De Mest Berømte Pablo Picasso Malerier (Og Nogle Abstrakte Arvinger)

Det er ikke en simpel opgave at kvantificere de mest berømte Pablo Picasso malerier. Pablo Picasso (ellers kendt under sit fulde dåbsnavn, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) er opført i Guinness Rekordbog som historiens mest produktive professionelle maler. Han skabte mellem 1.300 og 1.900 malerier mellem tiden for sine første kunstklasser som 7-årig og sin død som 91-årig. Det mest bemærkelsesværdige er dog ikke antallet af Picassos malerier, men hvor mange der betragtes som mesterværker. I erkendelse af, at ingen Picasso top-liste kan være ukontroversiel, inkluderer vores ydmyge forsøg berømte værker fra hver af hans mange faser, der kaster lys over hele hans imponerende karriere.

Og vi besluttede at tilføje et strejf af kompleksitet til opgaven: Picasso var for det meste en figurativ maler. Han malede mennesker, tyre, guitarer og krige. Alligevel lagde hans radikale innovationer det direkte grundlag for den abstrakte kunst, der fulgte. I denne artikel søger vi at udforske denne arv ved at parre hvert af hans ikoniske mesterværker med et "Contemporary Echo", en abstrakt kunstner fra IdeelArt's roster, hvis arbejde resonerer med den specifikke ånd, teknik, komposition eller følelsesmæssige vægt i Picassos original. Selvom det at forbinde et portræt af en teenager fra 1905 med et abstrakt maleri fra 2026 er en øvelse i fortolkning snarere end direkte efterfølgelse, mener vi, at disse parringer afslører en fascinerende dialog mellem historien om moderne kunst og dens levende, åndende fremtid.

Den Blå Periode (1901 - 1904) 

Denne æra er opkaldt efter de blå nuancer, der er fremherskende i så mange af Picassos malerier fra tiden. Picasso selv tilskrev sit valg om kun at male i blå farver til den depression, han følte efter sin ven Carlos Casagemas' død, som skød sig selv i hovedet på en café i Paris. Et af de mest elskede værker fra denne periode er The Old Guitarist (1903). Det skildrer en ældre, udmagret mand i flosset tøj, der sidder sammenkrøbet over sin guitar på gaderne i Barcelona.

Pablo Picasso - Den Gamle Guitarist, 1903. The Art Institute of Chicago. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette maleri er mere end et portræt af fattigdom; det er en dyb meditation over kunstens trøst. Figurs forlængede lemmer og kantede holdning afslører Picassos dybe studie af den spanske mester El Greco, der forbinder moderne lidelse med kunsthistorisk tradition. Guitaren, det eneste element i maleriet, der bevæger sig lidt væk fra den gennemtrængende blå, symboliserer kunsten som en livline, en kilde til varme og overlevelse i en kold verden.

Picasso var ikke en abstrakt kunstner, men hans Blå Periode bygger på et princip, der definerer abstraktion: at farve i sig selv er en følelse. Han brugte blå til at skabe en atmosfære af stilhed og introspektion.

I dag tager den skotske kunstner Eric Cruikshank den logik til sin absolutte konklusion. Hvor Picasso stolede på figuren af tiggeren for at formidle sorg, spørger Cruikshank, om farve alene er nok til at bære vægten af følelsen. Ved at bruge en streng, subtraktiv proces til at fjerne sine egne penselstrøg skaber Cruikshank "slør" af atmosfærisk farve, der ligesom Picassos blå fanger det flygtige minde om en følelse snarere end et bogstaveligt billede af verden. Han beviser, at man ikke behøver en guitar for at male en sang.

Eric Cruikshank - P076, 2024

Den Rosa (Pink) Periode (1904 – 1906) 

I 1904 forelskede Picasso sig i Fernande Olivier og ændrede retningen for sin stil på to dybtgående måder. For det første, i en overgang fra sorg til romantik, stoppede han med at male i blå nuancer og skiftede til nuancer af pink, orange og jordfarver. For det andet bevægede han sig væk fra omhyggelige gengivelser af den menneskelige form mod mere stiliserede menneskelige skildringer. Det mest berømte eksempel fra denne periode er Dreng med en pibe.

Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Dreng med en pibe), 1905. Helen Birch Bartlett Memorial Collection. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Motivet er "P’tit Louis," en lokal teenagevandrer, der ofte besøgte Picassos atelier i Montmartre. Selvom maleriet bevarer en følelse af melankoli, signalerer kransen af roser og den blomstrede baggrund et farvel til fortvivlelsen fra den Blå Periode. Drengens blik er distanceret, næsten mystisk, og piben, han holder, placeret mærkeligt i hånden, fungerer som et symbol på boheme-liv og introspektion. Dette værk markerer et afgørende øjeblik, hvor Picasso begynder at prioritere stemning og lyrik over streng realisme og skaber et billede af ungdommelig skrøbelighed, der er både tidløst og hjemsøgte.

I sin Roseperiode bevægede Picasso sig ud over simpel repræsentation for at fange en stemning—en følelse af skrøbelighed og poesi, der eksisterede mellem motivet og beskueren.

I dag forfølger Paris-baserede kunstner Macha Poynder en lignende poetisk ambition gennem abstraktion. Påvirket af filosofien om, at "farver er lyde," bygger hun kompositioner, der fungerer som visuelle akkorder. Ligesom Picasso brugte farven rosa til at skifte den følelsesmæssige tone i sit arbejde fra fortvivlelse til skrøbelig varme, bruger Poynder lagdelte farvevaske og lyriske, kalligrafiske linjer til at skabe "vinduer, hvor det synlige og usynlige mødes." Hendes arbejde beviser, at det "poetiske" i kunst ikke handler om motivet, men om resonansen i selve overfladen.

Macha Poynder  - Vi er alle Phoenixer, selvom vi ikke ved det - 2020

Afrikansk Periode (1907 – 1909) 

Påvirket af iberiske skulpturer og afrikanske masker frigjorde Picasso sig helt fra traditionel perspektiv. Samtidig blev han inspireret af fladheden i de senere værker af Paul Cézanne, som døde i 1906. I denne tid med hurtig eksperimenteren reducerede Picasso markant det visuelle sprog i sine malerier og bevægede sig mere og mere mod abstraktion. Det mest betydningsfulde maleri fra denne periode er Les Demoiselles d'Avignon, som betragtes som proto-kubistisk, da det indeholder alle de væsentlige elementer, der senere skulle definere denne stil.

Maleri viser fem nøgne kvinder i et bordel, deres kroppe brudt op i skarpe, takkede flader, der synes at skære gennem det rum, de bebor. 

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette var ikke bare en ny stil; det var en aggressiv handling mod den "høflige" kunst fra fortiden. De to figurer til højre bærer maske-lignende ansigter, der er skræmmende fremmede for den vestlige skønhedskanon. Ved at fusionere figuren med baggrunden og vise flere synspunkter samtidigt malede Picasso ikke bare en scene, han nedbrød den måde, vi ser virkeligheden på. Denne radikale dekonstruktion lagde det direkte grundlag for kubismen.

Den amerikanske maler Susan Cantrick er en nutidig arving til denne intellektuelle arv. Hendes arbejde anvender det, som kritikere har kaldt "midlerne fra en kubist, der dekomponerer og genskaber rum." Ligesom Picasso forener hun hårdt afgrænsede arkitektoniske strukturer med flydende, gestiske mærker og skaber et "hybrid" visuelt sprog. Men hvor Picasso brød den menneskelige krop op, bryder Cantrick selve opfattelsesakten op ved at nedbryde lærredet i "digitale og analoge" lag for at afsløre den komplekse, fragmenterede måde, vi behandler information på i den moderne verden.

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©kunstneren

Kubisme & Collage (1908 – 1912) 

Udover at opfinde Kubisme, som brød med renæssancens tradition for ét-punktsperspektiv, Picasso og hans samtidige Georges Braque begyndte samtidig at eksperimentere med at tilføje "virkelighedens" affald til deres lærreder. Dette træk udfordrede selve definitionen af, hvad et maleri kunne være. Et af de mest berømte værker fra denne æra er Stilleben med stoleryg (1912). 

Pablo Picasso - Stilleben med stoleryg, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette lille, ovalformede værk betragtes bredt som den første fine-art collage. Picasso limede et stykke olieklæde med et mønster af stoleryg direkte på lærredet og indrammede det med et stykke reb. Ved at inkorporere masseproducerede, industrielle materialer i en "højkunst"-komposition udviskede Picasso grænsen mellem kunst og objekt, virkelighed og illusion. Det var et konceptuelt spring, der åbnede døren for alt fra dadaisme til popkunst og beviste, at materialerne fra gaden hørte hjemme på museet.

Picassos introduktion af reb og olieklæde beviste, at maleri ikke behøvede at være fladt. Det kunne være en fysisk konstruktion lavet af selve verden.

Den britiske kunstner Anthony Frost fører denne arv videre med en visceral energi. I stedet for at male illusioner af tekstur bygger han sine overflader med råmaterialer fra sit kystmiljø—sejlstof, frugtnet, jute og pimpsten. Ligesom Picasso brugte reb til at indramme sin komposition, bruger Frost industrielt net og gummi til at skabe reliefagtige lag, der stikker ud fra lærredet. Hans arbejde er en direkte efterkommer af kollagerevolutionen: en påmindelse om, at kunst ikke bare er et billede at se på, men et fysisk objekt, der skal opleves.

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©kunstneren

Neo-klassicisme (1918 - 1928) 

I 1918, kort før afslutningen af Første Verdenskrig, giftede Picasso sig med sin første kone, Olga Khokhlova, en ballerina fra Ballets Russes. Efterkrigstiden bragte en "Return to Order" på tværs af kunsten i Europa, og Picasso fulgte trop ved midlertidigt at bevæge sig væk fra kubismens fragmentering mod en monumental, skulpturel stil inspireret af den franske mester Ingres.

Et perfekt eksempel er Portrait of Olga in an Armchair (1918).

Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Portræt af Olga i en lænestol), 1918. Musée Picasso Paris, Paris, Frankrig. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette maleri er en mesterklasse i spænding. Picasso gengiver Olgas ansigt med fotografisk, porcelænsagtig præcision og følger strenge klassiske regler. Dog efterlader han resten af lærredet i en tilstand af bevidst "non-finito" (ufærdig). Lænestolen er et fladt grafisk mønster, og kjolen opløses i en rå, lineær skitse mod den tomme baggrund. Ved at sætte ekstrem realisme op mod det bare lærred hævder Picasso, at et maleri ikke er et vindue til virkeligheden, men en konstrueret overflade, hvor det færdige og det ufærdige kan sameksistere.

I dette portræt demonstrerede Picasso, at et tomt rum ikke er "intet": det er et aktivt designelement. Han brugte den rå linje til at definere kjolens volumen uden at udfylde den.

Den franske kunstner Marie de Lignerolles bygger sin praksis omkring dette præcise princip. Hendes arbejde udforsker begreberne "modform" og "tomrum," og behandler det tomme rum som en "tilstedeværelse i fravær." Ligesom Picasso’s behandling af Olgas kjole bruger de Lignerolles linjen som et primært strukturelt værktøj, hvor papirets hvide får lige så stor vægt som farven. Hun beviser, at i kunsten er det, du udelader, ofte lige så vigtigt som det, du tilføjer.

Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©kunstneren

Surrealisme (1928 - 1948) 

I slutningen af 1920’erne og begyndelsen af 30’erne, påvirket af den surrealistiske bevægelse og hans passionerede affære med Marie-Thérèse Walter, begyndte Picasso at forvride den menneskelige figur på radikalt nye måder. Denne æra producerede nogle af hans mest sanselige og psykologisk ladede værker.

To nøgleeksempler fra denne periode er Figures at the Seaside (1931) og The Dream (1932) (se headerbilledet).

Pablo Picasso - Figures at the Seaside, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

I Figures at the Seaside er to figurer låst i et kys reduceret til glatte, biomorfe former, der mere ligner vejrslidte sten eller knogler end menneskelig anatomi. Det er en grotesk, men alligevel øm skildring af begær, der fjerner det bogstavelige for at afsløre en psykologisk sandhed. På samme måde portrætterer The Dream Marie-Thérèse i en tilstand af erotisk drømmeri, hendes ansigt delt af en fallisk profil, hendes krop gengivet i bløde, buede linjer, der ekkoer det underbevidstes flydende natur. Sammen viser disse værker Picassos mesterskab i biomorfisme, hvor kroppen forvandles til et landskab af mærkelige, bløde former for at udtrykke drømmenes og begærets skjulte verden.

Picasso brugte disse surrealistiske, organiske former til at vise, hvordan det underbevidste sind forvrænger virkeligheden og forvandler den menneskelige form til noget flydende og cellulært.

Den samtidskunstner Daniela Marin udforsker det samme "indre landskab." Hendes malerier er levende med "livlige, protozoiske former" og loopende figurer, der spejler de organiske, biologiske kurver i Picassos surrealistiske figurer. Ved at balancere spænding med naturlig harmoni antyder Marin en verden, hvor mikroskopisk liv og menneskelig følelse flettes sammen og viderefører den surrealistiske tradition med at kigge indad for at finde naturens former. 

Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©kunstneren

Guernica (1937) 

Fra 1936 til 1939 var Spanien i en borgerkrigstilstand mellem nationalistiske og republikanske styrker. Nationalisterne var allieret med fascistiske magter i Tyskland og Italien. I foråret 1937 bombede tyske og italienske fly den baskiske landsby Guernica på anmodning af de spanske nationalister. Dette var første gang, at et moderne luftvåben angreb en ubevæbnet civilbefolkning. Tidligere samme år havde de spanske republikanere bestilt Picasso til at male et vægmaleri til Verdensudstillingen i Paris i 1937. Det værk, Picasso skabte til udstillingen, var en reaktion på bombningen: det var Guernica.

Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Bredt anerkendt som Picassos mesterværk, skildrer Guernica en mareridtsagtig scene med forvredne kroppe og skrigende dyr midt i byruiner. Æstetisk blander det kubismens fragmentering med surrealismens mareridtslogik. Ved at begrænse sin palet til skarpt sort, hvidt og gråt, fremkaldte Picasso den rå umiddelbarhed fra avisfotografi og udviskede grænsen mellem billedkunst og journalistik. Det forbliver det ultimative anti-krigsudsagn, bevis på at kunst kan være et våben mod brutalitet.

Picasso malede Guernica for at sikre, at verden ikke kunne vende blikket væk fra en massakre. Han beviste, at kunstneren har en moralsk pligt til at være vidne til ødelæggelse.

Den tyske kunstner Reiner Heidorn bærer denne arv af "visuel vidnesbyrd" ind i det 21. århundrede, men hans fokus skifter fra krigens ødelæggelse til planetens ødelæggelse. Ved hjælp af sin signaturteknik "Dissolutio" skaber Heidorn massive, immersive oliemalerier, der tager fat på klimaforandringer og det opløsende forhold mellem menneskeheden og naturen. Ligesom Picasso brugte murformatet til at konfrontere beskueren med sin tids vold, bruger Heidorn skala og intense, opløsende teksturer til at konfrontere os med vores "økologiske vold", og kræver, at vi ikke vender blikket bort fra naturens forsvinden.

Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©kunstneren

Efter 2. verdenskrig

Indtil sin død i 1973 fortsatte Picasso med at lave kunst og vendte ofte tilbage til de metoder og stilarter, han havde udforsket tidligere i sit liv. Efter Anden Verdenskrig flyttede Picasso til det sydlige Frankrig og gik ind i sin sidste, produktive fase. Han var blevet verdens mest berømte levende kunstner og fik bestillinger på alt fra store offentlige værker til almindelige husholdningsartikler. I 1953 mødte han kvinden, der skulle blive hans anden kone, Jacqueline Roque. Picasso var 72 på det tidspunkt; Jacqueline var 27. Han malede hende mere end nogen anden kvinde i sit liv: over 400 gange på bare 20 år. Et slående eksempel på denne besættelse er Jacqueline med blomster (1954).

Pablo Picasso - Jacqueline med blomster, 1954. Musée Picasso, Paris, Frankrig. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

I dette portræt opgiver Picasso de bløde kurver fra sine tidligere elskerinder til fordel for en stiv, hieratisk stil. Jacqueline er afbildet med en forlænget hals og brede, stirrende øjne (hendes signaturtræk), der minder om en moderne Sfinks. Malingen påføres med en ny følelse af hast og hastighed, hvilket varsler den rå, "udviklingsløse" stil fra hans sidste år. På det tidspunkt afviste kritikere disse sene værker som kruseduller fra en senil gammel mand; i dag anerkendes de som forløbere for Neo-Expressionismen, fejret for deres vildskab og frihed.

I sine portrætter af Jacqueline stoppede Picasso med at forsøge at være "perfekt." Han malede med en rå, grafisk hastighed og prioriterede det umiddelbare indtryk af billedet over raffineret teknik.

Samtidskunstner Tommaso Fattovich kanaliserer denne samme febrilske energi. Selvom rent abstrakte, deler hans "Abstract Punk"-kompositioner den strukturelle tæthed og grafiske kraft fra Picassos sene portrætter. Fattovich bygger sine billeder hurtigt, lag på lag, og skaber en central "tilstedeværelse" på lærredet, der føles næsten figurativ i sin vægt. Ligesom Picassos obsessive gentagelse af Jacquelines ansigt, drives Fattovichs arbejde af et tvangsmæssigt behov for at markere lærredet, hvilket resulterer i kunst, der føles mindre som et billede og mere som en pludselig, ubestridelig begivenhed.

Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - ©kunstneren

En arv uden ende

Picasso sagde engang, "Kunst er ikke anvendelsen af en skønhedskanon, men hvad instinktet og hjernen kan forestille sig ud over enhver kanon." Denne utrættelige drivkraft for at gå ud over, at bryde figuren, at nedbryde perspektivet, at male det ubevidste, er hans sande arv. Det sluttede ikke med hans død i 1973. Det spredte sig og udviklede sig til nye former og nye spørgsmål.

De samtidskunstnere, der vises sammen med disse mesterværker, fra Eric Cruikshank’s atmosfæriske monokromer til Tommaso Fattovich’s punk-energi, er bevis på denne levende arv. De minder os om, at kunsthistorien ikke er en række lukkede kapitler, men en kontinuerlig, åben samtale. Uanset om det er gennem roen i en enkelt farve eller kaosset i en ødelagt overflade, er opfindelsens ånd, som definerede Picassos århundrede, levende og vel i vores.

Af Phillip Barcio (2016) Redigeret af Francis Berthomier (2026).

Fremhævet billede: Pablo Picasso - Le Rêve (Drømmen), 1932. Olie på lærred. 130 cm × 97 cm. Privat samling. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle billeder anvendes kun til illustrativt formål

Relaterede Kunstværker