Artikel: Die Entwicklung der optischen Abstraktion: Wie Victor Vasarely seinen eigenen Stil fand
Die Entwicklung der optischen Abstraktion: Wie Victor Vasarely seinen eigenen Stil fand
Es wird manchmal angenommen, dass wir bei „Kunst und Wissenschaft“ von grundlegend verschiedenen Dingen sprechen. Wissenschaft beschäftigt sich schließlich mit dem Studium von Dingen, während Kunst das Schaffen von Dingen ist. Aber schaffen Wissenschaftler nicht auch, und studieren Künstler nicht auch? Und ist Vorstellungskraft nicht für beide unerlässlich? Victor Vasarely war sowohl Wissenschaftler als auch Künstler. Als Vater einer modernistischen abstrakten Kunstbewegung, bekannt als Op-Art, bewegte er sich mühelos in beiden Welten. Ursprünglich in der Medizin ausgebildet, näherte sich Vasarely der Kunst aus einer systematischen Perspektive. Er analysierte die formalen Qualitäten dessen, was ein ästhetisches Objekt ausmacht. Er studierte die Natur auf der Suche nach den Bausteinen des visuellen Universums. Und er analysierte, wie Betrachter das visuelle Universum wahrnehmen, um herauszufinden, wie Kunst helfen kann, grundlegende Wahrheiten zu offenbaren. Von den 1920er Jahren, als er seine ersten ästhetischen Experimente durchführte, über die 1960er Jahre, als er seine ultimative Schöpfung, das „Alphabet Plastique“, präsentierte, bis zu seinem Lebensende mit 90 Jahren, betrachtete Vasarely seine Kunst aus einer Sichtweise, die Kreativität und Analyse zugleich umfasste. Dabei veränderte er die menschliche Wahrnehmung des zweidimensionalen Raums und schuf ein Werk, das auch Jahrzehnte nach seinem Tod weiterhin Künstler, Kunstliebhaber, Designer und Wissenschaftler gleichermaßen inspiriert.
Victor Vasarely: der Wissenschaftler
Im Jahr 1906, als Victor Vasarely geboren wurde, genossen Künstler und Wissenschaftler gleichermaßen Respekt. In Budapest, wo Vasarely studierte, war es nicht ungewöhnlich, dass Mitglieder beider Bereiche miteinander in Kontakt kamen, besonders in den belebten Cafés entlang der Donau, die Zentren der europäischen intellektuellen Szene waren. Als Vasarely an die Universität kam, wollte er zunächst Medizin an der Universität Budapest studieren, um Arzt zu werden. Doch nach zwei Jahren im Programm änderte er abrupt seine Richtung und entschied sich, sich der Kunst zu widmen.
Doch obwohl sich sein Thema änderte, blieb seine Herangehensweise an das Lernen unverändert. 1927, im Alter von 21 Jahren, schrieb sich Vasarely an einer privaten Kunstschule ein, wo er eine formale Ausbildung als Maler erhielt. Er zeichnete sich als Kunststudent aus und während er seine ästhetischen Fähigkeiten verfeinerte, las er weiterhin Bücher der führenden Wissenschaftler seiner Zeit. Einer seiner Lieblingsautoren in dieser Lebensphase war Niels Bohr, der 1922 den Nobelpreis für seine Studien zur Atomstruktur erhielt. In der Quantenphysik stellt das Bohrsche Modell die Struktur eines Atoms ähnlich der des Sonnensystems dar. Visuell ähnelt es einem Kreis, der von größeren Kreisen umgeben ist – ein Muster, das Vasarely immer wieder in seiner Kunst erforschte.
Victor Vasarely – Harlekin Sportif, ca. 1988 – © Victor Vasarely
Seine Argumentation aufbauen
Durch sein doppeltes Studium von Kunst und Wissenschaft begann Vasarely eine Theorie zu entwickeln, dass sich die beiden Denkweisen so überschneiden, dass sie, wie er sagte, „ein imaginäres Konstrukt bilden können, das mit unserer Sensibilität und dem zeitgenössischen Wissen übereinstimmt.“ 1929 schrieb er sich an der Mühely-Akademie in Budapest ein, die damals das ungarische Pendant zum Bauhaus war. Sein Studium konzentrierte sich auf das Konzept einer totalen Kunst, die auf Geometrie basiert. Er experimentierte mit geometrischer Abstraktion und begann zu verstehen, wie optische Täuschungen durch die Anordnung geometrischer Formen und Farben auf einer zweidimensionalen Fläche erzeugt werden können. Ein Vergleich eines seiner Mühely-zeigt ein Vergleich von Gemälden mit dem Titel Etudes Bauhaus C und einem Gemälde von 1975 mit dem Titel Vonal-Stri Vasarelys lebenslangen und zielstrebigen Fokus auf die Möglichkeiten der Geometrie, die Schnittstelle von Wissenschaft und Kunst auszudrücken.
Nach dem Verlassen der Mühely-AkademieNach der Mühely-Akademie zog Vasarely nach Paris, heiratete und bekam zwei Kinder. Er unterstützte seine Familie als Grafikdesigner und widmete sich nachts seiner Kunst. Während sein Tagesjob einen sauberen, präzisen Stil erforderte, war seine künstlerische Praxis seiner Fantasie geöffnet. Er entwickelte einen persönlichen Stil, der beides vereinte. Dies zeigte sich in seinen Gemälden „Zebra“ (siehe FAQ 9) und „Harlekin“ (siehe oben), Serien, zu denen er im Laufe seines Lebens immer wieder zurückkehrte, sowie in Gemälden wie „Das Schachbrett“ unten.
Victor Vasarely – Schachbrett, 1975 – © Victor Vasarely
Der „falsche Weg“ und das kinetische Erwachen
Nach 14 Jahren mit zwei Karrieren in Paris erhielt Vasarely schließlich seine erste große Ausstellung. Sie wurde so gut aufgenommen, dass er überzeugt war, sich ganz der Kunst widmen zu können. Etwa zu dieser Zeit entfernte er sich von dem visuellen Stil, den er bisher geschaffen hatte. Während eines Urlaubs auf einer Insel in der Bretagne fiel ihm auf, wie die Wellen die Landschaft beeinflussten, insbesondere wie sie die Küstenlinie veränderten und die Steine formten. Diese Beobachtung führte ihn auf einen Weg zu einer Art biomorpher geometrischen Abstraktion, während er versuchte, eine visuelle Manifestation der natürlichen Geometrie der organischen Welt zu finden.
Obwohl Vasarely diese Zeit seines Lebens später als „den falschen Weg“ bezeichnete, führte sie zu einer wichtigen Entwicklung in seinem Werk. Sie fügte seinen Gemälden rundere Elemente hinzu. Als er zu seinem früheren geometrischen Stil zurückkehrte, tat er dies mit der Einbeziehung dynamischer, runder Formen, die scheinbar aus dem Gemälde hervorquollen oder von der Oberfläche nach innen zusammenfielen. Die Art, wie diese Formen das Auge täuschten, ließ das Bild zu bewegen scheinen. Diese kinetische Illusion, kombiniert mit der Dreidimensionalität der Bilder auf Vasarelys Leinwänden, wurde zur Grundlage für die ikonische Ästhetik, die wir heute Op-Art nennen.
Victor Vasarely – Untitled #8 (rosa und türkisfarbene Kugel) – © Victor Vasarely
Das Gelbe Manifest: Kunst in Bewegung
1955 stellte Vasarely einige seiner Werke in einer Ausstellung kinetischer Kunst namens „Le Mouvement“ in Paris aus. Begleitend zu seiner Arbeit veröffentlichte er einen Aufsatz mit dem Titel Notes for a Manifesto. Gedruckt auf gelbem Papier, ist der Aufsatz seitdem als Das Gelbe Manifest bekannt. Darin erklärte Vasarely: „Wir stehen am Beginn eines großen Zeitalters.“ Er bestand darauf, dass Bezeichnungen wie Malerei und Skulptur veraltet seien, da Künstler wie Arp, Kandinsky, Mondrian und Calder die künstlichen Trennungen zwischen den plastischen Künsten aufgehoben hätten. Er erklärte, dass alle ästhetischen Phänomene Manifestationen desselben Impulses seien und es an der Zeit sei, alle künstlerischen Errungenschaften als Teil „einer einzigen plastischen Sensibilität in verschiedenen Räumen“ zu betrachten.
Vasarelys Beitrag zu diesem „großen Zeitalter“ wird deutlich, wenn man sich die Gemälde ansieht, die er in dieser Lebensphase schuf. Seine Arbeit definierte das Seherlebnis eines zweidimensionalen Kunstwerks völlig neu. Er erzeugte die Wahrnehmung, dass Raum existierte, wo eigentlich keiner war. Das Seherlebnis verlagerte sich vollständig in den Geist des Betrachters. Die Formen auf einem der Vasarely-Leinwände sind formal und wissenschaftlich, doch wenn sie vom Auge interpretiert werden, nehmen sie Eigenschaften an, die den wissenschaftlichen Fakten der räumlichen Realität zu widersprechen scheinen.
Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely
Das Plastic Alphabet: Ästhetische Programmierung
Auf dem Höhepunkt seiner Popularität in den 1960er Jahren schuf Vasarely das, was den Höhepunkt seines Lebenswerks darstellen sollte. Er beschrieb das, was er das Plastic Alphabet nannte, eine symbolische visuelle Sprache, die auf geometrischen Formen und Farben basierte. Das Alphabet bestand aus 15 Formen, die alle auf Variationen des Kreises, des Dreiecks und des Quadrats basierten, und jede Form existierte in einer Palette von 20 verschiedenen Farbtönen. Jede Form wurde innerhalb eines quadratischen Rahmens dargestellt, und die Form sowie ihr umgebender Rahmen wurden in unterschiedlichen Farbtönen präsentiert. Das Plastic Alphabet konnte zu einer scheinbar unendlichen Vielzahl von Kombinationen angeordnet und genutzt werden, um eine offensichtlich endlose Reihe von Bildern zu schaffen.
Das Konzept, das Vasarely mit seinem Plastic Alphabet ausdrücklich andeutete, war, dass durch dessen Umsetzung der kreative Akt durch einen rein wissenschaftlichen Prozess durchgeführt werden konnte. Einerseits war es entmenschlichend, da es eine Form der Programmierung darstellte, wie eine Proto-Künstliche Intelligenz, die den Prozess der Kunstschaffung übernehmen konnte. Andererseits war es humanisierend, da es den kreativen Prozess demokratisierte und entmystifizierte und es jedem ermöglichte, sich an einer kreativen ästhetischen Tätigkeit zu beteiligen.
Victor Vasarely - Titan A, 1985 - © Victor Vasarely
Kunst für alle
Es ist passend, dass der Beitrag, für den Vasarely am meisten in Erinnerung bleibt, eine Form der Störung ist. Nicht nur verzerrte seine visuelle Arbeit die Oberfläche der zweidimensionalen Kunst, sondern auch seine Ideen und sein Plastic Alphabet verzerrten die Oberfläche der Kultur. Vasarelys Freunde, Kollegen und Anhänger erinnern sich begeistert daran, dass eines seiner Mottos „Kunst für alle“ war. Er war begeistert, seine Kunst auf Kleidung, Postkarten, kommerziellen Produkten und Werbeanzeigen zu sehen. Er sah voraus, dass die einzige Möglichkeit, wie Kunst in Zukunft relevant bleiben könnte, darin bestand, dass jeder Mensch an ihrem Genuss teilhaben konnte.
Wir können nicht nur Echos von Vasarelys Kunst in den Produkten der zeitgenössischen Kunst und des Designs sehen, sondern auch Echos seiner Philosophie in der digitalen Gemeinschaft und der globalen Kultur, zu der sie beigetragen hat. Indem er einen Stil der bildenden Kunst schuf, der über künstliche soziale Grenzen hinweg universelle Anziehungskraft haben konnte, schuf Vasarely etwas Einzigartiges: ein aufrichtiges und freudvolles ästhetisches Erlebnis, das, obwohl abstrakt, von jedem genossen werden kann, der sehen kann. Und vielleicht noch wertvoller teilte er eine Vision einer Zukunft, in der Kunst und Wissenschaft zusammenarbeiten, um eine interessantere und gerechtere Welt zu schaffen.
Das lebendige Erbe: Zeitgenössische Wahrnehmungsmeister
Indem sie Vasarelys historischen Fokus auf optische Bewegung, Raster und demokratische Schöpfung in die moderne Zeit übersetzen, treiben viele zeitgenössische abstrakte Künstler bei IdeelArt weiterhin die Grenzen dessen voran, wie das menschliche Auge Licht, Raum und Bewegung verarbeitet. Obwohl wir hier nicht ausführlich auf ihre individuellen Arbeitsweisen eingehen, haben wir ihre Werke kürzlich in unserem umfassenden Editorial Op Art: The Perceptual Ambush and the Art That Refuses to Stand Still eingehend untersucht. Diese kuratierte Auswahl repräsentiert einige der spannendsten Wahrnehmungsmeister der Gegenwart:
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Cristina Ghetti: Nutzt pulsierende geometrische Rhythmen und kalkulierte chromatische Vibrationen, um gemalte Leinwände zu schaffen, die unter dem Blick des Betrachters physisch zu expandieren und sich zu verschieben scheinen.
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Andy Harwood: Setzt in seiner Mesmerism-Serie sorgfältige durchscheinende Farbverläufe und scharfe Maskierungen ein, um das Auge in einem Zustand kontinuierlichen visuellen Flusses zu halten.
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Sebastiaan Knot: Erfindet optische Illusionen im Studio neu, indem er physische geometrische Strukturen fotografiert, die rein durch die Schnittpunkte farbiger Lichtstrahlen geformt sind.
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Louise Blyton: Befreit die optische Abstraktion vom flachen Rahmen, indem sie geformte dreidimensionale Leinwände aus Leinen mit samtigen, rohen Pigmenten beschichtet.
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Jesus Perea: Komponiert sorgfältig ausbalancierte, architektonische geometrische Formen, die mit Schatten, Tiefe und räumlicher Orientierung auf flachen Ebenen spielen.
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Bernadette Jiyong Frank: Überlagert dutzende mikrofeine, durchscheinende Farbbänder, um die wechselnde, leuchtende Lichtbrechung einzufangen.
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Brent Hallard: Nutzt scharf abgegrenzte Maskierungen und hochgesättigte monochrome Flächen, die die Grenzen geometrischer Spannung und harter visueller Vibration ausloten.
Titelbild: Victor Vasarely - Universal Structure, Vega Period (ab 1968), DETAIL, © Victor Vasarely
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio (2016) und Francis Berthomier (2026)
F Berthomier (Mitbegründer von IdeelArt) bei der Fondation Vasarely - 2022
C Thomas (Mitbegründer von IdeelArt) bei der Fondation Vasarely - 2022
FAQ: Victor Vasarely und die Grundlagen der Op Art
1. Warum gilt Victor Vasarely als der „Vater der Op Art“?
Während andere historische Avantgarde-Künstler mit optischen Mustern experimentierten, war Victor Vasarely der Erste, der optische und kinetische Effekte systematisch entwickelte, theoretisierte und als eigenständige Bewegung popularisierte. Seine Teilnahme an der historischen Ausstellung Le Mouvement 1955 und sein Verfassen des Gelben Manifests legten die formalen und konzeptuellen Grundlagen für das, was die Welt bald Op Art nennen würde.
2. Wie beeinflusste Vasarelys frühe medizinische Ausbildung seine Kunst?
Vasarely verbrachte zwei intensive Jahre mit dem Medizinstudium an der Budapester Fakultät, bevor er sich der Kunst zuwandte. Diese klinische Ausbildung gab ihm einen lebenslangen, tief analytischen Zugang zur menschlichen Anatomie, Lichtbrechung und physikalischen Neurologie — was ihn dazu brachte, die Leinwand eher als Labor denn als emotionalen Ausdruck zu betrachten.
3. Was ist das „Plastische Alphabet“ (Alphabet Plastique)?
In den 1960er Jahren entwickelt, war das Plastische Alphabet eine standardisierte visuelle Sprache, die grundlegende geometrische Formen (Kreise, Quadrate, Dreiecke) mit präzisen Farbabstufungen in modularen Einheiten kombinierte. Es konnte eine unendliche Anzahl einzigartiger Kompositionen erzeugen und kündigte moderne digitale Pixel und Algorithmen vor.
4. Was war das „Gelbe Manifest“ (Notes pour un Manifeste)?
Geschrieben für die wegweisende Ausstellung Le Mouvement 1955 in Paris und auf leuchtend gelbem Papier gedruckt, erklärte dieser Text traditionelle Vorstellungen von statischer Malerei und Skulptur für veraltet. Vasarely argumentierte, dass Kunstwerk eine „plastische Sensibilität in Bewegung“ sein sollte, die ausschließlich durch die physiologische Reaktion des Betrachters vollendet wird.
5. Warum erklärte Vasarely seine biomorphe Phase für den „falschen Weg“?
Während eines Urlaubs in der Bretagne Ende der 1940er Jahre wandte sich Vasarely vorübergehend der biomorphen Abstraktion zu. Obwohl er dies später als Umweg abtat, führte es organische Kurven und Kugeln in seine Gittersysteme ein — was die wölbenden, dynamischen dreidimensionalen Illusionen ermöglichte, die seinen charakteristischen Op-Art-Stil definierten.
6. Was war die Műhely Akademie in Ungarn und wie prägte sie Vasarelys Werk?
Als „ungarisches Bauhaus“ bekannt, lehrte die Műhely Akademie die Integration von bildender Kunst, Grafikdesign, Geometrie und funktionaler Architektur. Das Studium dort 1929 führte Vasarely an strenge geometrische Prinzipien des Konstruktivismus heran, die das Fundament seiner Karriere bildeten.
7. Wie ist die Beziehung zwischen Niels Bohrs Atommodell und Vasarelys Gemälden?
Bohrs Atommodell — ein Kern, umgeben von konzentrischen Umlaufringen — inspirierte Vasarely direkt zu seiner häufigen Verwendung von ineinander verschachtelten Kreisen, expandierenden Kugeln und rhythmischen geometrischen Gittern während seiner gesamten Karriere.
8. Was bedeutet Vasarelys Motto „Kunst für alle“?
Vasarely lehnte den Elitarismus des traditionellen Kunstmarkts ab. Er glaubte, dass bildende Kunst in den Alltag integriert werden sollte, und unterstützte die Massenreproduktion seiner optischen Muster auf Kleidung, Textilien, Postkarten und Gebäudefassaden.
9. Warum gilt Vasarelys „Zebra“ (1937) als Meilenstein der Kunstgeschichte?
Zebra besteht aus zwei ineinandergreifenden Figuren, die vollständig aus kontrastierenden schwarzen und weißen gebogenen Streifen ohne Umrisse oder Hintergrund bestehen. Die Illusion von Volumen und Bewegung entsteht rein durch die optische Wechselwirkung der Streifen – es ist eines der frühesten echten Vorläuferwerke der Op Art.
10. Wie prägte Vasarelys Beruf als Grafikdesigner seine bildende Kunst?
Vierzehn Jahre kommerzielle Grafikarbeit erforderten visuelle Klarheit, scharfe Linien, hohen Kontrast und Druckpräzision. Das verfeinerte seine technischen Fähigkeiten und lehrte ihn, das visuelle Gewicht zu steuern – was er später anwandte, um seine optischen Illusionen physisch makellos zu gestalten.
11. Was ist die Vasarely-Stiftung in Aix-en-Provence?
Die 1976 eingeweihte Vasarely-Stiftung ist ein architektonisch maßgeschneidertes Ensemble mit 44 monumentalen optischen Installationen, die direkt in die Wände integriert sind – Vasarelys Traum, abstrakte geometrische Kunst in eine dauerhafte dreidimensionale Architektur zu bringen, wurde so verwirklicht.
12. Wie kündigt Vasarelys Plastic Alphabet die digitale Kunst an?
Das Plastic Alphabet funktioniert genau wie moderne Computergrafik-Pixel und Vektorgrafiken. Jahrzehnte vor Personal Computern „programmierte“ Vasarely seine Leinwände durch Logik, binäre Strukturen und systematische Reproduktion.
13. Was ist der Unterschied zwischen Op Art und kinetischer Kunst?
- Kinetische Kunst beinhaltet tatsächliche physische Bewegung durch Wind, Motoren oder Magnete.
- Op Art beinhaltet physiologische Bewegung – das statische Bild löst visuelle Ermüdung und Netzhautschwingungen im Auge des Betrachters aus, wodurch die Illusion von Bewegung entsteht.
14. Warum legte Vasarely mehr Wert auf „Multiples“ als auf einzigartige Leinwandgemälde?
Vasarely setzte sich für Siebdrucke und industriell hergestellte Editionen ein, um hochwertige optische Werke zu erschwinglichen Preisen zu verkaufen und seine Philosophie „Kunst für alle“ weltweit zu verbreiten.
15. Wie sollten Sammler die originalen Siebdrucke von Victor Vasarely pflegen und bewahren?
- UV-Schutz: Rahmung hinter UV-filterndem Acrylglas oder Glas; direkte Sonneneinstrahlung vermeiden.
- Feuchtigkeitskontrolle: Halten Sie eine Luftfeuchtigkeit von 40–60 % ein, um Papierverformungen zu vermeiden.
- Säurefreie Passepartouts: Verwenden Sie nur museumstaugliche, säurefreie Passepartouts und Rückwände.
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