Frank Auerbachs Landschaften und Porträts in New York

Eine kompakte und elegante Ausstellung von Gemälden des großen britischen Malers Frank Auerbach ist derzeit in der Timothy Taylor New York zu sehen. Frank Auerbach: Landschaften und Porträts untersucht mehrere Jahrzehnte der langen Karriere eines der einflussreichsten Maler in Großbritannien heute. Auerbach malt seit mehr als sechs Jahrzehnten, doch bemerkenswert an dieser Ausstellung ist die Konsistenz, die sie vermittelt – ein Zeugnis für diesen besonderen Künstler, dessen visueller Stil sich im Laufe der Zeit sowohl weiterentwickelt als auch beständig geblieben ist. Jetzt, in seinen späten 80ern, arbeitet Auerbach seit mehr als einem halben Jahrhundert in demselben Atelier in Nord-London. In dieser Zeit hat er sich hauptsächlich auf zwei allgemeine Arten von Motiven konzentriert: die lokale Landschaft und eine ausgewählte Anzahl von Modellen. Die Beschreibungen dessen, wie es ist, für Auerbach zu posieren, die von denen gegeben wurden, die das Vergnügen hatten, sind nicht glamourös. Einige beschreiben es als ähnlich einem langen medizinischen Eingriff; andere haben die Umgebung, in der Auerbach arbeitet, als etwas beschrieben, das einem urzeitlichen Labor ähnelt, das mit schmieriger Farbe durchtränkt ist. Dennoch gilt es als Ehre, für den großen Auerbach zu posieren. Diese Tatsache hat etwas mit der Natur dessen zu tun, was dieser Maler in seiner langen Karriere erreicht hat. Er arbeitet jeden Tag, sieben Tage die Woche, einen vollen Tag in seinem Atelier. Sein Engagement und seine Konzentration haben ihn mit dem, was für ihn wesentlich ist, in Berührung gebracht. Sein persönlicher Stil ist so prägnant und wiedererkennbar, dass man, sobald man ein einziges Auerbach-Gemälde sieht, für immer alle anderen sofort erkennen wird. Und doch ist jedes Auerbach-Gemälde auch unbestreitbar einzigartig. Während er einen einzigartigen, charakteristischen Stil entwickelt hat, hat dieser Künstler auch eine empathische Intuition geschärft, die es ihm ermöglicht, das Wesen seiner Motive zu destillieren, was ihm erlaubt, mindestens eine wahre Sache über das, wer oder was sie sind, zu vermitteln.

Eine viszerale Liebe zur Farbe

Das erste, was mir auffällt, wenn ich ein Auerbach-Gemälde betrachte, ist die Dicke der Farbe. Seine Impasto-Oberflächen scheinen die Grenzen dessen herauszufordern, wie viel Medium aufgetragen werden kann, bevor ein Gemälde zu etwas anderem wird. Aus der Nähe wird das Aroma der Materialien Teil des Erlebnisses, während die Schatten, die durch die malerischen Erhebungen entstehen, jede detaillierte Betrachtung des Bildes verzerren. Aus der Ferne verliert das Medium an Bedeutung, und die Seele des Motivs offenbart sich. Auerbach beabsichtigt, dass Sie auf diese viszerale Weise mit seinen Gemälden interagieren. Ob es die Farbe, die Textur oder das Zusammenspiel von Farbe und Licht ist, das Sie anzieht, er möchte, dass Sie auf einer intuitiven Ebene mit dem Werk in Verbindung treten. Wie er einmal sagte: „Ich bin sehr überzeugt, dass ein Gemälde funktionieren muss, bevor Sie die Chance haben, es zu lesen.“

Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York.

Der Prozess, durch den Auerbach zu seinen fertigen Bildern gelangt, ist zeitaufwendig und mühsam. Seine Landschaften werden nicht aus dem Leben gemalt – er skizziert die Szene und arbeitet dann von dieser Skizze aus. Nachdem er ein Gemälde scheinbar vollendet hat, kehrt er am nächsten Tag dazu zurück und ist fast nie zufrieden. Also kratzt er die oberste Farbschicht ab und beginnt von neuem. Die abgeschabte Leinwand behält ein Echo der Komposition – eine wesentliche, abstrahierte Erinnerung an das, was zuvor war. Jeden Tag baut er auf dieser Erinnerung auf und fügt neue Eindrücke hinzu. Schließlich hat das fertige Gemälde ein Gewicht, eine echte Körperlichkeit. Es behauptet seine Geschichte, während vergangene Schichten durchscheinen und den Eindruck von etwas vermitteln, das einen eigenen Geist zu haben scheint. Dies ist der Prozess von jemandem, der neugierig auf Menschen und Orte ist und der Farbe liebt und versteht.

Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York.

Addieren und Subtrahieren

Bildlich gesprochen zeigt die Kuratierung der Auerbach-Werke, die bei Timothy Taylor zu sehen sind, einen weiteren Aspekt dessen, was Auerbach einzigartig macht – die additiven und reduktiven Aspekte seiner Arbeitsweise. Betrachten Sie diese beiden Gemälde desselben Modells: „Head of JYM“ (1984) und „J.Y.M Seated in the Studio III“ (1988). Beide Bilder sind hoch mit dicken Farbschichten aufgetürmt. Sie veranschaulichen das Paradox, dass je mehr Farbe Auerbach hinzufügt, desto mehr wird das Bild auf fast null Details reduziert. Auf den ersten Blick sind die Figuren in diesen beiden Gemälden so reduziert, dass sie fast in totale Abstraktion aufgelöst werden. Aber je länger Sie die Bilder bewundern, desto mehr emotionale Details nehmen Sie wahr. Sie erkennen allmählich, dass die Energie der Figur in jedem Gemälde dieselbe ist, obwohl das Erscheinungsbild kaum ähnlich ist. Das ist die geheime additive Kraft der Reduktion, die Auerbach gemeistert hat – indem er die Optik vereinfacht, fügt er dem Gefühl hinzu. Je weniger Details er zeigt, desto mehr innere Lebendigkeit offenbart er auf irgendeine Weise.

Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York.

Der gleiche Effekt ist in mehreren der Landschaftsgemälde dieser Ausstellung sichtbar, wie zum Beispiel in „Koko, Mornington Crescent, Sommermorgen“ (2006). Reduziert auf kaum mehr als eine Reihe von Linien und gewundenen Pinselstrichen, erscheint dieses Gemälde rein abstrakt. Aber je länger man auf die Impasto-Schichten starrt, desto mehr entfaltet der Druck und Zug der Farben seine Magie, und desto mehr wird die Konstruktion des Raumes offensichtlich. Langsam offenbart sich eine städtische Umgebung, aber nicht rein urban. Auch natürliche Elemente sind vorhanden, zusammen mit dem Gefühl von Tageslicht, das ein parkähnliches Gefühl hervorruft. Diese Gemälde erinnern mich daran, wie Ernest Hemingway einmal Schriftstellern riet, dass sie eigentlich nur „einen wahren Satz“ schreiben müssten. Auerbach verkörpert die malerische Version dieses Ratschlags. Jedes Gemälde, das er schafft, zeigt etwas Wesentliches über das Sujet – eine wahre Sache. Und wie diese Ausstellung ebenfalls deutlich macht, ist jedes Gemälde auch ein Blick auf Auerbach selbst. In dieser Vereinigung geschieht etwas Magisches – Auerbach wird eins mit seinen Motiven, eine Gemeinschaft, die sich immer im Farbauftrag zeigt. Frank Auerbach: Landschaften und Porträts ist bis zum 23. Juni 2018 in Timothy Taylor New York zu sehen.

Titelbild: Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York

Von Phillip Barcio