Frank Auerbachs Landschaften und Porträts in New York

Eine kompakte und elegante Ausstellung von Gemälden des großen britischen Malers Frank Auerbach ist derzeit bei Timothy Taylor New York zu sehen. Frank Auerbach: Landschaften und Porträts beleuchtet mehrere Jahrzehnte der langen Laufbahn eines der einflussreichsten Maler Großbritanniens heute. Auerbach malt seit mehr als sechs Jahrzehnten, doch bemerkenswert an dieser Ausstellung ist die Beständigkeit, die sie vermittelt – ein Zeugnis für diesen besonderen Künstler, dessen Bildstil sich auf wundersame Weise sowohl entwickelt als auch über die Zeit hinweg beständig geblieben ist. Nun in seinen späten 80ern, arbeitet Auerbach seit mehr als einem halben Jahrhundert im selben Atelier in Nord-London. In dieser Zeit hat er sich hauptsächlich auf zwei allgemeine Arten von Motiven konzentriert: die lokale Landschaft und eine ausgewählte Anzahl von Modellen. Die Beschreibungen dessen, wie es ist, für Auerbach zu posieren, die von denen gegeben wurden, die das Vergnügen hatten, sind nicht glamourös. Einige beschreiben es als eine langwierige medizinische Prozedur; andere haben die Umgebung, in der Auerbach arbeitet, als etwas Ähnliches wie ein urzeitliches Labor beschrieben, das von schmierigem Farbauftrag durchdrungen ist. Dennoch gilt es als Ehre, für den großen Auerbach zu posieren. Diese Tatsache hängt mit der Natur dessen zusammen, was dieser Maler in seiner langen Karriere erreicht hat. Er arbeitet jeden Tag den ganzen Tag, sieben Tage die Woche in seinem Atelier. Seine Hingabe und Konzentration haben ihn mit dem Wesentlichen seiner selbst in Berührung gebracht. Sein persönlicher Stil ist so prägnant und wiedererkennbar, dass man, sobald man ein einziges Auerbach-Gemälde gesehen hat, alle anderen sofort wiedererkennen wird. Und doch ist jedes Auerbach-Gemälde auch unbestreitbar einzigartig. Während er einen unverwechselbaren Stil für sich geschaffen hat, hat dieser Künstler auch eine einfühlsame Intuition geschärft, die es ihm ermöglicht, das Wesen seiner Motive zu destillieren, was ihm erlaubt, zumindest eine wahre Sache über sie oder was sie sind, zu vermitteln.

Eine sinnliche Liebe zur Farbe

Das Erste, was mir bei einem Auerbach-Gemälde auffällt, ist die Dicke der Farbe. Seine pastosen Oberflächen scheinen die Grenzen dessen herauszufordern, wie viel Farbe aufgetragen werden kann, bevor ein Gemälde etwas anderes wird. Aus der Nähe wird der Geruch der Materialien Teil des Erlebnisses, da die Schatten, die durch die malerischen Erhebungen entstehen, jede detaillierte Betrachtung des Bildes verzerren. Aus der Ferne verliert das Material an Bedeutung, und die Seele des Motivs offenbart sich. Auerbach möchte, dass man auf diese sinnliche Weise mit seinen Gemälden interagiert. Ob es die Farbe, die Struktur oder das Zusammenspiel von Farbe und Licht ist, das einen anzieht, er möchte, dass man auf einer intuitiven Ebene eine Verbindung zum Werk herstellt. Wie er einmal sagte: „Ich fühle sehr stark, dass ein Gemälde funktionieren muss, bevor man die Chance hat, es zu lesen.“

Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York

Der Prozess, durch den Auerbach zu seinen fertigen Bildern gelangt, ist zeitaufwendig und mühsam. Seine Landschaften malt er nicht nach der Natur – er skizziert die Szene und arbeitet dann von dieser Skizze aus. Nachdem er scheinbar ein Gemälde vollendet hat, kehrt er am nächsten Tag zurück und ist fast nie zufrieden. Also kratzt er die oberste Farbschicht ab und beginnt von neuem. Die abgekratzte Leinwand bewahrt einen Widerhall der Komposition – eine wesentliche, abstrahierte Erinnerung an das Vorherige. Jeden Tag baut er auf dieser Erinnerung auf und fügt neue Eindrücke hinzu. Schließlich hat das fertige Gemälde ein Gewicht, eine echte Körperlichkeit. Es behauptet seine Geschichte, da frühere Schichten durchscheinen und den Eindruck von etwas vermitteln, das seinen eigenen Geist zu haben scheint. Dies ist der Prozess eines Menschen, der neugierig auf Menschen und Orte ist und Farbe liebt und versteht.

Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York

Hinzufügen und Wegnehmen

Bildlich gesprochen zeigt die Zusammenstellung der bei Timothy Taylor ausgestellten Auerbach-Werke einen weiteren Aspekt dessen, was Auerbach einzigartig macht – die additiven und reduktiven Aspekte seiner Arbeitsweise. Betrachten Sie diese zwei Gemälde desselben Modells: „Kopf von JYM“ (1984) und „J.Y.M sitzend im Atelier III“ (1988). Beide Bilder sind mit dicken Farbschichten überhäuft. Sie veranschaulichen das Paradox, dass je mehr Farbe Auerbach aufträgt, desto mehr wird das Bild auf fast null Details reduziert. Auf den ersten Blick sind die Figuren in diesen beiden Gemälden so stark vereinfacht, dass sie fast in völlige Abstraktion aufgelöst erscheinen. Doch je länger man die Bilder betrachtet, desto mehr emotionale Details nimmt man wahr. Man erkennt allmählich, dass die Energie der Figur in jedem Gemälde dieselbe ist, obwohl das Aussehen kaum ähnlich ist. Dies ist die geheime additive Kraft der Reduktion, die Auerbach gemeistert hat – indem er die Optik vereinfacht, fügt er dem Gefühl hinzu. Je weniger Details er zeigt, desto mehr inneres Leben offenbart er auf wundersame Weise.

Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York

Der gleiche Effekt ist in mehreren der Landschaftsgemälde dieser Ausstellung sichtbar, wie zum Beispiel „Koko, Mornington Crescent, Sommermorgen“ (2006). Reduziert auf kaum mehr als eine Reihe von Linien und gekringelten Pinselstrichen, wirkt dieses Gemälde rein abstrakt. Doch je länger man die pastosen Schichten betrachtet, desto mehr entfaltet sich der Zauber des Farbenspiels, und desto deutlicher wird die Konstruktion des Raumes. Langsam offenbart sich eine städtische Umgebung, aber nicht rein städtisch. Natürliche Elemente sind ebenfalls vorhanden, zusammen mit dem Gefühl von Tageslicht, das eine parkähnliche Atmosphäre hervorruft. Diese Gemälde erinnern mich daran, wie Ernest Hemingway einst Schriftstellern riet, dass sie eigentlich nur „einen wahren Satz schreiben“ müssten. Auerbach verkörpert die malerische Version dieses Rates. Jedes Gemälde, das er schafft, zeigt etwas Wesentliches über das Motiv – eine wahre Sache. Und wie diese Ausstellung ebenfalls deutlich macht, ist jedes Gemälde auch ein Blick auf Auerbach selbst. In dieser Verbindung geschieht etwas Magisches – Auerbach wird eins mit seinen Motiven, eine Gemeinschaft, die sich immer in der Farbe zeigt. Frank Auerbach: Landschaften und Porträts ist noch bis zum 23. Juni 2018 bei Timothy Taylor New York zu sehen.

Titelbild: Frank Auerbach: Landschaften und Porträts, Installationsansicht bei Timothy Taylor New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von Timothy Taylor New York

Von Phillip Barcio