Artikel: Syntetisk kubisme forklaret - Planer, former og synsvinkler
Syntetisk kubisme forklaret - Planer, former og synsvinkler
Pablo Picasso, kubismens fader, var kendt for sin iver efter at udvikle sig. Efter at have opfundet den analytiske kubisme i 1907 kunne han nemt have fortsat med at male i den stil i årtier og stadig være blevet rig og berømt. Men i stedet blev han ved med at eksperimentere og var med til at opfinde det, der blev kendt som syntetisk kubisme i 1911, ved at føje en udvidet farvepalet, nye teksturer, enklere former og nye materialer til den analytiske kubisme samt forenkle brugen af synsvinkel og plan. Fra opfindelsen og frem til omkring 1920 blev syntetisk kubisme betragtet som avantgardens højdepunkt. Den udvidede rækken af måder, hvorpå malere kunne udforske virkeligheden, og bidrog til dadaisternes, surrealisterne og endda popkunstens fremkomst.
Syntetisk kubisme på 200 ord
Syntetisk kubisme opstod som et brud med netop disse teknikker i et forsøg på at skabe noget, der var endnu mere virkeligt. Picasso, Braque og maleren Juan Gris tilføjede igen et levende farvespektrum til deres værker, genindførte dybde og mindskede antallet af samtidige perspektiver og planer i deres billedsprog. Vigtigst af alt begyndte de for at give deres malerier den ultimative følelse af virkelighed at tilføje papir, stof, avistryk, tekst og endda sand og snavs til deres værker i et forsøg på at bringe en fuldstændig fornemmelse af deres motivs essens i spil.
Pablo Picasso - Stilleben med stoleflet, 1912, olie på oliedug over lærred med rebkant
Musée National Picasso, Paris, © Artists Rights Society (ARS), New York
Nye materialer og teknikker
I 1912 skabte Picasso det kunstværk, der anses for at være det første eksempel på collage og et definerende eksempel på syntetisk kubisme: Stilleben med stoleflet. Værket er en kubistisk fremstilling af et cafébord med et udvalg af madvarer, en avis og en drink. Ud over traditionelle materialer tilføjede Picasso en del af det stoleflet, som traditionelt fandtes på caféstole, til maleriets overflade. Denne tilsyneladende trivielle tilføjelse fik enorme konsekvenser for moderne kunst. I stedet for at male en stol blev en del af en stol faktisk sat på maleriet. I stedet for at vise noget fra flere perspektiver for at få det til at virke virkeligt satte Picasso simpelthen selve genstanden, eller i det mindste en del af den, direkte på værket.
Picasso tilføjede også tekst til dette værk og skrev bogstaverne “JOU” hen over en del af overfladen. Ordet “Jou” kan bogstaveligt oversættes til “leg” på fransk, hvilket har bidraget til den opfattelse, mange har, at Picasso havde til hensigt, at syntetisk kubisme skulle tilføre kunsten en følelse af lethed efter den akademiske alvor i analytisk kubisme. “JOU” kunne dog også sagtens have været tænkt som den første del af det franske ord for daglig avis, journal, en henvisning til det avisfragment, man ser på billedet.
Selvom han opnåede en førstegangsbedrift ved at tilføje det stykke stoleflet til sit værk, var Picasso ikke den første kubist, der tilføjede tekst til et maleri. I 1911 havde Georges Braque skabt et værk kaldet Portugiseren, som var det første kubistiske værk, der introducerede bogstaver. Både i Picassos første collage og Braques første tekstværk ses et skift væk fra den alvorlige og overdrevent komplekse karakter i nogle af deres senere analytisk-kubistiske værker. Billederne i disse kunstværker har en legende enkelhed. Perspektiverne er forenklede, og billederne bliver næsten legende, i stil med de antropomorfe billeder i reklamer.
Georges Braques - Portugiseren, 1911, olie på lærred, Musée National Picasso, Paris
© Artists Rights Society (ARS), New York
I 1912 skulle Braque gøre nyt land mindst to gange mere. Det år blev han den første kubistiske maler, der tilføjede sand til et maleri for at tilføre værket tekstur og dybde, og han blev også den første til at anvende teknikken kendt som papier collés, der betegner påklistring af udklippede papirstykker på en overflade. Begge teknikker blev brugt i hans værk med titlen Frugtfad og glas. I dette maleri påførte han udklippede stykker tapet direkte på overfladen og skyggelagde derefter værket med sandfyldt maling, hvilket tilføjede dybde og tekstur til billedet.
Braque inkluderede også tekst i dette værk og brugte de tydeligt afgrænsede og letlæselige ord “Ale” og “Bar”. Disse ord udfordrer grænserne mellem reklamebilleder og såkaldt højkunst. Kombinationen af alle tre teknikker skulle senere vise sig at få stor indflydelse på dadaisterne, som i høj grad benyttede collage og tekst til at forvirre og sløre værkernes tilsyneladende betydninger og udfordre borgerlige opfattelser af kunst.
Georges Braque - Frugtfad og glas, 1912, 62.9 × 45.7 cm
© Artists Rights Society (ARS), New York
Planer, former, synsvinkler og farver
Den kunstner, der i højeste grad var ansvarlig for at bringe levende farver ind i den syntetiske kubisme, var den spanske kubistiske maler Juan Gris. Gris anvendte også et væsentligt forenklet visuelt sprog, der på fremragende vis demonstrerer det reducerede antal synsvinkler og den forenklede brug af former og planer, som definerer den syntetiske kubisme. I Gris' værk Newspaper and Fruit Dish ser vi alle disse elementer i spil. Vi kan også se mange af grundene til, at syntetisk kubisme ofte betragtes som en forløber for popkunst, i dette samme maleri.
Det handler ikke kun om, at de syntetiske kubister legede med forestillinger om den flydende grænse mellem lav og høj kunst samt mellem kunst og reklame. Dette maleri fremkalder også på forbløffende vis Roy Lichtensteins Ben-Day-prikker og foregriber næsten identisk gentagelsen, billedplaceringen og farvepaletten i Robert Rauschenbergs buffalo II.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, olie og serigrafifarve på lærred.
© Robert Rauschenberg Foundation / Artists Right Society (ARS), New York
De tidligere analytisk-kubistiske malerier havde inkorporeret så mange forskellige synsvinkler, at billedernes kompleksitet blev næsten umulig at gennemskue. Deres motiver virkede abstrakterede i en sådan grad, at de var uigenkendelige: Hver synsvinkel blev repræsenteret af separate geometriske former på et separat plan, og hvert plan syntes stablet oven på de andre for derefter igen at blive gjort fladt. Og de geometriske former, der blev anvendt i analytisk-kubistiske malerier, virkede til tider næsten gennemsigtige. De blev malet på en måde, der demonstrerede hastighed, vibration og bevægelse. De repræsenterede forskellige tidspunkter på dagen, forskellig belysning og forskellige synsvinkler.
Juan Gris - Newspaper and Fruit Dish, 1916, olie på lærred
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Ved at tilføre kubistiske billeder en levende farvepalet igen gav Juan Gris stilen en legende og spændende kvalitet, som manglede i de tidligere kubistiske værker. Og Gris' forenklede visuelle vokabular præsenterede idéen om, at kubismen kunne nå sine mål på en ligetil, forenklet og æstetisk tiltalende måde. I Gris' maleri The Violin, anvender han det absolut minimale antal synsvinkler, former og planer, der stadig gør værket kubistisk. Det resulterende billede virker mere som et eksempel på antydningen af kubismen end på en stringent definition af den.
Juan Gris - Violinen, 1916, Olie på trelagsplade
Kunstmuseum, Basel
Syntetisk: Et andet ord for falsk?
Ved at tilføje skrift og stumper af hverdagsgenstande til deres malerier forsøgte Picasso, Braque og Gris at skabe forbindelse til en udvidet fornemmelse af motivers virkelighed. Men ved at tilføje disse kunstige elementer til deres værker skabte de også noget, der tydeligvis var uvirkeligt, og som adskilte sig fra alle de kubistiske kunstværker, der var kommet før. Nogle gange malede de endda former, der lignede collage, og blandede efterlignede collageelementer med ægte collageelementer i det samme værk. Denne nye stil blev netop kaldt syntetisk kubisme af den grund, fordi de anvendte teknikker havde en kunstig karakter sammenlignet med alvoren i det kubistiske arbejde, der var gået forud.
Syntetisk kubisme var mere symbolsk end analytisk kubisme. Den stræbte ikke efter at opnå et forstærket syn på den firedimensionelle virkelighed. I stedet stræbte den efter at antyde virkeligheden, men på en forvrænget måde. Det var en forvandling, der i høj grad bidrog til teorierne og undersøgelserne omkring surrealismen.
Syntetisk kubisme udfordrede også forskellene mellem maleri og skulptur. I stedet for at nedbryde billedet og derefter samle det igen ud fra en række forskellige perspektiver samlede syntetisk kubisme billedet og byggede det op fra en flad overflade til et flerlagsobjekt, som et tredimensionelt objekt, der hviler på en todimensionel overflade. På alle disse måder nærmede syntetisk kubisme sig sine resultater gennem et klart og bevidst paradoks: Ved at skabe værker, der blev stadig mere falske, opnåede de noget, der blev stadig mere virkeligt.
Farve, collage og konstrueret rum i samtidskunsten
Syntetisk kubisme tilbyder også en måde at betragte den samtidige abstraktion på. Et maleri behøver ikke forestille en guitar eller et cafébord for at rejse spørgsmål om sammensatte former, overlappende planer og forholdet mellem et billede og dets overflade. De følgende kunstnere griber disse spørgsmål an på forskellige måder. Deres værker er ikke eksempler på historisk syntetisk kubisme, men inviterer til sammenligninger med dens eksperimenter med konstruktion og farve.
Jeremy Annear: Lagdelte planer og billedrum
Jeremy Annear opbygger sine malerier gennem lag af former, farve og maling, og hans værk deler anerkendte slægtskaber med Braque og Picasso samt kunstnerne fra St Ives. I Metrographic II No.8 afbryder en vinklet hvid plan en jordfarvet flade, mens sorte rammestrukturer, røde kurver og teksturpartier etablerer konkurrerende rumlige relationer. Øjet bevæger sig mellem formenes tilsyneladende fasthed og de tegnede linjers åbenhed. For en læser, der tiltrækkes af Braques samspil mellem overflade og struktur, tilbyder dette et nutidigt sammenligningspunkt uden at gengive kubistiske motiver.
Dana Gordon: Farveformer i en større helhed
Dana Gordons kalejdoskopiske kompositioner er blevet beskrevet i relation til orfisk kubisme, en særskilt sammenligning snarere end et synonym for syntetisk kubisme. Hans værk tilbyder en anden indgang til den glæde ved farve og konstrueret form, der diskuteres her. I New Space sætter ensfarvede kvadrater punktum i et tæt gitter af malede spiralmotiver. Disse mere afdæmpede felter synes at svæve over den travle overflade og skaber en spænding mellem individuelle former og kompositionen som helhed. Gordon betragter sammenstødende former og klynger som små malerier i et større maleri, en idé, der belønner både nærstudier og betragtning på afstand.
Anne Katrine Senstad: Collage fra scannede farvenegativer
I Anne Katrine Senstads Cosmosis Collages antager konstruktionen en fotografisk form. Som kunstneren forklarer, blev hendes kilde-negativer scannet og derefter sammensat som collager, ikke fotograferet. De stammer fra hendes tidlige abstrakte fotografiske værker med farvefelter, The Pink Project (2004–2007). I Composition no 2C4 Blue krydser smalle lyserøde, ferskenfarvede og gule bjælker en dybblå flade, mens gennemsigtige rektangulære planer antyder lag under overfladen. Farve og placering, snarere end et afbildet objekt, etablerer kompositionens rumlige relationer. I modsætning til Braques påklistrede papir er disse elementer samlet gennem en scannet fotografisk proces. Med seriens dokumenterede inspiration fra suprematismen og konstruktivismen tilbyder den en nutidig sammenligning med collagens evne til at skabe et billede gennem relationer mellem separate elementer.
At samle på abstrakt samtidskunst: materialer, pris og kontekst
For en person, der overvejer et køb, kan disse sammenligninger hjælpe med at tydeliggøre smagen. Er du tiltrukket af en tekstureret overflade, en rytmisk farveanordning eller illusionen af overlappende planer? At identificere denne præference er et mere nyttigt udgangspunkt end blot at søge et samtidsværk, fordi det ligner et berømt historisk maleri.
Hvad bør du se efter, før du køber?
Begynd med det enkelte værk: dets materialer, mål, tilstand og dokumentation. Spørg, hvordan det indgår i kunstnerens overordnede praksis, og gennemgå den udstillingshistorik og de samlingsoplysninger, der understøtter præsentationen. Ved lagdelte malerier eller mixed media-værker bør du bede om nærbilleder og oplysninger om overfladens opbygning. For en fotografisk edition som Senstads udvalgte Cosmosis-værk, der tilbydes i en edition på seks plus to kunstnerprøver, bør du få fastlagt editionsoplysninger, trykspecifikationer og medfølgende dokumentation. En fotografisk collage og et unikt maleri kan have fælles visuelle udtryk, men være meget forskellige genstande at eje.
Hvordan bør du tænke på pris og markedsværdi?
Historisk betydning, visuel affinitet og markedsværdi er forskellige spørgsmål. En samtidskunstners forhold til kubistiske idéer placerer ikke vedkommendes værk på samme marked som et originalt værk af Picasso, Braque eller Gris. Når du sammenligner priser, skal du se efter reelt sammenlignelige værker af den samme kunstner og tage højde for medie, størrelse, datering og for, om værket er unikt eller del af en edition. En udbudspris er ikke det samme som en realiseret salgspris, og en begrænset edition skaber ikke i sig selv fremtidig efterspørgsel. Udstillingshistorik og kritisk anerkendelse giver kontekst, ikke et løfte om værdistigning eller et let videresalg.
Hvad indebærer det at leve med værket?
Overvej indramning, levering, forsikring og eventuel specialinstallation ud over købsprisen. Bed om plejevejledning, der passer til materialerne, især for fotografiske overflader og lagdelte konstruktioner, og tænk over det lys og den plads, hvor værket skal udstilles. Den mest givende forbindelse til kunsthistorien kan i sidste ende være personlig: at forstå, hvorfor et værk fastholder din opmærksomhed, og opdage, hvordan dets farve, struktur og overflade fortsat ændrer sig, når du ser på det igen og igen.
Fremhævet billede: Pablo Picasso - Tre musikere, 1921 (detalje), ©Artists Rights Society (ARS), New York
Alle billeder bruges udelukkende til illustrative formål
Af Phillip Barcio (2016)
Redigeret af IdeelArt-redaktionen (2026)
Relaterede kunstværker
