Alain Clément: Der ultimative Leitfaden zum Maler der Begierde, geformter Farbe und sinnlichen Abstraktion

Nur wenige zeitgenössische Künstler haben die turbulenten Strömungen der europäischen Abstraktion der Nachkriegszeit mit der kompromisslosen Unabhängigkeit, strukturellen Strenge und körperlichen Vitalität von meisterhaft durchquert. Alain Clément. Der 1941 geborene französische Meister hat über sechs Jahrzehnte hinweg ein monumentales Œuvre geschaffen, das Malerei, Druckgrafik, Künstlerbücher und gefaltete Stahlskulpturen auf elegante Weise miteinander verbindet.

Während viele seiner Zeitgenossen in den 1960er- und 1970er-Jahren dem trockenen Konzeptualismus oder starren ideologischen Dogmen verfielen, schlug Clément einen zutiefst persönlichen Weg ein. Er verwarf die Vorstellung, abstrakte Malerei müsse flach, emotionslos oder theoretisch sein, und entwickelte stattdessen eine radikale, körperzentrierte Ästhetik, in der sich weit ausschwingende Farbbänder, architektonische Spannung und rohe physische Präsenz begegnen. Heute bezeichnet er sich ausdrücklich als Maler des „Begehrens“, erotische Spannung, vitale Kraft und körperliche Leidenschaft in abstrakte Metaphern weiblicher Kurven, anschwellender Formen und geschwungener Arabesken zu übersetzen.

Ob er nun massive, in mediterranes Licht getauchte Leinwände bearbeitet, mehr als tonnenschwere Stahlplatten in deutschen Industriegießereien schneidet und faltet (bis vor Kurzem) oder seltene Künstlerbücher von Hand druckt – Alain Clément bleibt einer der faszinierendsten noch lebenden Meister Frankreichs. Dieser umfassende Leitfaden beleuchtet sein Leben, seine bahnbrechende Philosophie, sein Vermächtnis auf dem Kunstmarkt und seine historische Schenkung an das Centre Pompidou in Paris im Jahr 2025.

Alain Clément: Kurzfakten

• Geboren: 1941 in Neuilly-sur-Seine, Frankreich

• Primäre Medien: Öl auf Leinwand, Gouache auf Papier, bemalte lasergeschnittene Stahlskulptur, Gravur/Tiefdruck, Monotypien

• Zugehörige Kreise und Bewegungen: Französische Abstraktion der Nachkriegszeit, Atelier 17, Éditions Fata Morgana, ABC Productions (unabhängig und im Umfeld von Supports/Surfaces)

• Wichtige Atelierstandorte: Nîmes, Paris, Berlin (bis vor Kurzem)

• Bedeutende öffentliche Sammlungen: Centre Pompidou (Paris), CNAP / Palais Farnèse (Rom), Carré d’Art (Nîmes), Musée Fabre (Montpellier), Hamburger Kunsthalle (Deutschland), Kunsthalle Bremen (Deutschland), Nirox Foundation (Südafrika)

• Zentrale Konzepte: Der „Maler des Begehrens“, die „falsche Geste“ (Le faux geste) und die entrollte Raumebene

1. Ursprünge und geistige Wurzeln (1941–1964)

Vom Modellzeichnen in Montparnasse zum Atelier 17 von Hayter

Alain Clément verbrachte seine frühen Jahre in Montrouge nahe Paris und wuchs in einem von der Nachkriegszeit geprägten großstädtischen Umfeld auf, das die visuelle Kultur neu erfinden wollte. Als er Anfang der 1960er-Jahre seine formale künstlerische Ausbildung begann, umging er bewusst den traditionellen, oft einengenden Lehrplan der École des Beaux-Arts. Stattdessen entschied er sich für zwei legendäre unabhängige Institutionen, die technisches Können, den unmittelbaren Kontakt mit Materialien und ungehemmtes Experimentieren in den Mittelpunkt stellten.

Zunächst verfeinerte er seine Zeichenkunst an der Académie de la Grande Chaumière in Montparnasse. Berühmt für seine nicht korrigierten Aktzeichenkurse und die Befreiung von der akademischen Hierarchie lehrte die Grande Chaumière Clément, Zeichnung nicht als vorbereitende Skizze für ein Gemälde zu betrachten, sondern als autonome Sprache räumlicher Spannung und fließender Arabesken.

Anschließend trat Clément Anfang der 1960er-Jahre dem Atelier 17, dem weltberühmten Pariser Druckgrafiklabor, das vom britischen Meistergraveur Stanley William Hayter geleitet wurde. Atelier 17 war in den 1930er- bis 1950er-Jahren für die Aufnahme bedeutender Künstler wie Pablo Picasso, Joan Miró, Max Ernst und Jackson Pollock bekannt und blieb in den 1960er-Jahren ein internationaler Schmelztiegel technischer Innovation, insbesondere im simultanen Farbtiefdruck und in der Kupferstichgravur. Clément trat in diese historische Tradition ein und meisterte die physikalischen Grundlagen der Druckerpresse.

67M1P (1967 im Atelier 17 entstanden) – persönliches Archiv von Alain Clément

Druckgrafik als philosophische Matrix: Eine Analyse der „falschen Geste“

Für Clément war das Erlernen der Druckgrafik weit mehr als der Erwerb eines Handwerks: Es prägte seine gesamte lebenslange kreative Methodik.

Im Gegensatz zum spontanen Action Painting erfordert die Tiefdruckradierung eine Abfolge von Arbeitsschritten, extremen körperlichen Widerstand und kalkulierte Vorwegnahme. Der Künstler muss in sequenziellen Schritten denken und berechnen, wie die Säure in die Kupferplatte ätzt, wie der Druck die Farbe in feuchtes Papier presst und wie mechanische Prozesse Handbewegungen transformieren. Wie Clément später reflektierte, zwingt der Widerstand der Druckgrafik einen Künstler dazu, Ergebnisse vorwegzunehmen und zugleich zu akzeptieren, dass der physische Prozess die rein konzeptionelle Absicht unweigerlich durchkreuzen wird und die Hand zu unerwarteten Durchbrüchen führt.

Diese Dualität zwischen architektonischer Vorbereitung und körperlichem Prozess hat Kunstkritiker und Historiker dazu veranlasst, sein Werk anhand des interpretativen Konzepts der „falsche Geste“ (le faux geste). Obwohl seine reifen Gemälde äußerst spontan wirken – mit weit ausladenden Farbbändern, die den Action-Painting-Gestus nachahmen –, stellen Kritiker fest, dass jeder Pinselstrich vorab bedacht, kalkuliert und architektonisch konzipiert ist. Seine Gesten sind keine impulsiven Wutausbrüche, sondern hochdisziplinierte, körperlich ausgeführte Strukturen.

2. Wörter, Pressen und öffentlicher Raum (1964–1977)

Der Umzug in den Süden, Fata Morgana und Bulletin

1964 zog Clément auf der Suche nach Licht, Raum und Unabhängigkeit von der Pariser Kunstszene in den Süden Frankreichs und ließ sich in der Nähe von Montpellier und Sainte-Croix-de-Quintillargues nieder. Er tauchte in die traditionelle Druckkunst ein, erwarb schwere Bleilettern und erlernte die haptische Physik des Buchdrucks und der Kupferstichgravur.

1966 gründete er das legendäre Verlagshaus mit Éditions Fata Morgana zusammen mit Bruno Roy und Claude Féraud.

Tourmente – Michel Butor – Fata-Morgana-Ausgaben – 1968

Clément vertrat eine kompromisslose Haltung gegenüber „Künstlerbüchern“. Er lehnte traditionelle Illustrationen vehement ab, da er der Überzeugung war, dass bildende Kunst niemals einfach einen geschriebenen Text kopieren oder paraphrasieren sollte. Stattdessen betrachtete er Druckgrafiken, Gouachen und Radierungen als autonome plastische Werke, die in einem parallelen Dialog mit der Poesie stehen. Fata Morgana veröffentlichte monumentale Werke mit Schriftstellern wie André Breton, Roger Caillois und Michel Butor sowie visuellen Beiträgen von Max Ernst, Joseph Sima und Pierre Alechinsky.

Cléments persönliche literarische Freundschaft mit dem Dichter Frédéric Jacques Temple erstreckte sich über mehr als fünf Jahrzehnte. Sie brachte radikale Buchobjekte wie L'Hiver (1966) hervor, ein in Akkordeonfaltung angelegtes, leinwandgebundenes Buch, und setzte sich bis zu Meschacebé (2020) fort.

1971 weitete Clément seine theoretischen und verlegerischen Aktivitäten aus und gründete die kritische Kunstzeitschrift Bulletin (Pratique/Peinture/Théorie) gemeinsam mit dem legendären Konzeptkünstler Claude Rutault, Essays veröffentlichten, in denen zeitgenössische Malereipraktiken und -theorien untersucht wurden.

Supports/Surfaces ablehnten und ABC Productions gründeten

In den späten 1960er-Jahren wurde die französische Kunst von politischer Dekonstruktion beherrscht. 1967 stellte Clément gemeinsam mit den Künstlern aus, die später die berühmte Supports/Surfaces Bewegung (darunter Claude Viallat, Vincent Bioulès und Daniel Dezeuze), die danach strebte, die Malerei auf ihre rohen Bestandteile (ungespannte Leinwand, Holzleisten, rohe Pigmente) zu reduzieren, geleitet von einer strengen marxistisch-maoistischen Theorie.

Obwohl Clément den Wunsch teilte, bürgerliche Galerien und institutionelle Routinen zu umgehen, weigerte er sich entschieden, Supports/Surfaces beizutreten. Er lehnte deren kalte, repetitive und entpersonalisierte analytische Methoden ab. Stattdessen bestand Clément darauf, individuelle Emotion, körperliche Sinnlichkeit, chromatische Freude und körperliche Energie in der Malerei zu bewahren.

Ausstellung „100 Artistes dans la Ville“ (1970) – Archivfoto von Alain Clément bei der öffentlichen Straßenkunstaktion in Montpellier im Mai 1970

Um seine Vision einer öffentlichen, unmittelbaren Kunst ohne dogmatische Ideologie zu verwirklichen, gründete Clément 1969 gemeinsam mit Tjeerd Alkema, Jean Azémard und Vincent Bioulès ABC Productions. Im Mai 1970 organisierte ABC Productions in Montpellier das legendäre Straßenereignis „100 Artistes dans la Ville“ (100 Künstler in der Stadt). Die Gruppe besetzte Straßen, Plätze und historische Fassaden und verwandelte eine ganze Stadt in ein Freiluftlabor. Dieses historische Ereignis war so bahnbrechend, dass Kurator Nicolas Bourriaud und das Museum MO.CO 2019 eine große internationale Jubiläumswürdigung organisierten, um sein Vermächtnis zu feiern.

3. Der Durchbruch in Nîmes, Expressionismus & der Maler des Begehrens (1977–1990)

Der Ruf von Nîmes und der europäische Expressionismus

1977 trat Clément dem Lehrkörper der École des Beaux-Arts de Nîmes bei und zog 1979 dauerhaft in die historischen römische Stadt. Nîmes bot eine Landschaft in durchdringendes mediterranes Licht getaucht, umgeben von antiker römischer Architektur (der Arena, der Maison Carrée), die seine Farbpalette und sein Gefühl für räumliche Maßstäbe tiefgreifend beeinflusste.

Clément war Direktor der École des Beaux-Arts de Nîmes 1985 bis 1990und verwandelte sie in eine dynamische internationale Institution. 1990 trat er jedoch von allen akademischen und administrativen Aufgaben zurück, um sich vollständig seiner Atelierpraxis zu widmen.

Alain Clément – Sans Titre – 1979/1980

In den 1970er- und 1980er-Jahren verband Clément eine außergewöhnliche Bandbreite an Einflüssen. Obwohl ihn der amerikanische Abstrakte Expressionismus zutiefst bewegte (Willem de Koonings Körperlichkeit, Jackson Pollocks räumliche Rhythmen, Barnett Newmans Farbfelder und Frank Stellas Geometrie), studierte er auch europäische Meister. Von Tintoretto und Eugène Delacroix übernahm er deren wirbelnde kompositorische Dramatik, von Borromini und Bernini ihre barocken räumlichen Verzerrungen. Sein Werk erregte die große Aufmerksamkeit führender Kritiker wie des Philosophen Yves Michaud, der ausführlich über Cléments Werk schrieb (einschließlich seiner Pernod-Monografie von 1988 und seines retrospektiven Bandes bei Actes Sud von 2001).

Industriell vorgemischte Farben lehnte Clément ab. Stattdessen begann er, seine eigenen Pigmente im Atelier von Hand mit Ölen und speziell angefertigten Bindemitteln zu vermahlen und die Dichte und Viskosität der Farbe so anzupassen, dass sie direkt auf den körperlichen Widerstand seines Pinsels reagierte.

Die Architektur des Begehrens: Weibliche Kurven und organische Sinnlichkeit

In dieser Synthese aus körperlicher Intensität und struktureller Berechnung definiert Alain Clément seinen grundlegenden kreativen Impuls: Begehren.

Wenn Clément die treibende Kraft hinter seiner lebenslangen Hingabe an die abstrakte Malerei und Skulptur beschreibt, bezeichnet er sich stolz als Maler des „Begehrens“ (le peintre du désir). Für Clément ist das Begehren weder ein abstrakter theoretischer Begriff noch ein romantisches Klischee; es ist der rohe, körperliche Antrieb, der die Hand dazu bringt, den Raum zu markieren.

Obwohl seine Kompositionen nicht narrativ und nicht mimetisch sind, ist seine visuelle Grammatik zutiefst körperlich. Die weit geschwungenen Bänder gemahlener Farbe, die üppigen Schleifen, die ineinandergreifenden Knoten und die elastischen Arabesken fungieren als direkte Metaphern für weibliche Kurven, die an den Schwung einer Hüfte, die Drehung eines Torsos oder den körperlichen Rhythmus einer Umarmung erinnert. Indem Clément seine abstrakten Gesten mit dem Gewicht, dem anschwellenden Volumen und der taktilen Wärme von Körperhitze erfüllt, verwandelt er den abstrakten Raum in ein vibrierendes Feld erotischer Spannung und vitaler Anziehung.

Alain Clement – 21 M6 P und 21 M11 P – 2021 – Ausstellungsansicht – Carré d'Art (Nimes) 2026 – ©francis berthomier

Die Anti-Greenberg-Leinwand: Farbe als physisches Volumen

In der Kunsttheorie steht Alain Clément als direkter Gegenpol zum einflussreichen amerikanischen Kritiker Clement Greenberg. Greenberg vertrat bekanntlich die Auffassung, das endgültige Schicksal der modernen Malerei sei die absolute Reinheit zweidimensionaler Flächigkeit (flatness).

Clément, geprägt von barocker Energie, mediterranem Licht und der Metapher weiblicher Sinnlichkeit, lehnte die Flächigkeit vollständig ab. Für Clément muss eine Leinwand räumliche Tiefe, körperliches Gewicht und vibrierendes Volumen besitzen.

In seiner Bildsprache ist Farbe weder eine flache Lasur noch ein atmosphärischer Dunst wie bei Mark Rothko. Jede Farbe besitzt ihre eigene physische Form und strukturelle Gewichtung. Indem er dicke, leuchtende Bänder handgemahlener Farbe dem Negativraum gegenüberstellt, erzeugt er eine optische Illusion von Tiefe: Er höhlt die Leinwand rückwärts bis ins Unendliche aus oder schiebt schwere, bandartige Striche in den physischen Raum des Betrachters vor.

4. Der Ausbruch aus der Leinwand: Der Durchbruch zum gefalteten Stahl (1990 bis heute)

Von Wandreliefs zu geschnittenem Stahl

1990, nach einer viel beachteten Ausstellung in der Galerie Montenay in Paris, bei der seine gemalten Formen begonnen hatten, in durchscheinende Netze zu zerfallen, verspürte Clément das körperliche Bedürfnis, aus dem zweidimensionalen Rahmen auszubrechen.

1994 schuf er seine ersten dreidimensionalen Arbeiten aus gebogenen Dauben von Eichenfässern. Bis 1998 entwickelte er komplexe Wandreliefs aus geschnitztem, polychromem MDF-Holz.

Alain clement – Sans Titre – 2005 – Commanderie de Peyrassol

Diese Entwicklung gipfelte Ende der 1990er- und Anfang der 2000er-Jahre in seinem charakteristischen dreidimensionalen Durchbruch: lasergeschnittene, gefaltete Stahls_ulpturen.

Skulptur als entrollte Malerei

Es ist entscheidend zu verstehen, dass Cléments Hinwendung zur Skulptur keine Abkehr von der Malerei war, sondern deren direkte physische Manifestation. Er arbeitet nicht, indem er Stein aus einem Block herausmeißelt oder Ton aus einem Kern herausmodelliert. Stattdessen Er erzeugt Volumen, indem er eine flache Ebene in den Raum aufblättert..

Sein skulpturales Verfahren beginnt stets auf Papier mit präzisen Gouachezeichnungen. Diese zweidimensionalen, bandartigen Entwürfe, die an die geschwungenen weiblichen Formen seiner Gemälde erinnern, werden in Originalgröße auf schwere Industriebleche übertragen. Hochleistungs-Industrielaser schneiden entlang seiner gezeichneten Linien, und schwere Maschinen falten und verdrehen das Metallblech. Was einst eine flache Linie auf Papier war, wird zu einem schwebenden Stahlband, das atmosphärischen Raum einfängt, durchläuft und strukturiert.

Die Dialektik: Wie die Skulptur seine Malerei veränderte

Die Arbeit mit schwerem Stahl hatte eine tiefgreifende, unerwartete Rückwirkung auf seine Malerei.

Die unmittelbare Erfahrung, wie sich echtes, physisches Metall durch den dreidimensionalen Raum windet, ermöglichte es Clément, jeglichen verbliebenen dekorativen Illusionismus aus seinen Leinwänden zu verbannen. Als er zu seiner Staffelei zurückkehrte, wurden seine gemalten Striche kühner, sicherer und deutlich vereinfachter. Die räumliche Autorität, die er durch das Biegen von Stahl gewann, verlieh seinen Ölgemälden eine bis dahin ungekannte frontale Wirkung und architektonische Klarheit.

5. Die geografische Achse: Nîmes, Paris und Berlin

Jahrzehntelang arbeitete Alain Clément innerhalb eines strategischen geografischen Dreiecks und unterhielt Studios und Produktionsstandorte in drei europäischen Städten: Nîmes, Paris und Berlin. Jeder Ort prägte eine bestimmte Dimension seines Schaffens:

Nîmes: Das Kernstudio und das mediterrane Licht

Nîmes bleibt sein emotionaler und physischer Anker. Im Viertel Saint-Rémy gelegen, beherbergt sein weitläufiges Hauptatelier jahrzehntelange Leinwände, experimentelle Papierstudien und geschweißte Metallprototypen. Umgeben von der grellen mediterranen Sonne entstehen in Nîmes seine Farben mit blendender Klarheit, Transparenz und roher energetischer Dynamik.

Alain Clément in seinem Skulpturenatelier – Nîmes – 2026 – ©Francis Berthomier

Alain Clément in seinem Malatelier in Nîmes – 2026 – ©Francis Berthomier

Berlin: Industrielle Macht & monumentale Fertigung

Deutschland hegt seit Langem eine tiefe intellektuelle und kommerzielle Affinität zu Cléments Werk und bewundert seine Synthese aus strukturierter Geometrie und malerischer Emotion.

In Berlin und im rheinischen Industriezentrum arbeitete Clément bis vor Kurzem mit Schwerindustriegießereien zusammen, um seine monumentalen Skulpturen umzusetzen. Wenn Stahlplatten Längen von 3 bis 5 Metern erreichten, waren Industrikräne, Laserschneider und erfahrene Schweißer erforderlich. Unterstützt von bedeutenden Galerien wie Die Galerie in Frankfurt/Berlin boten diese deutschen Einrichtungen die erforderliche Ingenieurskompetenz, um seine Papierzeichnungen aus Nîmes in tonnenschwere Stahlmonumente zu verwandeln.

Paris: Introspektion & die grafische Spur

Mit der Wiedereröffnung eines dauerhaften Pariser Ateliers im Jahr 1997 bietet die Hauptstadt ein konzentriertes, introspektives Umfeld. Seine Pariser Arbeiten zeigen häufig eine dichtere, stärker grafische Struktur. Paris ist außerdem das Zentrum seiner grafischen Kooperationen, insbesondere mit Galerie Catherine Putman, die seine komplexen Aquatinten, Monotypien und Arbeiten auf Papier seit 1993 veröffentlicht.

6. Institutionelles Vermächtnis & bedeutende Museumsschenkungen (Carré d'Art & Centre Pompidou)

Im Laufe einer mehr als 60 Jahre umfassenden Karriere hat Alain Clément einen festen Platz in der internationalen Museumsgeschichte erlangt.

Bedeutende Museumsretrospektiven & öffentliche Räume

• 1977: Musée Fabre, Montpellier (Bedeutende Retrospektive aus der Mitte seiner Karriere)

• 1982: Galerie Jean Fournier, Paris (Maßgebliche Ausstellung abstrakter Werke)

• 1984: Ludwig Museum, Aachen, Deutschland (Auftrag für eine monumentale Deckenarbeit)

• 1996 & 2017: Musée d'Art Moderne de Céret (Umfassende Retrospektiven)

• 1997 & 2001: Carré d'Art – Musée d'Art Contemporain, Nîmes

• 2012: Hôtel des Arts, Toulon (Umfassende Ausstellung großformatiger StahllSkulpturen und Leinwände)

• 2012 & 2015: Nirox Foundation Sculpture Park, Johannesburg, Südafrika

• 2024: Halle des Sports de Nîmes (Zusammenarbeit im monumentalen architektonischen Maßstab)

Seine öffentliche Präsenz ist weltweit anerkannt: Eine monumentale Leinwand aus dem Jahr 1982 aus der französischen Nationalen Sammlung (CNAP) hängt im prestigeträchtigen Palais Farnèse in Rom (der französischen Botschaft in Italien), während seine monumentalen StahllSkulpturen den Vorplatz des Grand Palais in Paris, die Commanderie de Peyrassol in der Provence und öffentliche Räume in ganz Europa schmückten.

Die historischen Schenkungen: Carré d'Art Nîmes und Centre Pompidou

Die ultimative institutionelle Anerkennung eines lebenden Künstlers hat sich in den vergangenen Jahren durch zwei wegweisende Schenkungen manifestiert:

Die Schenkung von Élisabeth & Alain Clément an das Carré d'Art (Nîmes):

2024 machten Alain und Élisabeth Clément dem Carré d'Art – Musée d'Art Contemporain in Nîmes eine großzügige Schenkung von 16 bedeutenden Werken (Gemälde, lasergeschnittene Stahlskulpturen und Gouachen auf Papier). Die Schenkung wurde konzipiert, um die bestehende Sammlung des Museums aus seiner Schaffenszeit zu vervollständigen, und wird in einer großen Sonderausstellung im Carré d'Art mit dem Titel „Alain Clément: Exposition d'une donation“ (Juli 2026 – Mai 2027) hervorgehoben. Damit rückt sie sein künstlerisches Vermächtnis ins Zentrum seiner Wahlheimat am Mittelmeer.

Dauerausstellung im Carré D'Art (Nîmes) – Einige der von Élisabeth und Alain Clément geschenkten Werke

Die Schenkung an das Centre Pompidou 2025 (Paris):

Anfang 2025 machte Alain Clément eine historische, monumentale Schenkung von 16 Meisterwerken an das Centre Pompidou – Musée National d'Art Moderne in Paris. Die sorgfältig ausgewählten Werke repräsentieren seine gesamte künstlerische Entwicklung von den 1970er-Jahren bis in die 2020er-Jahre und umfassen 6 großformatige Ölgemälde auf Leinwand sowie 10 Gouachen auf Papier. Diese Werke, die im französischen führenden Nationalmuseum neben den Größen der modernen Kunst präsentiert werden, besiegeln dauerhaft Alain Cléments Platz in der offiziellen Kunstgeschichtsschreibung der abstrakten Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts.

7. Alain Clément sammeln: Medien, Wert und Marktattraktivität

Alain Clément bietet Sammlern einen außergewöhnlichen Einstieg in die europäische Blue-Chip-Abstraktion – mit einem vielfältigen Œuvre, das von zugänglichen Papiergrafiken bis hin zu bemaltem Stahl im Museumsmaßstab reicht.

Der Alain-Clément-Katalog auf einen Blick

C Thomas (Mitbegründer, IdeelArt) vor 77S1 P (1977) – Carré d'Art, Nîmes – 2026

Warum Sammler heute Alain Clément kaufen 

1. Institutionelle Solidität: Mit bedeutenden Beständen im Centre Pompidou, beim CNAP (Rom) und in großen deutschen Museen ist sein kunsthistorisches Vermächtnis gesichert.

2. Synergie zwischen den Medien: Seine Gemälde, Skulpturen und Arbeiten auf Papier teilen eine einheitliche Bildsprache. Eine neben einer Ölmalerei platzierte Stahlskulptur erzeugt einen atemberaubenden Dialog zwischen Schatten, physischem Metall und gemaltem Pinselstrich.

3. Architektonische Vielseitigkeit: Seine bemalten Stahlskulpturen sind witterungsbeständig und dafür konzipiert, sowohl mit minimalistischen modernen Innenräumen als auch mit historischer Außenarchitektur dynamisch in Dialog zu treten.

8. Häufig gestellte Fragen (FAQ)

1. War Alain Clément Mitglied der Bewegung Supports/Surfaces?

Nein. Obwohl er 1967 gemeinsam mit späteren Gründern von Supports/Surfaces ausstellte und deren Wunsch teilte, über traditionelle Galerieräume hinauszugehen, lehnte Clément es ab, der Gruppe beizutreten. Er wies ihre kühle, analytische und politische Doktrin zurück und entschied sich stattdessen, Sinnlichkeit, emotionalen Gestus und chromatische Intensität in seinem Werk zu bewahren.

2. Wie interpretieren Kritiker Alain Cléments „falsche Geste“ (le faux geste)?

Obwohl seine weit ausgreifenden Farbbänder wie spontane Action Paintings wirken, stellen Kunstkritiker fest, dass sie tatsächlich vorab durchdacht, kalkuliert und architektonisch geplant sind. Ausgehend von seiner frühen Ausbildung als Kupferstecher konstruiert Clément seine Kompositionen gedanklich und anhand von Papierstudien, bevor er sie mit athletischer Präzision auf der Leinwand ausführt.

3. Warum bezeichnet sich Alain Clément als Maler des „Begehrens“?

Clément betrachtet das Begehren ausdrücklich als die wichtigste physische Kraft, die künstlerisches Schaffen antreibt. Statt intellektuelle Abstraktionen zu malen, überträgt er körperliche Leidenschaft, erotische Spannung und die Vitalität des Körpers in weit ausgreifende, organische Formen. Seine wogenden Farbbänder und gefalteten Stahlformen verschlingen sich zu abstrakten Metaphern für feminine Kurven, Hüften und menschliche Intimität.

4. Wie werden die Stahlskulpturen von Alain Clément hergestellt?

Clément entwirft seine Skulpturen auf Papier als flächige Gouachezeichnungen. Diese zweidimensionalen Formen werden digital auf schwere Stahlplatten übertragen, lasergeschnitten und anschließend in spezialisierten Industriegießereien mechanisch gefaltet, gedreht und verschweißt. Die fertigen Stahlstrukturen werden mit widerstandsfähiger, leuchtender monochromer Farbe beschichtet.

5. Wo befinden sich die wichtigsten Ateliers von Alain Clément?

Clément arbeitete historisch in einem Dreieck zwischen Nîmes (seinem zentralen, in mediterranes Licht getauchten Atelier), Paris (mit Schwerpunkt auf Druckgrafik, Arbeiten auf Papier und Galeriekontakten) und Berlin (das bis vor Kurzem als Zentrum für die industrielle Fertigung schwerer Stahlskulpturen diente).

6. Welche Bedeutung hat die Schenkung an das Centre Pompidou im Jahr 2025?

Anfang 2025 schenkte Clément dem Centre Pompidou in Paris 16 Meisterwerke (6 monumentale Leinwände und 10 Gouachen) aus dem Zeitraum von 1970 bis 2023. Diese historische Erwerbung stellt sein Werk dauerhaft in eine der renommiertesten Sammlungen moderner Kunst der Welt.

7. Wo kann ich Originalwerke von Alain Clément kaufen?

Originalgemälde, Skulpturen und Arbeiten auf Papier von Alain Clément sind über die in diesem Artikel genannten führenden Galerien für zeitgenössische Kunst erhältlich. IdeelArt hat Zugang zu den meisten Werken aus dem Bestand des Malers. Wenn Sie spezielle Wünsche haben, lassen Sie es uns bitte wissen.

8. Wie beeinflusste Alain Cléments frühe Ausbildung in der Druckgrafik seinen Malstil?

Die Arbeit mit Kupferplatten im Atelier 17 Anfang der 1960er-Jahre lehrte Clément, in Sequenzen zu denken und den körperlichen Widerstand der Werkzeuge vorauszusehen. Diese Disziplin bewahrte seine Malerei davor, zu ungezügelter Action Painting zu werden; stattdessen verlieh die Druckgrafik seinen Pinselstrichen eine architektonische Struktur und ein tiefes Bewusstsein für den Negativraum.

9. Was war die historische Street-Art-Veranstaltung „100 Artistes dans la Ville“?

Die von ABC Productions (mitbegründet von Clément) im Mai 1970 organisierte radikale Veranstaltung umging bürgerliche Galerien, indem sie zeitgenössische Kunst direkt auf den öffentlichen Straßen, Plätzen und Fassaden von Montpellier präsentierte. Sie war so einflussreich, dass das Museum MO.CO 2019 eine große internationale Jubiläumsveranstaltung ausrichtete.

10. Welche Verbindung hat Alain Clément zu Éditions Fata Morgana?

Clément gründete 1966 gemeinsam mit Bruno Roy und Claude Féraud den legendären Verlag Éditions Fata Morgana. Für limitierte Künstlerbücher schuf er Drucke, Gouachen und Gravuren und etablierte neben bedeutenden Dichtern wie Frédéric Jacques Temple, André Breton und Michel Butor nicht illustrative visuelle Dialoge.

11. Wie erzeugt Alain Clément die Illusion von Tiefe ohne traditionelle 3D-Perspektive?

Anstatt klassische Horizontlinien oder Fluchtpunkte zu verwenden, setzt Clément handgemahlene, hochviskose Pigmente in kontrastierenden warmen und kühlen Farbtönen ein. Indem er dicke Farbbänder über offene Farbflächen legt, erzeugt er einen optischen Push-and-Pull-Effekt, durch den Formen nach außen gewölbt erscheinen oder tief in die Leinwand eingeschnitten wirken.

 

12. Welche kritischen Texte hat der Philosoph Yves Michaud über Alain Clément verfasst?

Der renommierte französische Philosoph und Kunstkritiker Yves Michaud hat ausführlich über Cléments Werk geschrieben, darunter einen wegweisenden Katalog von Pernod Mécénat aus dem Jahr 1988 und seine umfassende Monografie Alain Clément von Actes Sud aus dem Jahr 2001. Michauds Schriften untersuchen Cléments Beherrschung räumlicher Tiefe, Farbdichte und der physischen Präsenz des Pinselstrichs.

F. Berthomier (Mitbegründer von IdeelArt) und Alain Clément in seinem Lager (Nîmes, 2026). ©Francis Berthomier

Von Francis Berthomier
Titelbild: Alain Clément im Lager seines Ateliers in Nîmes, umgeben von großformatigen bemalten Leinwänden © Francis Berthomier