk abstraktion spejler ikke blot disse systemer; det tilbyder et rum til at undersøge dem, bremse dem eller forestille sig alternativer.
Uanset om det er gennem de meditative partiture af Elizabeth Gourlay eller den urbane afkodning af Tom McGlynn, beviser disse kunstnere, at geometri ikke er et bur. Det er et sprog. Og udfordringen nu er ikke at gentage kanonen, men at se, hvordan disse former stadig kan tale i en verden, hvor geometri er blevet både vores habitat og vores begrænsning.
