Entwicklung der optischen Abstraktion oder wie Victor Vasarely seinen eigenen Stil fand

Es wird manchmal angenommen, dass wir, wenn wir von "Künsten und Wissenschaften" sprechen, von deutlich unterschiedlichen Dingen sprechen. Wissenschaft dreht sich schließlich um das Studium von Dingen, während Kunst um das Schaffen von Dingen geht. Aber schaffen nicht auch Wissenschaftler und studieren nicht auch Künstler? Und ist nicht die Vorstellungskraft für beide integrativ? Victor Vasarely war sowohl Wissenschaftler als auch Künstler. Der Vater einer modernistischen abstrakten Kunstbewegung, die als Op-Art bekannt ist, bewegte er sich mühelos in beiden Welten. Ursprünglich in der Medizin ausgebildet, ging Vasarely die Kunst aus einer systematischen Perspektive an. Er analysierte die formalen Qualitäten dessen, was ein ästhetisches Objekt ausmachte. Er studierte die Natur auf der Suche nach den Bausteinen des visuellen Universums. Und er analysierte, wie Betrachter das visuelle Universum wahrnahmen, um herauszufinden, wie Kunst helfen könnte, grundlegende Wahrheiten zu offenbaren. Von den 1920er Jahren, als er seine frühesten ästhetischen Experimente durchführte, bis in die 1960er Jahre, als er seine endgültige Schöpfung, das "Alphabet Plastique", enthüllte, bis zu seinem Lebensende im Alter von 90 Jahren, ging Vasarely seine Kunst aus einem Blickwinkel an, der gleichzeitig Kreativität und Analysen umfasste. Auf diesem Weg veränderte er, wie Menschen den zweidimensionalen Raum wahrnehmen, und schuf ein Werk, das selbst Jahrzehnte nach seinem Tod weiterhin Künstler, Kunstliebhaber, Designer und Wissenschaftler inspiriert.

Victor Vasarely der Wissenschaftler

Im Jahr 1906, als Victor Vasarely geboren wurde, wurden Künstler und Wissenschaftler gleichermaßen respektiert. In Budapest, wo Vasarely zur Universität ging, wäre es nicht ungewöhnlich gewesen, dass Mitglieder beider Bereiche miteinander interagierten, insbesondere in den geschäftigen Cafés entlang der Donau, die Zentren der europäischen Intellektuellenszene waren. Als Vasarely zum ersten Mal die Universität betrat, war es, um Medizin an der Universität Budapest zu studieren. Doch zwei Jahre nach Beginn des Programms änderte er abrupt die Richtung und beschloss, sich der Kunst zu widmen.

Aber obwohl sich sein Thema änderte, blieb sein Ansatz zum Lernen derselbe. 1927, im Alter von 21 Jahren, schrieb sich Vasarely an einer privaten Kunstschule ein, wo er eine formale Ausbildung als Maler erhielt. Er war ein hervorragender Kunststudent, und während er seine ästhetischen Fähigkeiten verfeinerte, las er auch weiterhin Bücher von den führenden Wissenschaftlern seiner Zeit. Einer seiner Lieblingsautoren in dieser Lebensphase war Niels Bohr, der 1922 den Nobelpreis für seine Studien zur atomaren Struktur erhielt. In der Quantenphysik stellt das Bohr-Modell die Struktur eines Atoms dar, die der Struktur des Sonnensystems ähnelt. Visuell ähnelt es einem Kreis, der von größeren Kreisen umgeben ist, ein Muster, das Vasarely in seiner Kunst immer wieder erkunden würde.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Siebdruck. 38 1/2 × 28 1/2 Zoll; 97,8 × 72,4 cm. Auflage von 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Seinen Fall aufbauen

Durch sein duales Studium der Kunst und Wissenschaft begann Vasarely eine Theorie zu formulieren, dass die beiden Denkweisen sich in einer Weise überschneiden, die, wenn sie zusammen wahrgenommen werden, wie er sagte, „eine imaginäre Konstruktion bilden, die mit unserem Empfinden und zeitgenössischen Wissen übereinstimmt.“ 1929 immatrikulierte er sich an der Muhely Akademie in Budapest, die zu dieser Zeit Ungarns Pendant zum Bauhaus war. Sein Studium dort konzentrierte sich auf das Konzept einer totalen Kunst, die auf Geometrie basierte. Er experimentierte mit geometrischer Abstraktion und begann zu verstehen, wie optische Illusionen durch die Anordnung von geometrischen Formen und Farben auf einer zweidimensionalen Fläche geschaffen werden konnten. Ein Vergleich eines seiner Gemälde von der Muhely Akademie mit dem Titel Etudes Bauhaus C und einem Gemälde, das er 1975 mit dem Titel Vonal-Stri schuf, zeigt Vasarelys lebenslangen und zielstrebigen Fokus auf die Möglichkeiten der Geometrie, die Schnittstelle von Wissenschaft und Kunst auszudrücken.

Nach dem Verlassen der Muhely Akademie zog Vasarely nach Paris, heiratete und bekam zwei Kinder. Er unterstützte seine Familie als Grafikdesigner und verfolgte seine Kunst nachts. Während sein Tagesjob einen sauberen, präzisen Stil erforderte, war seine künstlerische Praxis offen für seine Vorstellungskraft. Er entwickelte einen persönlichen Stil, der in beiden verwurzelt war. Dies manifestierte sich in seinen Gemälden „Zebra“ und „Harlekin“, Serien, zu denen er im Laufe seines Lebens immer wieder zurückkehrte, und in Gemälden wie „Das Schachbrett.“

Victor Vasarely - Schachbrett, 1975. Siebdruck. 31 1/2 × 30 Zoll; 80 × 76,2 cm. Auflage von 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Der falsche Weg

Nach 14 Jahren, in denen er in Paris in zwei Berufen arbeitete, erhielt Vasarely schließlich seine erste große Ausstellung. Sie wurde so gut aufgenommen, dass er überzeugt war, sich voll und ganz der Kunst widmen zu können. Etwa zu dieser Zeit wandte er sich von dem visuellen Stil ab, den er zuvor geschaffen hatte. Während eines Urlaubs auf einer Insel in der Bretagne fiel ihm auf, wie die Wellen die Landschaft beeinflussten, insbesondere wie sie die Küstenlinie veränderten und die Steine formten. Diese Beobachtung führte ihn auf einen Weg zu einer Art biomorpher geometrischer Abstraktion, während er versuchte, eine visuelle Manifestation der natürlichen Geometrie der organischen Welt zu verbinden.

Obwohl Vasarely später diese Zeit in seinem Leben als "den falschen Weg" bezeichnete, führte sie zu einer wichtigen Entwicklung in seiner Arbeit. Sie fügte seinen Gemälden rundere Elemente hinzu. Als er zu seinem vorherigen geometrischen Stil zurückkehrte, geschah dies mit der Einbeziehung dynamischer runder Formen, die schienen, als würden sie nach außen aus dem Gemälde herauswölben oder nach innen von der Oberfläche zusammenfallen. Die Art und Weise, wie diese Formen das Auge täuschten, ließ es so erscheinen, als würde sich das Bild bewegen. Diese kinetische Illusion, kombiniert mit der Dreidimensionalität der Bilder auf Vasarelys Leinwänden, wurde zur Grundlage für die ikonische Ästhetik, die wir heute Op-Art nennen.

Victor Vasarely - Untitled #8 (rosa und türkisfarbene Kugel). Siebdruck. 13 × 10 Zoll; 33 × 25,4 cm. Auflage von 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Das Gelbe Manifest

Im Jahr 1955 stellte Vasarely einige seiner Arbeiten in einer Ausstellung kinetischer Kunst mit dem Titel „Le Movement“ in Paris aus. Um seine Arbeiten zu begleiten, veröffentlichte er einen Aufsatz mit dem Titel Notes for a Manifesto. Auf gelbem Papier gedruckt, ist der Aufsatz seitdem als The Yellow Manifesto bekannt geworden. Darin erklärte Vasarely: „Wir stehen am Anfang eines großen Zeitalters.“ Er bestand darauf, dass Bezeichnungen wie Malerei und Skulptur veraltet seien, da Künstler wie Arp, Kandinsky, Mondrian und Calder die künstlichen Trennungen zwischen den plastischen Künsten zerstört hatten. Er erklärte, dass da alle ästhetischen Phänomene Manifestationen desselben Impulses sind, es an der Zeit sei, alle künstlerischen Errungenschaften als Teil von „einer einzigen plastischen Sensibilität in verschiedenen Räumen“ zu betrachten.

Vasarelys Beitrag zu diesem "großen Zeitalter" wird deutlich, wenn man sich die Gemälde ansieht, die er in dieser Zeit seines Lebens geschaffen hat. Sein Werk hat die Erfahrung des Betrachters mit einem zweidimensionalen Kunstwerk völlig neu definiert. Er schuf die Wahrnehmung, dass Raum existierte, wo kein Raum existierte. Die Erfahrung des Betrachters wurde so transformiert, dass sie vollständig im Geist des Betrachters existierte. Die Formen, die auf einer von Vasarelys Leinwänden wohnen, sind formal und wissenschaftlich, und doch nehmen sie, wenn sie vom Auge interpretiert werden, Eigenschaften an, die scheinbar den wissenschaftlichen Fakten der räumlichen Realität widersprechen.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Siebdruck auf Arches-Papier. 30 7/8 × 37 7/8 Zoll; 78,4 × 96,2 cm. Auflage von 250. © Victor Vasarely

Das Plastik-Alphabet

In der Blütezeit seiner Popularität in den 1960er Jahren schuf Vasarely das, was den Höhepunkt seines Lebenswerks darstellen würde. Er beschrieb, was er das Plastische Alphabet nannte, eine symbolische visuelle Sprache, die auf geometrischen Formen und Farben basierte. Es gab 15 Formen im Alphabet, die alle auf Variationen des Kreises, des Dreiecks und des Quadrats basierten, und jede der Formen existierte in einer Palette von 20 verschiedenen Farbtönen. Jede Form wurde innerhalb eines quadratischen Rahmens dargestellt, und die Form sowie ihr umgebender Rahmen wurden in unterschiedlichen Farbtönen präsentiert. Das Plastische Alphabet konnte in eine scheinbar unendliche Vielzahl von Kombinationen angeordnet und verwendet werden, um eine offensichtlich endlose Reihe von Bildern zu schaffen.

Das Konzept, das Vasarely mit seinem Plastischen Alphabet ausdrücklich implizierte, war, dass durch dessen Umsetzung der kreative Akt durch einen rein wissenschaftlichen Prozess durchgeführt werden konnte. Einerseits war es entmenschlichend, da es eine Form der Programmierung darstellte, wie eine proto-künstliche Intelligenz, die den Prozess der Kunstproduktion übernehmen konnte. Andererseits war es menschlich, da es den kreativen Prozess demokratisierte und entmystifizierte, sodass jeder an einer kreativen ästhetischen Aktivität teilnehmen konnte.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Siebdruck. 22 × 23 1/2 Zoll; 55,9 × 59,7 cm. Auflage von 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Kunst für alle

Es ist passend, dass der Beitrag, für den Vasarely am meisten in Erinnerung bleibt, eine Form der Störung ist. Nicht nur verzerrte sein visuelles Werk die Oberfläche der zweidimensionalen Kunst, sondern auch seine Ideen und sein Plastisches Alphabet verzerrten die Oberfläche der Kultur. Vasarelys Freunde, Kollegen und Anhänger erinnern sich begeistert daran, dass eines seiner Mottos „Kunst für alle“ war. Er war begeistert zu sehen, dass seine Kunst auf Kleidung, Postkarten, Handelsprodukten und Werbung abgebildet wurde. Er sah voraus, dass die einzige Möglichkeit, wie Kunst in der Zukunft relevant bleiben könnte, darin bestand, dass jeder Mensch an ihrem Genuss teilnehmen konnte.

Nicht nur können wir Echos von Vasarelys Kunst in den Produkten zeitgenössischer Kunst und Design sehen, wir sehen auch Echos seiner Philosophie in der digitalen Gemeinschaft und der globalen Kultur, zu der sie beigetragen hat. Indem er einen Stil der bildenden Kunst schuf, der universelle Anziehungskraft über künstliche soziale Divisionen hinweg haben könnte, schuf Vasarely etwas Einzigartiges: ein aufrichtiges und freudiges ästhetisches Erlebnis, das, obwohl abstrakt, von jedem genossen werden kann, der sehen kann. Und vielleicht noch wertvoller ist, dass er eine Vision einer Zukunft teilte, in der Kunst und Wissenschaft zusammenarbeiten, um eine interessantere und gerechtere Welt zu schaffen.

Vorgestelltes Bild: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio