Lyrische Abstraktion: Die Kunst, die sich weigert, kalt zu sein

Tokio, 1957. Georges Mathieu, barfuß, in einen Kimono gehüllt, sein langer Körper wie eine gespannte Feder, die kurz davor ist, loszulassen, steht vor einer acht Meter hohen Leinwand. Er wurde von Jiro Yoshihara von der Gutai Art Association eingeladen, der Avantgarde-Gruppe, die Kunst als reine Materialbegegnung predigt. Das Publikum beobachtet. Mathieu skizziert nicht, plant nicht, zögert nicht. Er greift nach der Farb tube. Er drückt sie direkt auf die Oberfläche. Sein Arm schwingt. Ein kalligraphischer Wirbel bricht aus. Innerhalb von Minuten entsteht La Bataille de Hakata. Er wird zwanzig weitere Leinwände malen, bevor er seinen Rückflug antritt. Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Georges Mathieu malt die Bataille de Bouvines - 25. April 1954 - ©Robert Descharnes

Wenn diese Szene Sie anspricht – das Risiko, der Schweiß, die Farbe, die nicht unberührt bleiben kann –, dann sind Sie bereits mitten im Argument dieses Essays. Für Leser, die an wichtigen Fakten zur lyrischen Abstraktion interessiert sind, bietet unser sehr ausführliches FAQ am Ende alle Informationen.

Zweimal geboren, immer in Opposition

Die lyrische Abstraktion entstand nicht aus dem Nichts. Sie wurde aus einer spezifischen, körperlichen Abneigung gegen Kälte geboren. Die erste Geburt fand 1947 in Paris statt, einer Stadt, die noch unter den Folgen der Nazi-Besatzung litt. Der Kritiker Jean José Marchand und der Maler Georges Mathieu prägten den Begriff Abstraction Lyrique, um die Werke zu beschreiben, die in „L'Imaginaire“ in der Galerie du Luxembourg gezeigt wurden: Gemälde, die, wie Marchand beobachtete, einen vom Joch aller Knechtschaft losgelösten Lyrismus zeigten. Keine Knechtschaft gegenüber der Geometrie. Keine Knechtschaft gegenüber dem rationalen Raster, das in seiner perversesten politischen Ausprägung gerade versucht hatte, Europa zu ermorden. Die Geste war ein Akt des Überlebens: der Pinselstrich als Beweis für die fortwährende menschliche Präsenz.

Die zweite Geburt fand 1969 in New York statt, und der Feind hatte sich verändert, aber es war immer noch kalt. Der amerikanische Kritiker und Sammler Larry Aldrich veröffentlichte in Art in America den Artikel „Young Lyrical Painters“ und benannte eine Generation von Malern, die von der eisigen Perfektion des Minimalismus und der kalkulierten Ironie der Pop Art erschöpft waren. Das Whitney Museum kodifizierte die Bewegung 1971 mit einer umfassenden Ausstellung. Wieder: Wärme, die sich gegen ein System erhebt. Jedes Mal, wenn die lyrische Abstraktion auftauchte, geschah dies nicht als Stil, sondern als Weigerung: die Weigerung, die Malerei zu einem Konzept ohne Körper, einer Form ohne Puls werden zu lassen.

Diese doppelte Genealogie (Paris 1947 / New York 1969) ist mehr als historische Trivia. Sie offenbart etwas Strukturelles darüber, was lyrische Abstraktion ist. Es ist eine Bewegung, die sich gegen etwas anderes definiert, was bedeutet, dass ihre Identität ständig lebendig und reaktiv ist. Betrachten Sie Martin Reyna, einen in Argentinien geborenen Maler, der seit Jahrzehnten in Paris lebt und arbeitet. Seine Encre- und verdünnten Acrylfarben sind gleichzeitig komponiert und freigegeben: Reyna schafft eine Struktur: ein Territorium, einen Rhythmus, eine Reihe von Bedingungen, und lässt dann die Farbe darin nach ihrer eigenen Logik bewegen, wobei die endgültige Oberfläche gleichermaßen den Entscheidungen des Künstlers und der Farbe gehört. Wenn man eine Leinwand von Reyna betrachtet, spürt man den Widerstand, nicht gegen eine bestimmte historische Bewegung, sondern gegen die Vorstellung der Malerei als etwas Abgeschlossenes und Entschiedenes. Er ist in diesem Sinne ein direkter Erbe der Pariser Ablehnung von 1947.

Martin Reyna - L'Ile - 2023

Was der Körper weiß

Das unterscheidet die lyrische Abstraktion von anderen Formen expressiver Malerei: Prozess ist kein Mittel, er ist die Botschaft.

Mathieus „Tubismus“ (Farbe direkt aus der Tube mit Geschwindigkeit herauszupressen) war kein technischer Trick. Es war eine philosophische Erklärung: keine Vermittlung zwischen Impuls und Oberfläche. Jean-Paul Riopelle, das kanadische Mitglied des Art Informel-Kreises in Paris, schaffte den Pinsel ganz ab und arbeitete nur mit dem Spachtel, baute dicke Mosaik-Impasto-Schichten aus Farbe auf, die hartnäckig und materiell präsent wirken. Helen Frankenthaler ging in die entgegengesetzte Richtung: Ihre Soak-Stain-Technik goss Pigment auf rohen, ungeprimten Leinwand, sodass die Farbe aufgenommen statt aufgetragen wurde und die Grenze zwischen Malerei und Träger völlig zusammenbrach. Jede dieser Methoden ist eine andere Wette gegen Kontrolle, eine andere Art, den Körper sprechen zu lassen, bevor der Verstand eingreifen kann.

Diese körperzentrierte Logik ist genau das, was man in den Werken von Macha Poynder, der in Paris ansässigen Malerin, sieht und fühlt, die ihre Leinwände durch performative Gesten, automatisches Zeichnen und intuitive Farbwahl aufbaut, die sie eher als Ausdruck des Unbewussten denn des Intellekts beschreibt. Ihre Oberflächen verbinden Bereiche scheinbarer Zufälligkeit, in denen Farbe gespritzt oder getropft wurde, mit Zonen bewusster Präzision, die von einer geschulten Hand aufgetragen wurden, und die Spannung zwischen diesen beiden Zuständen ist das Gemälde. Poynder vergleicht ihren Prozess mit der Entstehung von Musik: nicht im Voraus komponiert, sondern im Tun entdeckt. Ihre Werke befinden sich in den Dauersammlungen des Centre Pompidou und des Rijksmuseums, was darauf hindeutet, dass auch Institutionen den Unterschied zwischen einem Gemälde, das aufgeführt wurde, und einem, das nur hergestellt wurde, spüren können.

Macha Poynder - Far Away -  2026

Janise Yntema, die in Brüssel mit Enkaustik-Wachs (Bienenwachs, das aufgetragen und mit einem Brenner verschmolzen wird) arbeitet, bewegt sich in einer ähnlich spannungsgeladenen Zone zwischen Kontrolle und Loslassen. Das Wachs verhält sich: bis zu einem gewissen Punkt. Dann kommt die Hitze, und was platziert wurde, wird zu dem, was es wird. Jede halbtransparente Schicht fängt das Licht unterschiedlich ein, sodass das Betrachten einer Yntema-Leinwand wie das Hineinblicken in etwas von innen Beleuchtetes ist. Der Moment zwischen Steuerung und Zufall ist kein Problem, das sie zu lösen versucht; er ist das gesamte Thema. Und in Brooklyn arbeitet Emily Berger an Holztafeln (siehe Titelbild) mit Ölfarbe in breiten horizontalen Gesten, die ihren ganzen Arm einbeziehen (Kratzen, Verreiben, Ziehen), sodass jede Markierung eindeutig das Ergebnis eines physischen Engagements ist. Ihre Oberflächen, so hat Berger gesagt, feiern die Hand des Künstlers. In einer Zeit, die oft die Hand unsichtbar bevorzugt, ist dies keine ästhetische Vorliebe. Es ist eine Haltung.

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer, ein in Österreich geborener Maler mit Sitz in Belgrad, bringt eine weitere Nuance in die Frage von Körper und Prozess ein. Seine Gemälde bewegen sich über verschiedene Register, von präziser, fast architektonischer Zeichnung bis hin zu weiten atmosphärischen Farbfeldern, doch in jedem Modus ist die Spur bedacht, ohne kalkuliert zu sein, die Oberfläche entsteht durch echte körperliche Auseinandersetzung und nicht durch einen vorbestimmten Plan. Landauer beschreibt seine Praxis als einen Ausgrabungsprozess: Der Umzug nach Belgrad gab ihm die Distanz, vertraute Dinge zu hinterfragen, und dieses Hinterfragen zeigt sich in Oberflächen, die zugleich konstruiert und entdeckt wirken.

Paul Landauer - Movement - 2023

Die Welt wartete nicht auf Paris oder New York

Einer der hartnäckigen Mythen der Kunstgeschichte ist, dass Bewegungen an einem Ort entstehen und sich „verbreiten“, als wäre Kultur eine Art Ansteckung. Die lyrische Abstraktion verkompliziert dieses Modell erheblich. Die Gutai-Gruppe in Japan war kein Satellit des französischen Art Informel: Sie war eine parallele Erfindung, getrieben von ihrer eigenen Nachkriegsdringlichkeit, ihrer eigenen Begegnung mit Materie und Performance. Kazuo Shiraga malte mit den Füßen, an Seilen über der Leinwand hängend. Als Mathieu 1957 in Tokio ankam, trafen zwei gleichermaßen ausgereifte Sensibilitäten aufeinander, kein Lehrer und seine Schüler.

Zao Wou-Ki, der in China geborene Maler, der nach seinem Studium in Hangzhou in Paris sesshaft wurde, verband die spontane Energie der orientalischen Tuschepraxis mit den räumlichen Ambitionen des europäischen Art Informel auf eine Weise, die keine der beiden Traditionen allein hätte hervorbringen können. Seine großformatigen Leinwände sind zugleich kalligraphisch und atmosphärisch, eine Art Malerei ohne Vorbild, weil sie genau seine Biografie, genau seinen Schnittpunkt erforderte. In Kanada veröffentlichten Riopelle und die Automatistes 1948 ihr Manifest Refus Global, das die provinziellen kirchlichen Autoritäten zugunsten einer experimentellen, säkularen Kunstvision ablehnte – ein weiteres kaltes System wurde abgelehnt, eine weitere Geste der Wärme bekräftigt.

Heute treibt Yari Ostovany, geboren in Teheran und jetzt in San Francisco tätig, diese globale Synthese voran. Seine Gemälde bauen Pigmente in dichten, atmosphärischen Schichten auf, waschen sie dann zurück, kratzen sie ab, lösen und rekonstituieren Oberflächen, bis sie etwas tragen, das sich alt anfühlt, ohne archäologisch zu sein. Ostovany spricht von persischer Poesie als prägender Einfluss, und dieser Einfluss ist in den von ihm geschaffenen Oberflächen lesbar: Tiefen, die sich öffnen und schließen, Farben, die erscheinen und dann zurückziehen, eine Oberfläche, die sich nie ganz in Ruhe auflöst. Sein Werk ist weder amerikanisches Color Field noch iranische Miniatur noch etwas dazwischen: Es ist genau es selbst, eine Sensibilität, die nur durch globale Konvergenz entstehen konnte.

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

Die dritte Kälte: Lyrische Abstraktion und die zeitgenössische Welt

In der zeitgenössischen Kunstwelt des frühen einundzwanzigsten Jahrhunderts steht die lyrische Abstraktion vor ihrer dritten Kälte. Die erste war das rationalistische Raster. Die zweite war die reduktive Logik des Minimalismus. Die dritte ist das algorithmische Bild, technisch makellos, sofort erzeugt, generiert aus statistischen Verteilungen dessen, was die menschliche visuelle Kultur bereits hervorgebracht hat. Das KI-generierte Bild ist das kälteste von allen: Es birgt kein Risiko, keine Verpflichtung, keinen Körper. Es kann nicht scheitern. Was bedeutet, dass es in keinem sinnvollen Sinne Erfolg haben kann.

Eine Leinwand von Poynder trägt die Spur einer Geste, die in einem bestimmten Moment, in einem bestimmten Zustand von Körper und Geist gemacht wurde und nicht wiederholt werden kann. Ein Landauer-Gemälde hält die biometrische Spur von Gesten fest, die in der besonderen Zeit eines bestimmten Körpers gezählt und ausgeführt wurden. Ein Werk von Jill Moser, dessen lyrische, kalligraphische Zeichen den Raum zwischen Malerei und Schriftsprache, zwischen Bild und der Bedeutung, die Worten vorausgeht, durchqueren, konnte nicht durch einen Prozess entstehen, der von Berechnung zur Ausführung führt. Diese Gemälde sind nicht das Produkt einer algorithmischen Vorhersage, wie ein Gemälde aussehen sollte. Sie sind das, was passiert, wenn ein menschlicher Körper unter Bedingungen echter Unsicherheit auf Materialien trifft.

Jill Moser - Gemälde - 2007

Das ist keine Kleinigkeit. Es ist tatsächlich das Ganze. Lyrische Abstraktion war nie eine bestimmte Stilrichtung oder Technik. Es ging immer um die Beharrlichkeit, dass Malerei ein Ereignis ist, kein Produkt: die Markierung auf der Oberfläche ist der Beweis für ein gelebtes Leben, ein eingegangenes Risiko, einen Moment, der sich nicht aus statistischen Daten rekonstruieren lässt. Gegen die dritte Kälte ist diese Beharrlichkeit nicht nostalgisch. Sie ist notwendig.

Von Francis Berthomier

Mehr Malerei, die sich weigert, kalt zu sein

Die zeitgenössischen Künstler, die in diesem Essay vorgestellt werden (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer und Jill Moser), sind eine persönliche Auswahl aus der größeren Gemeinschaft lyrischer und gestischer Maler, die von IdeelArt vertreten wird. Viele andere Künstler in der Sammlung teilen diese Sensibilität. 

Für Sammler, die lyrische Abstraktion durch heute verfügbare Werke erkunden möchten, hält IdeelArt eine exklusive Sammlung von über 700 gestischen und lyrischen abstrakten Kunstwerken bereit , die Sie durch Klicken hier entdecken können.

Lyrische Abstraktion: Häufig gestellte Fragen

Für Leser, die die Fakten wollen, und für Google, das sie auch will.

1. Was ist lyrische Abstraktion?

Lyrische Abstraktion ist eine Form der nicht-figurativen Malerei, die Spontaneität, emotionale Intensität und die sichtbare Spur der Geste des Künstlers über geometrische Struktur oder intellektuelles System stellt. Sie existiert in zwei historisch unterschiedlichen, aber philosophisch verwandten Versionen. Die europäische Version, Abstraction Lyrique, entstand im Nachkriegs-Paris Ende der 1940er Jahre als Unterströmung des Art Informel und feierte die instinktive Markierung als Ausdruck menschlicher Freiheit nach dem Trauma von Besatzung und Totalitarismus. Die amerikanische Version wurde Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre vom Sammler Larry Aldrich identifiziert und kristallisierte sich in der Ausstellung des Whitney Museums 1971 heraus, diesmal als Reaktion gegen den klinischen Reduktionismus des Minimalismus und die ironische Distanzierung der Pop Art. Beide Versionen teilen das Engagement für Fluidität, Farbe und das, was man „produktiven Zufall“ nennen könnte: den Moment, in dem das Gemälde etwas tut, das der Maler nicht vollständig geplant hat, und dieses Ungeplante wird beibehalten, weil es wahrhaftiger ist als alles, was der Plan hervorgebracht hätte. Visuell tendiert die lyrische Abstraktion zu atmosphärischem Raum, gestischen oder malerischen Markierungen und einem allgemeinen Bewegungsempfinden, im Gegensatz zu den harten Kanten, gezogenen Linien und berechneten Symmetrien der geometrischen Abstraktion.

Ausstellungskatalog - Whitney Museum - Lyrische Abstraktion - 1971 - Katalog durchsuchen

2. Was ist der Unterschied zwischen lyrischer Abstraktion und abstraktem Expressionismus?

Die Verwirrung ist verständlich: Beide Bewegungen feiern die Geste, den Körper und emotionale Direktheit, aber die Unterschiede sind real und wichtig. Der Abstrakte Expressionismus, wie er sich ab Mitte der 1940er Jahre in New York entwickelte, war häufig von einer heroischen, ja gewalttätigen Energie geprägt: die Action Painting-Technik von Pollock, die monumentale Konfrontation der Figur-in-Abstraktion von de Kooning, die Erhabenheit der Farbfelder von Rothko. Er war mit einer bestimmten (und ziemlich machohaften) Mythologie des Künstlers als existenziellen Kämpfer verbunden. Die lyrische Abstraktion, besonders die amerikanische Version der späten 1960er Jahre, war teilweise eine Reaktion gegen diese Orthodoxie. Sie war fließender, poetischer, mehr auf Schönheit als legitimes Ziel an sich ausgerichtet. Künstler wie Helen Frankenthaler, Joan Mitchell und Dan Christensen arbeiteten in Tonlagen, die leichter, durchscheinender und, um den Begriff genau zu verwenden, lyrischer waren. Der Unterschied ist kein Frage der Ernsthaftigkeit; es ist eine Frage des Tons. Wenn der Abstrakte Expressionismus Jazz in voller Lautstärke ist, ist die lyrische Abstraktion derselbe Jazz, gespielt in einem Raum mit offenen Fenstern.

Mark Rothko in der Fondation Louis Vuitton - Dezember 2023 - ©IdeelArt

3. Wer prägte den Begriff "lyrische Abstraktion"?

Der Begriff wurde 1947 in Paris vom Kunstkritiker Jean José Marchand und dem Maler Georges Mathieu geprägt, um die Werke der Ausstellung "L'Imaginaire" in der Galerie du Luxembourg zu beschreiben. Marchand verwendete ihn, um ein Gefühl von Malerei zu vermitteln, die sich von aller "Dienstbarkeit" befreit hatte: von der Figuration, von Theorien, von den Restforderungen der Vorkriegsstile. Der Begriff wurde später unabhängig in den Vereinigten Staaten von Larry Aldrich, dem amerikanischen Sammler und Gründer des Aldrich Contemporary Art Museum, in seinem Artikel "Young Lyrical Painters" 1969 in Art in America wiederbelebt. Obwohl Aldrich wahrscheinlich die europäische Verwendung kannte, war seine Übernahme des Begriffs durch einen anderen kritischen Kontext motiviert: den Wunsch, eine post-minimalistische Sensibilität zu benennen und nicht eine postkriegs-europäische.

Aus dem Ausstellungskatalog - Highlights der Kunstsaison 1968-69 - Aldrich Museum of Modern Art - Katalog durchblättern 

4. Wer sind die wichtigsten Künstler der lyrischen Abstraktion?

Auf europäischer Seite gehören zu den Gründungsfiguren Georges Mathieu, der sich selbst als Begründer bezeichnete und berühmt für seine theatralischen Performances und Tubismus-Technik ist, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), dessen rohe, improvisierte Spuren den Nihilismus der Nachkriegszeit widerspiegelten, Hans Hartung, dessen schnelle, disziplinierte Striche den freien Willen durch Geschwindigkeit erforschten, Jean-Paul Riopelle, der kanadischstämmige Pariser, dessen Mosaike mit Malmesser ikonisch wurden, Zao Wou-Ki, dessen Synthese aus orientalischer Kalligrafie und Art Informel einzigartig war, und Simon Hantaï, der innerhalb der lyrischen Abstraktion begann, sie 1958 jedoch ganz verließ, um seine eigene Pliage-Technik zu entwickeln – eine der singulärsten Entwicklungen der Nachkriegs-Malerei. Auf amerikanischer Seite zählen zu den Schlüsselpersonen Helen Frankenthaler, Erfinderin der Soak-Stain-Technik, Sam Francis, dessen tachistische Farbspritzer buddhistische Lehren vom Nichts aufnahmen, Joan Mitchell, die Action Painting mit impressionistischer Farbempfindung verband, Dan Christensen, der Industriespritzpistolen für leuchtende Schleifen einsetzte, und Ronnie Landfield, der den Begriff „new sensibility“ prägte, um das Schaffen seiner Generation zu beschreiben.

Riopelle - Chevreuse - 1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, September 2023 - © IdeelArt

5. Welche Techniken definieren die lyrische Abstraktion?

Prozess und Technik sind für die lyrische Abstraktion zentral, fast schon definitorisch: das Wie ist untrennbar vom Was. Mathieus "Tubismus" (Farbe direkt aus der Tube schnell aufgetragen, ohne Vorzeichnung) maximierte gleichzeitig Spontaneität und kalligrafische Präzision. Riopelle arbeitete ausschließlich mit dem Malmesser und schuf dichte, skulpturale Impasto-Oberflächen, die Mosaiken oder geologischen Schichten ähneln. Frankenthaler goss verdünnte Farbe auf ungrundierte Leinwand, sodass sie in das Gewebe einsog und die Unterscheidung zwischen Oberfläche und Grund aufhob. Christensen nutzte eine Industriespritzpistole, um durchgehende, geschwungene Linien zu erzeugen, die über die physische Reichweite des Arms hinausgingen. Jüngst verbinden Künstler wie Macha Poynder automatisches Zeichnen und performative Gesten mit bewusster Schichtung, ihre Oberflächen halten gleichzeitig Zufall und Absicht fest; Janise Yntema arbeitet mit Enkaustik-Bienenwachs, das mit Brenner verschmolzen wird, und baut halbtransparente Schichten auf, die Licht einfangen und weitergeben; und Emily Berger setzt ihren ganzen Körper für horizontale gestische Striche auf Holz ein, schabt und verwischt, bis das Panel die Spuren mehrfacher körperlicher Einsätze trägt. Was all diese Techniken gemeinsam haben, ist die Unumkehrbarkeit: die Spur ist gesetzt, und das Machen kann nicht vollständig rückgängig gemacht werden.

Janise Yntema - Das Flüstern der Einsamkeit - 2017

6. Wann und wo entstand die lyrische Abstraktion?

Lyrische Abstraktion hat zwei unterschiedliche historische Ursprünge, die nicht vermischt werden sollten, obwohl sie im Geist verwandt sind. Der erste ist Paris, 1947: die Ausstellung „L'Imaginaire“ in der Galerie du Luxembourg, wo Jean José Marchand und Georges Mathieu den Begriff Abstraction Lyrique verwendeten, um eine neue Strömung der totalen Abstraktion zu beschreiben, die aus dem Kontext des Nachkriegs-Art Informel entstand. Diese europäische Bewegung blühte in den 1950er Jahren auf, mit Zentrum in Paris und bedeutenden Beiträgen von Künstlern aus Frankreich, Kanada, Japan und China. Der zweite Ursprung ist New York, 1969–1971: Larry Aldrich’ Artikel „Young Lyrical Painters“ (1969) in Art in America benannte eine neue Generation amerikanischer Künstler, die sich vom Minimalismus abwandten, und die Bewegung wurde durch die Ausstellung „Lyrical Abstraction“ des Whitney Museums 1971 gefestigt. Diese beiden Momente sind historisch getrennt: Die europäischen Künstler waren der New Yorker Kritikerszene weitgehend unbekannt oder wurden abgetan, aber sie repräsentieren parallele Antworten auf parallele Probleme: die Notwendigkeit, das Menschliche, das Gestische und das Emotionale gegen Systeme zu behaupten, die zu kalt geworden waren. (siehe auch Frage 12 für weitere Details)

Jean-Paul Riopelle und Fernand Leduc bei der Ausstellung „Automatisme“ in der Galerie de Luxembourg, Paris, 1947

7. Was ist der Unterschied zwischen lyrischer Abstraktion und geometrischer Abstraktion?

Dies ist der grundlegende Gegensatz der Abstraktion des zwanzigsten Jahrhunderts, und es lohnt sich, ihn ernst zu nehmen. Geometrische Abstraktion, von Mondrians Gittern bis zu Albers’ Quadraten und der Hard-Edge-Malerei der 1960er Jahre, folgt einem Plan. Die Form existiert, bevor das Gemälde entsteht. Die Ausführung ist eine Frage der Präzision: die Linie verläuft dort, wo entschieden wurde, dass sie verlaufen soll. Lyrische Abstraktion beruht auf der gegenteiligen Überzeugung: Die Form entsteht während des Malakts, durch die Begegnung zwischen dem Körper des Künstlers, dem Medium und dem Moment. Der Plan, falls vorhanden, wird sofort aufgegeben oder überschritten. Geometrische Abstraktion schätzt Kontrolle, Struktur und Wiederholbarkeit; lyrische Abstraktion schätzt Spontaneität, Zufall und unteilbare Einzigartigkeit. Keine ist überlegen, aber sie repräsentieren wirklich gegensätzliche Philosophien darüber, was ein Gemälde ist und wozu es dient. Für eine ausführliche Erkundung der geometrischen Tradition siehe IdeelArts Begleitessay „Geometrische Abstraktion: KEINE weitere heroische Geschichte von Malevich und Mondrian“.

Piet Mondrian - Tableau iii (Komposition im Oval - Detail) - 1914 - Stedelijk Museum Amsterdam

8. Ist lyrische Abstraktion heute noch relevant?

Nicht nur relevant, sondern wohl notwendiger als je zuvor. In einer visuellen Kultur, die zunehmend mit algorithmisch generierten Bildern übersättigt ist, die technisch makellos und erfahrungsgemäß leer sind, steht die lyrische Abstraktion als unwiderlegbares Argument für die menschliche Spur: das Gemälde, das nur von diesem Körper, in diesem Moment, unter diesen Bedingungen echter Unsicherheit geschaffen werden konnte. Zeitgenössische Künstler wie Yari Ostovany (San Francisco, geboren in Teheran), deren pigmentgesättigte Oberflächen gleichzeitig auf die persische poetische Tradition und das amerikanische Color Field verweisen, oder Paul Landauer (Belgrad, geboren in Wien), dessen Gemälde zwischen architektonischer Präzision und atmosphärischer Weite pendeln, stets durch körperliches Engagement und nicht durch Formeln entstanden, oder Jill Moser (New York), deren kalligraphische Zeichen die Grenzlinie zwischen Malerei und Schriftsprache, zwischen Geste und Bedeutung bewohnen: Sie alle schaffen Werke, die eine generative KI nicht wirklich nachahmen kann. Es geht nicht um das visuelle Erscheinungsbild: Ein Algorithmus kann sicherlich etwas erzeugen, das wie lyrische Abstraktion aussieht, und das überzeugend. Aber die menschliche Präsenz im Zentrum der Praxis kann nicht simuliert werden.

Was diese Maler schaffen, ist nicht in erster Linie ein Bild: Es ist der Beweis eines Lebens, eines Risikos, eines physischen Moments, der einmal stattfand und sich nicht aus statistischen Daten rekonstruieren lässt. Die Oberfläche ist das Protokoll, nicht das Ergebnis. Das große institutionelle Interesse wächst weiter: 2025 widmeten die Monnaie de Paris und das Centre Pompidou gemeinsam eine umfassende Retrospektive Georges Mathieu, "Geste, Vitesse, Mouvement", die erste solche Übersicht seit über fünfzig Jahren. 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - Aus der "Geste, Vitesse, Mouvement"-Ausstellung in der Monnaie de Paris, 2025. Katalog hier durchblättern

9. Was ist der Unterschied zwischen Lyrischer Abstraktion und Tachismus — sind sie dasselbe?

Nicht ganz, obwohl die beiden eng verwandt sind und die Begriffe oft synonym verwendet werden, was zu echter Verwirrung führt. Tachisme (aus dem Französischen "tache", was Fleck oder Klecks bedeutet) ist eine spezifische Technik: das spontane Auftragen von Farbe in Klecksen, Tropfen und Spritzern, die Ende der 1940er Jahre in Paris entstand und 1952 vom Kritiker Michel Tapié kodifiziert wurde. Lyrische Abstraktion ist eine breitere Sensibilität, die Tachismus umfasst, aber nicht darauf beschränkt ist. Man kann Tachismus als eine der Methoden betrachten, die die lyrische Abstraktion verwendet, und nicht als ihr Synonym. Beide fallen unter den größeren Begriff Art Informel, die europäische Nachkriegsablehnung rationaler, geometrischer Malansätze.

Typische tachistische Malerei: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. Was ist der Unterschied zwischen lyrischer Abstraktion und Color Field-Malerei?

Diese beiden Bewegungen teilen eine Generation, eine Geografie (beide blühten im Nachkriegsamerika auf) und ein Engagement für Farbe als primären Träger von Emotionen, weshalb sie so oft verwechselt werden. Der entscheidende Unterschied liegt in der Rolle der Geste. Color Field-Maler wie Mark Rothko, Barnett Newman und Morris Louis entfernten sich vom sichtbaren Pinselstrich hin zu großen, immersiven Farbflächen, die die Hand des Künstlers auslöschten. Die lyrische Abstraktion bewegte sich in die entgegengesetzte Richtung: Die Geste, die Markierung, die physische Spur des Körpers des Malers sind genau das, worum es in der Arbeit geht. Helen Frankenthaler ist der aufschlussreichste Fall, da ihre Soak-Stain-Technik atmosphärische Farbflächen erzeugte und gleichzeitig tief im gestischen Prozess verwurzelt blieb. In der Praxis ist die Grenze zwischen beiden tatsächlich durchlässig, und viele Gemälde bewegen sich mühelos in beiden Lagern.

Morris Louis - Pi - 1960 - North Carolina Museum of Art (Ausstellung 2015) - ©IdeelArt

11. Ist Joan Mitchell lyrische Abstraktion oder abstrakter Expressionismus?

Ehrlich gesagt, beides, und diese Mehrdeutigkeit ist ein Teil dessen, was sie zu einer so wichtigen Persönlichkeit macht. Mitchell wurde im Kreis der abstrakten Expressionisten in New York ausgebildet und gefördert und teilte deren Engagement für großformatige, körperlich engagierte Malerei. Aber ihre Arbeit besitzt eine Lyrik, eine Leuchtkraft und eine Verbindung zur Landschaft und natürlichen Empfindung, die sie gleichermaßen mit der lyrischen Tradition verbindet. Sie verbrachte einen Großteil ihrer Karriere in Frankreich, wo sie näher an der europäischen Abstraktion Lyrique Sensibilität als dem heroischen Machismo der New Yorker Schule. Die meisten Kunsthistoriker sehen sie heute an der Schnittstelle der beiden Bewegungen, was vielleicht die interessanteste Position ist, die ein Maler einnehmen kann.

Joan Mitchell in ihrem Atelier in Vétheuil, 1983. Foto von Robert Freson, Joan Mitchell Foundation Archives. © Joan Mitchell Foundation

12. Was ist der Unterschied zwischen „abstraction lyrique“ und „lyrischer Abstraktion“?

Sie teilen eine philosophische DNA, sind aber historisch unterschiedlich.

Abstraction Lyrique ist der französische Begriff, der 1947 in Paris von Jean-José Marchand und Georges Mathieu geprägt wurde, um eine europäische Strömung der Nachkriegszeit zu beschreiben, die im Art Informel, im existenzialistischen Denken und in der Ablehnung des geometrischen Rationalismus verwurzelt ist.

Marchand, ein Kunstkritiker, prägte erstmals den Namen, um die Werke von Mathieu zu beschreiben, die im November 1947 auf dem vierzehnten Salon des Surindépendants ausgestellt wurden, vier Monate nachdem er Mathieu auf dem Salon des Réalités Nouvelles bemerkt hatte:

"Ich möchte zunächst die Arbeit des abstrakten Künstlers Georges Mathieu hervorheben. Dieser junge Mann zeigt zwei große, sehr lyrische Gemälde, die sehr bewegend sind und, wie ich glaube, das Publikum berühren können, obwohl sie nichts darstellen."

Doch es ist Mathieu, der die Bewegung theoretisch begründete. In seinem ersten kunsttheoretischen Text mit dem Titel "La liberté, c’est le vide" (Freiheit ist die Leere), geschrieben 1947 und am 22. April 1948 im Ausstellungskatalog der H.W.P.S.M.T.B. veröffentlicht, legte Mathieu die Grundlage für eine „Metaphysik der Leere“ dar, kündigte die Metaphysik des Risikos an und eröffnete den Fahrplan der Abstraction Lyrique – ein Begriff, den er dem ursprünglich von Marchand verwendeten "Abstractivisme Lyrique" (Lyrischer Abstractivismus) vorzog.

Für Mathieu erfordert Abstraction Lyrique, dass „Konzentration die klassische Vorstellung von Improvisation ersetzt.“ Sie fördert den Ruf nach Spiritualität, Energie und Intuition auf Kosten von Methoden und Formeln und verlangt letztlich eine echte Sensibilität und eine „Öffnung zum Kosmos“ seitens des Künstlers.

"Bewusst, dass ich meine Rolle erfüllt habe, alles getan zu haben, was in meiner Macht stand, weiß ich, dass die Zeit auf meiner Seite ist, dass die Wahrheit schließlich ans Licht kommen wird, dass diese freie Abstraktion einen entscheidenden Triumph erleben wird, und ich vermute sogar, dass sie die größte Verwirrung und die größte Leichtigkeit hervorrufen könnte." -Georges Mathieu

H.W.P.S.M.T.B. Ausstellungskatalog (Auszüge)

„Lyrical Abstraction“ als amerikanische Bewegung wurde 1969 unabhängig vom Sammler Larry Aldrich benannt, als Reaktion auf Minimalismus und Pop Art. Das Whitney Museum kodifizierte die amerikanische Bewegung mit einer umfassenden Ausstellung 1971 unter dem Titel „Lyrical Abstraction“ mit einer Ausstellungserklärung von Larry Aldrich: 

„Anfang der letzten Saison wurde deutlich, dass sich in der Malerei eine Bewegung weg von geometrischen, harten Kanten und Minimalismus hin zu lyrischeren, sinnlicheren, romantischen Abstraktionen in weicheren und lebendigeren Farben vollzog. Maler schufen in bedeutender Zahl Werke, die visuell ‚schön‘ waren – bis dahin in der Kunstwelt der Sechziger ein Schimpfwort. Obwohl sie nicht zu einem früheren Stil zurückkehrten, bezogen sich diese neuen jungen Maler auf Männer, die seit zwanzig Jahren oder länger malerisch arbeiteten: Mark Rothko, Robert Motherwell und andere. Die Handschrift des Künstlers ist bei dieser Art von Malerei immer sichtbar, selbst wenn die Bilder mit Spritzpistolen, Schwämmen oder anderen Gegenständen gefertigt wurden. Oberflächen sind nie anonym wie bei Minimalbildern; sie sind fein nuanciert und oft suggestiv für wolkige Leerräume. Diese Gemälde repräsentieren alle eine deutliche Hinwendung zu einem expressiven Interesse. Während ich diesen lyrischen Trend erforschte, fand ich viele junge Künstler, deren Gemälde mich so sehr ansprachen, dass ich viele davon erwerben musste. Die Mehrheit der Gemälde in der Ausstellung Lyrical Abstraction wurde 1969 geschaffen und gehört jetzt zu meiner Sammlung.“ -Larry Aldrich

Ausstellungskatalog - Whitney Museum - „Lyrical Abstraction“ (1971) - Seiten 32 und 33 - Zum Durchblättern klicken

Die beiden Bewegungen entwickelten sich weitgehend parallel, mit begrenztem gegenseitigem Bewusstsein zu der Zeit: Das New Yorker Kritiker-Establishment der 1950er und 60er Jahre war berüchtigt dafür, die Pariser Szene abzutun. Heute werden die Begriffe mehr oder weniger synonym verwendet, um die gemeinsame Sensibilität zu beschreiben, aber wenn Historiker sie präzise verwenden, bezieht sich Abstraction Lyrique auf die europäische Nachkriegsströmung und „Lyrical Abstraction“ auf die amerikanische Bewegung der späten 1960er und 70er Jahre.

13. Woran erkenne ich lyrische Abstraktion — worauf sollte ich bei einem Gemälde achten?

Einige Merkmale, keines für sich allein entscheidend, aber in Kombination überzeugend. Erstens: Achten Sie auf sichtbare Spuren des physischen Prozesses: Pinselstriche, die Geschwindigkeit oder Druck dokumentieren, Markierungen, die nicht mit einem Werkzeug gemacht worden sein könnten, das in Armlänge vom Bild gehalten wird, Oberflächen, die bearbeitet und überarbeitet wurden. Zweitens: Achten Sie auf ein Gefühl von atmosphärischem oder emotionalem Raum, denn lyrische Abstraktion tendiert zu Tiefe und Bewegung statt zur flachen, deklarativen Oberfläche der Hard-Edge-Malerei. Drittens: Beobachten Sie, ob Farbe eher expressiv als strukturell wirkt: In der lyrischen Abstraktion ist Farbe Stimmung, nicht Architektur. Schließlich und am aussagekräftigsten: Fragen Sie sich, ob das Gemälde eher entdeckt als entworfen wirkt. Wenn die Antwort ja ist, wenn das Werk sich durch einen Prozess von Risiko und Zufall selbst gefunden zu haben scheint, sehen Sie höchstwahrscheinlich lyrische Abstraktion.

Emily Berger - Fire And Ice - 2020

14. Welche Rolle spielen Zufall und Unfall in der lyrischen Abstraktion?

Zentral, aber nuanciert. Lyrische Abstraktion verehrt den Zufall nicht um des Zufalls willen, denn das wäre bloße Beliebigkeit, und Beliebigkeit ist nicht dasselbe wie Spontaneität. Was lyrische Abstraktionisten schätzen, könnte man als „produktiven Zufall“ bezeichnen: den Moment, in dem die Farbe etwas tut, das der Maler nicht ganz beabsichtigt hat, und dieses Unbeabsichtigte als wahrer, lebendiger, ausdrucksstärker erkannt wird als alles, was der Plan hervorgebracht hätte. Die Kunstfertigkeit des Malers liegt nicht darin, diese Momente zu vermeiden, sondern darin, sie zu lesen, darauf zu reagieren und sie zu bewahren. Mathieu beschrieb dies als Zustand „ekstatischer Konzentration“, der volle Bewusstheit mit dem Aussetzen bewusster Kontrolle verbindet. Frankenthaler sprach davon, zu lernen, der Farbe zu vertrauen. Riopelle’s Mosaike aus Spachtelstrichen erforderten ständige Mikro-Entscheidungen als Reaktion auf den vorherigen Strich. In jedem Fall ist der Zufall nicht der Urheber des Werks – der Künstler ist es – aber der Zufall ist ein unverzichtbarer Mitarbeiter.

Georges Mathieu im Bezalel Nationalmuseum, Jerusalem, 1962, Yona Fisher Archiv

15. Was ist die Verbindung zwischen lyrischer Abstraktion und Musik?

Es steckt schon im Namen. „Lyrisch“ stammt von der Lyra, dem Instrument des Orpheus, der Wurzel der Lyrik, der Idee von Kunst als Gesang und nicht als gesprochene Sprache. Kandinsky, dessen frühe abstrakte Arbeiten vieles vorwegnahmen, was die lyrische Abstraktion werden sollte, sprach ausdrücklich von Malerei als visueller Musik: Er glaubte, dass Farbe und Form Emotionen mit derselben Direktheit wie Klang vermitteln können, ganz ohne Sprache. Viele lyrische Abstraktionisten entwickelten dieses Parallele bewusst weiter. Mathieu führte seine Gemälde zu Live-Jazz auf, und seine Leinwand von 1959 Le Massacre de la Saint-Barthélemy wurde gemalt, während der Schlagzeuger Kenny Clarke neben ihm improvisierte. Joan Mitchell beschrieb ihre Gemälde oft in musikalischen Begriffen, als Kompositionen mit Rhythmus, Tempo und Stille. Die Verbindung ist nicht nur metaphorisch: Sowohl Musik als auch lyrische Abstraktion erzeugen Bedeutung durch Dauer, Wiederholung, Variation und das Management von Spannung und Entspannung, nicht durch feste, lesbare Bilder.

Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959

16. Was ist der Unterschied zwischen lyrischer Abstraktion und Neo-Expressionismus?

Der Neo-Expressionismus entstand Ende der 1970er Jahre und dominierte den Kunstmarkt der 1980er, mit Künstlern wie Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat und Julian Schnabel. Beide Bewegungen schätzen Gestik, Emotion und die physische Präsenz der Farbe, daher ist die Verwechslung verständlich. Die wichtigsten Unterschiede sind figurativer Inhalt und kulturelle Ausrichtung. Neo-Expressionismus behält fast immer erkennbare Bildmotive bei: verzerrte Figuren, symbolische Objekte, narrative Fragmente. Lyrische Abstraktion ist konsequent nicht-figürlich. Neo-Expressionismus ist auch roher, konfrontativer und stärker an Mythos, Geschichte und kulturellem Trauma als explizitem Thema interessiert. Lyrische Abstraktion beschäftigt sich mehr mit reiner Empfindung, Farbbeziehungen und der Psychologie der Wahrnehmung. Wenn lyrische Abstraktion Jazz ist, der mit offenen Fenstern gespielt wird, ist Neo-Expressionismus ein ganz anderes Instrument: lauter, theatralischer und sehr daran interessiert, eine Geschichte zu erzählen.

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - Februar 2023 - Installationsansicht - ©IdeelArt

17. Kann lyrische Abstraktion figurative Elemente enthalten?

Technisch gesehen nein, aber in der Praxis ist die Grenze verschwommen und interessant. Lyrische Abstraktion ist per Definition nicht-figürlich, das heißt, sie stellt keine erkennbaren Motive dar. Doch viele Maler, die in der lyrischen Tradition arbeiten, stellen fest, dass gestische Markierungen, atmosphärische Farben und organische Formen beginnen, Landschaft, Körper oder Wetter anzudeuten, ohne dass der Künstler dies beabsichtigt hat. Die späten Gemälde von Joan Mitchell schweben ständig am Rand der Landschaft, ohne je eine darzustellen. Die Mosaike von Riopelle rufen Luftaufnahmen von Gelände hervor. Dies ist kein Versagen der Abstraktion: Es ist das, was passiert, wenn Malerei lebendig und körperlich genug ist, denn die Welt dringt zurück. Die entscheidende Unterscheidung ist die der Absicht: Lyrische Abstraktion beginnt nicht mit einer Figur oder einem Ort. Was ungebeten erscheint, ist Teil ihrer Ehrlichkeit.

Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - Juni 2019 - ©IdeelArt

Paul Landauers "The Night: Selbstporträt als Junge" (unten) veranschaulicht diese Schwelle besonders eindrucksvoll. Eine Figur taucht aus einem turbulenten Feld aus tiefen Rottönen und Schwarz auf, nicht so sehr gemalt als heraufbeschworen, die Form entsteht aus der eigenen Logik der Farbe. Landauer begann nicht mit einer Figur im traditionellen Sinn: Er begann mit Farbe, mit Prozess, mit einem emotionalen Inneren. Die Figuration kam hinzu. Und weil sie so entstand, trägt sie etwas, das ein einfaches Porträt nie könnte: das Gefühl einer auftauchenden Erinnerung, statt einer Beschreibung.

Paul Landauer - The Night (Selbstporträt als Junge) - 2025

18. Worauf sollte ein Sammler beim Kauf von lyrischer Abstraktion achten?

Über die üblichen Überlegungen zu Zustand, Herkunft und Künstlerlaufbahn hinaus stellt die lyrische Abstraktion dem Sammler einige spezifische Fragen. Erstens: Hält die Oberfläche einem längeren Betrachten stand? Lyrische Abstraktion offenbart sich langsam, und ein Gemälde, das aus der Entfernung gut wirkt, sollte auch bei genauer Betrachtung belohnen, wenn die physischen Spuren des Prozesses sichtbar werden. Zweitens: Ist die Geste überzeugend? Es gibt einen Unterschied zwischen einer Markierung, die mit echter körperlicher Hingabe gemacht wurde, und einer, die nur Spontaneität vortäuscht, ohne tatsächlich etwas zu riskieren, und mit etwas Erfahrung lernt das Auge, diesen Unterschied zu spüren. Drittens: Hat das Werk eine innere Kohärenz? Die beste lyrische Abstraktion ist nicht chaotisch: Sie besitzt eine Logik, die eher gefühlt als gelesen wird, eine Struktur, die hält, obwohl kein Plan ihr vorausging. Schließlich: Vertraue deiner eigenen körperlichen Reaktion. Lyrische Abstraktion wurde gemacht, um gefühlt zu werden, bevor sie verstanden wird, und ein Sammler, der körperlich auf ein Werk reagiert, der die Energie im Körper spürt, bevor der Verstand nachkommt, erlebt genau das, was der Maler beabsichtigte. 

Alle Bilder © die Künstler, sofern nicht anders angegeben
Hauptbild: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (Detail)

Lyrische Kunst aus unserem Bestand (Eine Auswahl)