Die Geschichte hinter Wassily Kandinskys Komposition VII

„Komposition VII“ (1913) von Wassily Kandinsky gilt bei vielen Liebhabern der abstrakten Kunst als das wichtigste Gemälde des 20. Jahrhunderts – vielleicht sogar als das bedeutendste abstrakte Gemälde aller Zeiten. Doch häufig reagieren Menschen beim ersten Anblick negativ, zeigen Ärger, Frustration oder sogar Abscheu. Unbestreitbar ist es ein schwieriges Gemälde, besonders für diejenigen, die neu in der abstrakten Kunst sind. Erstens ist es riesig, misst 200 x 300 Zentimeter. Zweitens ist die Oberfläche vollständig mit unzähligen überlappenden amorphen Formen, scheinbar zufälligen Linien und einem Farbenmeer bedeckt, teils lebhaft, teils verschwommen. Nichts verweist auf die bekannte natürliche Welt. Nur die Illusion von Tiefe ist wahrnehmbar, doch der Raum, in den sie zurückweicht, hat keine Ähnlichkeit mit der Realität. Das Gemälde könnte leicht wie Unsinn erscheinen für jeden, der nicht bereit ist, sich auf die Entschlüsselung seiner Geheimnisse einzulassen. Aber für diejenigen, die es mit offenem Geist studieren, kann „Komposition VII“ genug intellektuelle, visuelle und sogar spirituelle Erträge bringen, um ein Leben lang zu wirken. Und ich übertreibe nicht. Dieses Gemälde ist für manche Menschen wirklich so wichtig – nicht nur wegen seiner visuellen, physischen oder formalen Qualitäten, sondern weil „Komposition VII“ für Kandinsky und seine Bewunderer als konkrete Verkörperung spiritueller Reinheit in der Kunst verstanden wird.

Treppe zu Sieben

Zwischen den Jahren 1910 und 1939 malte Kandinsky 10 Leinwände, denen er den Titel „Komposition“ gab. Heute existieren nur noch sieben dieser Gemälde, da die ersten drei im Ersten Weltkrieg zerstört wurden. Doch Fotografien der ersten drei Kompositionen sind erhalten. Obwohl sie keine Farbinformationen enthalten, können wir ihnen einige Hinweise auf die Essenz der visuellen Reise entnehmen, auf der Kandinsky sich befand, als er jedes einzelne schuf. Diese Reise begann damit, traditionelle Landschaften und Figuren in vereinfachte, biomorphe Massen zu verwandeln und diese dann in Formen zu lenken, die immer abstrakter wurden. In „Komposition III“ sind zum Beispiel die Formen von Menschen und Tieren noch erkennbar, die sich vielleicht bewegen, spielen oder kämpfen, oder beides, in einer Art pastoraler Umgebung. Doch in „Komposition IV“ (1911) sind die Formen fast nicht mehr erkennbar. Kandinsky erzählt uns, dass in diesem Bild Figuren im unteren rechten Bereich liegen und zwei Türme auf einem Hügel im oberen rechten Bereich stehen – eine Szene, die er als gleichzeitigen Krieg und Frieden beschreibt. Ohne seine Erklärung wäre es für mich schwer, zu diesem Schluss zu kommen.

Wassily Kandinski - Komposition VI, 1913. Öl auf Leinwand. 195 x 300 cm. Staatliches Eremitage-Museum

„Komposition V“ (1911) ist noch abstrakter, und doch wirkt die darin ausgedrückte Emotion intensiver als in den früheren Kompositionen. In diesem Gemälde beziehen sich die Formen noch etwas auf die natürliche Welt, da leicht humanoide Figuren und quasi-natürliche Merkmale, wenn auch reduziert, im Bild verteilt sind. Fast völlig abstrakt ist jedoch „Komposition VI“, die Kandinsky zwei Jahre nach „Komposition V“ malte. Ihr auffälligstes Merkmal sind die Linien, wie die sechs parallelen Linien in der Bildmitte, die an den Hals einer Gitarre erinnern. Was dieses Gemälde darstellt, so Kandinsky, ist „die Sintflut“, also die biblische Geschichte von Noah. Er versuchte, die emotionalen, psychologischen und spirituellen Essenzen der Geschichte – Zerstörung und Schöpfung; Angst und Hoffnung – in einer visuellen Erforschung von Gleichgewicht und Harmonie zu destillieren. Über „Komposition VI“ schrieb er: „Das ursprüngliche Motiv des Gemäldes (die Sintflut) wurde aufgelöst und in die innere, rein bildliche, unabhängige und objektive Existenz übertragen.“ Dennoch enthält das Gemälde noch deutlich einige figürliche Elemente, die seine visuelle Sprache mit der Außenwelt verbinden.

Ein Ausdruck inneren Gefühls

„Komposition VII“ gilt als so wichtig, weil es das erste Mal ist, dass Kandinsky das Ideal erreichte, nach dem seine Kompositionsserie benannt wurde. In den letzten Absätzen des letzten Kapitels seines bahnbrechenden Buches Über das Geistige in der Kunst, das Kandinsky 1910 veröffentlichte, beschreibt er drei verschiedene Arten künstlerischer Inspiration. Die erste, die er „Impression“ nennt, beschreibt er als direkten, künstlerischen Eindruck der äußeren Natur. Die zweite, die er „Improvisation“ nennt, beschreibt er als „unbewussten, spontanen Ausdruck“, ähnlich der späteren surrealistischen Praxis des automatischen Zeichnens. Die dritte, die er „Komposition“ nennt, beschreibt er als „Ausdruck eines langsam gereiften inneren Gefühls, das erst nach langer Reifung zur Äußerung kommt.“ Bei „Komposition VII“ ist der Begriff „lange Reifung“ entscheidend. Als er „Komposition VII“ malte, lebte Kandinsky in München. Basierend auf den historischen Aufzeichnungen, die er damals führte, wissen wir, dass er „Komposition VII“ monatelang plante und mehr als 30 Vorstudien in verschiedenen Techniken anfertigte. Jede Vorstudie baut auf ein Bild hin, das völlig frei von „Impression“ und „Improvisation“ ist.

Wassily Kandinski - Komposition VII, 1913. Öl auf Leinwand. 79 x 119 Zoll (200,6 x 302,2 cm). Tretjakow-Galerie

Kurz nach der Fertigstellung dieses Meilensteins wurde Kandinsky durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs gezwungen, nach Russland zurückzukehren. Vom Krieg deprimiert, malte er jahrelang kaum. Erst nach 10 Jahren setzte er seine Kompositionsserie fort. „Komposition VIII“ (1923) übersetzt die abstrakte Bildsprache seines Vorgängers in eine rein geometrische visuelle Sprache. „Komposition IX“, die erst 1936 fertiggestellt wurde, ist nicht rein abstrakt, sondern führt die Idee der „Impression“ wieder ein, indem florale Formen und andere natürliche Motive hinzugefügt werden. „Komposition X“ (1939), die fünf Jahre vor Kandinskys Tod fertiggestellt wurde, ist hochsymbolisch und sieht auch heute noch schockierend modern aus. Obwohl jede dieser späteren Kompositionen und jede der sechs vorherigen als visionär gelten könnte, hebt sich „Komposition VII“ dadurch ab, dass es durch die Erreichung einer durchdachten, methodischen, reifen und totalen Abstraktion das ultimative Ideal erfüllt, das Kandinsky nicht nur mit dieser Serie, sondern mit all seinen Werken des 20. Jahrhunderts zu erreichen suchte. Es ist das erste Mal, dass Kandinsky mit Malerei das erreichte, was er glaubte, dass Musiker mit Musik erreichen: eine reine Übersetzung von Gefühlen in formale abstrakte Elemente, die in der Lage sind, den menschlichen Geist auszudrücken.

Titelbild: Wassily Kandinski - Komposition V, 1911. Öl auf Leinwand. 74,8 x 108,2 Zoll (190 x 275 cm). Privatsammlung.
Alle Bilder via Wikimedia Commons.
Von Phillip Barcio