De Mest Berømte Pablo Picasso Malerier (Og Nogle Abstrakte Arvinger)

Det er ingen enkel opgave at kvantificere de mestberømte malerier af Pablo Picasso. Pablo Picasso (også kendt under sit fulde dåbsnavn, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) er opført i Guinness Rekordbog som historiens mest produktive professionelle maler. Han skabte mellem 1.300 og 1.900 malerier fra sine første kunsttimer som 7-årig til sin død som 91-årig. Det mest bemærkelsesværdige er dog ikke antallet af Picassos malerier, men hvor mange der betragtes som mesterværker. Da ingen top-liste over Picasso kan være ukontroversiel, omfatter vores beskedne forsøg berømte værker fra hver af hans mange faser og kaster lys over hele hans imponerende karriere.

Og vi besluttede at gøre opgaven lidt mere kompleks: Picasso var for det meste figurativ maler. Han malede mennesker, tyre, guitarer og krige. Alligevel lagde hans radikale nyskabelser det direkte grundlag for den abstrakte kunst, der fulgte. I denne artikel undersøger vi denne udviklingslinje ved at parre hvert af hans ikoniske mesterværker med et "Samtidigt ekko", en abstrakt kunstner fra IdeelArts udvalg, hvis værker afspejler den specifikke ånd, teknik, komposition eller følelsesmæssige tyngde i Picassos original. Selvom det at forbinde et portræt af en teenager fra 1905 med et abstrakt maleri fra 2026 er en fortolkning snarere end en direkte succession, mener vi, at disse parringer afslører en fascinerende dialog mellem den moderne kunsts historie og dens levende, åndende fremtid.

Den blå periode (1901 - 1904) 

Denne periode har fået sit navn efter de blå nuancer, der præger så mange af Picassos malerier fra denne tid. Picasso tilskrev selv sit valg om kun at male i blå nuancer den depression, han følte efter sin ven Carlos Casagemas' død, som skød sig selv i hovedet på en café i Paris. Et af de mest elskede værker fra denne periode er Den gamle guitarist (1903). Det forestiller en gammel, afmagret mand i laset tøj, der sidder foroverbøjet over sin guitar på Barcelonas gader.

Pablo Picasso - Den gamle guitarist, 1903. The Art Institute of Chicago. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette maleri er mere end et portræt af fattigdom; det er en dybtgående meditation over kunstens trøst. Figurens aflange lemmer og kantede kropsholdning afslører Picassos indgående studier af den spanske mester El Greco og forbinder moderne lidelse med kunsthistorisk tradition. Guitarens, maleriets eneste element, der bevæger sig en smule væk fra den gennemtrængende blå farve, symboliserer kunsten som en livline, en kilde til varme og overlevelse i en kold verden.

Picasso var ikke abstrakt kunstner, men hans blå periode bygger på et princip, der definerer abstraktionen: at farven i sig selv er en følelse. Han brugte blå til at skabe en atmosfære af stilhed og eftertanke.

I dag fører den skotske kunstner Eric Cruikshank denne tanke til sin yderste konsekvens. Hvor Picasso brugte tiggerfiguren til at udtrykke sorg, spørger Cruikshank, om farven alene er nok til at bære følelsens tyngde. Ved hjælp af en stringent, subtraktiv proces, hvor han fjerner sine egne penselstrøg, skaber Cruikshank "slør" af atmosfæriske farver, der ligesom Picassos blå farve indfanger det flygtige minde om en følelse frem for et bogstaveligt billede af verden. Han beviser, at man ikke behøver en guitar for at male en sang.

Eric Cruikshank - P076, 2024

Den rosa (lyserøde) periode (1904 – 1906) 

I 1904 forelskede Picasso sig i Fernande Olivier, hvilket ændrede retningen for hans stil på to gennemgribende måder. For det første holdt han op med at male i blå nuancer og skiftede fra sorg til romantik til rosa, orange og jordfarver. For det andet bevægede han sig væk fra omhyggelige gengivelser af menneskekroppen og hen imod mere stiliserede menneskefremstillinger. Det mest berømte eksempel fra denne periode er Dreng med en pibe.

Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Dreng med en pibe), 1905. Helen Birch Bartlett Memorial Collection. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Motivet er "P’tit Louis", en lokal teenageomstrejfer, der ofte kom i Picassos atelier i Montmartre. Selvom maleriet stadig rummer en følelse af melankoli, markerer rosenkransen og den blomstrede baggrund et brud med den blå periodes fortvivlelse. Drengens blik er distanceret, næsten mystisk, og piben, han holder, er placeret mærkeligt i hånden og fungerer som et symbol på det bohemeagtige liv og introspektion. Dette værk markerer et afgørende øjeblik, hvor Picasso begynder at prioritere stemning og lyrik frem for streng realisme og skaber et billede af ungdommelig skrøbelighed, der både er tidløst og hjemsøgende.

I sin rosa periode bevægede Picasso sig ud over den simple gengivelse for at indfange en stemning - en følelse af skrøbelighed og poesi, der eksisterede mellem motivet og beskueren.

I dag forfølger den Paris-baserede kunstner Macha Poynder en lignende poetisk ambition gennem abstraktion. Inspireret af filosofien om, at "farver er lyde", opbygger hun kompositioner, der fungerer som visuelle akkorder. Ligesom Picasso brugte den rosa farve til at ændre den følelsesmæssige tone i sit værk fra fortvivlelse til skrøbelig varme, bruger Poynder lagdelte farveflader og lyriske, kalligrafiske linjer til at skabe "vinduer, hvor det synlige og usynlige berører hinanden." Hendes værk beviser, at det "poetiske" i kunst ikke handler om motivet, men om selve overfladens resonans.

Macha Poynder  - Vi er alle fønikser, selv om vi ikke ved det - 2020

Den afrikanske periode (1907 – 1909) 

Inspireret af iberiske skulpturer og afrikanske masker frigjorde Picasso sig fuldstændigt fra det traditionelle perspektiv. Samtidig blev han inspireret af fladheden i Paul Cézannes senere værker, som døde i 1906. I denne periode med hurtige eksperimenter reducerede Picasso maleriernes visuelle sprog betydeligt og bevægede sig stadig mere i retning af abstraktion. Det mest betydningsfulde maleri fra denne periode er Les Demoiselles d'Avignon, som betragtes som proto-kubistisk, fordi det indeholder alle de væsentlige elementer, der senere skulle komme til at definere denne stil.

Maleriet forestiller fem nøgne kvinder på et bordel, hvor deres kroppe er opsplittet i skarpe, takkede planer, der synes at skære gennem det rum, de befinder sig i. 

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette var ikke blot en ny stilart; det var en aggressionshandling mod fortidens "høflige" kunst. De to figurer til højre har maskelignende ansigter, der er skræmmende fremmede for den vestlige skønhedskanon. Ved at sammenflette figuren med baggrunden og vise flere synsvinkler samtidigt malede Picasso ikke blot en scene, men afmonterede den måde, vi ser virkeligheden på. Denne radikale dekonstruktion lagde det direkte grundlag for kubismen.

Den amerikanske maler Susan Cantrick er en nutidig arvtager til denne intellektuelle arv. Hendes værker benytter det, som kritikere har kaldt "en kubists metoder, der dekomponerer og genskaber rummet." Ligesom Picasso forener hun skarpt afgrænsede arkitektoniske strukturer med flydende, gestiske penselstrøg og skaber et "hybridt" visuelt sprog. Men hvor Picasso splintrede menneskekroppen, splintrer Cantrick selve perceptionshandlingen og opdeler lærredet i "digitale og analoge" lag for at afsløre den komplekse, fragmenterede måde, vi bearbejder information på i den moderne verden.

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©the artist

Kubisme & collage (1908 – 1912) 

Ud over at opfinde Kubismen, som knuste renæssancens tradition for et enstrengsperpektiv, Picasso og hans samtidige Georges Braque begyndte samtidig at eksperimentere med at tilføje "affald fra den virkelige verden" til deres lærreder. Dette tiltag udfordrede selve definitionen af, hvad et maleri kunne være. Et af de mest berømte værker fra denne periode er Stilleben med stolefletning (1912). 

Pablo Picasso - Stilleben med stolefletning, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette lille, ovale værk betragtes almindeligvis som den første kunstcollage. Picasso limede et stykke voksdug med et trykt mønster af stolerygter direkte på lærredet og indrammede det med et stykke reb. Ved at inkorporere masseproducerede, industrielle materialer i en komposition af "høj kunst" udviskede Picasso grænsen mellem kunst og genstand, virkelighed og illusion. Det var et konceptuelt spring, der åbnede døren for alt fra dadaisme til popkunst og beviste, at gadens materialer hørte hjemme på museet.

Picassos introduktion af reb og voksdug beviste, at maleriet ikke behøvede at være fladt. Det kunne være en fysisk konstruktion skabt af selve verden.

Den britiske kunstner Anthony Frost fører denne arv videre med visceral energi. I stedet for at male illusioner af tekstur opbygger han sine overflader ved hjælp af de rå materialer fra sit kystmiljø - sejldug, frugtnet, jute og pimpsten. Ligesom Picasso brugte reb til at indramme sin komposition, bruger Frost industrielt net og gummi til at skabe reliefagtige lag, der rager ud fra lærredet. Hans værk er en direkte efterkommer af collagerevolutionen: en påmindelse om, at kunst ikke blot er et billede, man ser på, men et fysisk objekt, man kan opleve.

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©kunstneren

Nyklassicisme (1918 - 1928) 

I 1918, kort før afslutningen på Første Verdenskrig, giftede Picasso sig med sin første hustru, Olga Khokhlova, en ballerina ved Ballets Russes. Efterkrigstiden medførte en "Tilbage til orden" i hele Europas kunstverden, og Picasso fulgte trop ved midlertidigt at bevæge sig væk fra kubismens fragmentering mod en monumental, skulpturel stil inspireret af den franske mester Ingres.

Et perfekt eksempel er Portræt af Olga i en lænestol (1918).

Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Portræt af Olga i en lænestol), 1918. Musée Picasso Paris, Paris, Frankrig. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette maleri er en mesterklasse i spænding. Picasso gengiver Olgas ansigt med fotografisk, porcelænslignende præcision i overensstemmelse med strenge klassiske regler. Men resten af lærredet lader han bevidst forblive i en tilstand af "non-finito" (ufærdighed). Lænestolen er et fladt grafisk mønster, og kjolen opløses i en rå, lineær skitse mod den tomme baggrund. Ved at sætte ekstrem realisme op mod det nøgne lærred fastslår Picasso, at et maleri ikke er et vindue til virkeligheden, men en konstrueret overflade, hvor det færdige og det ufærdige kan eksistere side om side.

I dette portræt demonstrerede Picasso, at et tomt rum ikke er "ingenting": Det er et aktivt designelement. Han brugte den rå linje til at definere kjolens volumen uden at udfylde den.

Den franske kunstner Marie de Lignerolles bygger sin praksis på netop dette princip. Hendes værker udforsker begreberne "modform" og "tomrum" og behandler det tomme rum som en "tilstedeværelse i fraværet". Ligesom Picasso behandlede Olgas kjole, bruger de Lignerolles linjen som et primært strukturelt redskab og lader papirets hvide flade have lige så stor vægt som farven. Hun viser, at det, man udelader i kunsten, ofte er lige så vigtigt som det, man tager med.

Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©kunstneren

Surrealisme (1928 - 1948) 

I slutningen af 1920'erne og begyndelsen af 1930'erne, påvirket af den surrealistiske bevægelse og sin lidenskabelige affære med Marie-Thérèse Walter, begyndte Picasso at forvrænge menneskefiguren på radikalt nye måder. Denne periode frembragte nogle af hans mest sanselige og psykologisk ladede værker.

To centrale eksempler fra denne periode er Figurer ved havet (1931) og Drømmen (1932) (se billedet i toppen).

Pablo Picasso - Figurer ved havet, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

I Figurer ved havet er to figurer, der er låst fast i et kys, reduceret til glatte, biomorfe former, som mere ligner forvitrede sten eller knogler end menneskelig anatomi. Det er en grotesk, men øm skildring af begær, hvor det bogstavelige skrælles væk for at afsløre en psykologisk sandhed. På samme måde fremstiller Drømmen Marie-Thérèse i en tilstand af erotisk dagdrømmeri, med ansigtet delt af en fallisk profil og kroppen gengivet i bløde, kurvede linjer, der afspejler det underbevidste sinds flydende karakter. Tilsammen viser disse værker Picassos beherskelse af biomorfismen, hvor kroppen forvandles til et landskab af mærkelige, bløde former for at udtrykke drømmenes og begærets skjulte verden.

Picasso brugte disse surrealistiske, organiske former til at vise, hvordan det underbevidste sind forvrænger virkeligheden og forvandler menneskekroppen til noget flydende og cellulært.

Den samtidskunstneriske kunstner Daniela Marin udforsker det samme "indre landskab". Hendes malerier lever af "levende, protozoiske former" og slyngede former, der spejler de organiske, biologiske kurver i Picassos surrealistiske figurer. Ved at balancere spænding med naturlig harmoni antyder Marin en verden, hvor mikroskopisk liv og menneskelige følelser flettes sammen, og viderefører dermed den surrealistiske tradition med at se indad for at finde naturens former. 

Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©kunstneren

Guernica (1937) 

Fra 1936 til 1939 var Spanien i en borgerkrig mellem nationalistiske og republikanske styrker. Nationalisterne var allieret med fascistiske magter i Tyskland og Italien. I foråret 1937 bombede tyske og italienske fly den baskiske landsby Guernica på anmodning fra de spanske nationalister. Det var første gang, et moderne luftvåben angreb en ubevæbnet civilbefolkning. Tidligere samme år havde de spanske republikanere bestilt et vægmaleri hos Picasso til verdensudstillingen i Paris i 1937. Det værk, Picasso skabte til udstillingen, var et svar på bombardementet: det var Guernica.

Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Guernica betragtes bredt som Picassos hovedværk og skildrer en mareridtsagtig scene med forvredne kroppe og skrigende dyr blandt urbane ruiner. Æstetisk forener værket kubismens fragmentering med surrealismens mareridtslogik. Ved at begrænse sin palet til skarp sort, hvid og grå fremkaldte Picasso avisfotografiets rå umiddelbarhed og udviskede grænsen mellem billedkunst og journalistik. Det er fortsat det ultimative antikrigsudsagn og et bevis på, at kunst kan være et våben mod brutalitet.

Picasso malede Guernica for at sikre, at verden ikke kunne se væk fra en massakre. Han beviste, at kunstneren har en moralsk pligt til at være vidne til ødelæggelse.

Den tyske kunstner Reiner Heidorn viderefører denne form for "visuel vidnefunktion" ind i det 21. århundrede, men hans fokus flyttes fra krigens ødelæggelser til ødelæggelsen af planeten. Ved hjælp af sin karakteristiske "Dissolutio"-teknik skaber Heidorn massive, fordybende oliemalerier, der omhandler klimaforandringer og det opløste forhold mellem menneskeheden og naturen. Ligesom Picasso brugte muralformatet til at konfrontere beskueren med sin tids vold, bruger Heidorn skala og intense, opløsende teksturer til at konfrontere os med vor tids "økologiske vold" og kræver, at vi ikke ser væk fra naturens forsvinden.

Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©kunstneren

Efter Anden Verdenskrig

Indtil sin død i 1973 fortsatte Picasso med at skabe kunst og vendte ofte tilbage til de metoder og stilarter, han havde udforsket tidligere i livet. Efter Anden Verdenskrig flyttede Picasso til Sydfrankrig og gik ind i sin sidste, produktive fase. Han var blevet verdens mest berømte nulevende kunstner og fik bestillinger på alt fra store offentlige værker til almindelige husholdningsartikler. I 1953 mødte han den kvinde, der skulle blive hans anden hustru, Jacqueline Roque. Picasso var 72 år på det tidspunkt; Jacqueline var 27. Han malede hende mere end nogen anden kvinde i sit liv: over 400 gange på blot 20 år. Et slående eksempel på denne besættelse er Jacqueline with Flowers (1954).

Pablo Picasso - Jacqueline with Flowers, 1954. Musée Picasso, Paris, Frankrig. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

I dette portræt opgiver Picasso de bløde kurver hos sine tidligere elskerinder til fordel for en rigid, hieratisk stil. Jacqueline er afbildet med en langstrakt hals og brede, stirrende øjne (hendes karakteristiske træk), som en moderne sfinx. Malingen påføres med en ny følelse af hast og tempo, hvilket varsler den rå, "uudviklede" stil fra hans sidste år. På det tidspunkt afviste kritikerne disse sene værker som en senil gammel mands kruseduller; i dag anerkendes de som forløbere for neoekspressionismen og hyldes for deres vildskab og frihed.

I sine portrætter af Jacqueline holdt Picasso op med at forsøge at være "perfekt". Han malede med en rå, grafisk hastighed og prioriterede billedets umiddelbare virkning over raffineret teknik.

Samtidskunstneren Tommaso Fattovich viderefører denne samme febrilske energi. Selvom hans kompositioner er rent abstrakte, deler hans "Abstract Punk"-værker Picassos sene portrætters strukturelle tæthed og grafiske kraft. Fattovich skaber sine billeder hurtigt, lag på lag, og opbygger en central "tilstedeværelse" på lærredet, som føles næsten figurativ i sin tyngde. Ligesom Picassos besatte gentagelse af Jacquelines ansigt drives Fattovichs værk af et tvangspræget behov for at sætte mærker på lærredet, hvilket resulterer i kunst, der føles mindre som et billede og mere som en pludselig, uafviselig begivenhed.

Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - © kunstneren

En arv uden ende

Picasso sagde engang: "Kunst er ikke anvendelsen af en skønhedskanon, men det, som instinktet og hjernen kan forestille sig hinsides enhver kanon." Denne ubønhørlige trang til at gå hinsides, til at fragmentere figuren, nedbryde perspektivet og male det ubevidste er hans sande arv. Den sluttede ikke med hans død i 1973. Den spredte sig og udviklede sig til nye former og nye spørgsmål.

De samtidskunstnere, der præsenteres sammen med disse mesterværker, fra Eric Cruikshanks atmosfæriske monokromer til Tommaso Fattovichs punkenergi, er bevis på denne levende arv. De minder os om, at kunsthistorien ikke er en række afsluttede kapitler, men en kontinuerlig, åben samtale. Hvad enten det er gennem en enkelt farves stilhed eller kaosset på en ødelagt overflade, lever den opfindsomhedens ånd, der definerede Picassos århundrede, i bedste velgående i vores.

Af Phillip Barcio (2016) Redigeret af Francis Berthomier (2026).

Fremhævet billede: Pablo Picasso - Le Rêve (Drømmen), 1932. Olie på lærred. 130 cm × 97 cm. Privat samling. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle billeder er udelukkende anvendt til illustrative formål

Relaterede kunstværker