Die Geschichte hinter Wassily Kandinskys Komposition VII

„Komposition VII“ (1913) von Wassily Kandinsky wird von vielen Liebhabern der abstrakten Kunst als das wichtigste Gemälde des 20. Jahrhunderts angesehen – vielleicht sogar als das wichtigste abstrakte Gemälde, das je geschaffen wurde. Doch häufig reagieren Menschen, die es zum ersten Mal betrachten, negativ und drücken Wut, Frustration oder sogar Ekel aus. Unbestreitbar ist es ein schwieriges Gemälde, besonders für diejenigen, die neu in der abstrakten Kunst sind. Zunächst einmal ist es massiv und misst 200 x 300 Zentimeter. Zweitens ist die Oberfläche vollständig mit unzähligen überlappenden amorphen Formen, scheinbar zufälligen Linien und einem Minenfeld von Farben bedeckt, einige lebhaft und einige verschwommen. Nichts verweist auf die bekannte natürliche Welt. Nur die Illusion von Tiefe ist wahrnehmbar, aber der Raum, in den es zurückweicht, hat keinerlei Ähnlichkeit mit der Realität. Das Gemälde könnte leicht wie Unsinn erscheinen für jeden, der nicht bereit ist, an der Entschlüsselung seiner Geheimnisse zu arbeiten. Aber für diejenigen, die bereit sind, es mit einem offenen Geist zu studieren, kann „Komposition VII“ genug intellektuelle, visuelle und sogar spirituelle Dividenden auszahlen, um ein Leben lang zu halten. Und ich übertreibe nicht. Dieses Gemälde ist für manche Menschen wirklich so wichtig – nicht nur wegen seiner visuellen, physischen oder formalen Qualitäten, sondern weil „Komposition VII“ für Kandinsky und diejenigen, die ihn schätzen, als konkrete Verkörperung spiritueller Reinheit in der Kunst verstanden wurde.

Treppe zu Sieben

Zwischen den Jahren 1910 und 1939 malte Kandinsky 10 Leinwände, denen er den Titel „Komposition“ zuwies. Heute sind nur sieben dieser Gemälde erhalten, die ersten drei wurden während des Ersten Weltkriegs zerstört. Aber es existieren Fotografien der ersten drei Kompositionen. Obwohl ihnen die Farbinformationen fehlen, können wir daraus einige Hinweise auf das Wesen der visuellen Reise, auf der sich Kandinsky befand, als er jede einzelne schuf, ableiten. Diese Reise bestand zunächst darin, traditionelle Landschaften und Figuren in vereinfachte, biomorphe Massen zu verwandeln und dann diese Massen in Formen und Gestalten zu lenken, die immer abstrakter wurden. In „Komposition III“ sind beispielsweise die Formen von Menschen und Tieren noch erkennbar, die umherlaufen, vielleicht spielen oder vielleicht kämpfen, oder beides, in einer Art ländlicher Umgebung. Aber dann in „Komposition IV“ (1911) sind die Formen fast nicht mehr erkennbar. Kandinsky sagt uns, dass in diesem Bild Figuren im unteren rechten Bereich liegen und zwei Türme auf einem Hügel im oberen rechten Bereich stehen, eine Szene, die er als gleichzeitigen Krieg und Frieden beschreibt. Aber es wäre für mich schwierig, zu diesem Schluss zu kommen, ohne seine Erklärung.

Wassily Kandinski - Komposition VI, 1913. Öl auf Leinwand. 195 x 300 cm. Staatliches Ermitage-Museum

„Komposition V“ (1911) ist noch abstrakter, und doch fühlt sich die Emotion, die sie ausdrückt, intensiver an als in den früheren Kompositionen. In diesem Gemälde stehen die Formen noch in gewissem Maße in Beziehung zur natürlichen Welt, da leicht humanoide Figuren und quasi-natürliche Merkmale, so reduziert sie auch sind, im gesamten Bild verstreut sind. Fast völlig abstrakt hingegen ist „Komposition VI“, die Kandinsky zwei Jahre nach „Komposition V“ malte. Ihr auffälligstes Merkmal sind die Linien, wie die sechs parallelen Linien in der Mitte des Bildes, die dem Hals einer Gitarre ähneln. Was dieses Gemälde darstellt, ist laut Kandinsky „die Flut“, was die biblische Geschichte von Noah bedeutet. Er versuchte, die emotionalen, psychologischen und spirituellen Essenzen der Geschichte – Zerstörung und Schöpfung; Angst und Hoffnung – in eine visuelle Erkundung von Balance und Harmonie zu destillieren. Über „Komposition VI“ schrieb er: „Das ursprüngliche Motiv des Gemäldes (die Flut) wurde aufgelöst und in eine innere, rein bildliche, unabhängige und objektive Existenz übertragen.“ Dennoch enthält das Gemälde immer noch deutlich einige figürliche Elemente, die seine visuelle Sprache mit der Außenwelt verbinden.

Ein Ausdruck innerer Gefühle

„Komposition VII“ wird als so wichtig angesehen, weil es das erste Mal ist, dass Kandinsky das Gefühl hatte, das Ideal erreicht zu haben, nach dem seine Kompositionsreihe benannt wurde. In den letzten Absätzen des letzten Kapitels seines wegweisenden Buches Über das Geistige in der Kunst, das Kandinsky 1910 veröffentlichte, beschreibt er drei verschiedene Arten künstlerischer Inspiration. Die erste, die er „Eindruck“ nennt, beschreibt er als einen direkten, künstlerischen Eindruck der äußeren Natur. Die zweite, die er „Improvisation“ nennt, beschreibt er als „unbewusste, spontane Ausdrucksform“, ähnlich der späteren surrealistischen Praxis des automatischen Zeichnens. Die dritte, die er „Komposition“ nennt, beschreibt er als „einen Ausdruck eines langsam gereiften inneren Gefühls, das erst nach langer Reifung zur Äußerung kommt.“ Wenn es um „Komposition VII“ geht, ist der Ausdruck „lange Reifung“ entscheidend. Als er „Komposition VII“ malte, lebte Kandinsky in München. Basierend auf den historischen Aufzeichnungen, die er zu dieser Zeit führte, wissen wir, dass er „Komposition VII“ monatelang plante und mehr als 30 Vorstudien in verschiedenen Medien dafür anfertigte. Jede Vorstudie baut auf ein Bild hin, das völlig frei von sowohl „Eindruck“ als auch „Improvisation“ ist.

Wassily Kandinski - Komposition VII, 1913. Öl auf Leinwand. 79 x 119 Zoll (200,6 x 302,2 cm). Tretyakow-Galerie

Kurz nach dem Abschluss dieses Meilensteins wurde Kandinsky durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs gezwungen, nach Russland zurückzukehren. Depressiv über den Krieg malte er jahrelang kaum. Es dauerte 10 Jahre, bis er seine Kompositionsreihe wieder aufnahm. "Komposition VIII" (1923) übersetzt die abstrakte Bildsprache seines Vorgängers in eine rein geometrische visuelle Sprache. "Komposition IX", die erst 1936 vollendet wurde, ist nicht rein abstrakt, sondern führt die Idee des "Eindrucks" wieder ein, indem sie florale Formen und andere natürliche Bilder hinzufügt. "Komposition X" (1939), die fünf Jahre vor Kandinskys Tod vollendet wurde, ist hochsymbolisch und sieht auch heute noch schockierend modern aus. Doch obwohl jede dieser späteren Kompositionen und jede der sechs, die ihr vorausgingen, als visionär betrachtet werden könnte, hebt sich "Komposition VII" dadurch ab, dass sie durch das Erreichen von durchdachter, methodischer, reifer und totaler Abstraktion das ultimative Ideal erfüllt, das Kandinsky zu erreichen versuchte, nicht nur mit dieser Reihe, sondern mit all seinen Werken des 20. Jahrhunderts. Es ist das erste Mal, dass Kandinsky mit der Malerei das erreicht, was er glaubte, dass Musiker mit der Musik erreichen: eine reine Übersetzung von Gefühlen in formale abstrakte Elemente, die in der Lage sind, den menschlichen Geist auszudrücken.

Vorschaubild: Wassily Kandinski - Komposition V, 1911. Öl auf Leinwand. 74,8 x 108,2 Zoll (190 x 275 cm). Privatbesitz.
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Von Phillip Barcio