Entwicklung der optischen Abstraktion oder wie Victor Vasarely seinen eigenen Stil fand

Es wird manchmal angenommen, dass wir, wenn wir von „Kunst und Wissenschaften“ sprechen, von grundsätzlich verschiedenen Dingen sprechen. Wissenschaft beschäftigt sich schließlich mit dem Studium von Dingen, während Kunst das Schaffen von Dingen ist. Aber schaffen Wissenschaftler nicht auch, und studieren Künstler nicht auch? Und ist nicht die Vorstellungskraft für beide unentbehrlich? Victor Vasarely war sowohl Wissenschaftler als auch Künstler. Der Vater einer modernistischen abstrakten Kunstrichtung, bekannt als Op-Art, bewegte er sich mühelos in beiden Welten. Ursprünglich in der Medizin ausgebildet, näherte sich Vasarely der Kunst aus einer systematischen Perspektive. Er analysierte die formalen Eigenschaften dessen, was ein ästhetisches Objekt ausmacht. Er studierte die Natur auf der Suche nach den Bausteinen des visuellen Universums. Und er analysierte, wie Betrachter das visuelle Universum wahrnehmen, um herauszufinden, wie Kunst helfen kann, grundlegende Wahrheiten zu offenbaren. Von den 1920er Jahren, als er seine ersten ästhetischen Experimente durchführte, bis in die 1960er Jahre, als er seine endgültige Schöpfung, das „Alphabet Plastique“, vorstellte, und bis zum Ende seines Lebens mit 90 Jahren, betrachtete Vasarely seine Kunst aus einem Blickwinkel, der Kreativität und Analyse zugleich umfasste. Dabei veränderte er, wie Menschen den zweidimensionalen Raum sehen, und schuf ein Werk, das auch Jahrzehnte nach seinem Tod weiterhin Künstler, Kunstliebhaber, Gestalter und Wissenschaftler gleichermaßen inspiriert.

Victor Vasarely der Wissenschaftler

Im Jahr 1906, als Victor Vasarely geboren wurde, genossen Künstler und Wissenschaftler gleichermaßen Respekt. In Budapest, wo Vasarely studierte, war es nicht ungewöhnlich, dass Angehörige beider Bereiche miteinander in Kontakt kamen, besonders in den lebhaften Cafés entlang der Donau, die Zentren der europäischen Geisteswelt waren. Als Vasarely die Universität betrat, begann er ein Medizinstudium an der Medizinischen Fakultät der Universität Budapest. Doch nach zwei Jahren änderte er abrupt seine Richtung und entschied sich, sich der Kunst zu widmen.

Obwohl sich sein Fachgebiet änderte, blieb seine Herangehensweise an das Lernen dieselbe. 1927, im Alter von 21 Jahren, schrieb sich Vasarely an einer privaten Kunstschule ein, wo er eine formale Ausbildung als Maler erhielt. Er zeichnete sich als Kunststudent aus und während er seine ästhetischen Fähigkeiten verfeinerte, las er weiterhin Bücher der führenden Wissenschaftler seiner Zeit. Einer seiner Lieblingsautoren in dieser Lebensphase war Niels Bohr, der 1922 den Nobelpreis für seine Untersuchung der Atomstruktur erhielt. In der Quantenphysik zeigt das Bohrsche Modell den Aufbau eines Atoms ähnlich dem des Sonnensystems. Visuell ähnelt es einem Kreis, der von größeren Kreisen umgeben ist – ein Muster, das Vasarely in seiner Kunst immer wieder erforschte.

Victor Vasarely - Harlekin Sportif, ca. 1988. Siebdruck. 97,8 × 72,4 cm. Auflage von 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Seine Argumentation aufbauen

Durch sein doppeltes Studium von Kunst und Wissenschaft begann Vasarely eine Theorie zu entwickeln, dass sich die beiden Denkweisen so überschneiden, dass sie zusammen, wie er sagte, „eine imaginäre Konstruktion bilden, die mit unserer Empfindung und dem zeitgenössischen Wissen übereinstimmt.“ 1929 schrieb er sich an der Muhely-Akademie in Budapest ein, die damals das ungarische Pendant zum Bauhaus war. Sein Studium dort konzentrierte sich auf das Konzept einer Gesamtkunst auf geometrischer Grundlage. Er experimentierte mit geometrischer Abstraktion und begann zu verstehen, wie optische Täuschungen durch die Anordnung geometrischer Formen und Farben auf einer zweidimensionalen Fläche erzeugt werden können. Ein Vergleich eines seiner Gemälde aus der Muhely-Akademie mit dem Titel Etudes Bauhaus C mit einem Gemälde von 1975 mit dem Titel Vonal-Stri zeigt Vasarelys lebenslange und zielstrebige Konzentration auf die Möglichkeiten der Geometrie, die Schnittstelle von Wissenschaft und Kunst auszudrücken.

Nach dem Verlassen der Muhely-Akademie zog Vasarely nach Paris, heiratete und bekam zwei Kinder. Er verdiente seinen Lebensunterhalt als Grafikgestalter und widmete sich nachts seiner Kunst. Während sein Tagesjob einen klaren, präzisen Stil erforderte, war seine künstlerische Praxis seiner Vorstellungskraft geöffnet. Er entwickelte einen persönlichen Stil, der in beidem verwurzelt war. Dieser zeigte sich in seinen „Zebra“- und „Harlekin“-Gemälden, Serien, zu denen er im Laufe seines Lebens immer wieder zurückkehrte, und in Gemälden wie „Das Schachbrett“.

Victor Vasarely - Schachbrett, 1975. Siebdruck. 80 × 76,2 cm. Auflage von 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Der falsche Weg

Nach 14 Jahren mit zwei Karrieren in Paris erhielt Vasarely schließlich seine erste große Ausstellung. Sie wurde so gut aufgenommen, dass er überzeugt war, sich ganz der Kunst widmen zu können. Etwa zu dieser Zeit entfernte er sich von dem visuellen Stil, den er bisher geschaffen hatte. Während eines Urlaubs auf einer Insel in der Bretagne fiel ihm auf, wie Wellen die Landschaft beeinflussten, besonders wie sie die Küstenlinie veränderten und die Steine formten. Diese Beobachtung führte ihn auf einen Weg zu einer Art biomorpher geometrischer Abstraktion, als er versuchte, eine visuelle Manifestation der natürlichen Geometrie der organischen Welt zu finden.

Obwohl Vasarely diese Zeit später als „den falschen Weg“ bezeichnete, führte sie zu einer wichtigen Entwicklung in seinem Werk. Sie fügte seinen Gemälden rundere Elemente hinzu. Als er zu seinem früheren geometrischen Stil zurückkehrte, tat er dies mit der Einbeziehung dynamischer, runder Formen, die scheinbar aus dem Bild hervorquollen oder von der Oberfläche nach innen zusammenfielen. Die Art, wie diese Formen das Auge täuschten, ließ das Bild zu bewegen scheinen. Diese kinetische Täuschung, kombiniert mit der Dreidimensionalität der Bilder auf Vasarelys Leinwänden, wurde die Grundlage für die ikonische Ästhetik, die wir heute Op-Art nennen.

Victor Vasarely - Ohne Titel #8 (rosa und türkisfarbene Kugel). Siebdruck. 33 × 25,4 cm. Auflage von 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Das gelbe Manifest

1955 stellte Vasarely einige seiner Werke in einer Ausstellung kinetischer Kunst namens „Le Mouvement“ in Paris aus. Zu seinen Arbeiten veröffentlichte er einen Aufsatz mit dem Titel Notizen zu einem Manifest. Gedruckt auf gelbem Papier, ist der Aufsatz seitdem als Das gelbe Manifest bekannt. Darin erklärte Vasarely: „Wir stehen am Beginn eines großen Zeitalters.“ Er bestand darauf, dass Bezeichnungen wie Malerei und Bildhauerei veraltet seien, da Künstler wie Arp, Kandinsky, Mondrian und Calder die künstlichen Trennungen zwischen den plastischen Künsten aufgehoben hätten. Er erklärte, dass, da alle ästhetischen Phänomene Manifestationen desselben Impulses seien, es an der Zeit sei, alle künstlerischen Leistungen als Teil „einer einzigen plastischen Empfindung in verschiedenen Räumen“ zu betrachten.

Vasarelys Beitrag zu diesem „großen Zeitalter“ wird deutlich, wenn man die Gemälde betrachtet, die er in dieser Lebensphase schuf. Seine Arbeit definierte das Erlebnis des Betrachters eines zweidimensionalen Kunstwerks völlig neu. Er erzeugte die Wahrnehmung, dass Raum existiert, wo kein Raum ist. Das Erlebnis des Betrachters wurde vollständig in den Geist des Betrachters verlegt. Die Formen auf einer von Vasarelys Leinwänden sind formal und wissenschaftlich, doch wenn sie vom Auge interpretiert werden, nehmen sie Eigenschaften an, die den wissenschaftlichen Fakten der räumlichen Wirklichkeit zu widersprechen scheinen.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Siebdruck auf Arches-Papier. 78,4 × 96,2 cm. Auflage von 250. © Victor Vasarely

Das plastische Alphabet

Auf dem Höhepunkt seiner Popularität in den 1960er Jahren schuf Vasarely das, was den Höhepunkt seines Lebenswerks darstellt. Er beschrieb das, was er das plastische Alphabet nannte, eine symbolische Bildsprache, die auf geometrischen Formen und Farben basiert. Das Alphabet bestand aus 15 Formen, alle basierend auf Variationen von Kreis, Dreieck und Quadrat, und jede Form existierte in 20 verschiedenen Farbtönen. Jede Form wurde innerhalb eines quadratischen Rahmens dargestellt, und die Form sowie ihr umgebender Rahmen wurden in unterschiedlichen Farbtönen präsentiert. Das plastische Alphabet konnte zu einer scheinbar unendlichen Vielzahl von Kombinationen angeordnet und genutzt werden, um eine offensichtlich endlose Reihe von Bildern zu schaffen.

Das Konzept, das Vasarely mit seinem plastischen Alphabet ausdrücklich andeutete, war, dass durch dessen Anwendung der schöpferische Akt durch einen rein wissenschaftlichen Prozess durchgeführt werden könne. Einerseits war es entmenschlichend, da es eine Form der Programmierung darstellte, wie eine Vorstufe künstlicher Intelligenz, die den Prozess der Kunstschaffung übernehmen könnte. Andererseits war es humanisierend, da es den schöpferischen Prozess demokratisierte und entmystifizierte und es jedem ermöglichte, sich an einer schöpferischen ästhetischen Tätigkeit zu beteiligen.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Siebdruck. 55,9 × 59,7 cm. Auflage von 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Kunst für alle

Es ist passend, dass der Beitrag, für den Vasarely am meisten in Erinnerung bleibt, eine Form der Störung ist. Nicht nur verzerrte seine visuelle Arbeit die Oberfläche der zweidimensionalen Kunst, sondern auch seine Ideen und sein plastisches Alphabet verzerrten die Oberfläche der Kultur. Vasarelys Freunde, Kollegen und Anhänger erinnern sich begeistert daran, dass eines seiner Mottos „Kunst für alle“ war. Er war begeistert, seine Kunst auf Kleidung, Postkarten, Handelswaren und Werbungen zu sehen. Er sah voraus, dass die einzige Möglichkeit, wie Kunst in Zukunft relevant bleiben könnte, darin bestand, dass jeder Mensch an ihrer Freude teilhaben kann.

Wir können nicht nur Echos von Vasarelys Kunst in den Produkten zeitgenössischer Kunst und Gestaltung sehen, sondern auch Echos seiner Philosophie in der digitalen Gemeinschaft und der globalen Kultur, zu der sie beigetragen hat. Indem er einen Stil der bildenden Kunst schuf, der universelle Anziehungskraft über künstliche soziale Grenzen hinweg haben konnte, schuf Vasarely etwas Einzigartiges: ein aufrichtiges und freudvolles ästhetisches Erlebnis, das, obwohl abstrakt, von jedem, der sehen kann, leicht genossen werden kann. Und vielleicht noch wertvoller teilte er eine Vision einer Zukunft, in der Kunst und Wissenschaft zusammenarbeiten, um eine interessantere und gerechtere Welt zu schaffen.

Titelbild: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio