Haben Sie die Botschaft verstanden? Wie abstrakte Künstler Umwelt-Dringlichkeit kommunizieren

Ohne Figur, ohne Erzählung, ohne wörtliche Darstellung: Wie vermittelt man eine Botschaft in der bildenden Kunst? Das ist das Dilemma des Aktivisten in der abstrakten Kunst und erklärt, warum wirklich aktivistische Abstraktion bemerkenswert selten bleibt. Figürliche Kunst kann uns einen schmelzenden Eisbären, eine überflutete Stadt, das Gesicht eines Demonstranten zeigen. Abstrakte Kunst bietet nur Farbe, Form, Gestik, Material. Doch während die Klimakrise sich beschleunigt und alle Stimmen fordert, hat eine Pioniergruppe von Künstlern bewiesen, dass Abstraktion tatsächlich aktivistisch sein kann – nicht trotz ihrer Resistenz gegen explizite Botschaften, sondern wegen dessen, was sie einzigartig bietet.

Die Herausforderung ist real. Konventionelle Klimakommunikation (katastrophale Bilder, überwältigende Daten) hat ihre Grenzen erreicht und führt oft zu dem, was Forscher "Klimamüdigkeit" oder emotionale Lähmung nennen. Abstrakte Umweltkunst bietet eine alternative Strategie: Anstatt Katastrophen darzustellen, modelliert sie Umweltprozesse (Fluss, Auflösung, Ansammlung) und bindet Betrachter durch direkte sensorische und emotionale Erfahrung ein. Sie zeigt dir nicht die Krise; sie lässt dich sie fühlen.

Dieser Artikel untersucht, wie abstrakte Künstler Umwelturgency durch sechs unterschiedliche ästhetische Strategien kommunizieren. Anhand der Arbeiten von Pionierkünstlern (Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker und anderen) werden wir analysieren, wie die scheinbaren Grenzen der Abstraktion unerwartete Stärken in der Umweltvertretung werden.

Zwei Modelle, sechs Strategien

Abstrakter Umweltaktivismus funktioniert durch zwei übergeordnete Modelle: das Affective Model, das Rituale, Teilnahme und kollektive Trauer nutzt, um Betrachter durch geteilte emotionale Erfahrung Umweltprobleme fühlen zu lassen; und das Cognitive Model, das Visualisierung, Immersion und Maßstab verwendet, um Betrachter unsichtbare ökologische Systeme und Prozesse verstehen zu lassen.

Innerhalb dieser Modelle verwenden Künstler sechs Kernstrategien:

1. Das Unsichtbare sichtbar machen: Einige der zerstörerischsten Umweltkräfte bleiben für das bloße Auge unsichtbar: atmosphärisches Kohlenstoff, Temperaturschwankungen, mikroskopische Ökosysteme, geologische Zeit, die für die menschliche Wahrnehmung zu langsam verläuft. Abstrakte Künstler haben Wege gefunden, diese verborgenen Phänomene in wahrnehmbare Formen zu übersetzen und greifbar zu machen, was wir sonst nicht sehen können, aber dringend verstehen müssen.

2. Materieller Zeuge: Anstatt die Umweltkrise darzustellen, lassen einige Künstler ihre Materialien zu aktiven Teilnehmern der Botschaft werden. Sie verwenden ökologisch bedeutende Substanzen oder erlauben natürlichen Prozessen wie Erosion, Auflösung und Verfall, das Werk selbst zu formen. Das Kunstwerk wird zu einer forensischen Spur, einem physischen Beweis für Umweltgeschehnisse statt einer bloßen Darstellung.

3. Maßstab und Immersion: Monumentale Formate und immersive Installationen können Betrachter überwältigen und eine körperliche Konfrontation mit der Weite von Ökosystemen erzwingen. Diese Strategie baut die bequeme Distanz zwischen Beobachter und Umwelt ab und nutzt physischen Maßstab, um der Entfremdung entgegenzuwirken, die die ökologische Krise antreibt. Wenn man vom Werk umgeben oder von ihm überwältigt wird, weicht intellektuelles Verständnis einer unmittelbaren Erfahrung.

4. Farbe als Daten/Zeuge: Farbe in der Umweltabstraktion fungiert oft weniger als emotionaler Ausdruck und mehr als codierte Information. Künstler verwenden spezifische Paletten, um Daten zu übersetzen (Verschmutzungsgrade, Temperaturveränderungen, Biodiversitätsmetriken) oder als symbolischen Zeugen biologischer Vitalität zu dienen. Ein bestimmtes Grün ist nicht nur schön; es trägt Zeugnis über einen bestimmten Wald, einen bestimmten Moment ökologischer Beobachtung.

5. Wiederholung und Akkumulation: Die wiederholte Geste, das angesammelte Objekt, die serielle Form können ökologische Phänomene modellieren, die sich über Zeit und Menge entfalten: Zellwachstum, Plastikfragmentierung, die kumulative Auswirkung industrieller Produktion. Wenn einzelne Elemente sich zu Tausenden vervielfältigen, macht das Werk das Ausmaß der Umweltkrise auf eine Weise sichtbar, wie es einzelne Bilder nicht können.

6. Verkörperte Erfahrung: Einige Werke verlangen mehr als nur visuelle Aufmerksamkeit. Sie erfordern körperliche Teilnahme, sprechen mehrere Sinne an (Tastsinn, Geruch, Temperatur) oder schaffen kollaborative Rituale. Indem sie die Betrachter von passiven Beobachtern zu aktiven Teilnehmern machen, lösen diese Werke affektive Reaktionen aus (Trauer, Ruhe, Angst, Verbundenheit), die im Körper und nicht im Geist leben und eine tiefe Verständnisebene schaffen, die ethisches Handeln motiviert.

Sehen wir uns an, wie diese Strategien in der Praxis funktionieren.

Jaanika Peerna - Big melt #10 und Big Melt #16 (2016) 

Das Affektive Modell: Jaanika Peernas Glacier Elegies

Jaanika Peerna, eine in Estland geborene Künstlerin, die zwischen New York, Berlin und Tallinn arbeitet, hat einen der ausgeklügeltesten Ansätze zum Umweltzeugen durch partizipative Performance und kontrollierte Auflösung entwickelt. Ihre Praxis erfuhr um 2017 eine bewusste Wendung, um den Klimawandel direkt anzusprechen und ihre früheren Studien natürlicher Kräfte (Wind, Wasser, Licht) in expliziten Klimaaktivismus zu verwandeln.

Peernas Technik besteht darin, in jeder Hand Büschel von Bleistiften zu greifen und spontane, ganzkörperliche Gesten über große Mylar-Bögen auszuführen, wodurch kinetische Zeichnungen entstehen, die natürliche Kräfte durch reine Bewegung festhalten. Die Bleistifte werden zu Erweiterungen ihres Körpers und verwandeln die Künstlerin in das, was Kritiker "ein Gefäß, das natürliche Prozesse einfängt" nennen. Doch die aktivistische Kraft entfaltet sich im zweiten Akt der Performance.

In ihrem laufenden Glacier Elegy-Projekt lädt Peerna das Publikum ein, bei der Erstellung dieser großformatigen Zeichnungen mitzuwirken. Dann bringt sie Blöcke aus natürlichem Eis auf der Oberfläche an. Während das Eis schmilzt, löst es aktiv die gezeichneten Linien und Pigmente auf und löscht die kollaborative Schöpfung in Echtzeit. Dieser Prozess komprimiert Jahrzehnte des Gletscherschmelzens in eine unmittelbare, verkörperte Erfahrung des Verlusts.

Das Genie liegt in der öffentlichen Beteiligung (Strategie 6: Embodied Experience). Indem sie das Publikum in die Schöpfung einbezieht, garantiert Peerna emotionale Investition; die anschließende Zerstörung wird zu einem geteilten, greifbaren Verlust statt zu abstrakten Daten. Das Werk stellt das Gletscherschmelzen nicht dar; es vollzieht es nach und verwandelt die Betrachter in Zeugen und Trauernde. Ihr Ansatz erkennt an, dass konventionelle katastrophale Bilder oft Lähmung hervorrufen; ihre rituelle Methode bietet einen strukturierten "Weg durch" überwältigende Klimatrauer und verwandelt das Engagement von passiver Beobachtung in das, was sie einen "Akt ethischer Verantwortung und Fürsorge für den Planeten" nennt.

Das schmelzende Eis fungiert als Material Witness (Strategie 2). Wasser ist nicht nur ein Medium; es ist ein aktiver Agent der Transformation und Zerstörung. Schwerkraft und Fluss bestimmen die endgültige Komposition, wodurch das Kunstwerk zu einem forensischen Dokument des Auflösungsprozesses selbst wird. Peerna hat auch eine ausgeklügelte zeitliche Dimension entwickelt (Scale/Immersion, Strategie 3). Während ihre früheren Arbeiten langsame natürliche Prozesse feierten, beschleunigt Glacier Elegy absichtlich geologische Traumata und komprimiert Jahrzehnte des Gletscherrückgangs in die kurze Dauer einer rituellen Performance. Diese Kompression simuliert Dringlichkeit auf eine Weise, wie es Klimadaten nicht können.

Peerna erweitert diese Praxis in ihre Atelierarbeit, wo sie Solo-Versionen desselben rituellen Prozesses ausführt. Die daraus resultierenden Werke (mit den Titeln "Tipping Point", "Big Melt", "Meltdown", "Ablation Zone") präsentieren ein kraftvolles Paradoxon: permanente synthetische Monumente auf Mylar, die momentane natürliche Tragödien festhalten und die Langlebigkeit menschgemachter Materialien gegenüber der Zerbrechlichkeit natürlicher Prozesse unterstreichen.

Die Ansammlung kinetischer Linien und Gesten auf dem Mylar (Wiederholung/Ansammlung, Strategie 5) spiegelt die Komplexität und Intensität der aufgezeichneten Naturkräfte wider. Und obwohl Peernas Ästhetik minimalistisch ist (oft schwarz auf weiß), ist ihr Aktivismus in einem präzisen Vokabular verankert (Farbe als Daten, Strategie 4). Ihre Titel beziehen sich auf kritische Prozesse aus der Glaziologie und Klimawissenschaft, verbinden emotionale Ästhetik mit objektiven Datenpunkten und verankern abstrakte Arbeiten in wissenschaftlicher Realität.

Reiner Heidorn - Specific Rank #2 und Specific Rank #1 (2024)

Das ontologische Modell: Reiner Heidorns Bio-Divisionismus

Reiner Heidorn, ein deutscher Künstler mit Sitz in Bayern, verfolgt einen radikal anderen Ansatz. In seinem Atelier, umgeben von den Bayerischen Alpen und Wäldern, hat Heidorn die Technik entwickelt, die er "Dissolutio" (lateinisch für Auflösung) nennt, einen Prozess, der ausdrücklich darauf abzielt, die Grenzen zwischen Menschheit und natürlicher Welt aufzulösen.

Heidorns Aktivismus konzentriert sich nicht auf Verschmutzung oder materielle Zerstörung wie bei Peerna, sondern auf die Wiederherstellung einer gesunden ontologischen Beziehung zur Natur. Seine Gemälde sind das, was er "Passagen" oder "Öffnungen" zu lebender Materie nennt, mit dem Ziel, "einen Raum ohne Grenzen" zwischen Beobachter und Beobachtetem zu schaffen. Diese Suche, die Subjekt/Objekt-Dichotomie aufzulösen, die von ökologischen Philosophen als eine der Hauptursachen der Umweltkrise identifiziert wird, definiert die politische Wirksamkeit seiner Arbeit.

Seine Technik liefert ein außergewöhnliches Beispiel für Das Unsichtbare Sichtbar Machen (Strategie 1). Heidorn verwandelt mikroskopische Zellstrukturen und Süßwasserökosysteme in weite, immersive Farbflächen. Sein Stil, den Kunsthistoriker "Neo-Expressionistischer Bio-Divisionismus" nennen, verwendet das, was er "Mikroskopischer Pointillismus" nennt: Tausende winziger, präziser Farbpunkte ordnen sich zu sanften Abstufungen, übertragen die visuelle Sprache der wissenschaftlichen Mikroskopie in emotionalen Ausdruck. Er macht die Komplexität und Vernetzung des Lebens wahrnehmbar, die dem menschlichen Auge normalerweise entgeht, und macht die unsichtbaren Netzwerke sichtbar, die Ökosysteme erhalten.

Der Dissolutio-Prozess selbst fungiert als Material Witness (Strategie 2), wenn auch implizit. Um seine Werke in einem Zustand der Bewegung zu erhalten und Vergänglichkeit als ästhetische Qualität einzubeziehen, verletzt Heidorn bewusst die klassischen Regeln der Ölmalerei, mischt Farben direkt auf der Leinwand und akzeptiert "Fehler" wie Blasen und Krater. Diese Veränderung des Mediums stellt sicher, dass das Werk Fluss und Wandel verkörpert, verstärkt die Idee lebendiger, veränderlicher Materie und übergibt die Kontrolle an natürliche Prozesse.

Das Format seiner Werke ist ein kritischer Advocacy-Mechanismus (Scale/Immersion, Strategie 3). Seine Leinwände sind monumental und übergroß, entworfen, um die Betrachter zu "überwältigen" und als "Portale" zu fungieren, die den Zuschauer in lebendige, sich verändernde Materie eintauchen lassen. Dieses monumentale Format ist eine bewusste Aktivistenstrategie gegen den Anthropozentrismus. Indem es die Betrachter zu einer körperlichen Konfrontation mit der Unermesslichkeit des Ökosystems zwingt, besteht das Werk auf dem, was Heidorn die "totale Bedeutungslosigkeit des Individuums" nennt. Weit entfernt von nihilistisch, fördert dieser Ansatz Demut und unterstützt das, was er als "psychologische Erholung" beschreibt. Das Gefühl der Bedeutungslosigkeit angesichts biologischer Vitalität lädt die Betrachter ein, ihre Trennung von der Natur aufzulösen, das Gegenteil der Entfremdung, die die Umweltkrise antreibt.

Heidorns Werk basiert stark auf Farbe als Data/Witness (Strategie 4). Seine visuelle Sprache wird von Grün dominiert, nicht als Hintergrund, sondern als Subjekt und Stimme. Kunsthistoriker verbinden dies mit einem "heiligen Grün, dem Zeugen des gesegneten, tiefgründigen Lebens der Welt." Seine Palette, bereichert mit Blau- und Ockertönen, ruft explizit Wälder, Seen und autonome biologische Welten hervor. Diese Farben sind keine dekorativen Entscheidungen, sondern Zeugen spezifischer Orte, spezifischen Lichts, spezifischer Momente der Verbindung zwischen Künstler und Umwelt.

Die Repetition/Accumulation (Strategie 5) ist integraler Bestandteil seiner Methode. Mikroskopischer Pointillismus basiert auf Tausenden winziger, präziser Farbpunkte, die sich ansammeln, um komplexe Ökosysteme zu bilden. Diese Verwendung von Wiederholung modelliert die Dichte und strukturelle Komplexität lebender Materie auf zellulärer Ebene, eine ästhetische Darstellung notwendiger Vernetzung und biologischer Fülle auf mikroskopischer Ebene.

Schließlich ist Heidorns ultimatives Ziel sowohl moralisch als auch psychologisch (Embodied Experience, Strategie 6). Seine Gemälde sollen Momente der "psychologischen Erholung und tiefen Ruhe" bieten. Indem sie die Betrachter einladen, diese "Passagen" zu durchqueren und die Grenzen zwischen Selbst und Natur aufzulösen, wird die immersive Erfahrung zu einer therapeutischen Handlung gegen ökologische Angst und Entfremdung. Kritiker berichten von einem Gefühl unerwarteter Zärtlichkeit, das die Betrachter erleben, was die Wirksamkeit dieses nicht-konfrontativen Ansatzes zeigt. In einer Zeit der Umweltkrise wird Heidorns Beharren auf Langsamkeit und Kontemplation zu einer Form des Widerstands gegen die beschleunigte Zerstörung von Ökosystemen.

Erweiterung des Vokabulars: Drei weitere Ansätze

Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)

Konzeptuelle Abstraktion: Olafur Eliasson

Olafur Eliasson, der dänisch-isländische Konzeptkünstler, verwendet abstrakte und minimalistische Formen als seine primäre Sprache für Umweltkommunikation. Obwohl er im Kern ein Konzeptkünstler ist, qualifiziert sich seine Arbeit als abstrakter Aktivismus durch die Manipulation natürlicher Phänomene (Licht, Wasser, Atmosphäre, Wahrnehmung) zu nicht-figurativen Erfahrungen.

Eliasson brilliert darin, das Unsichtbare sichtbar zu machen (Strategie 1) und verkörperte Erfahrung (Strategie 6). Werke wie Wavemachines oder Regenfenster (Rain window) replizieren Wasserphänomene und Wetterbedingungen, sodass das Publikum unsichtbare oder unkontrollierbare Naturkräfte in kontrollierten Museumsräumen erleben kann. Moss wall (1994) spricht die verkörperte Erfahrung direkt an, indem es sensorische Materialität (Duft, Textur von Flechten) in die sterile Museumsumgebung einführt und die Besucher die lebendige biologische Präsenz bewusst wahrnehmen lässt.

Seine Arbeit zur Farbe veranschaulicht die oben aufgeführte vierte Strategie (Data/Witness). Die Colour experiments (2019) dekonstruiert historische figurative Landschaftsgemälde (wie die von Caspar David Friedrich) und behandelt sie als quantifizierbare Datenquellen. Durch Analyse, Extraktion und proportionale Verteilung der Farben auf abstrakte Leinwände schafft Eliasson einen reinen chromatischen "Datensatz" der Landschaft. Er bestätigt die Idee, dass Natur in codierte abstrakte Form übersetzt werden kann, eine Art forensische Kunstgeschichte.

Sein Projekt Your planetary assembly (2025) verwendet Scale/Immersion (Strategie 3) durch acht abstrakte Polyeder, deren Farben und Anordnung von Modellen des Sonnensystems inspiriert sind. Die Installation ist als öffentlicher Versammlungsort (Anspielung auf die Agora) konzipiert, wobei die räumliche Anordnung die Teilnehmer zwingt, ihre unmittelbare Umgebung im größeren kosmischen Kontext zu betrachten und abstrakte Geometrie sowie kosmische Kartierung mit der Idee der lokalen Gemeinschaft verbindet.

Eliassons Praxis stellt konsequent die Frage: Wie kann Kunst die Klimakrise nicht nur intellektuell verständlich, sondern auch körperlich erfahrbar machen? Sein Ansatz beweist, dass Konzeptkünstler Abstraktion als ihr primäres Mittel für Umweltbotschaften nutzen können, indem sie eindringliche Erfahrungen schaffen, die das intellektuelle Verstehen umgehen.

Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totems (2019)

Datenvisualisierung: Statistiken greifbar machen

Eine wachsende Bewegung von Künstlern nutzt Abstraktion als Werkzeug, um komplexe ökologische Daten in zugängliche Formen zu übersetzen. Diese "Öko-Visualisierung"-Praxis, ein Begriff, der 2005 von der Künstlerin Tiffany Holmes geprägt wurde, interpretiert Daten (Energieverbrauch, Verschmutzungsgrade, Artenverlust) durch technologische und künstlerische Mittel neu, um Verhalten zu beeinflussen. Dies setzt direkt Unsichtbares Sichtbar Machen (Strategie 1) und Farbe als Daten/Zeuge (Strategie 4) ein.

Alicja Biała und Iwo Borkowiczs Installation Totemy liefert ein direktes Beispiel. Diese neun Meter hohen Säulen verwenden Farbe, Form und Textur, um spezifische Klimastatistiken darzustellen: Fischereiausbeutung, Luftverschmutzung, Holzeinschlag. Dies ist eine klare Anwendung von Maßstab/Eintauchen (Strategie 3) durch imposante Höhe, Farbe als Daten/Zeuge (Strategie 4) durch codierte Farben für Statistiken und Unsichtbares Sichtbar Machen (Strategie 1), indem überwältigende Statistiken greifbar gemacht werden. Betrachter können das Ausmaß der Probleme visualisieren und dann QR-Codes scannen, um vollständige Dokumentationen zu erhalten, die abstrakte Ästhetik mit sachlichen Informationen verbinden.

ScanLAB Projects, das in London ansässige, von Künstlern geführte Studio, gegründet von Matt Shaw und William Trossell, nutzt 3D-Scanner, um abstrakte digitale Zeitrafferarbeiten von Naturstätten zu schaffen, wie etwa einen zusammenbrechenden Saguaro-Kaktus in der Sonora-Wüste. Der Klimawandel zeigt sich oft in Zeiträumen, die für das menschliche Wahrnehmungsvermögen zu langsam sind (Gletscher, die über Jahrzehnte schmelzen, Erosion über Jahrhunderte). ScanLABs abstrakter Zeitraffer löst dies, indem er Zeit manipuliert und komprimiert und so einen Prozess sichtbar macht, der auf menschlicher Skala normalerweise unsichtbar ist. Die Arbeit dient als dynamisches Archiv und macht den Begriff Unsichtbares Sichtbar Machen (Strategie 1) durch die Abstraktion der Dauer greifbar.

Mandy Barker - Bird's Nest - © Mandy Barker

Forensische Akkumulation: Mandy Barker

Die britische Künstlerin Mandy Barker hat eine eindrucksvolle konzeptuelle und fotografische Praxis entwickelt, die Akkumulation nutzt, um das globale Ausmaß der Meeresverschmutzung zu materialisieren. Obwohl ihr finales Medium die Fotografie ist, entstehen ihre abstrakten Kompositionen durch die bewusste Zusammenstellung und Schichtung von Tausenden gesammelter Plastikreste.

Barkers Werk verwendet direkt Wiederholung/Akkumulation (Strategie 5) und Material Witness (Strategie 2). Die Akkumulation ist nicht nur ästhetisch; sie ist forensisch und zielt darauf ab, das untragbare Ausmaß des Problems zu quantifizieren. Ihre Serie PENALTY: The World versammelte 992 Teile von Fußbällen und Meeresmüll aus 41 Ländern, um das globale Ausmaß des Problems zu veranschaulichen. Die Serie Hong Kong Soup: 1826 - Spilt dokumentiert massive Verschmutzungen, indem sie Kunststoffpellets (Nurdles) in die Komposition integriert, die als visuelle Zeugen der Kontamination fungieren.

Jedes einzelne Trümmerstück verwandelt sich in eine Einheit der globalen Mikro- und Makroplastik-Krise. Die Materialwahl (Abfall) wird zu einem ethischen Akt, der abstrakte Arbeit in physischen Beweis verwandelt und das Publikum einlädt, seinen Umgang mit Materialien und Konsum zu überdenken. Historisch waren Wiederholung und Akkumulation in der Kunst mit psychologischen Themen verbunden (zum Beispiel Yayoi Kusamas obsessive Ansammlungen). Im Umweltkontext erhält die Akkumulation eine kritische politische Bedeutung, die direkt mit der Anhäufung und Fragmentierung von Abfall, insbesondere Plastik, verknüpft ist.

Barkers abstrakte Kompositionen sind gleichzeitig schön und erschreckend. Die sorgfältige Anordnung von Trümmern in mandalaähnlichen Mustern oder Sternbildformen erzeugt eine visuelle Verlockung, die die Betrachter anzieht und dann den Schlag ins Mark liefert: Jedes Element ist Müll, jedes Stück ein Beweis für die ökologische Krise. Diese Strategie beweist, dass Abstraktion Schönheit und Dringlichkeit im selben Rahmen halten kann, wobei ästhetisches Vergnügen nicht als Ablenkung, sondern als Köder dient, der die Betrachter lange genug fesselt, damit die Botschaft ankommt.

Warum abstrakter Aktivismus wirkt: Affekt und Kognition

Die vergleichende Analyse dieser Praktiken zeigt, dass abstrakte Umweltkunst durch zwei Hauptmodelle erfolgreich ist, die jeweils unterschiedliche Kombinationen der sechs Strategien verwenden.

Das Affective Model (exemplarisch dargestellt durch Peerna) zeigt die Überlegenheit ritueller Praktiken (Strategie 6). Indem Jaanika Peerna eine ästhetische Struktur für ökologischen Kummer und kollektiven Verlust vorschlägt, bietet sie einen Weg, Trauer in ethisches Handeln zu verwandeln. Diese Strategie umgeht erfolgreich die Mediensättigung und die durch katastrophale Bilder ausgelöste emotionale Lähmung. Sie bietet, was konventionelle Klimakommunikation nicht kann: eine Möglichkeit, überwältigende Fakten zu konfrontieren, während die Seele geheilt und zum Handeln motiviert wird.

Das Cognitive Model (exemplarisch dargestellt durch Heidorn, Eliasson und eco-visualization Künstler) nutzt Abstraktion, um eine gesunde Beziehung zur Welt wiederherzustellen. Heidorn erreicht dies, indem er die Grenzen zwischen Beobachter und Beobachtetem auflöst und monumentalen Maßstab (Strategie 3) verwendet, um Demut vor biologischer Vitalität zu lehren. Eco-visualization nutzt Abstraktion, um unsichtbare Informationen (Daten) sichtbar zu machen (Strategie 4) und so das kognitive Verständnis komplexer oder langsamer Prozesse (wie ScanLABs Zeitraffer) zu ermöglichen. Eliasson schafft kontrollierte Umgebungen, in denen unsichtbare atmosphärische Kräfte zu greifbaren Erfahrungen werden.

Beide Modelle teilen eine entscheidende Erkenntnis: Abstraktion umgeht intellektuelles Verständnis, um ein viszerales, körperliches Wissen zu schaffen. Wenn Sie an der Erstellung einer Zeichnung teilnehmen, die dann vor Ihren Augen zerfällt, wenn Sie überwältigt vor einer monumentalen Leinwand mikroskopischen Lebens stehen, wenn Sie sorgfältig arrangierten Ozeanmüll begegnen, ist die Reaktion somatisch, nicht zerebral. Dies schafft das, was Forscher "somatische Empathie" nennen, eine tiefere Form des Verstehens, die im Körper lebt und zu Handlungen motiviert, wie es Statistiken und katastrophale Bilder nicht können.

Abstraktion als dringendes Zeugnis

Kann Abstraktion aktivistisch sein? Die Arbeiten von Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker und anderen beweisen eindeutig, dass sie es kann. Aber diese Praktiken zeigen auch, warum aktivistische Abstraktion selten bleibt: Sie erfordert die Lösung des "Botschaftsproblems", das die Figuration umgeht. Ohne Figuren oder Erzählungen müssen abstrakte Künstler andere Strategien finden: unsichtbare Systeme sichtbar machen, materielle Transformation als Metapher nutzen, durch Größe überwältigen, Informationen in Farbe codieren, Beweise durch Wiederholung ansammeln, Erfahrungen schaffen, die Beobachter in Teilnehmer verwandeln.

Die Herausforderung bleibt real. Abstraktion wird niemals mit der unmittelbaren Klarheit eines Fotos eines Kahlschlags oder eines Gemäldes eines Klimaflüchtlings kommunizieren. Aber diese Ansätze zeigen, dass Abstraktion etwas ebenso Wertvolles bietet: die Fähigkeit, Umweltkrisen durch Form, Material und Prozess zu bezeugen; Schönheit zu schaffen, die Dringlichkeit trägt; eine universelle visuelle Sprache zu sprechen; das Fühlbare zu machen, was nicht immer gesehen werden kann; Strukturen für Trauer, Heilung und ethisches Handeln bereitzustellen.

Für Betrachter und Sammler ist das Engagement mit aktivistischer Abstraktion selbst ein Akt des Zeugnisses. Wenn Sie Zeit mit Peernas Gletscher-Elegien oder Heidorns mikroskopischen Ökosystemen verbringen, wenn Sie Eliassons atmosphärischen Installationen oder Barkers Trümmer-Mandalas begegnen, nehmen Sie an einer anderen Art von Umweltbewusstsein teil, das im Körper, in der Empfindung, in dem Raum lebt, wo Schönheit und Dringlichkeit sich treffen. Wie diese Künstler zeigen, kann diese Teilnahme das Klima-Engagement von überwältigender Verzweiflung in strukturierte Trauer verwandeln, von passiver Beobachtung in kollektive Heilung, von Entfremdung in Wiederverbindung.

Aktivistische Abstraktion ist möglich. Sie ist schwierig, sie ist selten, aber wenn sie erreicht wird, bietet sie Formen des Umweltzeugnisses, die die Figuration nicht erreichen kann. Da die Klimakrise alle Stimmen fordert, beweisen diese Künstler, dass die Abstraktion wesentliche Beiträge leisten kann, nicht trotz ihres Widerstands gegen explizite Botschaften, sondern wegen dessen, was dieser Widerstand, wenn er überwunden wird, ermöglicht.

Jaanika Peerna und Reiner Heidorn werden von IdeelArt vertreten. 

Ausgewähltes Bild: Wetland von Reiner Heidorn (2023)

Von Francis Berthomier

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